Il LA Art Show, la mostra d’arte contemporanea internazionale più completa in America, dà ufficialmente il via alla stagione artistica 2021 della città al Los Angeles Convention Center il 29 luglio 2021. La più grande e longeva fiera d’arte di Los Angeles fa un trionfante ritorno dopo il suo punto di riferimento 26 ° anniversario. LA Art Show è l’impareggiabile esperienza artistica internazionale con oltre 80 gallerie, musei e organizzazioni artistiche senza scopo di lucro di tutto il mondo che espongono pittura, scultura, opere su carta, installazione, fotografia, design, video e performance.

Los Angeles è emersa come un epicentro globale di arte e cultura, con un’influenza multiculturale distinta e intrecciata unica per la città. La diversità è la nostra forza e l’arte è più impattante quando include o trascende tutti i confini. Mentre Los Angeles si afferma come destinazione di livello mondiale per l’arte, il LA Art Show continua ad aprire la strada con una programmazione innovativa ed esperienze uniche per un pubblico di collezionisti in espansione. Il Los Angeles Art Show è servito da motore per l’ascesa della città come capitale dell’arte e ha fornito un senso di normalità dopo un anno pieno di turbolenze e incertezze per il mondo dell’arte.

Il LA Art Show crea una delle più grandi fiere d’arte internazionali negli Stati Uniti, offrendo un’esperienza artistica entusiasmante, coinvolgente e riservata agli sponsor, ai loro ospiti selezionati e ai clienti VIP. La mostra attrae un elenco d’élite di gallerie nazionali e internazionali, artisti acclamati, curatori molto apprezzati, architetti, professionisti del design, insieme a collezionisti esigenti.

Questo ambiente culturale innovativo ed eccezionale attrae dirigenti e membri del consiglio di amministrazione di aziende del sud della California, rappresentanti del governo statale, di contea e municipale, nonché leader delle istituzioni culturali della regione. I partecipanti sono trendsetter, influencer e consumatori alfa, che cercano e richiedono il meglio e il più nuovo in tutte le aree della loro vita: arte, design, cibo, tecnologia e viaggi sono punti di passione specifici.

L’edizione 2021 di DIVERSEartLA, curata da Marisa Caichiolo, verte sulla presenza, i contributi, la ricerca e la documentazione di donne e artiste non binarie in prima linea nel lavoro all’incrocio tra arte, scienza e tecnologia rappresentato da Musei e Istituzioni ospiti. Questa parte della mostra si concentra sulla presenza, i contributi, la ricerca e la documentazione di donne e artisti non binari in prima linea nel lavoro all’intersezione tra arte, scienza e tecnologia, rappresentata da musei e istituzioni ospiti.

Il LA Art Show ha sviluppato una programmazione unica per evidenziare alcuni dei progressi più interessanti nell’arte tra cui AR, VR e NFT, offrendo ai visitatori uno spazio per osservare, imparare e divertirsi. Questa nuova programmazione, oltre al design e ai mezzi più classici per cui lo spettacolo è noto, è stata progettata pensando agli spettatori, esponendo le persone a qualcosa di nuovo e rendendo l’arte e la tecnologia digitali più accessibili. Con questo, il LA Art Show è stato il primo spettacolo LIVE a partecipare alla conversazione NFT.

Più di 180.000 piedi quadrati di spazio espositivo sono dedicati alle gallerie importanti di oggi. Queste gallerie nazionali e internazionali, oltre ai loro stand, curano mostre speciali che sono in prima linea nel fiorente movimento artistico contemporaneo. La fiera offre una straordinaria gamma di opere ed esperienze in sezioni specializzate.

LA Mostra d’Arte 2021
Il LA Art Show 2021 crea una delle più grandi fiere d’arte internazionali negli Stati Uniti, offrendo un’esperienza artistica entusiasmante, coinvolgente e riservata agli sponsor, ai loro ospiti selezionati e ai clienti VIP. La mostra attrae un elenco d’élite di gallerie nazionali e internazionali, artisti acclamati, curatori molto apprezzati, architetti, professionisti del design, insieme a collezionisti esigenti.

Questo ambiente culturale innovativo ed eccezionale attrae dirigenti e membri del consiglio di amministrazione di aziende del sud della California, rappresentanti del governo statale, di contea e municipale, nonché leader delle istituzioni culturali della regione. I partecipanti sono trendsetter, influencer e consumatori alfa, che cercano e richiedono il meglio e il più nuovo in tutte le aree della loro vita: arte, design, cibo, tecnologia e viaggi sono punti di passione specifici.

Alcune delle gallerie preferite del LA Art Show tornano nell’edizione 2021, tra cui Arcadia Contemporary, Caldwell Snyder Gallery, Simard Bilodeau Contemporary e Rebecca Hossack Art Gallery di Londra per la scaletta di Modern + Contemporary. La mostra ha ancora una volta una presenza internazionale con la Pigment Gallery di ritorno dalla Spagna, In The Gallery di ritorno dalla Danimarca e il lavoro della Gallery KITAI in Giappone, solo per citarne alcuni.

Modern + Contemporary – La più grande sezione di programmazione al LA Art Show, Modern + Contemporary espone il vasto spettro di pittura contemporanea, illustrazione, scultura e altro dalle gallerie di Los Angeles, del Pacifico e dei paesi di tutto il mondo.

DIVERSEartLA – Sfruttando la posizione della città sul Pacific Rim, DIVERSEartLA è una sezione di programmazione speciale dedicata a coltivare l’energia creativa di collezionisti, artisti, curatori, musei e organizzazioni non profit internazionali collegandoli direttamente con il pubblico di Los Angeles. Il LA Art Show dona ogni anno 50.000 piedi quadrati di spazio espositivo alle organizzazioni partecipanti come nostro impegno civico e il lavoro presentato non è in vendita. Curatela complessiva di Marisa Caichiolo con curatori individuali di istituzioni di tutto il mondo.

Mostre in primo piano – Espandendosi oltre i confini degli spazi dello stand, le mostre in primo piano creano esperienze coinvolgenti per coinvolgere il pubblico attraverso opere d’arte stimolanti, spettacoli e altre mostre offerte dalle gallerie partecipanti, mettendo in evidenza opere di cui si è parlato negli anni a venire.

Roots – Onorando le voci e i movimenti precedenti, ROOTS è uno spazio espositivo dedicato alle gallerie che mettono in mostra opere storiche e artisti contemporanei che seguono quelle tradizioni.

Project Space – Provenienti da tutto il mondo, gli espositori di Project Space mettono in mostra un’ampia gamma di idee e talenti sotto forma di mostre personali, presentate dalle gallerie partecipanti.

Works On Paper – Works on Paper è uno spazio espositivo dedicato alla presentazione di fotografie e altre opere non su tela tradizionale.

Mostre

Dove le strade non hanno nome
Arushi Arts presenta “Where the Streets Have No Name”, una raccolta di opere di artisti di strada pop emergenti provenienti da diverse parti del mondo. Giustapposte a intricate opere d’arte del sud-est asiatico, le opere d’arte sono visualizzate l’una accanto all’altra per dare allo spettatore un senso della natura unica delle tecniche utilizzate, condividendo la nozione di “loro strade” come punto cruciale.

La collezione presenta opere di Riya Chandiramani, un artista indiano di Hong Kong; una griglia di piccoli cartelli stradali in metallo dell’artista di Los Angeles, Sellout; una scultura di skateboard in ceramica della scultrice di Miami Jenna Helfman; lavoro dell’artista pop britannico Marty Thorton; artista di strada contemporaneo, Roger James, di Los Angeles; e l’artista britannico emergente George Weait. Attraverso generazioni, gli artisti sono stati ispirati dal loro ambiente e queste opere illustrano un dialogo tra gli artisti e i loro rispettivi ambienti.

Iconoclasti: Kilduff’s Saloon
L’artista di Los Angeles John Kilduff ha creato un’installazione interattiva in fiera costruita con dipinti e sculture di cartone per assomigliare a un bar di quartiere. I partecipanti avranno l’opportunità di entrare nell’installazione immersiva e ordinare “drink” dipinti a mano dall’artista. Kilduff creerà ogni giorno nuovi dipinti di cocktail e drink speciali. I partecipanti avranno la possibilità di ordinare ciò che è alla spina o, quando l’artista è in sala, ordinare bevande personalizzate fuori menu. Una parte del ricavato andrà a sostenere i lavoratori di bar e locali che stanno attraversando difficoltà finanziarie a causa della pandemia.

Con sede a Los Angeles, John Kilduff, alias Mr Let’s Paint, è noto per le sue audaci performance artistiche e per il suo programma televisivo Let’s Paint TV. Attraverso il suo spettacolo e il suo lavoro, Kilduff spinge la sua resistenza pittorica attraverso una serie di sfide multitasking e di pittura per incoraggiare il pubblico ad abbracciare la creatività e l’espressione di sé attraverso gli ostacoli della vita.

Campi di colore I Michael Loew
Michael Loew ha utilizzato la struttura a griglia di Piet Mondrian come base per sperimentare le possibilità di tavolozza e per concentrarsi sulle sottili transizioni di tono o sull’armonia delle relazioni cromatiche. Ha cambiato i soggetti in modelli unici di rettangoli o colori. Come principale sostenitore dell’espressionismo astratto e della successiva pittura del campo di colore, Loew ha prodotto molti esempi colorati, come Blue Edge e Yellow on Yellow.

Alla fine degli anni ’20 Michael Loew fu iscritto alla Art Student’s League e in seguito fu in Francia dove studiò con Fernand Leger. Loew era amico intimo e di lunga data di Willem de Kooning che ha influenzato il suo lavoro. Dopo Pearl Harbor, Loew si unì alla Marina e prestò servizio come artista di battaglione per i “Seabees” nel Pacifico. I suoi acquerelli sono stati tratti in gran parte dal suo lavoro in Marina sull’isola di Tinian. Quando tornò a casa nel 1946, la sua pittura si spostò rapidamente verso l’astrazione.

Furono gli anni ’50 che portarono al pieno sviluppo del suo stile maturo. Ha studiato con Hans Hoffman e ha coltivato la sua sensibilità per gli effetti cromatici. Nel corso della sua vita, il lavoro di Loew è stato ampiamente esposto in gallerie e musei tra cui: The Guggenheim e The Whitney a New York, il Dallas Museum of Art e il Philadelphia Museum of Art.

Astratto in natura I Paik Gannomi
Il pittore astratto coreano-americano Paik Gannomi nei suoi cinque tratti concisi e fluenti ha prodotto Sonaggi (Rainstorm) nel 1973, a New York. Astenendosi dall’essere elaborato o superfluo nell’esprimere un fenomeno naturale, Rainstorm, ha affermato attraverso il minimo indispensabile di linee e colori. Nel suo uso della linea, condivide la comunanza con la forma coreana di arte calligrafica Seoye, in cui una forza del tratto deve prendere vita con un movimento e un ritmo intrinseci. I tratti dell’artista Gannomi aggiungono un profondo dinamismo grazie alla caratteristica incarnazione del rosso intenso all’interno del nero. Lo spazio conseguente creato dalle linee è un altro marchio di fabbrica delle sue opere influenzate dall’arte tradizionale coreana.

L’arte di Paik Gannomi può essere classificata come un espressionismo astratto in linea con Franz Klein e Jackson Pollack. La maggior parte del lavoro di Paik Gannomi non è stato creato consapevolmente con un titolo in mente, piuttosto un’impressione superficiale è emersa dalle linee e dagli spazi. Mentre i suoi contemporanei in Corea erano affascinati dal movimento monocromatico negli anni ’70, ha tenuto il suo forte con lo stile unico dello sfondo acquamarina sovrapposto al rosso fluente su linee nere. L’epitome delle sue opere si è concretizzato quando è stato insignito del Prix d’Audonne per “Paysage de Seine” al Grand Palais, Parigi 1981. In precedenza, nel 1980, ha ricevuto il premio del sindaco al Palais Vincennes, Parigi per “l’Automne ” e “Volto Santo”.

Gravity I Andreas von Zadora-Gerlof
Zadora-Gerlof rende omaggio a MC Escher in questa sbalorditiva opera in acciaio inossidabile. Il pezzo è stato ispirato da Gravitation del 1952 dell’artista olandese, che ha esplorato l’impossibilità di più fonti di gravità che lavorano insieme su un singolo oggetto. Escher ha manifestato questa teoria attraverso dodici tartarughe che usano la stella come un guscio comune. Rappresentata in sei coppie di colori – rosso, arancione, giallo, viola, verde e blu – ogni tartaruga si trova direttamente di fronte alla sua controparte.

Sebbene la creazione di Escher sia un’impossibilità fisica, l’ha presentata in un modo visivamente credibile e logico. Zadora realizza il genio della creazione di Escher attraverso pezzi di acciaio inossidabile e polimero tagliati con precisione. A prima vista, sembra essere un insensato miscuglio di teste e arti di tartaruga, anche se un’ispezione più ravvicinata rivela la simmetria intrinseca e l’armonia del design.

“Il grido della farfalla”
Questa installazione, creata da 490 petali di ceramica, si ispira al fatto che le farfalle hanno visto il loro habitat davvero ridotto in modo allarmante durante il regno dell’essere umano. Sentiti libero di avvicinare il tuo cellulare al codice QR e di essere pronto ad ascoltare il “grido della farfalla”, quando queste bellissime creature chiedono il loro turno per governare il mondo, per portare il beneficio dell’equilibrio e del benessere per tutti gli esseri su il nostro pianeta.

Schermo pieghevole con pannello digitale dei cartoni animati: bordi immaginati I Lee Lee Nam
Lee Lee Nam (nato nel 1969) crea fusioni tra l’ambiente high-tech di oggi e la cultura tradizionale. Con eccezionale finezza, crea affascinanti opere digitali e video che giustappongono dipinti di antichi maestri europei e arte tradizionale asiatica con immagini moderne. Le opere d’arte sono sovrapposte e intrecciate come un palinsesto, creando un’immagine fittizia come i sogni che si sovrappongono alla realtà.

Liminale: Sole di Marte I Félicie d’Estienne d’Orves
Mescolando luce, scultura e nuove tecnologie, il lavoro di Félicie d’Estienne d’Orves mette in discussione il processo della visione e decostruisce il nostro sguardo. Intrecciando la scienza e le qualità intangibili della vita e le sue filosofie, Félicie interroga, scuote e si tuffa in profondità nei fatti sull’universo, traducendoli in installazioni artistiche ipnotizzanti che sono così sorprendentemente intellettuali, complesse e belle.

Le sue installazioni utilizzano un approccio fenomenologico alla realtà, sottolineano la percezione del tempo come un continuum. Dalla performance audiovisiva alla land art, la sua ricerca si è concentrata sullo spazio astrofisico e sui cicli di luce naturale. L’artista visivo lavora con i paesaggi dello spazio esterno attraverso un processo di “televisione”, in cui la profondità di campo viene aumentata da telescopi, rover e modelli astrofisici.

Liminal: Martian Sun è una mostra che abbiamo deciso di costruire attorno all’opera focalizzata delle opere di Félicie che si intersecano attraverso diverse dimensioni, tempo e spazio. In bilico tra gli opposti, le opere dell’artista sfidano i luoghi degli intervalli come la vita e la morte, la luce e l’oscurità, il vicino e il lontano, la realtà e lo spirituale tra molti altri, guidando una parte importante della sua pratica e il nucleo della nostra mostra, da qui il nostro titolo .

Programmi
Essendo il primo spettacolo dal vivo a unirsi alla mania NFT, introducendo i partecipanti all’incredibile tendenza dell’arte digitale, il LA Art Show si è affermato come leader del gruppo. Pertanto, i visitatori possono aspettarsi tendenze artistiche ancora più accattivanti.

DIVERSEartLA
L’edizione 2021 di DIVERSEartLA, curata da Marisa Caichiolo, verte sulla presenza, i contributi, la ricerca e la documentazione di donne e artiste non binarie in prima linea nel lavoro all’incrocio tra arte, scienza e tecnologia rappresentato da Musei, Istituzioni e Non -organizzazioni a scopo di lucro. Scienza, arte e tecnologia sono tentativi umani di comprendere e descrivere il mondo che ci circonda. I soggetti ei metodi hanno tradizioni diverse e i destinatari sono diversi, ma penso che le motivazioni e gli obiettivi siano fondamentalmente gli stessi. Penso che uno dei bisogni più primordiali e innati degli umani sia capire il mondo che ci circonda e quindi condividere quella comprensione.

Questa ondata è iniziata negli anni ’20, quando molti artisti miravano a creare opere visive basate sul tempo. Sebbene alcune delle opere sembravano incarnare la tecnologia e l’innovazione, molte di esse in realtà hanno avuto origine dalla forma più tangibile della realtà, gli ambienti naturali circostanti dell’artista.

Nel campo dell’arte digitale negli ultimi quindici anni, molti artisti hanno lavorato per materializzare l’informazione digitale e le pratiche dei nuovi media con mezzi audio o visivi (come opere installative, audiovisive e performance che includono la tecnologia) al fine di cogliere l’immaginazione di esso; mentre altri artisti mirano a presentare il concetto di ‘segnali’ dalla prospettiva della sinestesia: cercano di visualizzare i segnali sonori con l’ausilio di macchinari e quindi trasformano le immagini geometriche astratte in suoni attraverso operazioni informatiche.

DIVERSEartLA è stato un esame e una raccolta di materiale, nonché una mostra con il lavoro di donne e artisti non binari che hanno svolto un ruolo centrale nello sviluppo delle pratiche dei nuovi media all’interno delle istituzioni artistiche e nel corso della storia. Ci stiamo anche tuffando in un nuovo periodo in cui abbiamo dovuto affrontare la rottura delle relazioni tradizionali tra il materiale e l’immateriale.

Tiffany Trenda, un’artista performativa multidisciplinare, nota per aver esplorato la relazione del corpo femminile con le tecnologie in continua evoluzione di oggi. Sta lavorando con DIVERSEartLA per portare in sicurezza la performance dal vivo alla fiera d’arte, coordinando un’esperienza visiva per i partecipanti tramite codice QR. Ogni persona può utilizzare il proprio smartphone per interagire con lei in tempo reale tramite la registrazione video volumetrica.

Museo d’Arte delle Americhe
L’Art Museum of the Americas (AMA) ha aderito a un progetto speciale curato da Fabian Goncálves, che presenta una raccolta di materiale e il lavoro di artiste che hanno svolto un ruolo centrale nello sviluppo delle pratiche dei nuovi media nel corso della storia, nonché da donne e persone non binarie le cui pratiche lungimiranti stanno attualmente rimodellando il campo. L’artista venezuelano Luis Cobelo (PILAR) ha fatto parte di AMA con una performance, Yolanda Leal dal Messico presenta la performance Gorilla Nature e una performance speciale sarà presentata anche da María Veroónica San Martin.

dignità
Dignidad è un’installazione artistica presso l’Archivio Nazionale del Cile basata su documenti telefonici segreti su Colonia Dignidad. Trovati nel 2012 dall’ex colono e attivista Winfried Hempel, gli audio rivelano per la prima volta al pubblico le conversazioni tra Paul Schäfer e altri agenti nazisti nel 1978. Attraverso sculture, suoni, performance, testi e una selezione di archivi storici , l’installazione rivela un complesso sistema di codici e azioni transcontinentali culminato in crimini contro minori e oppositori della dittatura civile-militare cilena (1973-1990).

DATI | ergo somma | RICARICATO
DATI | ergo somma | RELOADED è un’installazione artistica interattiva che visualizza la capacità di visualizzare macchine utilizzando l’intelligenza artificiale per estrarre dati da una semplice osservazione dei visitatori, creata dall’artista Ana Marcos. Ana Marcos si è laureata in Belle Arti presso l’Università di Madrid e Ingegnere Industriale presso l’Università Politecnica di Madrid. Come artista multidisciplinare, combina diverse forme d’arte come installazioni interattive, video e fotografia, lavorando su nuovi modi di sperimentazione nel campo delle arti. È leader e co-fondatrice di 3Dinteractive, un gruppo di ingegneri e artisti che cerca, attraverso la ricerca, una comprensione più profonda del rapporto tra arte-scienza-tecnologia e pubblico. Tutta la tecnologia produce un cambiamento nel nostro modo di vivere e comprendere la realtà.

Oggi abbiamo a nostra disposizione ambienti tecnologici complessi e innovativi, opere basate sulla sperimentazione e sugli studi delle Università di tutto il mondo e tutto quel sapere disponibile in rete per essere condiviso non solo dai tecnologi, ma anche dagli artisti. È chiaro che lo slancio e la rilevanza di quella tecnologia in generale, e dell’intelligenza artificiale in particolare, stanno guadagnando nella nostra società e, come artista, crede che il lavoro artistico abbia l’obbligo di esplorare e sperimentare nel campo dell’IA. L’arte si fa sempre strada nel pensiero e quindi anche nella tecnologia, e può fornire altre prospettive agli sviluppi più innovativi. Che l’IA sia uno strumento o una disciplina, è – ed era – un argomento di lavoro per gli artisti. Si spera che anche l’arte sia in grado di influenzare gli sviluppi dell’IA.

La sinfonia di adesso
Il Museo d’Arte di San Marcos (MASM) di Lima, Perù porta un nuovo progetto multimediale di realtà aumentata dell’artista peruviana Angie Bonino, intitolato “THE SYMPHONY OF NOW, che consiste in un’installazione video e un’installazione sonora interattiva incentrata sulla techno andina sciamanesimo decoloniale. Questo mondo in cui viviamo oggi, che è diventato uno schermo universale avvolgente che intrappola e assoggetta i nostri occhi, ma che non ci fa vedere. A causa della loro visibilità estrema, straordinariamente intensa – ripetitiva, ipnotizzante, alienante – le reti di potere ei loro obiettivi di dominio diventano invisibili. E così, inosservato, il loro dominio diventa imperscrutabile e del tutto irreversibile.

L’artista, Angie Bonino, è nata a Lima (Perù), nel 1974, e ha viaggiato continuamente in tutto il mondo – ha anche vissuto e lavorato a Barcellona, ​​in Spagna, per undici anni. Non dovrebbe quindi sorprendere che il mezzo principale delle sue proposte artistiche siano proprio le immagini in movimento, nello specifico video e video installazioni. Tuttavia, questo non significa che siano le sue uniche forme di espressione.

Angie Bonino è un’artista del nostro tempo in tutti i sensi, un’artista multimediale incentrata sul crossover tra arte e tecnologia. Del resto, oltre al video, i suoi lavori si esprimono anche in animazione, tecniche digitali, stampe grafiche, disegni, dipinti e sculture. Eppure, attraverso tutta questa pluralità di media, rimane sempre la stessa intenzione estetica predominante: mettere in discussione l’immagine. Nel lavoro di Angie Bonino questa messa in discussione dell’immagine attraverso le opere d’arte ha sempre un intento morale e politico. Il suo obiettivo è quello di rivelare, in tutte le reti ipermediatiche di produzione e trasmissione dell’immagine, la diffusione delle sfere e dei sistemi di potere invisibili, occulti, che determinano la configurazione di ciò che lei chiama il mondo dell’immagine.

Distanziamento immersivo
Questi artisti affrontano il nostro momento culturale e politico in corso in relazione al corpo, alla memoria, alle tracce d’archivio e al paesaggio urbano. L’immigrazione, sia come esperienza personale che come realtà socio-politica, informa il loro più ampio corpus di lavoro. Questi artisti hanno precedentemente lavorato in installazioni e sculture, attingendo molto da manufatti e archivi di famiglia, nonché esplorazioni dello spazio architettonico. Qui, si avvicinano ai media come a una tecnologia di visualizzazione che porta le loro opere basate sul sito in una narrazione immersiva, mentre si impegnano, adattano e sfidano l’astrazione inerente alla scienza, ma soprattutto alla scienza digitale.

La produzione, le caratteristiche formali e il contenuto di queste opere mediatiche sono state direttamente influenzate dalle restrizioni di Covid-19, spingendo ogni artista a sviluppare modalità di lavoro remote che offuscano il confine tra produzione e post-produzione. Entrambi gli artisti hanno attinto a più fonti digitali: video, fotografie e registrazioni audio. In Last Light, Argote usa le immagini e i suoni delle sue passeggiate a Los Angeles durante la pandemia come base per una meditazione sulla malattia e la distruzione. Si rivolge al fondamento di ogni scienza – la misurazione – proponendo di misurare il suo corpo in relazione alla scala della città e del mondo, ma usa il fondamento di tutta l’arte – la mano – come base per stabilire la scala.

In Memory Place, Abes esplora tre momenti della sua “sfilacciata certezza” su Istanbul mentre diventa un’idea più che un luogo, visualizzando questo processo attraverso i dati della nuvola di punti e la fotogrammetria che trasformano video e fotografie in ambienti 3D che si allontanano dallo spettatore. Questi ambienti sono impressionistici e parziali, con lacune qua e là nelle scene rappresentate e con porzioni di immagini che diventano più nitide mentre si muovono verso il punto di fuga. In entrambi i lavori, la natura frammentaria dell’immaginario è resa immersiva dal sound design.

Agua
Agua offre al pubblico uno spazio, un’oasi, per la guarigione e la comprensione. L’opera è site specific e architettonicamente integrata per favorire una poetica consapevolezza dell’acqua come risorsa sacra per l’umanità, creando un momento di riflessione per coloro che la frequentano. Agua è un’opera d’arte multicanale che combina video di acqua raccolti negli anni dall’esplorazione della natura in tutto il mondo. Le mutevoli tonalità di colore viste in tutto esprimono vari stati d’animo ed emozioni, armonizzando fisicamente l’esperienza interattiva con quella interna.

Ora Art LA e Building Bridges Art Exchange si sono unite come organizzazioni locali senza scopo di lucro per presentare l’opera Agua dell’artista Luciana Abait, una proiezione video ispirata al motivo del mito delle inondazioni che si verifica in molte culture in cui l’acqua agisce come un guaritore e ri- strumento di nascita, che spesso fa riferimento a idee di creazione, purificazione e sostentamento della vita. Agua come esposto nel centro di Los Angeles sostiene un invito all’azione e sottolinea l’importanza dell’acqua come componente chiave per la nostra sopravvivenza futura. Intendo che questo lavoro partecipi all’apertura di consapevolezza e azioni che circondano iniziative ambientali con profondità, bellezza, grazia e meraviglia.

Le voci delle ragazze ora
Women’s Voices Now (WVN) è un’organizzazione no-profit 501(c)3 con sede a Los Angeles che utilizza il potere del cinema per guidare un cambiamento sociale positivo che promuove i diritti delle donne e delle ragazze a livello globale. Cerchiamo di sfidare la falsa e sotto-rappresentazione delle donne promuovendo film realizzati da donne, sulle donne, per tutti.

Girls’ Voices Now ha servito 70 ragazze provenienti da comunità con risorse insufficienti e ha supervisionato la produzione dei loro 12 cortometraggi, che sono stati selezionati e premiati in 48 festival cinematografici e guardati da oltre 522.000 spettatori online grazie alle nostre partnership con Here Media, Kanopy, UN Women e la campagna delle Nazioni Unite #HeforShe. Questo programma consente alle ragazze e ai giovani che si identificano come femme provenienti da comunità con scarse risorse di trovare, sviluppare e utilizzare le loro voci per un cambiamento sociale positivo attraverso il cinema.

Prestazioni: Non/visto
L’artista Tiffany Trenda presenta Un/Seen, una performance dal vivo all’interno di un’esperienza immersiva che utilizza la cattura volumetrica. Si trasforma in tempo reale a seconda delle azioni del pubblico. Con nuove esperienze immersive, diventiamo disincarnati. Cioè, siamo fisicamente in uno spazio mentre i nostri occhi e i nostri pensieri stanno sperimentando un altro mondo contemporaneamente. I nostri corpi si dissociano mentre ci spostiamo tra il simulato e il reale. Inoltre, non siamo immediatamente in presenza di un altro. La nostra presenza è mediata e trasportata in un altro spazio che in realtà non esiste. Siamo in sostanza, visti e non visti.

Queste nuove applicazioni offuscano anche il ruolo dell’utente e del creatore consentendo a entrambe le parti di cambiare l’esperienza. Cioè, lo spettatore non è più un testimone ma un collaboratore. Inoltre, tutte le parti sono rappresentate come avatar e questo apre una narrazione di “chi è questo?” e “cosa succede?” I nostri ruoli come giocatori in questi giochi sono ambigui, un riflesso perfetto del nostro tempo con l’incertezza del nostro futuro.

Imografia (documentario)
Imagraphy è un documentario in cui una varietà di fotografi internazionali condividono le loro storie sull’artigianato, l’industria, le tecniche e le loro impressioni generali sul mondo visto attraverso i loro obiettivi. Con: Roger Ballen, James Balog, John Batho, Peter Bialobrzeski, Michel Comte, Ralph Gibson, Greg Gorman, Henry Horenstein, Graciela Iturbide, Hiroji Kubota, Sir Derry Moore, Howard Schatz, Andres Serrano, Sandy Skoglund, Paul Watson e Stephen Wilkes.

Memoriale del fiume Rose
Il Rose River Memorial è una collaborazione artistica comunitaria che onora e addolora le molte vite perse durante la pandemia di COVID-19 negli Stati Uniti. Il Rose River Memorial aspira a creare una rosa in feltro come simbolo di dolore per ogni vita persa. L’installazione era uno spazio sacro per la guarigione, dove le persone possono connettersi con i propri sentimenti e sensi per sperimentare il proprio lutto, individualmente o in gruppo, oltre a celebrare la vita e invitare l’umanità a celebrare nuovi inizi.

seminari
Citibank sta tornando con Virtual Gallerist Talks, una serie di eventi e discussioni di persona e in live streaming che mettono in evidenza alcune delle gallerie più famose del Los Angeles Art Show. Durante tutto il fine settimana Citibank ha ospitato il LA Art Show Gallerist Talks. Queste conversazioni dal vivo con i galleristi includevano una panoramica delle mostre e commenti su opere d’arte selezionate. In uno sforzo coordinato, c’era sia una presenza di persona che un’esperienza virtuale, concentrandosi su cinque gallerie selezionate. Questa serie offre agli spettatori uno sguardo approfondito sulla curatela di ogni spettacolo, con dialoghi vivaci su ogni pezzo.

Beneficenza
Negli ultimi sei anni, LA Art Show è stato un forte e incrollabile sostenitore del St. Jude Children’s Research Hospital in quanto guida il mondo a comprendere, trattare e sconfiggere il cancro infantile e altre malattie potenzialmente letali. Nel 2021 il St. Jude Children’s Research Hospital rimane il beneficiario, con il LA Art Show che dona il 15% non solo dei biglietti di apertura notturna, ma di tutti i proventi dei biglietti quest’anno alla sua missione salvavita.

Luogo
Il LA Art Show è strategicamente situato nel dinamico epicentro della città, il LA Convention Center è il luogo verde tecnologicamente più avanzato della California meridionale, con soffitti alti e ampi spazi. Qui si trovano i Grammy Awards, il Grammy Museum e un imponente complesso di intrattenimento che include il Nokia Theatre, la Staples Center Arena, i migliori ristoranti e il Ritz Carlton Hotel and Residences. I mecenati delle arti vanno volentieri a Downtown LA per il meglio della musica classica (Disney Hall), del teatro (Mark Taper e Ahmanson) e dell’arte contemporanea (MOCA, Art District).