Zwei Daten, zwei Zahlen: ein palindromisches Paar. Kann die Kunst dieser Zeit auch von links nach rechts und von rechts nach links gelesen werden? Eine Änderung der Reihenfolge der Faktoren würde zweifellos das Produkt verändern, obwohl diese Ausstellung, abgesehen von der Zeitspanne zwischen diesen beiden Jahren, ihre historische und künstlerische Bedeutung hervorheben möchte, jedoch in unterschiedlichen Lichtverhältnissen, vorwärts und rückwärts.

Im Jahr 1957 gipfelten mehrere relevante Ereignisse in Politik und Kunst. In der Politik führten verschiedene Umstände innerhalb des diktatorischen Regimes zum Ende der Autokratie und zum Beginn des Entwicklungsalismus. In der Kunstwelt wurden die einflussreichen Kollektive Equipo 57 und El Paso geboren.

Diese Ausstellung mit Werken aus der Sammlung des Centro Andaluz de Arte Contempóraneo ist daher der Beginn einer in Kapitel oder Galerien unterteilten Geschichte. Es soll zunächst von links gelesen werden, angefangen mit dem 1957 von Equipo 57 gedrehten Film über AFAL (Almería Photographic Association) bis hin zu einer großen schwarzen Galerie mit pessimistischen Obertönen, die über die Kanäle der Kunst ausgedrückt wird Informelle oder formale geometrische Untersuchungen. Erweiterte, nachbildliche und harte Abstraktionen sowie Modelle, Strukturen und Formen haben ebenfalls ihre eigenen Kapitel. Im Gegensatz dazu finden Besucher wichtige Räume für Verhaltenskunst und soziale Körperpraktiken, die unter anderem von Bruce Nauman, Valie Export, Nacho Criado und Marta Minujín vertreten werden. Schließlich endet der Besuch mit einer Auswahl politischer Pop Art und frühen Eingriffen in die Neue Figuration.

Während 1957 ein Jahr intensiver künstlerischer Entwicklungen und verschwommener politischer Auswirkungen war, wurde 1975 der Spieß umgedreht. In diesem palindromischen Intervall stellte es einen neuen Absatz im Kapitel der jüngsten Geschichte Spaniens dar, der durch ein politisch bedeutsames Ereignis gekennzeichnet war – den Tod des Diktators -. und ein neuer Satz im Absatz der Kunst, der den Anfang vom Ende für die abstrakten und konzeptuellen Sprachen beschreibt, die die vorangegangenen Jahre geprägt und dominiert hatten, und den Aufstieg figurativer Trends, die die Aufmerksamkeit auf mehrere andalusische Künstler lenken würden, die mit Madrids neuer Figuration verbunden sind Bewegung. Kurz gesagt, die Besucher müssen bereit sein, die Ausstellungserzählung von rechts nach links, von Ende zu Anfang, in umgekehrter Reihenfolge erneut zu lesen, denn sobald sie das Ende erreicht haben, haben sie keine andere Wahl, als ihre Schritte zurückzuverfolgen. Eine wahrhaft palindromische Erfahrung.

Warum die Wahl dieser beiden Daten – 57-75 – dieser Ausgabe capicúa, um den zeitlichen Umfang der Retrospektive hervorzuheben? Gerade wegen seiner Absicht: diese intrinsische doppelte Lesart, die zum Nachdenken einlädt. Könnte die in dieser Zeit entstandene Kunst von links nach rechts genauso gelesen werden wie von rechts nach links? In gewisser Weise wäre es nicht wichtig, von Anfang bis Ende zu lesen oder umgekehrt. Was die Probe jedoch hervorzuheben versucht, ist das Gegenteil: Die Reihenfolge der Faktoren verändert in diesem Fall das Produkt. Daher die Aufteilung in zwei Blöcke.

Beginnend mit der Erzählung von links, zu Beginn, beginnen wir 1957, dem Datum, an dem eine Reihe diffuser politischer Ereignisse in Spanien stattfinden – das Ende der Autarkie, der Beginn einer bestimmten Entwicklung -, aber auf diesem Gebiet sehr relevant. Künstlerisch: diejenigen, die das erste Kapitel der Ausstellung mit der Projektion des Films eröffnen, den Team 57 – eine Gruppe kordovanischer Künstler – im Rond Point Café in Paris durch die Veröffentlichung seines Manifests durch die Interaktivität des plastischen Raums enthüllt hat – He machte im selben Jahr, um die Tour mit politischem Pop und den ersten Streifzügen der New Figuration zu beenden. All dies, ohne die erweiterte Abstraktion, den Informalismus oder die Kunst des Verhaltens und die sozialen Praktiken des Körpers zu vergessen.

Seit 75 Jahren, mit dem Tod Francos als historischem Schlüssel und Wendepunkt zu einem radikalen Wandel, besteht aus künstlerischer Sicht eine gewisse Kontinuität seit dem Niedergang der abstrakten und konzeptuellen Sprachen, die dies geprägt hatten und dies einmal Wenn die Zeit gemeistert wurde, weichen sie figurativen Trends, die kurz vor ihrem Höhepunkt stehen. Dies bedeutet, den umgekehrten Weg vom Ende zum Anfang zu gehen; eine künstlerische Reise definitiv capicúa.

Neben den zweihundert Werken – unter anderem Malerei, Skulptur, Video, Installation und Fotografie – von abstrakten und konzeptuellen Künstlern wie Nacho Criado, Marta Minujín, AFAL, Grupo Crónica, Rafael Canogar, Robert Limós, Alfredo Alcaín, Manolo Millares, Antonio Saura, Guillermo Pérez Villalta oder Bruce Nauman vervollständigen die Ausstellung mit einer interessanten Dokumentation der drei Kunstgalerien, die einen Meilenstein in der Einführung der neuesten künstlerischen Trends in Sevilla in den 60er und 70er Jahren darstellten: La Pasarela, Juana de Aizpuru und die M-11 Galerie. Sowie geheime Veröffentlichungen und Poster aus dem CCOO Historical Archive, die den politischen und sozialen Moment dieser beiden künstlerischen Jahrzehnte kontextualisieren.

Das Jahr 1957 gilt als das Ende der Autarkie und der Beginn des Entwicklungsalismus, einer Zeit, in der der sogenannte Equipo 57 und die Gruppe El Paso und andere Künstler, die „zwischen Marxismus, Reise beginnen“ und Existentialismus oszillieren werden. „“

Juan Cuenca, Mitglied von Equipo 57, erinnerte sich daran, wie er und seine Kollegen 1957 versucht hatten zu erklären, wie er und seine Kollegen den „plastischen Raum“ verstanden, einen Kinofilm mit der Technik von Cartoons zu machen, der auf einer Sammlung abstrakter Gouachen basiert Sie reisten nach Madrid und suchten nach Technikern, die den Film für sie machen konnten.

Zu den Anliegen dieser Künstler in jenen Jahren gehörte es, „Kunstschulen zu fördern und in die Welt des Grafikdesigns einzutreten“, obwohl dies wie in Städten wie Córdoba geschah und ohne aufzugeben, „sehr aktiv“ gegen die zu sein Diktatur.

José Ramón Sierra hat eines seiner Werke aus dem Jahr 1965 gezeigt, das überwiegend aus Schwarz besteht, einer Farbe, die bis heute in seinen Kreationen dominiert und für die er einen Teil eines alten Dreschens verwendete, das er in einem Loft in seinem Haus vergessen fand .

Die Ausstellung umfasst neun CAAC-Räume, die laut Álvarez Reyes „als unabhängige Mikro-Geschichten fungieren, aber Verbindungen zueinander haben“, die Equipo 57 gewidmet sind, der 1956 gegründeten andalusischen Vereinigung von Fotografen, AFAL, genannt Informalismus, Kunst konzeptionell und unter anderem zu Galerien wie Juana de Aizpuru, M-11 und La Pasarela.

Höhepunkte

EQUIPO 57 (1957 – 1962)

Filmerfahrung Nr. 1. Theorie: Interaktivität des plastischen Raumes
Interaktivitätsfilm I.

Equipo 57, das größtenteils aus Künstlern aus Córdoba besteht, debütierte im Juni 1957 auf einer Ausstellung im Pariser Le Rond Point. Zu dieser Zeit veröffentlichten sie einen Text, in dem ihre programmatischen Bestrebungen vorgestellt wurden, worauf bald das Manifest Interaktivität des Kunststoffs folgte Space, der im November desselben Jahres für die Ausstellung in Madrids Sala Negra freigegeben wurde. Die formalen Wurzeln von Equipo 57 liegen in Oteizas Raumstudien und den geometrischen Abstraktionen der 1950er Jahre, insbesondere in der konkreten Kunst des Schweizer Künstlers Max Bill. Als Avantgarde-Gruppe konzentrierte sich ein Großteil ihrer Aktivitäten jedoch auf soziale Reichweite und Aktivismus. In den frühen Tagen befürworteten sie das Verschwinden des Künstlers und seine subjektive Vision zugunsten der Anonymität der kollektiven Arbeit. Kunst musste dienen und sich an die Bedürfnisse einer neuen Gesellschaft anpassen, in der der Mensch eher für das Gemeinwohl als für sich selbst kämpfen würde.

In dieser sozialen Hinsicht war Equipo 57 stark von den russischen Avantgarde-Bewegungen beeinflusst. Sie stellten sich auch gegen die Institutionalisierung von Kunst und Kunstmarkt und versuchten, ihre Werke zu Selbstkosten zu verkaufen.

Die frühen plastischen Prinzipien der Gruppe – Raum als kontinuierliches Ganzes, in dem die Grundelemente der Malerei (Form, Linie und Farbe) gleichberechtigt integriert und miteinander interagiert wurden – spiegelten sich in Gemälden und Zeichnungen wider. Darüber hinaus wurden die 24 in diesem Raum gezeigten Gouachen zum filmischen Erlebnis mitgenommen. Schließlich stießen die hohen Ambitionen von Equipo 57, wie alle utopischen Träume, auf die unnachgiebige Wand der Realität und erzeugten ein Gefühl der Frustration, das einige Mitglieder dazu veranlasste, sich zu entfernen. Die Gruppe fand es zunehmend schwieriger zu operieren und löste sich schließlich um 1963 auf, aber ihre Ideen bleiben der spanischen Kunst als einer der radikalsten und intensivsten Versuche, den Lauf der Geschichte durch künstlerisches Handeln zu verändern, in Erinnerung.

Almería Photographic Association (Almería, 1956 – 1963)
In den 1950er Jahren machte sich die AFAL oder Almería Photographic Association, die die besten spanischen Fotografen dieser Generation zusammenbrachte, daran, die zeitgenössische Fotografie zu erneuern und sich den geltenden akademischen Konventionen zu widersetzen. Auf der Suche nach einer neuen Sensibilität durch neue Ästhetik waren ihre Mitglieder durch ihre Beteiligung an der 1956 erstmals veröffentlichten AFAL-Zeitschrift vereint. Die AFAL war jedoch keine klar definierte Bewegung, sondern eine Gruppe von Personen, die sich für sehr unterschiedliche Aspekte des fotografischen Schaffens interessierten , vom Fotojournalismus und der formalen Untersuchung bis zur intimistischen Erforschung.

Joan Colom (Barcelona, ​​1921)
War Mitglied der AFAL und des Kollektivs „El Mussol“, mit dem er die Liebe zum Gewöhnlichen und ein ethisches Bekenntnis zur Meinungsfreiheit teilte, das über jeden Akademismus und jede politische Kritik hinausging. Seine fotografischen Arbeiten nahmen die Form thematischer Serien an, die es ihm ermöglichten, ein vollständiges Bild der von ihm dargestellten städtischen Umgebung zu zeichnen. Wie ein Notar der Realität bescheinigt Joan Colom in diesen Bildern die Echtheit des Alltags in einem Slum in Barcelona, ​​der heute als El Raval bekannt ist. Aus Sicherheitsgründen machte er die Fotos heimlich, hielt die Kamera versteckt und schaute nicht durch den Betrachter, wodurch diese Bilder eine Realität erzählen können, die die Augen der offiziellen Stadt nicht sehen können.

Gabriel Cualladó (Valencia, 1925 – Madrid, 2003)
Cualladó definierte sich als Fotograf, dessen Vorlieben zum „im Wesentlichen humanen Thema“ neigten. Sein Ziel war es immer, „Momente der Existenz“ des Menschen hervorzuheben und präzise und einzigartige Momente festzuhalten, auch wenn er sie später verschwommen zeigte. Er würde auch versuchen, die Atmosphäre des Augenblicks einzufangen, in dem der Fotograf die Szene „einfriert“, und den Bildern eine poetische Perspektive hinzufügen, die im Gegensatz zur Härte der behandelten Themen stand.

Paco Gómez (Pamplona, ​​1918 – Madrid, 1998)
Sein Hauptinteresse galt der Stadtlandschaft, verlassenen Gebäuden an leeren, unwirtlichen Orten, die kurz davor stehen, von der weitläufigen Stadt verschluckt zu werden, in der, wie der Künstler selbst einmal sagte: „Alles ist ruhig, alles ist still, [… ] alles ist weit vom Schnappschuss entfernt “, ein Kommentar, der die Art von vorsätzlicher Fotografie bezeichnet, die er gemacht hat.

Gonzalo Juanes (Gijón, 1923 – 2014)
Juanes produzierte Schwarzweiß- und Farbschnappschüsse mit einer sehr persönlichen, nichtakademischen Technik, die zu spontanen Arbeiten voller Vitalität führte, die aber auch kontemplativ und kritisch sind. Seine fotografische Praxis konzentriert sich im Wesentlichen auf Menschen und städtische Räume und schafft psychologische Porträts im Reportagestil, in denen anonyme Geschichten die Stadt normalerweise als Hintergrund hatten.

Ramón Masats (Caldes de Montbui, 1931)
Masats trug zu dieser Erneuerung der Fotografie bei, indem er Spanien in die Sprache der französischen Dokumentarfotografie einführte und sie in seinen journalistischen Aufgaben anwendete. Masats ‚Arbeit an den Ramblas in Barcelona war sein erster Versuch, dieses Genre zu beherrschen, und sein grafischer Bericht über Los Sanfermines (das Laufen der Bullen in Pamplona) ist eine wegweisende Arbeit, die eines der wiederkehrenden Themen seiner beruflichen Laufbahn behandelt – spanische Klischees . Sein fotografischer Stil meidet die traditionelle Sprache und widerspricht den Konventionen.

Xavier Miserachs (Barcelona, ​​1937 – 1998)
Er widmete sein Leben der Fotografie, Werbung, Reportage, Buchfotografie, Lehre und sogar dem Film. Er war einer der führenden Befürworter der Erneuerung der spanischen Fotografie und half bei der Schaffung einer neuen fotografischen Sprache. Seine Fotografie zeigt die Stadt in all ihren Facetten, von ihrer Architektur und ihren Straßen bis zu ihren Einwohnern, und nur wenige können es mit seiner Fähigkeit aufnehmen, den städtischen Kontext auf unmittelbare, spontane Weise einzufangen. Miserachs Werke sind eine vollständige Dokumentation seiner Zeit.

Francisco Ontañón (Barcelona, ​​1930 – 2008)
Ontañón begann seine Karriere 1959 als Fotojournalist bei der Nachrichtenagentur Europa-Press, die es ihm ermöglichte, über aktuelle Ereignisse auf der ganzen Welt zu reisen. Er wurde im Auftrag in die USA geschickt, dem Geburtsort vieler der von ihm am meisten bewunderten Fotografen sowie an verschiedenen Orten in ganz Spanien. Wie diese Fotos deutlich zeigen, zog er die schnelle Berichterstattung der sorgfältig arrangierten Studiofotografie vor und war stets bemüht, das Ereignis so festzuhalten, wie es sich ereignete, um den Moment einzufrieren. Er produzierte eine beträchtliche Anzahl von Werken, die den Feierlichkeiten der Karwoche in Andalusien gewidmet waren. Seine Wahl des Themas war kein Zufall, denn die Karwoche war eines der wenigen Themen, die vom damaligen politischen Regime vollständig sanktioniert wurden. Mit den eigenen Worten des Fotografen: „Sie konnten nicht einfach fotografieren, was Sie wollten. Es gab eine staatliche Zensur. Die einzigen Verkaufsstellen waren Stierkämpfe, Flamenco und ähnliches. “ In diesen Arbeiten stehen die Menschen auf der Straße im Mittelpunkt.

Carlos Pérez Siquier (Almería, 1930)
Er wollte ein Zeugnis von dem geben, was er sah, und ging respektvoll mit den Menschen und Situationen um, die er mit seiner Kamera festhielt. 1957 begann er seine Arbeit im Slumviertel La Chanca, das Anfang des 20. Jahrhunderts in Almería inmitten der Ruinen eines alten Armenviertels aus maurischer Zeit entstand. Anstatt die offensichtliche Armut seiner Bewohner hervorzuheben, konzentrierte sich Pérez Siquier auf das Innenleben und den Alltag seiner Untertanen. „Ich habe mich für die Menschen selbst interessiert“, sagt der Künstler, „für ihre persönliche Würde angesichts bescheidener Umstände und der Schwierigkeiten des Überlebens“.

Alberto Schommer (Vitoria, 1928 – San Sebastián, 2015)
Seine Arbeit konzentrierte sich hauptsächlich auf Themen wie Stillleben, Studio-Porträts, Straße, Landschaften und fotografische Berichte, wobei Licht und Technik eine große Bedeutung hatten. Aus ästhetischer Sicht ist seine Fotografie näher an den Prämissen der Salonfotografie, und obwohl sein Ziel darin bestand, eine neue Art des Sehens und Fühlens von Fotografie zu zeigen, behandelte er sie immer aus einer klassischen Perspektive. In seinen Stillleben und Außenszenen verwendete er mit mehr Freiheit, hohen und niedrigen Winkeln, außermittigen und weichen Fokuseffekten sowie willkürlicheren Dispositionen und Rahmen.

Ricard Terré (Sant Boi de Llobregat, 1928 – Vigo, 2009)
Wie Arturo Llopis, einer der Kritiker der Gruppe, schrieb, hat sich Terré „der Maschine, dem Auslöser, mit sehr scharfer Sensibilität und einem früheren Kontakt mit Malerei, Skulptur und Jazz / klassischer Musik genähert. In den fotografischen Stücken, die er in Schwarzweiß präsentiert, wird er nur mit seiner Kamera, ohne Tricks bei der Entwicklung, von einer Reihe von Themen belästigt. (…) Ein poetisches Gefühl führt das Auge der Linse dazu, nach der vollendeten humanen Anekdote zu suchen mit dem verlorenen Mädchen mitten in der Menge. Das Objekt erhält in Terré auch eine ausdrucksstarke plastische Kraft von enormer Qualität (…) “

Julio Ubiña (Santander, 1922 – Barcelona, ​​1988)
Ubiña zog während des spanischen Bürgerkriegs nach Paris, als er noch ein Teenager war. Nach seiner Rückkehr nach Spanien ließ er sich in Barcelona nieder, wo er das erste Labor für Farbfotografie aufbaute. Er produzierte zahlreiche fotografische Beiträge für renommierte internationale Magazine wie Stern und Paris Match, und obwohl er zur AFAL-Gruppe gehörte, war er kein aktives Mitglied. 1958 hatte Ubiña an der monografischen Ausgabe der AFAL-Zeitschrift zur Karwoche teilgenommen. Diese Werke spiegeln die Gesellschaft der 1950er Jahre und einige ihrer wichtigsten Bestandteile wider, wie die Macht der öffentlichen Ordnung, die Zivilgarde und die Polizei sowie die religiösen Figuren der Büßer in den Prozessionen, die als populäre Drucke verstanden werden.

Andalusisches Zentrum für zeitgenössische Kunst
Das Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (CAAC) wurde im Februar 1990 mit dem Ziel gegründet, der örtlichen Gemeinde eine Institution zur Erforschung, Erhaltung und Förderung zeitgenössischer Kunst zu geben. Später begann das Zentrum, die ersten Werke seiner ständigen Sammlung zeitgenössischer Kunst zu erwerben.

1997 wurde das Cartuja-Kloster zum Hauptquartier des Zentrums, ein Schritt, der sich als entscheidend für die Entwicklung der Institution erweisen sollte. Die CAAC, eine von der andalusischen Regierung abhängige autonome Organisation (Junta de Andalucía), übernahm die Sammlungen des ehemaligen Conjunto Monumental de la Cartuja (Denkmalzentrum Cartuja) und des Museo de Arte Contemporáneo de Sevilla (Museum für zeitgenössische Kunst in Sevilla).

Eines der Hauptziele des Zentrums war von Anfang an die Entwicklung eines Aktivitätenprogramms, mit dem das Studium des zeitgenössischen internationalen künstlerischen Schaffens in all seinen Facetten gefördert werden soll. Temporäre Ausstellungen, Seminare, Workshops, Konzerte, Tagungen, Konzerte, Filmzyklen und Vorträge waren die Kommunikationsmittel, mit denen dieses Ziel erreicht wurde.

Das kulturelle Aktivitätenprogramm des Zentrums wird durch einen Besuch des Klosters selbst ergänzt, das einen wichtigen Teil unseres künstlerischen und archäologischen Erbes beherbergt, ein Produkt unserer langen Geschichte.