Le LA Art Show, le salon international d’art contemporain le plus complet d’Amérique, a officiellement lancé la saison d’art 2021 de la ville au Los Angeles Convention Center le 29 juillet 2021. La plus grande et la plus ancienne foire d’art de LA fait un retour triomphal après sa point de repère du 26e anniversaire. LA Art Show est l’expérience artistique internationale sans précédent avec plus de 80 galeries, musées et organisations artistiques à but non lucratif du monde entier exposant des peintures, des sculptures, des œuvres sur papier, des installations, des photographies, du design, des vidéos et des performances.

Los Angeles est devenue un épicentre mondial de l’art et de la culture, avec une influence multiculturelle distincte et imbriquée unique à la ville. La diversité est notre force et l’art a le plus d’impact lorsqu’il inclut ou transcende toutes les frontières. Alors que LA devient la destination de classe mondiale pour l’art, le LA Art Show continue de montrer la voie avec une programmation innovante et des expériences uniques pour un public de collectionneurs en pleine expansion. Le LA Art Show a servi de moteur à l’essor de la ville en tant que capitale des arts et a procuré un sentiment de normalité après une année pleine d’agitation et d’incertitude pour le monde de l’art.

Le LA Art Show crée l’une des plus grandes foires d’art internationales aux États-Unis, offrant une expérience artistique passionnante, immersive et initiée aux sponsors, à leurs invités sélectionnés et aux clients VIP. L’exposition attire une liste d’élite de galeries nationales et internationales, d’artistes de renom, de conservateurs réputés, d’architectes, de professionnels du design, ainsi que de collectionneurs avertis.

Cet environnement culturel innovant et exceptionnel attire des dirigeants et des membres du conseil d’administration d’entreprises du sud de la Californie, des représentants des gouvernements des États, des comtés et des municipalités, ainsi que des dirigeants des institutions culturelles de la région. Les participants sont des créateurs de tendances, des influenceurs et des consommateurs alpha, qui recherchent et exigent le plus récent et le meilleur dans tous les domaines de leur vie – l’art, le design, la nourriture, la technologie et les voyages étant des points de passion spécifiques.

L’édition 2021 de DIVERSEartLA, organisée par Marisa Caichiolo, se concentre sur la présence, les contributions, la recherche et la documentation de femmes et d’artistes non binaires à l’avant-garde du travail à l’intersection de l’art, de la science et de la technologie représentés par les musées et institutions invités. Cette partie de l’exposition se concentre sur la présence, les contributions, la recherche et la documentation de femmes et d’artistes non binaires à l’avant-garde du travail à l’intersection de l’art, de la science et de la technologie, représentées par des musées et des institutions invités.

Le LA Art Show a développé une programmation unique pour mettre en évidence certaines des avancées les plus intéressantes de l’art, notamment la réalité augmentée, la réalité virtuelle et les NFT, offrant aux visiteurs un espace pour observer, apprendre et profiter. Cette nouvelle programmation, en plus du design et des supports plus classiques pour lesquels l’émission est connue, a été conçue en pensant aux téléspectateurs, exposant les gens à quelque chose de nouveau et rendant l’art et la technologie numériques plus accessibles. Avec cela, le LA Art Show a été le premier spectacle LIVE à rejoindre la conversation NFT.

Plus de 180 000 pieds carrés d’espace d’exposition sont consacrés aux galeries éminentes d’aujourd’hui. Ces galeries nationales et internationales, au-delà de leurs stands, organisent des expositions spéciales qui sont à l’avant-garde du mouvement d’art contemporain en plein essor. Le salon propose un éventail extraordinaire d’œuvres et d’expériences dans des sections spécialisées.

LA Art Show 2021
Le LA Art Show 2021 crée l’une des plus grandes foires d’art internationales aux États-Unis, offrant une expérience artistique passionnante, immersive et initiée aux sponsors, à leurs invités sélectionnés et aux clients VIP. L’exposition attire une liste d’élite de galeries nationales et internationales, d’artistes de renom, de conservateurs réputés, d’architectes, de professionnels du design, ainsi que de collectionneurs avertis.

Cet environnement culturel innovant et exceptionnel attire des dirigeants et des membres du conseil d’administration d’entreprises du sud de la Californie, des représentants des gouvernements des États, des comtés et des municipalités, ainsi que des dirigeants des institutions culturelles de la région. Les participants sont des créateurs de tendances, des influenceurs et des consommateurs alpha, qui recherchent et exigent le plus récent et le meilleur dans tous les domaines de leur vie – l’art, le design, la nourriture, la technologie et les voyages étant des points de passion spécifiques.

Certaines des galeries préférées du LA Art Show reviennent dans l’édition 2021, notamment Arcadia Contemporary, Caldwell Snyder Gallery, Simard Bilodeau Contemporary et Rebecca Hossack Art Gallery de Londres pour la programmation de Modern + Contemporary. L’exposition a de nouveau une présence internationale avec la Pigment Gallery de retour d’Espagne, In The Gallery de retour du Danemark et le travail de la Gallery KITAI au Japon, pour n’en nommer que quelques-uns.

Moderne + Contemporain – La plus grande section de programmation du LA Art Show, Modern + Contemporary présente le vaste éventail de peintures, d’illustrations, de sculptures et plus encore de galeries de Los Angeles, du Pacific Rim et de pays du monde entier.

DIVERSEartLA – Capitalisant sur la position de la ville sur le bord du Pacifique, DIVERSEartLA est une section de programmation spéciale consacrée à nourrir l’énergie créative des collectionneurs internationaux, des artistes, des conservateurs, des musées et des organisations à but non lucratif en les connectant directement avec le public de Los Angeles. Le LA Art Show fait don de 50 000 pieds carrés d’espace d’exposition aux organisations participantes chaque année dans le cadre de notre engagement civique, et l’œuvre présentée n’est pas à vendre. Commissariat général par Marisa Caichiolo avec des commissaires individuels d’institutions du monde entier.

Expositions en vedette – S’étendant au-delà des limites des espaces de stand, les expositions en vedette créent des expériences immersives pour engager le public à travers des œuvres d’art, des performances et d’autres expositions stimulantes proposées par les galeries participantes, mettant en évidence des œuvres dont on a parlé pendant des années à venir.

Roots – Honorant les voix et les mouvements qui ont précédé, ROOTS est un espace d’exposition dédié aux galeries qui présentent des œuvres historiques et des artistes contemporains suivant ces traditions.

Project Space – Venant du monde entier, les exposants de Project Space présentent un large éventail d’idées et de talents sous la forme d’expositions individuelles, présentées par les galeries participantes.

Works On Paper – Works on Paper est un espace d’exposition dédié à la présentation de photographies et d’autres œuvres qui ne sont pas sur toile traditionnelle.

Des expositions

Où les rues n’ont pas de nom
Arushi Arts présente ‘Where the Streets Have No Name’, une collection d’œuvres d’artistes pop street émergents de différentes parties du monde. Juxtaposées à des œuvres d’art complexes d’Asie du Sud-Est, les œuvres sont exposées les unes à côté des autres pour donner au spectateur une idée de la nature unique des techniques utilisées tout en partageant la notion de « leurs rues » comme point crucial.

La collection présente des œuvres d’art de Riya Chandiramani, une artiste indienne de Hong Kong ; une grille de petites plaques de rue en métal de l’artiste de Los Angeles, Sellout ; une sculpture de skateboard en céramique du sculpteur de Miami Jenna Helfman; œuvre de l’artiste pop britannique Marty Thorton; l’artiste de rue contemporain, Roger James, de Los Angeles ; et l’artiste britannique émergent George Weait. Au fil des générations, les artistes se sont inspirés de leur milieu et ces œuvres illustrent un dialogue entre les artistes et leurs environnements respectifs.

Iconoclastes : le salon de Kilduff
L’artiste basé à Los Angeles, John Kilduff, a créé une installation interactive à la foire construite à partir de peintures et de sculptures en carton pour ressembler à un bar de quartier. Les participants auront l’occasion d’entrer dans l’installation immersive et de commander des « boissons » peintes à la main par l’artiste. Kilduff créera quotidiennement de nouvelles peintures de cocktails et de boissons spéciales. Les participants auront la possibilité de commander ce qui est à la pression ou, lorsque l’artiste est présent, de commander des boissons personnalisées hors menu. Une partie des recettes servira à soutenir les employés des bars et des salles qui connaissent des difficultés financières en raison de la pandémie.

Basé à Los Angeles, John Kilduff, alias Mr Let’s Paint, est connu pour ses performances audacieuses et son émission télévisée, Let’s Paint TV. À travers son spectacle et son travail, Kilduff pousse son endurance de peinture à travers une série de défis multitâches et de peinture pour encourager le public à embrasser la créativité et l’expression de soi à travers les obstacles de la vie.

Champs de couleur I Michael Loew
Michael Loew a utilisé la structure en grille de Piet Mondrian comme base pour expérimenter les possibilités de palette et se concentrer sur les subtiles transitions de tons ou l’harmonie des relations entre les couleurs. Il a changé les sujets en motifs uniques de rectangles ou de couleurs. En tant que grand partisan de l’expressionnisme abstrait et plus tard de la peinture Color Field, Loew a produit de nombreux exemples colorés, tels que Blue Edge et Yellow on Yellow.

À la fin des années 1920, Michael Loew a été inscrit à la Art Student’s League et plus tard en France où il a étudié avec Fernand Léger. Loew était un ami proche et de longue date de Willem de Kooning qui a influencé son travail. Après Pearl Harbor, Loew a rejoint la Marine et a servi comme artiste du bataillon des « Seabees » dans le Pacifique. Ses aquarelles ont été tirées en grande partie de son travail de marine sur l’île de Tinian. Lorsqu’il rentre chez lui en 1946, sa peinture s’oriente rapidement vers l’Abstraction.

Ce sont les années 1950 qui ont apporté le plein développement de son style mature. Il étudie avec Hans Hoffman et cultive sa sensibilité aux effets de couleurs. Au cours de sa vie, le travail de Loew a été largement exposé dans des galeries et des musées, notamment : le Guggenheim et le Whitney à New York, le Dallas Museum of Art et le Philadelphia Museum of Art.

Résumé dans la nature I Paik Gannoni
Le peintre abstrait américano-coréen Paik Gannomi dans ses cinq traits fluides a produit Sonaggi (Rainstorm) en 1973, à New York. S’abstenant d’être élaboré ou superflu dans l’expression d’un phénomène naturel, Rainstorm, il l’affirme à travers un strict minimum de lignes et de couleurs. Dans son utilisation de la ligne, il partage des points communs avec la forme coréenne de l’art de la calligraphie Seoye, dans laquelle une force de trait doit s’animer avec un mouvement et un rythme inhérents. Les traits de l’artiste Gannomi ajoutent un dynamisme profond par l’incarnation caractéristique du rouge profond dans le noir. L’espace qui s’ensuit créé par les lignes est une autre marque de fabrique de ses œuvres influencées par l’art traditionnel coréen.

L’art de Paik Gannomi peut être classé comme un expressionnisme abstrait dans la lignée de Franz Klein et Jackson Pollack. La plupart des œuvres de Paik Gannomi n’ont pas été consciemment créées avec un titre en tête, mais une impression superficielle a émergé des lignes et des espaces. Alors que ses contemporains de retour en Corée étaient fascinés par le mouvement monochrome dans les années 1970, il tenait son propre point fort avec le style unique de fond aigue-marine superposé avec le rouge fluide sur des lignes noires. La quintessence de ses œuvres s’est concrétisée lorsqu’il a reçu le Prix d’Audonne pour « Paysage de Seine » au Grand Palais, Paris 1981. Auparavant, en 1980, il a reçu le prix du maire au Palais Vincennes, Paris pour « l’Automne  » et  » Sainte-Face « .

Gravité I Andreas von Zadora-Gerlof
Zadora-Gerlof rend hommage à MC Escher dans ce travail époustouflant de l’acier inoxydable. La pièce a été inspirée par Gravitation de 1952 de l’artiste néerlandais, qui a exploré l’impossibilité de plusieurs sources de gravité travaillant ensemble sur un seul objet. Escher a manifesté cette théorie à travers douze tortues qui utilisent l’étoile comme carapace commune. Représentée en six paires colorées – rouge, orange, jaune, violet, vert et bleu – chaque tortue repose directement en face de son homologue.

Bien que la création d’Escher soit une impossibilité physique, il l’a présentée d’une manière visuellement crédible et logique. Zadora fait du génie de la création d’Escher une réalité grâce à des pièces d’acier inoxydable et de polymère découpées avec précision. À première vue, cela semble être un fouillis absurde de têtes et de membres de tortues, bien qu’une inspection plus approfondie révèle la symétrie et l’harmonie inhérentes à la conception.

« Le cri du papillon »
Cette installation, créée à partir de 490 pétales de céramique, s’inspire du fait que les papillons ont vu leur habitat vraiment réduit de manière alarmante pendant le règne de l’être humain. N’hésitez pas à approcher votre téléphone portable du code QR et soyez prêt à écouter le « cri du papillon », lorsque ces belles créatures demandent à leur tour de régner sur le monde, d’apporter le bénéfice de l’équilibre et du bien-être à tous les êtres. notre planète.

Écran pliant à panneau numérique de dessin animé : frontières imaginées I Lee Lee Nam
Lee Lee Nam (né en 1969) crée des fusions entre l’environnement high-tech d’aujourd’hui et la culture traditionnelle. Avec une finesse exceptionnelle, il crée des œuvres numériques et vidéo fascinantes qui juxtaposent des peintures de maîtres anciens européens et l’art asiatique traditionnel avec des images modernes. Les œuvres se superposent et s’entrelacent comme un palimpseste, créant une image aussi fictive que des rêves chevauchant la réalité.

Liminal : Soleil martien I Félicie d’Estienne d’Orves
Mêlant lumière, sculpture et nouvelles technologies, le travail de Félicie d’Estienne d’Orves interroge le processus de la vision et déconstruit notre regard. Entrelaçant la science et les qualités intangibles de la vie et ses philosophies, Félicie interroge, secoue et plonge profondément dans les faits sur l’univers, les traduisant en installations artistiques envoûtantes qui sont si étonnamment intellectuelles, complexes et belles.

Ses installations utilisent une approche phénoménologique de la réalité, elles soulignent la perception du temps comme un continuum. De la performance audiovisuelle au land art, ses recherches se sont concentrées sur l’espace astrophysique et les cycles de la lumière naturelle. L’artiste visuel travaille avec des paysages de l’espace à travers un processus de « télévision », où la profondeur de champ est augmentée par des télescopes, des rovers et des modèles astrophysiques.

Liminal : Martian Sun est un spectacle que nous avons décidé de construire autour de l’œuvre focalisée d’œuvres de Félicie qui se croisent à travers différentes dimensions, le temps et l’espace. Planant entre les contraires, les œuvres de l’artiste défient les lieux d’intervalles comme la vie et la mort, la lumière et l’obscurité, le proche et le loin, la réalité et le spirituel parmi tant d’autres, animant une partie importante de sa pratique et le cœur de notre exposition, d’où notre titre .

Programmes
En tant que premier spectacle en direct à rejoindre l’engouement NFT, présentant aux participants l’incroyable tendance de l’art numérique, le LA Art Show s’est forgé une réputation de leader du peloton. Ainsi, les visiteurs peuvent s’attendre à des tendances artistiques encore plus accrocheuses.

DIVERSEartLA
L’édition 2021 de DIVERSEartLA, organisée par Marisa Caichiolo, se concentre sur la présence, les contributions, la recherche et la documentation de femmes et d’artistes non binaires à l’avant-garde du travail à l’intersection de l’art, de la science et de la technologie représentés par des musées invités, des institutions et non. -Organisations à but lucratif. La science, l’art et la technologie sont des tentatives humaines pour comprendre et décrire le monde qui nous entoure. Les sujets et les méthodes ont des traditions différentes et les publics visés sont différents, mais je pense que les motivations et les objectifs sont fondamentalement les mêmes. Je pense que l’un des besoins les plus primordiaux et innés des humains est de comprendre le monde qui nous entoure, puis de partager cette compréhension.

Cette vague a commencé dans les années 1920, lorsque de nombreux artistes visaient à créer des œuvres visuelles basées sur le temps. Bien que certaines des œuvres semblaient incarner la technologie et l’innovation, une grande partie provenait en fait de la forme la plus tangible de la réalité, les environnements naturels environnants de l’artiste.

Dans le domaine de l’art numérique depuis une quinzaine d’années, de nombreux artistes ont travaillé à matérialiser l’information numérique et les pratiques des nouveaux médias par des moyens audio ou visuels (tels que les œuvres d’installation, l’audiovisuel et les performances qui intègrent la technologie) afin de saisir l’imagination de celui-ci ; tandis que d’autres artistes visent à présenter le concept de « signaux » du point de vue de la synesthésie : ils essaient de visualiser les signaux sonores à l’aide de machines et transforment ainsi les images géométriques abstraites en sons grâce à des opérations informatiques.

DIVERSEartLA était un examen et une compilation de matériel, ainsi qu’une exposition présentant le travail de femmes et d’artistes non binaires qui ont joué un rôle central dans le développement de nouvelles pratiques médiatiques au sein des institutions artistiques et à travers l’histoire. Nous plongeons aussi dans une nouvelle période où nous avons dû faire face à la rupture des relations traditionnelles entre le matériel et l’immatériel.

Tiffany Trenda, une artiste de performance multidisciplinaire, connue pour explorer la relation du corps féminin aux technologies en constante évolution d’aujourd’hui. Elle travaille avec DIVERSEartLA pour apporter en toute sécurité des performances en direct à la foire d’art, en coordonnant une expérience de visionnage pour les participants via un code QR. Chaque personne peut utiliser son propre smartphone pour interagir avec elle en temps réel via un enregistrement vidéo volumétrique.

Musée d’art des Amériques
Art Museum of the Americas (AMA) s’est joint à un projet spécial organisé par Fabian Goncálves, qui présente une compilation de matériel et le travail d’artistes femmes qui ont joué un rôle central dans le développement de nouvelles pratiques médiatiques à travers l’histoire, ainsi que par des femmes et des personnes non binaires dont les pratiques avant-gardistes remodèlent actuellement le domaine. L’artiste vénézuélien Luis Cobelo (PILAR) faisait partie de l’AMA avec une performance, Yolanda Leal du Mexique présente la performance Gorilla Nature et une performance spéciale sera également présentée par María Veroónica San Martin.

Dignité
Dignidad est une installation artistique des Archives nationales du Chili basée sur des documents téléphoniques secrets sur Colonia Dignidad. Trouvés en 2012 par l’ex-colon et activiste Winfried Hempel, les audios révèlent pour la première fois au public les conversations entre Paul Schäfer et d’autres agents nazis en 1978. À travers la sculpture, le son, la performance, le texte et une sélection d’archives historiques , l’installation révèle un système complexe de codes et d’actions transcontinentales qui ont abouti à des crimes contre des mineurs et des opposants à la dictature civilo-militaire chilienne (1973-1990).

DONNÉES | somme ergo | RECHARGE
DONNÉES | somme ergo | RELOADED est une installation artistique interactive qui visualise la capacité de visualiser des machines utilisant l’intelligence artificielle pour extraire des données par une simple observation des visiteurs, créée par l’artiste Ana Marcos. Ana Marcos est diplômée en beaux-arts de l’Université de Madrid et ingénieure industrielle de l’Université polytechnique de Madrid. En tant qu’artiste multidisciplinaire, elle combine différentes formes d’art comme les installations interactives, la vidéo et la photographie, travaillant sur de nouvelles façons d’expérimenter dans le domaine des arts. Elle est la dirigeante et co-fondatrice de 3Dinteractive, un groupe d’ingénieurs et d’artistes qui cherche, par la recherche, à mieux comprendre la relation entre art-science-technologie et le public. Toute technologie produit un changement dans notre façon de vivre et de comprendre la réalité.

Aujourd’hui, nous avons à notre disposition des environnements technologiques complexes et innovants, des travaux basés sur l’expérimentation et les études d’universités du monde entier et toutes ces connaissances sont disponibles sur le réseau pour être partagées non seulement par les technologues, mais aussi par les artistes. Il est clair que l’élan et la pertinence de cette technologie en général, et de l’intelligence artificielle en particulier, gagnent dans notre société et, en tant qu’artiste, elle croit que le travail artistique a l’obligation d’explorer et d’expérimenter dans le domaine de l’IA. L’art fait toujours son chemin dans la pensée et donc aussi dans la technologie, et peut offrir d’autres perspectives aux développements les plus innovants. Que l’IA soit un outil ou une discipline, elle est – et était – un sujet de travail pour les artistes. Espérons que l’art puisse également influencer les développements de l’IA.

La symphonie du présent
Le musée d’art de San Marcos (MASM) de Lima, au Pérou, propose un nouveau projet médiatique de réalité augmentée de l’artiste péruvienne Angie Bonino, intitulé « THE SYMPHONY OF NOW, qui se compose d’une installation vidéo et d’une installation sonore interactive axée sur la techno andine. chamanisme décolonial. Ce monde dans lequel nous vivons aujourd’hui, qui est devenu un écran universel engloutissant qui piège et soumet nos yeux, mais qui ne nous laisse pas voir. Du fait de leur visibilité extrême, extraordinairement intense – répétitive, hypnotisante, aliénante – les réseaux de pouvoir et leurs objectifs de domination deviennent invisibles. Et ainsi, inaperçue, leur domination devient impénétrable et totalement irréversible.

L’artiste, Angie Bonino, est née à Lima (Pérou), en 1974, et elle a continuellement voyagé dans le monde entier – elle a même vécu et travaillé à Barcelone, en Espagne, pendant onze ans. Il n’est donc pas surprenant que le support principal de ses propositions artistiques soit précisément le cinéma, en particulier la vidéo et les installations vidéo. Cependant, cela ne signifie pas qu’ils sont ses seules formes d’expression.

Angie Bonino est une artiste de notre temps dans tous les sens du terme, une artiste multimédia axée sur le croisement de l’art et de la technologie. Après tout, en plus de la vidéo, ses œuvres s’expriment également dans l’animation, les techniques numériques, les estampes graphiques, les dessins, les peintures et les sculptures. Pourtant, à travers toute cette pluralité de médiums, il reste toujours la même intention esthétique prédominante : questionner l’image. Dans le travail d’Angie Bonino, ce questionnement de l’image à travers les œuvres d’art a toujours une intention morale et politique. Son objectif est de révéler, dans tous les réseaux hypermédiatiques de production et de transmission d’images, la diffusion des sphères et systèmes de pouvoir invisibles, occultes, qui déterminent la configuration de ce qu’elle appelle le monde de l’image.

Distanciation immersive
Ces artistes abordent notre moment culturel et politique actuel en relation avec le corps, la mémoire, les traces d’archives et le paysage urbain. L’immigration, à la fois comme expérience personnelle et comme réalité socio-politique, informe leur corpus plus large. Ces artistes ont déjà travaillé dans l’installation et la sculpture, s’inspirant fortement d’artefacts et d’archives familiaux ainsi que d’explorations de l’espace architectural. Ici, ils abordent les médias comme une technologie de visualisation qui amène leurs œuvres basées sur le site dans un récit immersif, tout en engageant, adaptant et défiant l’abstraction inhérente à la science, mais surtout à la science numérique.

La production, les caractéristiques formelles et le contenu de ces œuvres médiatiques ont été directement impactés par les restrictions de Covid-19, incitant chaque artiste à développer des modes de travail à distance qui brouillent la frontière entre production et post-production. Les deux artistes ont puisé dans de multiples sources numériques : vidéo, photographie et enregistrements audio. Dans Last Light, Argote utilise les images et les sons de ses promenades à travers LA pendant la pandémie comme base pour une méditation sur la maladie et la destruction. Elle se tourne vers le fondement de toute science – la mesure – en proposant de mesurer son corps par rapport à l’échelle de la ville et du monde, mais utilise le fondement de tout art – la main – comme base pour établir l’échelle.

Dans Memory Place, Abes explore trois moments de sa « certitude effilochée » à propos d’Istanbul alors qu’elle devient une idée plus qu’un lieu, visualisant ce processus à travers des données de nuages ​​de points et la photogrammétrie qui transforment la vidéo et les photographies en environnements 3D qui s’éloignent du spectateur. Ces environnements sont impressionnistes et partiels – avec des lacunes ici et là dans les scènes représentées, et avec des portions d’images devenant plus nettes à mesure qu’elles se déplacent vers le point de fuite. Dans les deux œuvres, la nature fragmentaire de l’imagerie est rendue immersive par la conception sonore.

Agua
Agua offre au public un espace, une oasis, de guérison et de compréhension. Le travail est spécifique au site et intégré architecturalement pour favoriser une prise de conscience poétique de l’eau en tant que ressource sacrée pour l’humanité tout en créant un moment de réflexion pour ceux qui y assistent. Agua est une œuvre d’art multicanal combinant des vidéos d’eau recueillies au cours des années d’exploration de la nature à travers le monde. Les teintes changeantes observées partout expriment divers états d’esprit et d’émotion, harmonisant l’expérience interactive physiquement avec une expérience interne.

Aujourd’hui, Art LA et Building Bridges Art Exchange se sont associés en tant qu’organisations locales à but non lucratif pour présenter l’œuvre Agua de l’artiste Luciana Abait, une projection vidéo inspirée du motif du mythe du déluge qui se produit dans de nombreuses cultures dans lesquelles l’eau agit comme un remède et un régénérateur. outil de naissance, faisant souvent référence à des idées de création, de purification et de maintien de la vie. Agua tel qu’exposé au centre-ville de Los Angeles soutient un appel à l’action et souligne l’importance de l’eau en tant qu’élément clé de notre survie future. J’entends par ce travail participer à l’ouverture des consciences et des actions autour des initiatives environnementales avec profondeur, beauté, grâce et émerveillement.

Voix de filles maintenant
Women’s Voices Now (WVN) est une organisation à but non lucratif 501(c)3 basée à Los Angeles qui utilise le pouvoir du film pour conduire un changement social positif qui fait avancer les droits des femmes et des filles dans le monde. Nous cherchons à lutter contre la mauvaise représentation et la sous-représentation des femmes en faisant la promotion de films réalisés par des femmes, sur les femmes, pour tous.

Girls’ Voices Now a servi 70 filles de communautés défavorisées et supervisé la production de leurs 12 courts métrages, qui ont été sélectionnés et récompensés dans 48 festivals de films, et regardés par plus de 522 000 téléspectateurs en ligne grâce à nos partenariats avec Here Media, Kanopy, ONU Femmes et la campagne #HeforShe de l’ONU. Ce programme permet aux filles et aux jeunes femmes de communautés défavorisées de trouver, de développer et d’utiliser leur voix pour un changement social positif grâce à la réalisation de films.

Performances : invisibles
L’artiste Tiffany Trenda présente Un/Seen, une performance live au sein d’une expérience immersive utilisant la capture volumétrique. Il se transforme en temps réel en fonction des actions du public. Avec de nouvelles expériences immersives, on se désincarne. C’est-à-dire que nous sommes physiquement dans un espace tandis que nos yeux et nos pensées font l’expérience d’un autre monde simultanément. Nos corps se dissocient au fur et à mesure que nous passons entre le simulé et le réel. De plus, nous ne sommes pas immédiatement en présence d’un autre. Notre présence est médiatisée et transportée dans un autre espace qui n’existe pas réellement. Nous sommes par essence, visibles et invisibles.

Ces nouvelles applications brouillent également le rôle de l’utilisateur et du créateur en permettant aux deux parties de changer l’expérience. C’est-à-dire que le spectateur n’est plus un témoin mais un collaborateur. De plus, toutes les parties sont représentées comme des avatars et cela ouvre un récit de « qui est-ce ? » et « qu’est-ce qui se passe ? » Nos rôles d’acteurs dans ces jeux sont ambigus, reflet parfait de notre époque avec l’incertitude de notre avenir.

Imagerie (Documentaire)
Imagraphy est un documentaire où une variété de photographes internationaux partagent leurs histoires sur l’artisanat, l’industrie, les techniques et leurs impressions globales sur le monde vu à travers leurs objectifs. Avec : Roger Ballen, James Balog, John Batho, Peter Bialobrzeski, Michel Comte, Ralph Gibson, Greg Gorman, Henry Horenstein, Graciela Iturbide, Hiroji Kubota, Sir Derry Moore, Howard Schatz, Andres Serrano, Sandy Skoglund, Paul Watson et Stephen Wilkes.

Mémorial de la rivière Rose
Le Rose River Memorial est une collaboration artistique communautaire qui honore et pleure les nombreuses vies perdues pendant la pandémie de COVID-19 aux États-Unis. Rose River Memorial aspire à créer une rose en feutre comme symbole de chagrin pour chaque vie perdue. L’installation était un espace sacré de guérison, où les gens peuvent se connecter avec leurs propres sentiments et sens pour vivre leur propre deuil, individuellement ou collectivement, ainsi que célébrer la vie et inviter l’humanité à célébrer de nouveaux commencements.

Séminaires
Citibank revient avec Virtual Gallerist Talks, une série d’événements et de discussions en personne et en direct mettant en lumière certaines des galeries les plus populaires du LA Art Show. Tout au long du week-end, Citibank a organisé des discussions avec les galeristes du LA Art Show. Ces conversations en direct avec les galeristes comprenaient une présentation des expositions ainsi que des commentaires sur des œuvres d’art sélectionnées. Dans un effort coordonné, il y avait à la fois une présence en personne et une expérience virtuelle, en se concentrant sur cinq galeries sélectionnées. Cette série donne aux téléspectateurs un regard en profondeur sur la curation de chaque émission, avec un dialogue animé sur chaque pièce.

Charité
Au cours des six dernières années, LA Art Show a été un soutien ferme et indéfectible de l’hôpital de recherche pour enfants St. Jude, car il ouvre la voie à la compréhension, au traitement et à la lutte contre le cancer infantile et d’autres maladies mortelles. En 2021, l’hôpital de recherche pour enfants St. Jude reste le bénéficiaire, le LA Art Show faisant don de 15 % non seulement des billets pour la soirée d’ouverture, mais tous les billets sont reversés cette année à sa mission de sauvetage.

Lieu
Le LA Art Show est stratégiquement situé à l’épicentre dynamique de la ville, le LA Convention Center est le lieu vert le plus avancé technologiquement du sud de la Californie, avec des plafonds hauts et un grand espace. C’est ici que se trouvent les Grammy Awards, le Grammy Museum et un impressionnant complexe de divertissement qui comprend le Nokia Theatre, le Staples Center Arena, les meilleurs restaurants et le Ritz Carlton Hotel and Residences. Les mécènes des arts se rendent volontiers au centre-ville de LA pour le meilleur de la musique classique (Disney Hall), du théâtre (Mark Taper et Ahmanson) et de l’art contemporain (MOCA, Art District).