미국에서 가장 포괄적인 국제 현대 미술 전시회인 LA 아트 쇼가 2021년 7월 29일 로스앤젤레스 컨벤션 센터에서 2021년 예술 시즌을 공식적으로 시작합니다. 랜드마크 26주년. LA 아트 쇼는 회화, 조각, 종이 작품, 설치, 사진, 디자인, 비디오 및 공연을 전시하는 전 세계의 80개 이상의 갤러리, 박물관 및 비영리 예술 단체와 함께하는 비할 데 없는 국제 예술 경험입니다.

로스앤젤레스는 도시 고유의 독특하고 얽힌 다문화적 영향으로 예술과 문화의 세계적인 진원지로 부상했습니다. 다양성은 우리의 강점이며 예술은 모든 경계를 포함하거나 초월할 때 가장 영향력이 있습니다. LA가 세계적 수준의 예술 명소로 부상함에 따라 LA 아트 쇼는 계속해서 늘어나는 수집 청중을 위해 혁신적인 프로그램과 독특한 경험을 제공하고 있습니다. LA 아트 쇼는 이 도시가 예술 수도로 부상하는 원동력이 되었고, 예술계에 혼란과 불확실성으로 가득했던 1년이 지난 후 정상적 감각을 제공했습니다.

LA 아트 쇼는 미국에서 가장 큰 국제 아트 페어 중 하나를 만들어 후원자, 선정된 게스트 및 VIP 고객에게 흥미롭고 몰입도 높은 내부 예술 경험을 제공합니다. 이 쇼는 안목 있는 수집가와 함께 국내외 갤러리, 저명한 예술가, 높이 평가받는 큐레이터, 건축가, 디자인 전문가로 구성된 엘리트 명단을 끌어들입니다.

이 혁신적이고 탁월한 문화 환경은 남부 캘리포니아 기업, 주, 카운티, 시 정부 대표, 지역 문화 기관의 임원 및 이사회 구성원을 끌어들입니다. 참석자들은 예술, 디자인, 음식, 기술, 여행 등 삶의 모든 영역에서 최신의 최고를 추구하고 요구하는 트렌드세터, 인플루언서 및 알파 소비자입니다.

Marisa Caichiolo가 큐레이팅한 DIVERSEartLA의 2021년 판은 박물관과 기관을 대표하는 예술, 과학 및 기술의 교차점에서 작업의 최전선에서 여성과 논바이너리 예술가의 존재, 기여, 연구 및 문서화에 중점을 둡니다. 쇼의 이 부분은 게스트 박물관 및 기관으로 대표되는 예술, 과학 및 기술의 교차점에서 작업의 최전선에 있는 여성 및 논바이너리 예술가의 존재, 기여, 연구 및 문서화에 중점을 둡니다.

LA 아트 쇼는 AR, VR 및 NFT를 포함한 예술의 가장 흥미로운 발전을 강조하기 위해 몇 가지 독특한 프로그램을 개발하여 방문객에게 관찰하고, 배우고, 즐길 수 있는 공간을 제공합니다. 이 새로운 프로그램은 쇼가 잘 알려진 디자인과 더 고전적인 매체에 더하여 시청자를 염두에 두고 설계되어 사람들에게 새로운 것을 노출하고 디지털 아트와 기술을 보다 쉽게 ​​접근할 수 있도록 합니다. 이로써 LA 아트쇼는 NFT 대담에 합류한 최초의 라이브 쇼가 됐다.

180,000제곱피트 이상의 전시 공간이 오늘날의 저명한 갤러리에 사용됩니다. 이 국내외 갤러리는 부스를 넘어 급성장하는 현대 미술 운동의 최전선에 있는 특별 전시를 기획합니다. 박람회는 전문 섹션에서 특별한 작업과 경험을 제공합니다.

LA 아트쇼 2021
LA 아트 쇼 2021은 미국에서 가장 큰 국제 아트 페어 중 하나를 만들어 후원자, 선정된 게스트 및 VIP 고객에게 흥미롭고 몰입도 높은 내부 예술 경험을 제공합니다. 이 쇼는 안목 있는 수집가와 함께 국내외 갤러리, 저명한 예술가, 높이 평가받는 큐레이터, 건축가, 디자인 전문가로 구성된 엘리트 명단을 끌어들입니다.

이 혁신적이고 탁월한 문화 환경은 남부 캘리포니아 기업, 주, 카운티, 시 정부 대표, 지역 문화 기관의 임원 및 이사회 구성원을 끌어들입니다. 참석자들은 예술, 디자인, 음식, 기술, 여행 등 삶의 모든 영역에서 최신의 최고를 추구하고 요구하는 트렌드세터, 인플루언서 및 알파 소비자입니다.

Arcadia Contemporary, Caldwell Snyder Gallery, Simard Bilodeau Contemporary 및 Modern + Contemporary의 라인업을 위한 런던의 Rebecca Hossack Art Gallery를 포함하여 LA 아트 쇼에서 가장 좋아하는 갤러리 중 일부가 2021년 판에 돌아옵니다. 이 쇼는 스페인에서 돌아온 Pigment Gallery, 덴마크에서 돌아온 In Gallery, 일본의 Gallery KITAI에서 작업한 작품 등 몇 가지 예를 들자면 다시 한번 국제적인 위상을 갖게 됩니다.

모던 + 컨템포러리 – LA 아트 쇼에서 프로그램의 가장 큰 섹션인 모던 + 컨템포러리는 로스앤젤레스, 환태평양 및 전 세계 국가의 갤러리에서 현대 회화, 일러스트레이션, 조각 등의 광대한 스펙트럼을 전시합니다.

DIVERSEartLA – 환태평양 지역에서 도시의 위치를 ​​활용하는 DIVERSEartLA는 국제 수집가, 예술가, 큐레이터, 박물관 및 비영리 단체를 로스앤젤레스의 청중과 직접 연결하여 창의적 에너지를 육성하는 데 전념하는 특별 프로그래밍 섹션입니다. LA 아트 쇼는 시민 참여의 일환으로 매년 참여 조직에 50,000제곱피트의 전시 공간을 기부하며, 해당 작품은 판매용이 아닙니다. Marisa Caichiolo가 전 세계 기관의 개별 큐레이터와 함께 전체 큐레이션.

특집 전시회 – 부스 공간의 한계를 넘어선 특집 전시회는 생각을 불러일으키는 예술 작품, 공연 및 참여 갤러리가 제공하는 기타 전시회를 통해 청중을 참여시키는 몰입형 경험을 만들고, 앞으로 수년간 화제가 된 작품을 강조합니다.

뿌리 – 이전의 목소리와 움직임에 경의를 표하는 ROOTS는 역사적인 작품과 이러한 전통을 따르는 현대 예술가를 선보이는 갤러리 전용 전시 공간입니다.

프로젝트 스페이스 – 전 세계에서 모인 프로젝트 스페이스의 출품업체는 참여 갤러리에서 개인전 형식으로 다양한 아이디어와 재능을 선보입니다.

Works On Paper – Works on Paper는 전통적인 캔버스가 아닌 사진 및 기타 작업을 선보이는 전용 전시 공간입니다.

전시회

거리에 이름이 없는 곳
Arushi Arts는 세계 각지에서 모인 팝 스트리트 아티스트들의 작품 ‘Where Streets Have No Name’을 선보인다. 복잡한 동남아 예술 작품과 나란히 전시되어 관람객들에게 ‘그들의 거리’라는 개념을 공유하면서 사용된 기법의 고유한 특성을 느낄 수 있습니다.

컬렉션은 홍콩 출신의 인도 예술가인 Riya Chandiramani의 작품을 선보입니다. 로스앤젤레스 예술가 Sellout의 작은 금속 거리 표지판 그리드; 마이애미 조각가 Jenna Helfman의 세라믹 스케이트보드 조각; 영국 팝 아티스트 Marty Thorton의 작품; 로스 앤젤레스 출신의 현대 거리 예술가 Roger James; 그리고 떠오르는 영국 예술가 George Weait. 세대를 거쳐 예술가들은 그들의 환경에서 영감을 받았고 이 작품들은 예술가와 각자의 환경 사이의 대화를 보여줍니다.

Iconoclasts: Kilduff의 술집
로스앤젤레스에 기반을 둔 아티스트 John Kilduff는 박람회에서 회화와 판지 조각으로 만든 인터랙티브 설치물을 만들어 동네 술집처럼 보이게 만들었습니다. 관람객들은 몰입형 설치물 속으로 들어가 작가가 직접 그린 ‘음료’를 주문할 수 있는 기회를 갖게 됩니다. Kilduff는 매일 칵테일과 스페셜티 음료의 새로운 그림을 만들 것입니다. 참가자들은 탭에 있는 것을 주문하거나 아티스트가 있을 때 메뉴 외 주문 음료를 주문할 수 있습니다. 수익금의 일부는 팬데믹으로 인해 재정적 어려움을 겪고 있는 바 및 공연장 직원을 지원하는 데 사용됩니다.

로스앤젤레스에 기반을 둔 John Kilduff(일명 Mr Let’s Paint)는 대담한 공연 예술과 TV 쇼인 Let’s Paint TV로 유명합니다. Kilduff는 쇼와 작품을 통해 일련의 멀티태스킹 및 페인팅 도전을 통해 자신의 페인팅 지구력을 강화하여 청중이 삶의 장애물을 통해 창의성과 자기 표현을 포용하도록 격려합니다.

컬러 필드 I Michael Loew
Michael Loew는 Piet Mondrian의 격자 구조를 기반으로 팔레트의 가능성을 실험하고 색조의 미묘한 전환이나 색상 관계의 조화에 중점을 둡니다. 그는 주제를 직사각형이나 색상의 독특한 패턴으로 변경했습니다. 추상 표현주의와 이후의 컬러 필드 페인팅의 주요 지지자로서 Loew는 Blue Edge 및 Yellow on Yellow와 같은 다채로운 예를 많이 제작했습니다.

1920년대 후반에 Michael Loew는 Art Student’s League에 등록했고 나중에 프랑스에서 Fernand Leger와 함께 공부했습니다. Loew는 그의 작업에 영향을 준 Willem de Kooning과 가깝고 오랜 친구였습니다. 진주만 이후, Loew는 해군에 합류하여 태평양에서 “Seabee”의 대대 예술가로 복무했습니다. 그의 수채화는 주로 티니안 섬의 해군 작업에서 그렸습니다. 1946년에 집으로 돌아왔을 때 그의 그림은 빠르게 추상화로 옮겨갔습니다.

그의 성숙한 스타일이 완전히 발전한 것은 1950년대였습니다. Hans Hoffman에게 사사를 받고 색채 효과에 대한 감수성을 길렀다. 평생 동안 Loew의 작품은 뉴욕의 구겐하임 미술관과 휘트니 미술관, 달라스 미술관 및 필라델피아 미술관을 비롯한 미술관과 박물관에서 광범위하게 전시되었습니다.

자연 속의 추상 I 백간노미
한국계 미국인 추상화가 백간노미는 1973년 뉴욕에서 소나기(Rainstorm)를 짧은 5개의 흐르는 획으로 제작했다. 그는 자연 현상인 레인스톰을 표현함에 있어 정교하거나 불필요한 것을 삼가고 최소한의 선과 색으로 표현했다. 그는 선의 사용에서 고유의 움직임과 리듬으로 획의 힘이 살아나야 하는 한국 서예의 서예와 공통점을 공유한다. 아티스트 가노미의 획은 검은색 안에 짙은 붉은색이 특징적으로 구현되어 중후한 역동성을 더한다. 선이 만들어내는 공간은 한국 전통미술의 영향을 받은 그의 또 다른 트레이드마크다.

백가노미의 작품은 프란츠 클라인, 잭슨 폴락과 함께 추상표현주의로 분류할 수 있다. 백간노미의 대부분의 작업은 제목을 염두에 두고 의식적으로 만들어진 것이 아니라 선과 공간에서 형식적인 인상이 떠올랐다. 1970년대 한국에 돌아온 동시대인들은 모노크롬 운동에 매료되었지만, 그는 블랙 라인에 흐르는 붉은색을 덧씌운 아쿠아마린 배경의 독특한 스타일로 자신의 강점을 지켰습니다. 그의 작품의 전형은 1981년 파리 그랑팔레에서 열린 “Paysage de Seine”으로 오동네 상을 수상하면서 결실을 맺었습니다. 이전에는 1980년에 “l’Automne”으로 파리의 팔레 뱅센에서 시장상을 수상했습니다. “와 “성 얼굴.”

중력 I Andreas von Zadora-Gerlof
Zadora-Gerlof는 이 놀라운 스테인리스 스틸 작품에서 MC Escher에게 경의를 표합니다. 이 작품은 네덜란드 예술가의 1952년 Gravitation에서 영감을 받아 단일 물체에서 여러 중력 소스가 함께 작동할 수 없음을 탐구했습니다. Escher는 별을 공통 껍질로 사용하는 12마리의 거북이를 통해 이 이론을 나타냈습니다. 빨간색, 주황색, 노란색, 보라색, 녹색 및 파란색의 6가지 색상 쌍으로 표현된 각 거북이는 상대편의 바로 맞은편에 있습니다.

Escher의 창작은 물리적으로 불가능하지만 시각적으로 믿을 수 있고 논리적으로 제시했습니다. Zadora는 스테인리스 스틸과 폴리머를 정밀하게 절단하여 Escher의 천재성을 현실로 만듭니다. 얼핏 보기에는 거북이 머리와 팔다리가 무의미하게 뒤섞인 것처럼 보이지만 자세히 살펴보면 디자인의 고유한 대칭과 조화가 드러납니다.

“나비 울음”
490개의 세라믹 꽃잎으로 만든 이 설치물은 나비가 인간의 왕국에서 서식지가 놀라울 정도로 줄어들었다는 사실에서 영감을 받았습니다. 휴대 전화를 QR 코드에 가까이 대고 “나비 울음”을 들을 준비를 하십시오. 이 아름다운 생물이 세상을 지배할 차례를 요구할 때 모든 존재에게 균형과 웰빙의 혜택을 가져다 줄 것을 요구합니다. 우리의 행성.

Cartoon-Digital Panel 병풍: 상상의 경계 I Lee Nam
Lee Lee Nam(b.1969)은 오늘날의 첨단 환경과 전통 문화의 융합을 창조합니다. 뛰어난 기교로 그는 유럽의 고대 거장 회화와 아시아 전통 예술을 현대적 이미지와 병치시키는 매혹적인 디지털 및 비디오 작품을 만듭니다. 작품들은 마치 팰림세스트처럼 겹쳐지고 짜여져 현실과 겹쳐지는 꿈과 같은 허구의 이미지를 만들어낸다.

리미날: 화성의 태양 I Félicie d’Estienne d’Orves
빛, 조각, 새로운 기술을 결합한 Félicie d’Estienne d’Orves의 작업은 시각의 과정에 의문을 제기하고 우리의 시선을 해체합니다. 과학과 삶의 무형적 특성과 그 철학을 엮어내는 Félicie는 우주에 대한 사실에 대해 질문을 던지고 깊이 파고들며 놀라울 정도로 지적이고 복잡하며 아름다운 매혹적인 예술 설치물로 해석합니다.

그녀의 설치 작품은 현실에 대한 현상학적 접근 방식을 사용하며, 연속체로서의 시간에 대한 인식을 강조합니다. 시청각 공연에서 대지 예술에 이르기까지 그녀의 연구는 천체 물리학 공간과 자연광 순환에 중점을 두었습니다. 시각 예술가는 망원경, 탐사선 및 천체 물리학 모델링에 의해 피사계 심도가 증대되는 ‘텔레비전’ 프로세스를 통해 우주 공간의 풍경을 작업합니다.

Liminal: Martian Sun은 다양한 차원, 시간, 공간을 가로질러 교차하는 Félicie의 집중된 작업을 중심으로 구성하기로 결정한 쇼입니다. 작가의 작업은 삶과 죽음, 빛과 어둠, 가깝고 먼, 현실과 정신과 같은 간격의 장소들 사이를 오가며 그녀의 작업의 중요한 부분이자 우리 전시의 핵심을 이끈다. .

프로그램들
NFT 열풍에 합류한 최초의 라이브 쇼로서 참석자들에게 디지털 아트의 놀라운 트렌드를 소개하는 LA 아트 쇼는 무리를 이끄는 명성을 확립했습니다. 이처럼 관람객들은 더욱 눈길을 사로잡는 아트 트렌드를 기대해볼 수 있다.

DIVERSEartLA
Marisa Caichiolo가 큐레이터한 DIVERSEartLA의 2021년 판은 게스트 박물관, 기관 및 기타 박물관으로 대표되는 예술, 과학 및 기술의 교차점에서 작업의 최전선에서 여성과 논바이너리 예술가의 존재, 기여, 연구 및 문서화에 중점을 둡니다. – 영리 단체. 과학, 예술 및 기술은 우리 주변의 세계를 이해하고 설명하려는 인간의 시도입니다. 주제와 방식도 전통도 다르고 대상도 다르지만 기본적으로는 동기와 목표가 같다고 생각합니다. 나는 인간의 가장 원초적이고 타고난 욕구 중 하나가 우리 주변의 세계를 이해하고 그 이해를 공유하는 것이라고 생각합니다.

이 물결은 1920년대 많은 예술가들이 시간을 기반으로 한 시각적 작업을 목표로 하던 때 시작되었습니다. 일부 작업은 기술과 혁신을 구현하는 것처럼 보이지만 실제로는 대부분의 작업이 가장 실제적인 형태인 작가의 주변 자연 환경에서 비롯되었습니다.

지난 15년 동안 디지털 아트 분야에서 많은 예술가들은 디지털 정보와 뉴미디어의 실재화를 시청각적 수단(설치 작품, 시청각, 기술을 포함하는 공연 등)을 통해 구현하는 작업을 해왔다. 그것의 상상; 다른 예술가들은 공감각의 관점에서 ‘신호’의 개념을 제시하는 것을 목표로 하고 있습니다. 그들은 기계의 도움을 받아 소리 신호를 시각화하려고 하므로 추상적인 기하학적 이미지를 컴퓨터 작업을 통해 소리로 변환하려고 합니다.

DIVERSEartLA는 미술 기관 내에서 그리고 역사 전반에 걸쳐 뉴미디어 관행의 발전에 중심적 역할을 한 여성 및 논바이너리 예술가들의 작품을 선보이는 전시일 뿐만 아니라 자료의 검토 및 편집이었습니다. 우리는 또한 물질과 비물질 사이의 전통적인 관계의 붕괴를 처리해야 하는 새로운 시기에 뛰어들고 있습니다.

오늘날의 끊임없이 변화하는 기술과 여성의 신체의 관계를 탐구하는 것으로 알려진 다분야 퍼포먼스 아티스트 티파니 트렌다(Tiffany Trenda). 그녀는 DIVERSEartLA와 협력하여 아트 페어에 라이브 공연을 안전하게 가져오고 QR 코드를 통해 참석자를 위한 관람 경험을 조정하고 있습니다. 각 사람은 자신의 스마트폰을 사용하여 체적 비디오 녹화를 통해 실시간으로 그녀와 상호 작용할 수 있습니다.

아메리카 미술관
미주 미술관(AMA)은 파비안 곤칼베스(Fabian Goncálves)가 기획한 특별 프로젝트에 합류했습니다. 이 프로젝트는 역사 전반에 걸쳐 뉴미디어 관행의 발전에 중심적인 역할을 한 여성 예술가의 작품과 자료를 모은 것입니다. 진보적인 사고 방식이 현재 이 분야를 재편하고 있는 여성과 논바이너리 사람들에 의해. 베네수엘라 아티스트 Luis Cobelo(PILAR)가 AMA의 일부로 공연을 하고, 멕시코의 Yolanda Leal이 Gorilla Nature 공연을, María Veroónica San Martin이 특별 공연을 선보이기도 합니다.

디그니다드
Dignidad는 Colonia Dignidad에 대한 비밀 전화 문서를 기반으로 칠레 국립 기록 보관소에 설치된 예술 작품입니다. 전 정착민이자 활동가인 Winfried Hempel이 2012년에 발견한 이 오디오는 1978년 Paul Schäfer와 다른 나치 요원 사이의 공개 대화에 처음으로 공개되었습니다. 조각, 사운드, 공연, 텍스트 및 역사적 기록 보관소 선택을 통해 , 이 설치물은 칠레의 민군 독재(1973-1990)에 반대하는 미성년자와 반대자들에 대한 범죄로 절정에 달했던 대륙 횡단 행동과 코드의 복잡한 시스템을 보여줍니다.

데이터 | 에르고 합계 | 재장전
데이터 | 에르고 합계 | RELOADED는 아티스트 Ana Marcos가 제작한 인터랙티브 아트 설치로 인공 지능을 사용하여 방문자를 단순하게 관찰하여 데이터를 추출하는 기계를 보는 기능을 시각화합니다. Ana Marcos는 마드리드 대학교에서 미술을 전공하고 마드리드 폴리테크닉 대학교에서 산업 엔지니어입니다. 다분야 예술가로서 그녀는 인터랙티브 설치, 비디오 및 사진과 같은 다양한 예술 형식을 결합하여 예술 분야에서 새로운 실험 방식을 연구하고 있습니다. 그녀는 연구를 통해 예술-과학-기술과 대중 사이의 관계에 대한 더 깊은 이해를 추구하는 엔지니어 및 예술가 그룹인 3Dinteractive의 리더이자 공동 설립자입니다. 모든 기술은 우리의 생활 방식과 현실을 이해하는 방식을 변화시킵니다.

오늘날 우리는 복잡하고 혁신적인 기술 환경, 전 세계 대학의 실험 및 연구에 기반한 작업을 마음대로 사용할 수 있으며 모든 지식은 네트워크에서 기술자뿐만 아니라 예술가도 공유할 수 있습니다. 일반적으로 그 기술, 특히 인공 지능이 우리 사회에서 증가하고 있는 추진력과 관련성은 분명하며 예술가로서 그녀는 예술 작업이 AI 분야에서 탐구하고 실험해야 할 의무가 있다고 믿습니다. 예술은 항상 생각과 기술에 영향을 미치며 가장 혁신적인 발전에 다른 관점을 제공할 수 있습니다. AI가 도구이건 학문이건 간에 그것은 예술가들의 작업 주제이며 과거에도 그랬습니다. 예술이 AI의 발전에도 영향을 미칠 수 있기를 바랍니다.

지금의 교향곡
페루 리마의 산마르코스 미술관(MASM)은 안데스 ​​테크노에 초점을 맞춘 비디오 설치 및 인터랙티브 사운드 설치로 구성된 “THE SYMPHONY OF NOW”라는 페루 예술가 Angie Bonino의 증강 현실의 새로운 미디어 프로젝트를 가져옵니다. 탈식민주의 샤머니즘. 오늘날 우리가 살고 있는 이 세상은 우리의 눈을 가두고 지배하지만 우리가 볼 수 없도록 하는 삼켜버리는 보편적인 스크린이 되었습니다. 반복적이고, 최면에 걸리고, 소외되는 극도로 강렬한 가시성 때문에 권력 네트워크와 그들의 지배 목표는 보이지 않게 됩니다. 따라서 눈치채지 못한 채 그들의 지배는 불가해해지고 완전히 되돌릴 수 없게 됩니다.

아티스트 Angie Bonino는 1974년 페루 리마에서 태어나 전 세계를 여행하며 11년 동안 스페인 바르셀로나에서 거주하며 작업했습니다. 그녀의 예술적 제안의 주요 매체가 바로 영화, 특히 비디오 및 비디오 설치라는 것은 놀라운 일이 아닙니다. 그러나 이것이 그녀의 유일한 표현 방식임을 의미하지는 않습니다.

Angie Bonino는 모든 의미에서 우리 시대의 예술가이며, 예술과 기술의 교차에 초점을 맞춘 멀티미디어 예술가입니다. 결국 그녀의 작업은 비디오 외에도 애니메이션, 디지털 기술, 그래픽 인쇄, 드로잉, 회화 및 조각으로도 표현됩니다. 그러나 이러한 모든 미디어를 통해 이미지에 의문을 제기하는 동일한 미학적 의도가 항상 남아 있습니다. 앤지 보니노의 작업에서 이러한 예술 작품을 통한 이미지에 대한 질문은 항상 도덕적, 정치적 의도를 담고 있다. 그녀의 목표는 모든 초매개적 이미지 생산 및 전송 네트워크에서 그녀가 이미지 세계라고 부르는 것의 구성을 결정하는 보이지 않는 오컬트, 권력 영역 및 시스템의 보급을 밝히는 것입니다.

몰입형 거리두기
이 예술가들은 신체, 기억, 기록의 흔적, 도시 경관과 관련하여 우리의 지속적인 문화적, 정치적 순간을 다룬다. 이민은 개인적인 경험이자 사회정치적 현실로서 그들의 더 큰 업무에 영향을 미칩니다. 이 예술가들은 이전에 설치 및 조각 작업을 했으며, 가족 공예품과 기록 보관소, 건축 공간 탐험에 크게 의존했습니다. 여기에서 그들은 사이트 기반 작업을 몰입형 내러티브로 가져오는 시각화 기술로 미디어에 접근하는 동시에 과학, 특히 디지털 과학에 내재된 추상화에 참여하고 적응하고 도전합니다.

이러한 미디어 작품의 제작, 형식적 특성 및 내용은 Covid-19 제한의 직접적인 영향을 받았으며 각 아티스트는 프로덕션과 포스트 프로덕션 사이의 경계를 흐리게 하는 원격 작업 모드를 개발하게 되었습니다. 두 아티스트 모두 비디오, 사진 및 오디오 녹음과 같은 여러 디지털 소스를 사용했습니다. Last Light에서 Argote는 전염병 기간 동안 LA를 가로질러 걷는 광경과 소리를 질병과 파괴에 대한 명상의 기초로 사용합니다. 그녀는 모든 과학의 기초인 측정으로 자신의 몸을 도시와 세계의 스케일과 관련하여 측정할 것을 제안하지만 모든 예술의 기초인 손을 스케일 설정의 기초로 사용합니다.

Memory Place에서 Abes는 이스탄불이 장소 이상의 아이디어가 됨에 따라 비디오와 사진을 뷰어로부터 멀어지는 3D 환경으로 변환하는 사진 측량을 통해 이 과정을 시각화하면서 이스탄불에 대한 “약해지기 쉬운 확실성”의 세 가지 순간을 탐색합니다. 이러한 환경은 인상주의적이고 부분적입니다. 묘사된 장면의 여기저기에 틈이 있고 이미지의 일부가 소실점을 향해 이동함에 따라 더 선명하게 초점이 맞춰집니다. 두 작품에서 이미지의 단편적인 특성은 사운드 디자인에 의해 몰입됩니다.

아구아
아구아는 대중에게 치유와 이해를 위한 공간, 오아시스를 제공합니다. 이 작품은 장소에 따라 건축학적으로 통합되어 물이 인류를 위한 신성한 자원이라는 시적 인식을 조성하는 동시에 참석자들에게 반성의 순간을 선사합니다. Agua는 수년간 전 세계의 자연 탐험을 통해 수집한 물의 비디오를 결합한 멀티채널 아트웍입니다. 곳곳에서 볼 수 있는 변화하는 색조는 다양한 마음과 감정을 표현하여 내부 경험과 물리적으로 조화를 이룹니다.

이제 Art LA와 Building Bridges Art Exchange는 지역 비영리 단체로 협력하여 예술가 Luciana Abait의 Agua 작품을 선보입니다. 종종 창조, 정화 및 생명 유지에 대한 아이디어를 참조하는 출생 도구. 로스앤젤레스 시내에 전시된 아구아는 행동 촉구를 지지하고 우리의 미래 생존을 위한 핵심 요소로서 물의 중요성을 강조합니다. 나는 이 작업이 깊이, 아름다움, 우아함, 경이로움으로 환경 이니셔티브를 둘러싼 인식과 행동을 여는 데 참여하고자 합니다.

지금 소녀들의 목소리
WVN(Women’s Voices Now)은 로스앤젤레스에 기반을 둔 501(c)3 비영리 단체로 영화의 힘을 사용하여 전 세계적으로 여성과 소녀들의 권리를 향상시키는 긍정적인 사회 변화를 주도합니다. 우리는 여성에 대한, 여성에 대한, 모두를 위한 영화를 홍보함으로써 여성의 잘못된 표현과 과소 표현에 도전하고자 합니다.

Girls’ Voices Now는 자원이 부족한 지역 사회에서 온 70명의 소녀들에게 봉사했으며 Here Media와의 파트너십 덕분에 48개의 영화제에서 선정 및 수상되었으며 522,000명 이상의 온라인 시청자가 시청한 12편의 단편 영화 제작을 감독했습니다. Kanopy, UN Women, UN #HeforShe 캠페인. 이 프로그램은 자원이 부족한 지역 사회의 소녀들과 여성을 식별하는 청소년들이 영화 제작을 통해 긍정적인 사회 변화를 위해 목소리를 찾고 개발하고 사용할 수 있도록 합니다.

성능: 본 적 없음
아티스트 Tiffany Trenda는 볼류메트릭 캡처를 사용하여 몰입형 경험 내에서 라이브 공연인 Un/Seen을 선보입니다. 대중의 행동에 따라 실시간으로 변신한다. 새로운 몰입 경험을 통해 우리는 몸에서 멀어집니다. 즉, 우리의 눈과 생각은 동시에 다른 세계를 경험하는 동안 우리는 물리적으로 한 공간에 있습니다. 우리가 시뮬레이션과 실제 사이를 이동할 때 우리의 몸은 해리됩니다. 더욱이 우리는 다른 사람의 존재 안에 즉시 있지 않습니다. 우리의 존재는 매개되고 실제로 존재하지 않는 다른 공간으로 옮겨집니다. 우리는 본질적으로 보이는 것과 보이지 않는 것입니다.

이러한 새로운 애플리케이션은 또한 양쪽 당사자가 경험을 변경할 수 있도록 하여 사용자와 제작자의 역할을 흐리게 합니다. 즉, 관객은 더 이상 목격자가 아니라 협력자입니다. 또한 모든 당사자는 아바타로 표현되며 “이 사람은 누구입니까?”라는 내러티브가 열립니다. 그리고 “무슨 일이야?” 이 게임에서 플레이어로서의 우리의 역할은 모호하며 미래의 불확실성과 함께 우리 시대를 완벽하게 반영합니다.

이미지(다큐멘터리)
Imagraphy는 다양한 국제 사진작가들이 공예, 산업, 기술 및 렌즈를 통해 본 세계에 대한 전반적인 인상에 대한 이야기를 공유하는 다큐멘터리입니다. 출연: Roger Ballen, James Balog, John Batho, Peter Bialobrzeski, Michel Comte, Ralph Gibson, Greg Gorman, Henry Horenstein, Graciela Iturbide, Hiroji Kubota, Derry Moore 경, Howard Schatz, Andres Serrano, Sandy Skoglund, Paul Watson, Stephen 윌크스.

로즈 리버 기념관
로즈 리버 기념관은 미국에서 코로나19 팬데믹으로 인해 희생된 많은 생명을 기리고 애도하는 커뮤니티 예술 협업입니다. Rose River Memorial은 잃어버린 모든 생명에 대한 슬픔의 상징으로 펠트 장미를 만들기를 열망합니다. 이 설치물은 사람들이 자신의 감정과 감각을 연결하여 개인적으로든 집단적으로든 자신의 슬픔을 경험하고 삶을 축하하고 새로운 시작을 축하하기 위해 인류를 초대할 수 있는 치유의 신성한 공간이었습니다.

세미나
Citibank는 LA 아트 쇼에서 가장 인기 있는 갤러리 중 일부를 강조하는 일련의 대면 및 라이브 스트리밍 이벤트 및 토론인 Virtual Gallerist Talks와 함께 돌아옵니다. 주말 내내 씨티은행은 LA Art Show Gallerist Talks를 주최했습니다. 갤러리스트들과의 라이브 대화에는 전시회 안내와 엄선된 작품에 대한 해설이 포함되었습니다. 조정된 노력으로 5개의 선택된 갤러리에 초점을 맞춘 대면 및 가상 경험이 모두 있었습니다. 이 시리즈는 시청자에게 각 작품에 대한 활발한 대화와 함께 각 쇼의 큐레이션을 심층적으로 살펴볼 수 있도록 합니다.

자선 단체
지난 6년 동안 LA Art Show는 St. Jude Children’s Research Hospital이 소아암 및 기타 생명을 위협하는 질병을 이해, 치료 및 퇴치하는 데 앞장서고 있는 St. Jude Children’s Research Hospital의 강력하고 확고한 후원자였습니다. 2021년에도 St. Jude Children’s Research Hospital은 LA Art Show에서 야간 입장권의 15%를 기부할 뿐 아니라 올해 모든 입장권의 수익금을 인명 구조 임무에 기부하는 등 수혜자로 남아 있습니다.

장소
LA 아트 쇼는 도시의 역동적인 진원지에 전략적으로 위치해 있으며, LA 컨벤션 센터는 높은 천장과 넓은 공간이 특징인 남부 캘리포니아에서 가장 기술적으로 발전된 녹색 행사장입니다. 여기에는 그래미 어워드(Grammy Awards), 그래미 박물관(Grammy Museum), 그리고 노키아 극장(Nokia Theatre), 스테이플스 센터 아레나(Staples Center Arena), 최고의 레스토랑, 리츠 칼튼 호텔 앤 레지던스(The Ritz Carlton Hotel and Residences)를 포함하는 인상적인 엔터테인먼트 단지가 있습니다. 예술 후원자들은 클래식 음악(디즈니 홀), 극장(마크 테이퍼 및 아만슨), 현대 미술(MOCA, 아트 디스트릭트)에서 최고를 위해 LA 다운타운으로 기꺼이 운전합니다.