Reseña de LA Art Show 2021, Los Ángeles, California, Estados Unidos

LA Art Show, la muestra de arte contemporáneo internacional más completa de Estados Unidos, inauguró oficialmente la temporada de arte de la ciudad 2021 en el Centro de Convenciones de Los Ángeles el 29 de julio de 2021. La feria de arte más grande y de mayor duración de Los Ángeles hace un regreso triunfal después de su 26 aniversario histórico. LA Art Show es la experiencia artística internacional incomparable con más de 80 galerías, museos y organizaciones artísticas sin fines de lucro de todo el mundo que exhiben pintura, escultura, obras en papel, instalación, fotografía, diseño, video y performance.

Los Ángeles se ha convertido en un epicentro mundial del arte y la cultura, con una influencia multicultural distintiva y entretejida única en la ciudad. La diversidad es nuestra fuerza y ​​el arte es más impactante cuando incluye o trasciende todas las fronteras. A medida que Los Ángeles se convierte en el destino de arte de clase mundial, LA Art Show continúa liderando el camino con una programación innovadora y experiencias únicas para una audiencia de coleccionistas en expansión. LA Art Show sirvió como impulsor del auge de la ciudad como capital de las artes y proporcionó una sensación de normalidad después de un año lleno de confusión e incertidumbre para el mundo del arte.

LA Art Show crea una de las ferias de arte internacionales más grandes de los Estados Unidos, proporcionando una experiencia de arte apasionante, inmersiva y privilegiada para los patrocinadores, sus invitados selectos y clientes VIP. La muestra atrae a una lista de élite de galerías nacionales e internacionales, artistas aclamados, curadores de gran prestigio, arquitectos, profesionales del diseño, junto con coleccionistas exigentes.

Este entorno cultural innovador y excepcional atrae a ejecutivos y miembros de la junta de empresas del sur de California, representantes del gobierno estatal, del condado y municipal, así como a líderes de las instituciones culturales de la región. Los asistentes son creadores de tendencias, personas influyentes y consumidores alfa, que buscan y exigen lo más nuevo y lo mejor en todas las áreas de sus vidas: el arte, el diseño, la comida, la tecnología y los viajes son puntos de pasión específicos.

La edición 2021 de DIVERSEartLA, comisariada por Marisa Caichiolo, se centra en la presencia, las contribuciones, la investigación y la documentación de mujeres y artistas no binarias en la vanguardia del trabajo en la intersección del arte, la ciencia y la tecnología representadas por Museos e Instituciones invitados. Esta parte de la muestra se enfoca en la presencia, contribuciones, investigación y documentación de mujeres y artistas no binarias a la vanguardia del trabajo en la intersección del arte, la ciencia y la tecnología, representadas por museos e instituciones invitados.

LA Art Show ha desarrollado una programación única para resaltar algunos de los avances más interesantes en el arte, incluidos AR, VR y NFT, brindando a los visitantes un espacio para observar, aprender y disfrutar. Esta nueva programación, además del diseño y los medios más clásicos por los que es conocido el programa, se diseñó pensando en los espectadores, exponiendo a las personas a algo nuevo y haciendo que el arte y la tecnología digitales sean más accesibles. Con esto, el LA Art Show fue el primer espectáculo EN VIVO que se unió a la conversación de NFT.

Más de 180,000 pies cuadrados de espacio de exhibición están dedicados a las galerías prominentes de la actualidad. Estas galerías nacionales e internacionales, más allá de sus stands, curan exhibiciones especiales que están a la vanguardia del floreciente movimiento de arte contemporáneo. La feria ofrece un extraordinario abanico de trabajos y experiencias en secciones especializadas.

LA Art Show 2021
LA Art Show 2021 crea una de las ferias de arte internacionales más grandes de los Estados Unidos, brindando una experiencia de arte emocionante, inmersiva e interna para los patrocinadores, sus invitados selectos y clientes VIP. La muestra atrae a una lista de élite de galerías nacionales e internacionales, artistas aclamados, curadores de gran prestigio, arquitectos, profesionales del diseño, junto con coleccionistas exigentes.

Este entorno cultural innovador y excepcional atrae a ejecutivos y miembros de la junta de empresas del sur de California, representantes del gobierno estatal, del condado y municipal, así como a líderes de las instituciones culturales de la región. Los asistentes son creadores de tendencias, personas influyentes y consumidores alfa, que buscan y exigen lo más nuevo y lo mejor en todas las áreas de sus vidas: el arte, el diseño, la comida, la tecnología y los viajes son puntos de pasión específicos.

Algunas de las galerías favoritas de LA Art Show regresan en la edición de 2021, incluidas Arcadia Contemporary, Caldwell Snyder Gallery, Simard Bilodeau Contemporary y Rebecca Hossack Art Gallery de Londres para la alineación de Modern + Contemporary. La muestra vuelve a tener presencia internacional con la Pigment Gallery que regresa de España, In The Gallery que regresa de Dinamarca y el trabajo de Gallery KITAI en Japón, solo por nombrar algunos.

Modern + Contemporary: la sección más grande de programación en LA Art Show, Modern + Contemporary exhibe el amplio espectro de pintura, ilustración, escultura y más contemporáneos de galerías en Los Ángeles, la Cuenca del Pacífico y países de todo el mundo.

DIVERSEartLA – Aprovechando la posición de la ciudad en la Cuenca del Pacífico, DIVERSEartLA es una sección de programación especial dedicada a nutrir la energía creativa de coleccionistas, artistas, curadores, museos y organizaciones sin fines de lucro internacionales al conectarlos directamente con el público de Los Ángeles. LA Art Show dona 50,000 pies cuadrados de espacio de exhibición a las organizaciones participantes cada año como nuestro compromiso cívico, y el trabajo presentado no está a la venta. Curaduría general a cargo de Marisa Caichiolo con curadores individuales de instituciones de todo el mundo.

Exposiciones destacadas: más allá de los límites de los espacios de los stands, las exposiciones destacadas crean experiencias inmersivas para atraer al público a través de obras de arte, actuaciones y otras exposiciones que invitan a la reflexión ofrecidas por las galerías participantes, destacando las obras de las que se habló en los años venideros.

Roots – Honrando las voces y movimientos que vinieron antes, ROOTS es un espacio de exhibición dedicado para galerías que exhiben obras históricas y artistas contemporáneos que siguen esas tradiciones.

Project Space: provenientes de todo el mundo, los expositores de Project Space muestran una amplia gama de ideas y talentos en forma de exposiciones individuales, presentadas por las galerías participantes.

Works On Paper – Works on Paper es un espacio de exhibición dedicado para exhibir fotografías y otras obras que no están en lienzos tradicionales.

Exposiciones

Donde las calles no tienen nombre
Arushi Arts presenta ‘Where the Streets Have No Name’, una colección de obras de artistas pop callejeros emergentes de diferentes partes del mundo. Yuxtapuestas con obras de arte intrincadas del sudeste asiático, las obras de arte se muestran una al lado de la otra para dar al espectador una sensación de la naturaleza única de las técnicas utilizadas mientras comparten la noción de «sus calles» como el quid.

La colección muestra obras de arte de Riya Chandiramani, un artista indio de Hong Kong; una cuadrícula de pequeños letreros de metal en las calles del artista de Los Ángeles, Sellout; una escultura de cerámica en monopatín de la escultora de Miami Jenna Helfman; obra del artista pop británico Marty Thorton; el artista callejero contemporáneo Roger James, de Los Ángeles; y el artista británico emergente George Weait. A través de generaciones, los artistas se han inspirado en su medio y estas obras de arte ilustran un diálogo entre los artistas y sus respectivos entornos.

Iconoclastas: el salón de Kilduff
El artista de Los Ángeles, John Kilduff, ha creado una instalación interactiva en la feria construida a partir de pinturas y esculturas de cartón para que parezca un bar de barrio. Los asistentes tendrán la oportunidad de entrar en la instalación inmersiva y pedir ‘bebidas’ pintadas a mano por el artista. Kilduff creará diariamente nuevos cuadros de cócteles y bebidas especiales. Los participantes tendrán la oportunidad de pedir lo que esté disponible o, cuando el artista esté presente, pedir bebidas personalizadas fuera del menú. Una parte de las ganancias se destinará a apoyar a los trabajadores de bares y locales que están pasando por dificultades económicas debido a la pandemia.

Con base en Los Ángeles, John Kilduff, también conocido como Mr Let’s Paint, es conocido por su atrevido arte escénico y su programa de televisión, Let’s Paint TV. A través de su espectáculo y trabajo, Kilduff impulsa su resistencia pictórica a través de una serie de desafíos de pintura y multitarea para alentar al público a abrazar la creatividad y la autoexpresión a través de los obstáculos de la vida.

Campos de color I Michael Loew
Michael Loew utilizó la estructura de cuadrícula de Piet Mondrian como base para experimentar con las posibilidades de la paleta y para centrarse en las sutiles transiciones de tono o armonía de las relaciones de color. Cambió los sujetos en patrones únicos de rectángulos o colores. Como uno de los principales defensores del expresionismo abstracto y más tarde de la pintura Color Field, Loew produjo muchos ejemplos coloridos, como Blue Edge y Yellow on Yellow.

A finales de la década de 1920, Michael Loew se inscribió en la Art Student’s League y más tarde estuvo en Francia, donde estudió con Fernand Leger. Loew era amigo cercano y desde hacía mucho tiempo de Willem de Kooning, quien influyó en su trabajo. Después de Pearl Harbor, Loew se unió a la Marina y se desempeñó como artista del batallón de los «Seabees» en el Pacífico. Sus acuarelas se extrajeron en gran parte de su trabajo de la Marina en la isla de Tinian. Cuando regresó a casa en 1946, su pintura se movió rápidamente hacia la Abstracción.

Fue la década de 1950 la que trajo el pleno desarrollo de su estilo maduro. Estudió con Hans Hoffman y cultivó su sensibilidad por los efectos de color. A lo largo de su vida, el trabajo de Loew se exhibió extensamente en galerías y museos como: The Guggenheim y The Whitney en Nueva York, el Museo de Arte de Dallas y el Museo de Arte de Filadelfia.

Resumen en la naturaleza I Paik Gannomi
El pintor abstracto coreano-estadounidense Paik Gannomi en sus concisos cinco trazos fluidos produjo Sonaggi (Rainstorm) en 1973, Nueva York. Absteniéndose de ser elaborado o superfluo en la expresión de un fenómeno natural, Rainstorm, afirmó con un mínimo de líneas y colores. En su uso de la línea, comparte puntos en común con la forma coreana de arte de la caligrafía Seoye, en la que una fuerza de trazo debe cobrar vida con un movimiento y ritmo inherentes. Los trazos del artista Gannomi añaden un dinamismo profundo mediante la encarnación característica del rojo intenso dentro del negro. El espacio resultante creado por las líneas es otra marca registrada de sus obras influenciadas por el arte tradicional coreano.

El arte de Paik Gannomi se puede clasificar como un expresionismo abstracto en la línea de Franz Klein y Jackson Pollack. La mayor parte del trabajo de Paik Gannomi no se creó conscientemente con un título en mente, sino que surgió una impresión superficial de las líneas y los espacios. Si bien sus contemporáneos en Corea encontraron fascinación con el movimiento monocromático en la década de 1970, él mantuvo su propio fuerte con el estilo único del fondo aguamarina superpuesto con las líneas fluidas de rojo sobre negro. El epítome de sus obras se hizo realidad cuando fue galardonado con el Prix d’Audonne por «Paysage de Seine» en el Grand Palais, París 1981. Previamente, en 1980, recibió el premio de la Alcaldía en el Palais Vincennes, París por «l’Automne «y» Sainte Face «.

Gravedad I Andreas von Zadora-Gerlof
Zadora-Gerlof rinde homenaje a MC Escher en este alucinante trabajo de acero inoxidable. La pieza se inspiró en Gravitation de 1952 del artista holandés, que exploró la imposibilidad de que múltiples fuentes de gravedad trabajen juntas en un solo objeto. Escher manifestó esta teoría a través de doce tortugas que usan la estrella como caparazón común. Representada en seis pares de colores: rojo, naranja, amarillo, violeta, verde y azul, cada tortuga descansa directamente frente a su contraparte.

Aunque la creación de Escher es una imposibilidad física, la presentó de una manera lógica y visualmente creíble. Zadora hace realidad la genialidad de la creación de Escher a través de piezas cortadas con precisión de acero inoxidable y polímero. A primera vista, parece ser un revoltijo sin sentido de cabezas y extremidades de tortuga, aunque una inspección más cercana revela la simetría y armonía inherentes al diseño.

«El grito de la mariposa»
Esta instalación, creada a partir de 490 pétalos de cerámica, se inspira en el hecho de que las mariposas han visto realmente reducido su hábitat de forma alarmante durante el reino del ser humano. Siéntase libre de acercar su teléfono celular al código QR y estar listo para escuchar el «grito de la mariposa», cuando estas hermosas criaturas exigen su turno para gobernar el mundo, para traer el beneficio del equilibrio y el bienestar para todos los seres en nuestro planeta.

Pantalla plegable de panel digital de dibujos animados: fronteras imaginadas I Lee Lee Nam
Lee Lee Nam (n. 1969) crea fusiones del entorno de alta tecnología y la cultura tradicional de hoy. Con una delicadeza excepcional, crea fascinantes obras digitales y de video que yuxtaponen pinturas de viejos maestros europeos y arte asiático tradicional con imágenes modernas. Las obras de arte se superponen y entrelazan como un palimpsesto, creando una imagen tan ficticia como sueños superpuestos a la realidad.

Liminal: Martian Sun I Félicie d’Estienne d’Orves
Mezclando luz, escultura y nuevas tecnologías, el trabajo de Félicie d’Estienne d’Orves cuestiona el proceso de la visión y deconstruye nuestra mirada. Entrelazando la ciencia y las cualidades intangibles de la vida y sus filosofías, Félicie cuestiona, sacude y profundiza en hechos sobre el universo, traduciéndolos en fascinantes instalaciones artísticas que son asombrosamente intelectuales, complejas y hermosas.

Sus instalaciones utilizan un enfoque fenomenológico de la realidad, subrayan la percepción del tiempo como un continuo. Desde la performance audiovisual hasta el land art, su investigación se ha centrado en el espacio astrofísico y los ciclos de la luz natural. El artista visual trabaja con paisajes del espacio exterior a través de un proceso de ‘tele-visión’, donde la profundidad de campo se aumenta mediante telescopios, rovers y modelos astrofísicos.

Liminal: Martian Sun es un espectáculo que decidimos construir en torno a la obra focalizada de las obras de Félicie que se cruzan a través de diferentes dimensiones, tiempo y espacio. Flotando entre opuestos, las obras de la artista desafían los lugares de los intervalos como la vida y la muerte, la luz y la oscuridad, lo cercano y lo lejano, la realidad y lo espiritual entre muchos otros, impulsando una parte importante de su práctica y el núcleo de nuestra exposición, de ahí nuestro título. .

Programas
Como el primer espectáculo en vivo que se une a la locura de NFT, presentando a los asistentes la increíble tendencia en el arte digital, LA Art Show ha establecido una reputación de liderar el grupo. Como tal, los visitantes pueden esperar tendencias artísticas aún más llamativas.

DIVERSEartLA
La edición 2021 de DIVERSEartLA, comisariada por Marisa Caichiolo, se centra en la presencia, las contribuciones, la investigación y la documentación de mujeres y artistas no binarias a la vanguardia del trabajo en la intersección del arte, la ciencia y la tecnología representadas por museos, instituciones y no invitados. -Organizaciones con fines de lucro. La ciencia, el arte y la tecnología son intentos humanos de comprender y describir el mundo que nos rodea. Los temas y métodos tienen tradiciones diferentes y las audiencias previstas son diferentes, pero creo que las motivaciones y los objetivos son fundamentalmente los mismos. Creo que una de las necesidades más primarias e innatas de los seres humanos es comprender el mundo que nos rodea y luego compartir esa comprensión.

Esta ola comenzó en la década de 1920, cuando muchos artistas se propusieron crear obras visuales basadas en el tiempo. Aunque algunas de las obras parecían encarnar la tecnología y la innovación, muchas de ellas en realidad se originaron en la forma más tangible de realidad, los entornos naturales circundantes del artista.

En el campo del arte digital en los últimos quince años, muchos artistas han estado trabajando en la materialización de la información digital y las prácticas de los nuevos medios por medios audiovisuales (como trabajos de instalación, audiovisuales y performances que incluyen tecnología) con el fin de captar la imaginación de la misma; mientras que otros artistas pretenden presentar el concepto de ‘señales’ desde la perspectiva de la sinestesia: intentan visualizar señales sonoras con la ayuda de maquinaria y, por lo tanto, transforman las imágenes geométricas abstractas en sonidos a través de operaciones informáticas.

DIVERSEartLA fue un examen y una recopilación de material, así como una exposición que presenta el trabajo de mujeres y artistas no binarias que han jugado un papel central en el desarrollo de las prácticas de los nuevos medios dentro de las instituciones de arte y a lo largo de la historia. También nos estamos sumergiendo en un nuevo período en el que hemos tenido que lidiar con la ruptura de las relaciones tradicionales entre lo material y lo inmaterial.

Tiffany Trenda, una artista de performance multidisciplinaria, conocida por explorar la relación del cuerpo femenino con las tecnologías en constante cambio de hoy. Ella está trabajando con DIVERSEartLA para llevar de manera segura la actuación en vivo a la feria de arte, coordinando una experiencia de visualización para los asistentes a través de un código QR. Cada persona puede usar su propio teléfono inteligente para interactuar con ella en tiempo real a través de la grabación de video volumétrica.

Museo de Arte de las Américas
Art Museum of the Americas (AMA) se ha sumado a un proyecto especial comisariado por Fabian Goncálves, que presenta una recopilación de material y el trabajo de mujeres artistas que han jugado un papel central en el desarrollo de las prácticas de los nuevos medios a lo largo de la historia, así como por mujeres y personas no binarias cuyas prácticas progresistas están remodelando actualmente el campo. El artista venezolano Luis Cobelo (PILAR) formó parte de AMA con una performance, Yolanda Leal de México presentará la performance Gorilla Nature y una performance especial también será presentada por María Veroónica San Martin.

Dignidad
Dignidad es una instalación de arte en el Archivo Nacional de Chile basada en documentos telefónicos secretos sobre Colonia Dignidad. Encontrado en 2012 por el ex colono y activista Winfried Hempel, los audios revelan por primera vez al público las conversaciones entre Paul Schäfer y otros agentes nazis en 1978. A través de la escultura, el sonido, la interpretación, el texto y una selección de archivos históricos , la instalación revela un complejo sistema de códigos y acciones transcontinentales que culminaron en crímenes contra menores y opositores a la dictadura cívico-militar chilena (1973-1990).

DATOS | ergo sum | RECARGADO
DATOS | ergo sum | RELOADED es una instalación de arte interactiva que visualiza la capacidad de ver máquinas que utilizan Inteligencia Artificial para extraer datos mediante una simple observación de los visitantes, creada por la artista Ana Marcos. Ana Marcos es licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Madrid e Ingeniera Industrial por la Universidad Politécnica de Madrid. Como artista multidisciplinar, combina diferentes formas de arte como instalaciones interactivas, video y fotografía, trabajando en nuevas formas de experimentación en el campo de las artes. Es la líder y cofundadora de 3Dinteractive, un grupo de ingenieros y artistas que busca, a través de la investigación, una comprensión más profunda de la relación entre arte-ciencia-tecnología y el público. Toda tecnología produce un cambio en nuestra forma de vivir y entender la realidad.

Hoy tenemos a nuestra disposición entornos tecnológicos complejos e innovadores, trabajos basados ​​en la experimentación y estudios de Universidades de todo el mundo y todo ese conocimiento está disponible en la red para ser compartido no solo por tecnólogos, sino también por artistas. Está claro que el impulso y la relevancia de esa tecnología en general, y de la Inteligencia Artificial en particular, está ganando en nuestra sociedad y, como artista, cree que el trabajo artístico tiene la obligación de explorar y experimentar en el campo de la IA. El arte siempre se abre paso en el pensamiento y, por tanto, también en la tecnología, y puede aportar otras perspectivas a los desarrollos más innovadores. Ya sea que la IA sea una herramienta o una disciplina, es, y fue, un tema de trabajo para los artistas. Con suerte, el arte también podrá influir en los desarrollos de la IA.

La sinfonía del ahora
El Museo de Arte San Marcos (MASM) de Lima, Perú trae un nuevo proyecto mediático de realidad aumentada de la artista peruana Angie Bonino, titulado “LA SINFONÍA DEL AHORA, que consiste en una video instalación y una instalación de sonido interactiva enfocada en el techno andino chamanismo descolonial. Este mundo en el que vivimos hoy, que se ha convertido en una pantalla universal envolvente que atrapa y sujeta nuestros ojos, pero que no nos deja ver. Debido a su visibilidad extrema, extraordinariamente intensa, repetitiva, hipnotizante, alienante, las redes de poder y sus objetivos de dominación se vuelven invisibles. Y así, inadvertido, su dominio se vuelve inescrutable y totalmente irreversible.

La artista, Angie Bonino, nació en Lima (Perú), en 1974, y ha viajado continuamente por todo el mundo, incluso vivió y trabajó en Barcelona, ​​España durante once años. No es de extrañar, entonces, que el principal medio de sus propuestas artísticas sean precisamente las películas, concretamente el vídeo y las videoinstalaciones. Sin embargo, esto no significa que sean sus únicas formas de expresión.

Angie Bonino es una artista de nuestro tiempo en todos los sentidos, una artista multimedia que se centra en el cruce del arte y la tecnología. Después de todo, además del video, sus obras también se expresan en animación, técnicas digitales, estampas gráficas, dibujos, pinturas y esculturas. Sin embargo, a través de toda esta pluralidad de medios, permanece en todo momento la misma intención estética predominante: cuestionar la imagen. En la obra de Angie Bonino, este cuestionamiento de la imagen a través de las obras de arte siempre tiene una intención moral y política. Su objetivo es revelar, en todas las redes de producción y transmisión de imágenes hipermediáticas, la difusión de lo invisible, lo oculto, las esferas y los sistemas de poder que determinan la configuración de lo que ella llama el mundo de la imagen.

Distanciamiento inmersivo
Estos artistas abordan nuestro actual momento cultural y político en relación con el cuerpo, la memoria, las huellas de archivo y el paisaje urbano. La inmigración, como experiencia personal y realidad sociopolítica, informa su trabajo más amplio. Estos artistas han trabajado anteriormente en instalación y escultura, basándose en gran medida en artefactos y archivos familiares, así como en exploraciones del espacio arquitectónico. Aquí, se acercan a los medios como una tecnología de visualización que trae sus trabajos basados ​​en el sitio en una narrativa inmersiva, mientras que también involucran, adaptan y desafían la abstracción inherente a la ciencia, pero especialmente a la ciencia digital.

La producción, la característica formal y el contenido de estos trabajos de medios se vieron directamente afectados por las restricciones de Covid-19, lo que llevó a cada artista a desarrollar modos de trabajo remotos que desdibujaron la línea entre producción y postproducción. Ambos artistas recurrieron a múltiples fuentes digitales: videos, fotografías y grabaciones de audio. En Last Light, Argote utiliza las imágenes y los sonidos de sus paseos por Los Ángeles durante la pandemia como base para una meditación sobre la enfermedad y la destrucción. Ella recurre a la base de toda ciencia, la medición, proponiendo medir su cuerpo en relación con la escala de la ciudad y el mundo, pero utiliza la base de todo el arte, la mano, como base para establecer la escala.

En Memory Place, Abes explora tres momentos en su “certeza deshilachada” sobre Estambul, ya que se convierte en una idea más que en un lugar, visualizando este proceso a través de datos de nubes de puntos y fotogrametría que transforman videos y fotografías en entornos 3D que se alejan del espectador. Estos entornos son impresionistas y parciales, con lagunas aquí y allá en las escenas representadas y con porciones de imágenes que se enfocan más nítidamente a medida que se mueven hacia el punto de fuga. En ambas obras, la naturaleza fragmentaria de las imágenes se vuelve inmersiva por el diseño de sonido.

Agua
Agua ofrece al público un espacio, un oasis, de sanación y comprensión. El trabajo es específico del sitio y está integrado arquitectónicamente para fomentar una conciencia poética del agua como un recurso sagrado para la humanidad, al tiempo que crea un momento de reflexión para quienes asisten. Agua es una obra de arte multicanal que combina videos de agua recolectada a lo largo de años de la exploración de la naturaleza en todo el mundo. Los matices de color cambiantes que se ven en todas partes expresan varios estados mentales y emocionales, armonizando la experiencia interactiva físicamente con una interna.

Now Art LA y Building Bridges Art Exchange se han unido como organizaciones locales sin fines de lucro para presentar la obra Agua de la artista Luciana Abait, una proyección de video inspirada en el motivo del mito de las inundaciones que ocurre en muchas culturas en las que el agua actúa como curativo y reconstructivo. herramienta de nacimiento, a menudo haciendo referencia a ideas de creación, purificación y sustento de la vida. Agua, tal como se exhibe en el centro de Los Ángeles, respalda un llamado a la acción y subraya la importancia del agua como un componente clave para nuestra supervivencia futura. Pretendo que este trabajo participe en la apertura de conciencia y acciones en torno a iniciativas ambientales con profundidad, belleza, gracia y asombro.

Las voces de las niñas ahora
Women’s Voices Now (WVN) es una organización sin fines de lucro 501 (c) 3 con sede en Los Ángeles que utiliza el poder del cine para impulsar un cambio social positivo que promueva los derechos de las mujeres y las niñas a nivel mundial. Buscamos desafiar la representación errónea e insuficiente de las mujeres mediante la promoción de películas hechas por mujeres, sobre mujeres, para todos.

Girls ‘Voices Now ha prestado servicios a 70 niñas de comunidades de escasos recursos y ha supervisado la producción de sus 12 cortometrajes, que han sido seleccionados y premiados en 48 festivales de cine y que han visto más de 522.000 espectadores en línea gracias a nuestras asociaciones con Here Media. Kanopy, ONU Mujeres y la campaña #HeforShe de la ONU. Este programa empodera a las niñas y a los jóvenes que se identifican como mujeres de comunidades de escasos recursos para que encuentren, desarrollen y utilicen sus voces para lograr un cambio social positivo a través de la realización cinematográfica.

Rendimiento: In / Visto
La artista Tiffany Trenda presenta Un / Seen, una actuación en vivo dentro de una experiencia inmersiva utilizando captura volumétrica. Se transforma en tiempo real dependiendo de las acciones del público. Con nuevas experiencias inmersivas, nos desencarnamos. Es decir, estamos físicamente en un espacio mientras nuestros ojos y pensamientos experimentan otro mundo simultáneamente. Nuestros cuerpos se disocian a medida que cambiamos entre lo simulado y lo real. Además, no estamos inmediatamente en presencia de otro. Nuestra presencia está mediada y transportada a otro espacio que en realidad no existe. En esencia, somos vistos y no vistos.

Estas nuevas aplicaciones también difuminan el papel del usuario y el creador al permitir que ambas partes cambien la experiencia. Es decir, el espectador ya no es testigo sino colaborador. Además, todas las partes están representadas como avatares y esto abre una narrativa de «¿quién es este?» y «¿qué pasa?» Nuestros roles como jugadores en estos juegos son ambiguos, un reflejo perfecto de nuestro tiempo con la incertidumbre de nuestro futuro.

Imagrafía (documental)
Imagraphy es un documental donde una variedad de fotógrafos internacionales comparten sus historias sobre el oficio, la industria, las técnicas y sus impresiones generales del mundo visto a través de sus lentes. Con la participación de: Roger Ballen, James Balog, John Batho, Peter Bialobrzeski, Michel Comte, Ralph Gibson, Greg Gorman, Henry Horenstein, Graciela Iturbide, Hiroji Kubota, Sir Derry Moore, Howard Schatz, Andres Serrano, Sandy Skoglund, Paul Watson y Stephen Wilkes.

Memorial del río Rose
El Rose River Memorial es una colaboración artística comunitaria que honra y lamenta las muchas vidas perdidas durante la pandemia de COVID-19 en los Estados Unidos. Rose River Memorial aspira a crear una rosa de fieltro como símbolo del dolor por cada vida perdida. La instalación fue un espacio sagrado para la sanación, donde las personas pueden conectarse con sus propios sentimientos y sentidos para experimentar su propio duelo, de forma individual o colectiva, además de celebrar la vida e invitar a la humanidad a celebrar nuevos comienzos.

Seminarios
Citibank regresa con Virtual Gallerist Talks, una serie de eventos y discusiones en vivo y en persona que destacan algunas de las galerías más populares de LA Art Show. Durante todo el fin de semana, Citibank organizó las charlas de galeristas de LA Art Show. Estas conversaciones en vivo con los galeristas incluyeron un recorrido por las exposiciones, así como comentarios sobre obras de arte seleccionadas. En un esfuerzo coordinado, hubo una presencia en persona y una experiencia virtual, centrándose en cinco galerías seleccionadas. Esta serie ofrece a los espectadores una mirada en profundidad a la curaduría de cada programa, con un animado diálogo sobre cada pieza.

Caridad
Durante los últimos seis años, LA Art Show ha sido un partidario firme e inquebrantable del St. Jude Children’s Research Hospital, ya que lidera la forma en que el mundo entiende, trata y derrota el cáncer infantil y otras enfermedades potencialmente mortales. En 2021 St. Jude Children’s Research Hospital sigue siendo el beneficiario, y el LA Art Show dona el 15% no solo de las entradas nocturnas de apertura, sino que todas las entradas proceden este año a su misión de salvar vidas.

Sede
El LA Art Show está estratégicamente ubicado en el epicentro dinámico de la ciudad, el Centro de Convenciones de Los Ángeles es el lugar verde tecnológicamente más avanzado del sur de California, con techos altos y un amplio espacio. Aquí se encuentran los premios Grammy, el Museo Grammy y un impresionante complejo de entretenimiento que incluye el Nokia Theatre, el Staples Center Arena, los mejores restaurantes y The Ritz Carlton Hotel and Residences. Los mecenas de las artes conducen con gusto al centro de Los Ángeles para disfrutar de lo mejor en música clásica (Disney Hall), teatro (Mark Taper y Ahmanson) y arte contemporáneo (MOCA, Art District).