Die LA Art Show, die umfassendste internationale Ausstellung für zeitgenössische Kunst in Amerika, eröffnet am 29. Juli 2021 im Los Angeles Convention Center offiziell die Kunstsaison 2021 der Stadt 26-jähriges Jubiläum. LA Art Show ist das unvergleichliche internationale Kunsterlebnis mit über 80 Galerien, Museen und gemeinnützigen Kunstorganisationen aus der ganzen Welt, die Malerei, Skulptur, Arbeiten auf Papier, Installation, Fotografie, Design, Video und Performance ausstellen.

Los Angeles hat sich zu einem globalen Epizentrum für Kunst und Kultur entwickelt, mit einem ausgeprägten, verwobenen multikulturellen Einfluss, der einzigartig für die Stadt ist. Vielfalt ist unsere Stärke und Kunst ist am wirkungsvollsten, wenn sie alle Grenzen umfasst oder überschreitet. Während LA zur Weltklasse-Destination für Kunst aufsteigt, ist die LA Art Show weiterhin führend mit innovativen Programmen und einzigartigen Erlebnissen für ein wachsendes Sammlerpublikum. Die LA Art Show diente als Motor für den Aufstieg der Stadt als Kunsthauptstadt und vermittelte ein Gefühl der Normalität nach einem Jahr voller Aufruhr und Unsicherheit für die Kunstwelt.

Die LA Art Show schafft eine der größten internationalen Kunstmessen in den Vereinigten Staaten und bietet Sponsoren, ihren ausgewählten Gästen und VIP-Kunden ein aufregendes, umfassendes Insider-Kunsterlebnis. Die Show zieht eine Elite aus nationalen und internationalen Galerien, renommierten Künstlern, hoch angesehenen Kuratoren, Architekten, Designprofis sowie anspruchsvollen Sammlern an.

Dieses innovative, außergewöhnliche kulturelle Umfeld zieht Führungskräfte und Vorstandsmitglieder südkalifornischer Unternehmen, Vertreter der Staats-, Bezirks- und Kommunalverwaltung sowie Führungskräfte der kulturellen Institutionen der Region an. Die Teilnehmer sind Trendsetter, Influencer und Alpha-Konsumenten, die in allen Bereichen ihres Lebens das Neueste und Beste suchen und fordern – Kunst, Design, Essen, Technologie und Reisen sind besondere Leidenschaften.

Die Ausgabe 2021 von DIVERSEartLA, kuratiert von Marisa Caichiolo, konzentriert sich auf die Präsenz, Beiträge, Forschung und Dokumentation von Frauen und nicht-binären Künstlern an der Spitze der Arbeit an der Schnittstelle von Kunst, Wissenschaft und Technologie, vertreten durch Gästemuseen und Institutionen. Dieser Teil der Ausstellung konzentriert sich auf die Präsenz, Beiträge, Forschung und Dokumentation von Frauen und nicht-binären Künstlern an der Spitze der Arbeit an der Schnittstelle von Kunst, Wissenschaft und Technologie, vertreten durch Gastmuseen und -institutionen.

Die LA Art Show hat ein einzigartiges Programm entwickelt, um einige der interessantesten Fortschritte in der Kunst, darunter AR, VR und NFTs, hervorzuheben und den Besuchern einen Raum zum Beobachten, Lernen und Genießen zu bieten. Dieses neue Programm wurde neben dem Design und den klassischeren Medien, für die die Show bekannt ist, mit Blick auf die Zuschauer entwickelt, um den Menschen etwas Neues auszusetzen und digitale Kunst und Technologie zugänglicher zu machen. Damit war die LA Art Show die erste LIVE-Show, die sich dem NFT-Gespräch anschloss.

Mehr als 180.000 Quadratmeter Ausstellungsfläche sind den prominenten Galerien von heute gewidmet. Diese nationalen und internationalen Galerien kuratieren über ihre Stände hinaus Sonderausstellungen, die an der Spitze der aufkeimenden zeitgenössischen Kunstbewegung stehen. Die Messe bietet ein außergewöhnliches Spektrum an Arbeiten und Erlebnissen in spezialisierten Bereichen.

LA Art Show 2021
Die LA Art Show 2021 schafft eine der größten internationalen Kunstmessen in den Vereinigten Staaten und bietet Sponsoren, ihren ausgewählten Gästen und VIP-Kunden ein aufregendes, umfassendes Insider-Kunsterlebnis. Die Show zieht eine Elite aus nationalen und internationalen Galerien, renommierten Künstlern, hoch angesehenen Kuratoren, Architekten, Designprofis sowie anspruchsvollen Sammlern an.

Dieses innovative, außergewöhnliche kulturelle Umfeld zieht Führungskräfte und Vorstandsmitglieder südkalifornischer Unternehmen, Vertreter der Staats-, Bezirks- und Kommunalverwaltung sowie Führungskräfte der kulturellen Institutionen der Region an. Die Teilnehmer sind Trendsetter, Influencer und Alpha-Konsumenten, die in allen Bereichen ihres Lebens das Neueste und Beste suchen und fordern – Kunst, Design, Essen, Technologie und Reisen sind besondere Leidenschaften.

Einige der beliebtesten Galerien der LA Art Show kehren in der Ausgabe 2021 zurück, darunter Arcadia Contemporary, Caldwell Snyder Gallery, Simard Bilodeau Contemporary und Rebecca Hossack Art Gallery aus London für das Lineup von Modern + Contemporary. Die Ausstellung hat erneut eine internationale Präsenz mit der aus Spanien zurückkehrenden Pigment Gallery, In The Gallery aus Dänemark und Arbeiten der Galerie KITAI in Japan, um nur einige zu nennen.

Modern + Contemporary – Der größte Programmbereich der LA Art Show, Modern + Contemporary, zeigt das breite Spektrum zeitgenössischer Malerei, Illustration, Skulptur und mehr aus Galerien in Los Angeles, dem pazifischen Raum und Ländern auf der ganzen Welt.

DIVERSEartLA – DIVERSEartLA nutzt die Position der Stadt am pazifischen Rand und ist ein spezieller Programmbereich, der sich der Förderung der kreativen Energie internationaler Sammler, Künstler, Kuratoren, Museen und gemeinnütziger Organisationen widmet, indem er sie direkt mit dem Publikum in Los Angeles verbindet. Die LA Art Show spendet jedes Jahr 50.000 Quadratmeter Ausstellungsfläche an teilnehmende Organisationen als unser bürgerschaftliches Engagement, und die vorgestellten Arbeiten sind nicht käuflich. Gesamtkuration von Marisa Caichiolo mit einzelnen Kuratoren von Institutionen aus der ganzen Welt.

Featured Exhibitions – Featured Exhibitions, die über die Grenzen der Standflächen hinausgehen, schaffen immersive Erlebnisse, um das Publikum durch zum Nachdenken anregende Kunstwerke, Performances und andere Ausstellungen der teilnehmenden Galerien zu begeistern und Werke hervorzuheben, über die in den kommenden Jahren gesprochen wurde.

Roots – ROOTS ehrt die Stimmen und Bewegungen, die zuvor entstanden sind, und ist ein spezieller Ausstellungsraum für Galerien, die historische Werke und zeitgenössische Künstler präsentieren, die diesen Traditionen folgen.

Project Space – Die aus der ganzen Welt stammenden Aussteller im Project Space präsentieren eine breite Palette von Ideen und Talenten in Form von Einzelausstellungen, die von den teilnehmenden Galerien präsentiert werden.

Works On Paper – Works on Paper ist ein spezieller Ausstellungsraum für die Präsentation von Fotografien und anderen Werken, die nicht auf herkömmlicher Leinwand verarbeitet wurden.

Ausstellungen

Wo die Strassen keinen Namen haben
Arushi Arts präsentiert ‚Where the Streets Have No Name‘, eine Sammlung von Werken aufstrebender Pop-Street-Künstler aus verschiedenen Teilen der Welt. Im Gegensatz zu komplizierten südostasiatischen Kunstwerken werden die Kunstwerke nebeneinander ausgestellt, um dem Betrachter ein Gefühl für die einzigartige Natur der verwendeten Techniken zu geben und gleichzeitig die Vorstellung von „ihren Straßen“ als Kernstück zu teilen.

Die Sammlung zeigt Kunstwerke von Riya Chandiramani, einem indischen Künstler aus Hongkong; ein Gitter aus kleinen Straßenschildern aus Metall des Künstlers Sellout aus Los Angeles; eine Keramik-Skateboard-Skulptur der Bildhauerin Jenna Helfman aus Miami; Arbeit des britischen Pop-Künstlers Marty Thorton; der zeitgenössische Straßenkünstler Roger James aus Los Angeles; und der aufstrebende britische Künstler George Weait. Über Generationen hinweg wurden Künstler von ihrem Milieu inspiriert und diese Kunstwerke veranschaulichen einen Dialog zwischen den Künstlern und ihrer jeweiligen Umgebung.

Bilderstürmer: Kilduffs Saloon
Der in Los Angeles lebende Künstler John Kilduff hat auf der Messe eine interaktive Installation aus Gemälden und Pappskulpturen geschaffen, die wie eine Bar in der Nachbarschaft aussieht. Die Teilnehmer haben die Möglichkeit, die immersive Installation zu betreten und vom Künstler handgemalte „Getränke“ zu bestellen. Kilduff wird täglich neue Bilder von Cocktails und Getränkespezialitäten kreieren. Die Teilnehmer haben die Möglichkeit, zu bestellen, was vom Fass ist, oder, wenn der Künstler anwesend ist, individuelle Getränke von der Speisekarte zu bestellen. Ein Teil des Erlöses wird zur Unterstützung von Bar- und Veranstaltungsmitarbeitern verwendet, die aufgrund der Pandemie in finanzielle Schwierigkeiten geraten sind.

John Kilduff, alias Mr Let’s Paint, lebt in Los Angeles und ist bekannt für seine gewagte Performance-Kunst und seine Fernsehsendung Let’s Paint TV. Durch seine Show und seine Arbeit treibt Kilduff seine Malausdauer durch eine Reihe von Multitasking- und Malherausforderungen, um das Publikum zu ermutigen, Kreativität und Selbstausdruck durch die Hindernisse des Lebens zu überwinden.

Farbfelder I Michael Löw
Michael Loew nutzte die Rasterstruktur von Piet Mondrian als Grundlage, um mit den Möglichkeiten der Palette zu experimentieren und sich auf die subtilen Übergänge von Ton oder Harmonie von Farbbeziehungen zu konzentrieren. Er wandelte Themen in einzigartige Muster von Rechtecken oder Farben um. Als bedeutender Vertreter des Abstrakten Expressionismus und der späteren Farbfeldmalerei schuf Löw viele farbenfrohe Beispiele wie Blue Edge und Yellow on Yellow.

In den späten 1920er Jahren wurde Michael Löw an der Art Student’s League eingeschrieben und war später in Frankreich, wo er bei Fernand Leger studierte. Löw war eng und langjähriger Freund von Willem de Kooning, der seine Arbeit beeinflusste. Nach Pearl Harbor trat Löw der Navy bei und diente als Bataillonskünstler für die „Seabees“ im Pazifik. Seine Aquarelle stammen größtenteils aus seiner Marinearbeit auf der Insel Tinian. Als er 1946 nach Hause zurückkehrte, bewegte sich seine Malerei schnell in Richtung Abstraktion.

Es waren die 1950er Jahre, die die volle Entwicklung seines reifen Stils brachten. Er studierte bei Hans Hoffmann und kultivierte seine Sensibilität für Farbwirkungen. Im Laufe seines Lebens wurden Loews Werke ausgiebig in Galerien und Museen ausgestellt, darunter: The Guggenheim und The Whitney in NY, das Dallas Museum of Art und das Philadelphia Museum of Art.

Abstrakt in der Natur I Paik Gannomi
Der koreanisch-amerikanische abstrakte Maler Paik Gannomi in seinen knappen fünf fließenden Strichen schuf Sonaggi (Rainstorm) 1973 in New York. Er verzichtete darauf, ein Naturphänomen, Rainstorm, aufwendig oder überflüssig auszudrücken, erklärte er durch ein Minimum an Linien und Farben. In seiner Verwendung der Linie teilt er Gemeinsamkeiten mit der koreanischen Form der Kalligraphiekunst Seoye, in der eine Kraft des Strichs durch eine inhärente Bewegung und einen inhärenten Rhythmus lebendig werden muss. Die Striche des Künstlers Gannomi verleihen eine tiefe Dynamik durch die charakteristische Verkörperung von tiefem Rot in Schwarz. Der anschließende Raum, der durch die Linien entsteht, ist ein weiteres Markenzeichen seiner Werke, die von der koreanischen traditionellen Kunst beeinflusst sind.

Paik Gannomis Kunst kann in Anlehnung an Franz Klein und Jackson Pollack als abstrakter Expressionismus kategorisiert werden. Die meisten Arbeiten von Paik Gannomi sind nicht bewusst auf einen Titel ausgerichtet, sondern es entsteht ein oberflächlicher Eindruck aus den Linien und Räumen. Während seine Zeitgenossen in Korea in den 1970er Jahren von der monochromen Bewegung fasziniert waren, behielt er seine eigene Stärke mit dem einzigartigen Stil des aquamarinen Hintergrunds, der mit dem fließenden Rot auf schwarzen Linien überlagert wurde. Der Inbegriff seiner Werke kam zum Tragen, als er 1981 im Grand Palais, Paris, den Prix d’Audonne für „Paysage de Seine“ erhielt. Zuvor erhielt er 1980 den Bürgermeisterpreis im Palais Vincennes, Paris für „l’Automne “ und „Saint-Gesicht“.

Schwerkraft I Andreas von Zadora-Gerlof
Zadora-Gerlof ist eine Hommage an MC Escher in diesem atemberaubenden Werk aus Edelstahl. Das Stück wurde von der Gravitation des niederländischen Künstlers von 1952 inspiriert, die die Unmöglichkeit untersuchte, dass mehrere Gravitationsquellen an einem einzigen Objekt zusammenarbeiten. Escher manifestierte diese Theorie durch zwölf Schildkröten, die den Stern als gemeinsame Schale verwenden. In sechs Farbpaaren vertreten – rot, orange, gelb, lila, grün und blau – ruht jede Schildkröte ihrem Gegenstück direkt gegenüber.

Obwohl Eschers Schöpfung physisch unmöglich ist, präsentierte er sie visuell glaubwürdig und logisch. Zadora lässt die Genialität von Eschers Kreation durch präzise geschnittene Stücke aus Edelstahl und Polymer Wirklichkeit werden. Auf den ersten Blick scheint es ein unsinniges Durcheinander von Schildkrötenköpfen und -gliedern zu sein, obwohl ein genauerer Blick die inhärente Symmetrie und Harmonie des Designs offenbart.

„Der Schmetterlingsschrei“
Diese Installation aus 490 keramischen Blütenblättern ist inspiriert von der Tatsache, dass Schmetterlinge während des Reiches der Menschen ihren Lebensraum auf beängstigende Weise reduziert haben. Bitte halten Sie Ihr Handy in die Nähe des QR-Codes und seien Sie bereit, dem „Schmetterlingsschrei“ zu lauschen, wenn diese schönen Kreaturen an der Reihe sind, die Welt zu regieren, um allen Wesen den Nutzen von Gleichgewicht und Wohlbefinden zu bringen unser Planet.

Cartoon-digitaler Panel-Klappbildschirm: Imaginierte Grenzen I Lee Lee Nam
Lee Lee Nam (geb. 1969) schafft Verschmelzungen der heutigen High-Tech-Umgebung und der traditionellen Kultur. Mit außergewöhnlicher Finesse schafft er faszinierende Digital- und Videoarbeiten, die europäische Gemälde alter Meister und traditionelle asiatische Kunst mit moderner Bildsprache gegenüberstellen. Die Kunstwerke sind wie ein Palimpsest überlagert und verwoben, wodurch ein Bild entsteht, das so fiktiv ist wie Träume, die die Realität überlagern.

Liminal: Marsian Sun I Félicie d’Estienne d’Orves
Die Arbeit von Félicie d’Estienne d’Orves mischt Licht, Skulptur und neue Technologien und hinterfragt den Prozess des Sehens und dekonstruiert unseren Blick. Félicie verschränkt Wissenschaft und die immateriellen Qualitäten des Lebens und seiner Philosophien, hinterfragt, erschüttert und taucht tief in die Fakten des Universums ein und übersetzt sie in faszinierende Kunstinstallationen, die so erstaunlich intellektuell, komplex und schön sind.

Ihre Installationen verfolgen einen phänomenologischen Zugang zur Realität, sie unterstreichen die Wahrnehmung von Zeit als Kontinuum. Von audiovisueller Performance bis hin zu Land Art konzentriert sich ihre Forschung auf astrophysikalischen Raum und natürliche Lichtzyklen. Der bildende Künstler arbeitet mit Weltraumlandschaften durch einen „Fernseh“-Prozess, bei dem die Tiefenschärfe durch Teleskope, Rover und astrophysikalische Modellierung erhöht wird.

Liminal: Martian Sun ist eine Ausstellung, die wir um das fokussierte Werk von Félicie herum aufgebaut haben, das sich durch verschiedene Dimensionen, Zeit und Raum schneidet. Zwischen Gegensätzen schwebend, fordern die Werke der Künstlerin die Orte der Intervalle wie Leben und Tod, Hell und Dunkel, Nah und Fern, Realität und Spirituellem unter vielen anderen heraus und treiben einen wichtigen Teil ihrer Praxis und den Kern unserer Ausstellung an, daher unser Titel .

Programme
Als erste Live-Show, die sich dem NFT-Wahn anschließt und den Besuchern den unglaublichen Trend in der digitalen Kunst vorstellt, hat sich die LA Art Show den Ruf erworben, führend zu sein. So können die Besucher noch mehr auffällige Kunsttrends erwarten.

DIVERSEartLA
Die Ausgabe 2021 von DIVERSEartLA, kuratiert von Marisa Caichiolo, konzentriert sich auf die Präsenz, Beiträge, Forschung und Dokumentation von Frauen und nicht-binären Künstlern an der Spitze der Arbeit an der Schnittstelle von Kunst, Wissenschaft und Technologie, vertreten durch Gastmuseen, Institutionen und Not -for-Profit-Organisationen. Wissenschaft, Kunst und Technologie sind menschliche Versuche, die Welt um uns herum zu verstehen und zu beschreiben. Die Themen und Methoden haben unterschiedliche Traditionen und die Zielgruppen sind unterschiedlich, aber ich denke, die Motivationen und Ziele sind im Grunde gleich. Ich denke, eines der ursprünglichsten und angeborenen Bedürfnisse des Menschen besteht darin, die Welt um uns herum zu verstehen und dieses Verständnis dann zu teilen.

Diese Welle begann in den 1920er Jahren, als viele Künstler darauf abzielten, zeitbasierte visuelle Werke zu schaffen. Obwohl einige der Werke Technologie und Innovation zu verkörpern schienen, stammten viele davon tatsächlich aus der greifbarsten Form der Realität, der natürlichen Umgebung des Künstlers.

Im Bereich der digitalen Kunst haben in den letzten fünfzehn Jahren viele Künstler daran gearbeitet, digitale Informationen und neue Medienpraktiken mit audio- oder visuellen Mitteln zu materialisieren (z die Vorstellung davon; während andere Künstler versuchen, den Begriff der „Signale“ aus der Perspektive der Synästhesie zu präsentieren: Sie versuchen, mit Hilfe von Maschinen Klangsignale zu visualisieren und so die abstrakten geometrischen Bilder durch Computeroperationen in Klänge zu verwandeln.

DIVERSEartLA war eine Untersuchung und Zusammenstellung von Material sowie eine Ausstellung mit Werken von Frauen und nicht-binären Künstlern, die eine zentrale Rolle bei der Entwicklung neuer Medienpraktiken in Kunstinstitutionen und im Laufe der Geschichte gespielt haben. Wir tauchen auch in eine neue Zeit ein, in der wir uns mit dem Zusammenbruch traditioneller Beziehungen zwischen dem Materiellen und dem Immateriellen auseinandersetzen mussten.

Tiffany Trenda, eine multidisziplinäre Performancekünstlerin, die dafür bekannt ist, die Beziehung des weiblichen Körpers zu den sich ständig verändernden Technologien von heute zu erforschen. Sie arbeitet mit DIVERSEartLA zusammen, um die Live-Performance sicher auf die Kunstmesse zu bringen, und koordiniert ein Seherlebnis für die Besucher per QR-Code. Jede Person kann mit ihrem eigenen Smartphone in Echtzeit über eine volumetrische Videoaufzeichnung mit ihr interagieren.

Kunstmuseum Amerikas
Das Art Museum of the Americas (AMA) hat sich einem von Fabian Goncálves kuratierten Sonderprojekt angeschlossen, das eine Zusammenstellung von Material und Werken von Künstlerinnen zeigt, die im Laufe der Geschichte eine zentrale Rolle bei der Entwicklung neuer Medienpraktiken gespielt haben, sowie von Frauen und nicht-binären Menschen, deren zukunftsorientierte Praktiken derzeit das Feld neu gestalten. Der venezolanische Künstler Luis Cobelo (PILAR) war mit einer Performance Teil von AMA, Yolanda Leal aus Mexiko präsentiert die Performance Gorilla Nature und eine besondere Performance wird ebenfalls von María Veroónica San Martin präsentiert.

Dignidad
Dignidad ist eine Kunstinstallation im Nationalarchiv von Chile, die auf geheimen Telefondokumenten über Colonia Dignidad basiert. 2012 von dem Ex-Siedler und Aktivisten Winfried Hempel gefunden, geben die Audios erstmals den öffentlichen Gesprächen zwischen Paul Schäfer und anderen Nazi-Agenten im Jahr 1978 Aufschluss. Durch Skulptur, Sound, Performance, Text und eine Auswahl historischer Archive offenbart die Installation ein komplexes System von Codes und transkontinentalen Aktionen, die in Verbrechen gegen Minderjährige und Gegner der chilenischen zivil-militärischen Diktatur (1973-1990) gipfelten.

DATEN | ergo summe | RELOADED
DATEN | ergo summe | RELOADED ist eine interaktive Kunstinstallation, die die Fähigkeit von Betrachtungsmaschinen visualisiert, die künstliche Intelligenz verwenden, um Daten durch eine einfache Beobachtung von Besuchern zu extrahieren, erstellt von der Künstlerin Ana Marcos. Ana Marcos ist Absolventin der Bildenden Künste der Universität Madrid und Wirtschaftsingenieurin der Polytechnischen Universität Madrid. Als multidisziplinäre Künstlerin kombiniert sie verschiedene Kunstformen wie interaktive Installationen, Video und Fotografie und arbeitet an neuen Experimentiermöglichkeiten im Bereich der Künste. Sie ist die Leiterin und Mitbegründerin von 3Dinteractive, einer Gruppe von Ingenieuren und Künstlern, die durch Forschung ein tieferes Verständnis der Beziehung zwischen Kunst-Wissenschaft-Technologie und der Öffentlichkeit anstrebt. Jede Technologie führt zu einer Veränderung unserer Art zu leben und die Realität zu verstehen.

Heute verfügen wir über komplexe, innovative technologische Umgebungen, auf Experimenten und Studien von Universitäten aus der ganzen Welt basierende Arbeiten und all dieses Wissen steht im Netzwerk zur Verfügung, um nicht nur von Technologen, sondern auch von Künstlern geteilt zu werden. Es ist klar, dass die Dynamik und Relevanz dieser Technologie im Allgemeinen und der Künstlichen Intelligenz im Besonderen in unserer Gesellschaft zunimmt, und als Künstlerin glaubt sie, dass künstlerische Arbeit die Verpflichtung hat, im Bereich der KI zu erforschen und zu experimentieren. Kunst dringt immer wieder ins Denken und damit auch in die Technik ein und kann den innovativsten Entwicklungen andere Perspektiven eröffnen. Ob KI ein Werkzeug oder eine Disziplin, sie ist – und war – ein Arbeitsthema für Künstler. Hoffentlich kann die Kunst auch die Entwicklungen in der KI beeinflussen.

Die Symphonie der Gegenwart
Das San Marcos Museum of Art (MASM) aus Lima, Peru, bringt ein neues Medienprojekt der peruanischen Künstlerin Angie Bonino mit Augmented Reality mit dem Titel „THE SYMPHONY OF NOW“, das aus einer Videoinstallation und einer interaktiven Soundinstallation mit Schwerpunkt auf dem Anden-Techno besteht dekolonialer Schamanismus. Diese Welt, in der wir heute leben, ist zu einem verschlingenden universellen Bildschirm geworden, der unsere Augen einfängt und unterwirft, uns aber nicht sehen lässt. Durch ihre extreme, außerordentlich intensive Sichtbarkeit – repetitiv, hypnotisierend, verfremdend – werden die Machtnetzwerke und ihre Herrschaftsziele unsichtbar. Und so wird ihre Herrschaft unbemerkt undurchschaubar und völlig unumkehrbar.

Die Künstlerin Angie Bonino wurde 1974 in Lima (Peru) geboren und bereiste ununterbrochen die ganze Welt – sie lebte und arbeitete sogar elf Jahre in Barcelona, ​​Spanien. Kein Wunder also, dass das Hauptmedium ihrer künstlerischen Vorschläge gerade die bewegten Bilder sind, insbesondere Video und Videoinstallationen. Dies bedeutet jedoch nicht, dass sie ihre einzigen Ausdrucksformen sind.

Angie Bonino ist in allen Sinnen eine Künstlerin unserer Zeit, eine Multimedia-Künstlerin, die sich auf das Crossover von Kunst und Technologie konzentriert. Schließlich kommen ihre Arbeiten neben Video auch in Animationen, digitalen Techniken, Druckgrafiken, Zeichnungen, Gemälden und Skulpturen zum Ausdruck. Bei all dieser medialen Pluralität bleibt jedoch immer dieselbe vorherrschende ästhetische Intention: das Bild zu hinterfragen. Diese Hinterfragung des Bildes durch Kunstwerke hat bei Angie Bonino immer eine moralische und politische Absicht. Ihr Ziel ist es, in allen hypermedialen Bildproduktions- und -übertragungsnetzwerken die Verbreitung der unsichtbaren, okkulten Machtsphären und Systeme aufzudecken, die die Konfiguration dessen bestimmen, was sie Bildwelt nennt.

Immersive Distanzierung
Diese Künstler thematisieren unser anhaltendes kulturelles und politisches Moment in Bezug auf Körper, Erinnerung, Archivspuren und Stadtlandschaft. Einwanderung, sowohl als persönliche Erfahrung als auch als gesellschaftspolitische Realität, prägt ihr umfassenderes Werk. Diese Künstler haben zuvor in Installation und Skulptur gearbeitet und sich stark auf Familienartefakte und -archive sowie Erforschungen des architektonischen Raums berufen. Hier nähern sie sich Medien als visualisierende Technologie, die ihre ortsbasierten Arbeiten in eine immersive Erzählung bringt, während sie gleichzeitig die der Wissenschaft, aber insbesondere der digitalen Wissenschaft innewohnende Abstraktion, einbeziehen, anpassen und herausfordern.

Die Produktion, die formalen Eigenschaften und der Inhalt dieser Medienwerke wurden direkt von den Beschränkungen von Covid-19 beeinflusst, was jeden Künstler dazu bewegte, Remote-Arbeitsweisen zu entwickeln, die die Grenze zwischen Produktion und Postproduktion verwischten. Beide Künstler griffen auf mehrere digitale Quellen zurück: Video, Fotografie und Audioaufnahmen. In Last Light nutzt Argote die Anblicke und Geräusche ihrer Spaziergänge durch LA während der Pandemie als Grundlage für eine Meditation über Krankheit und Zerstörung. Sie wendet sich der Grundlage aller Wissenschaft – der Messung – zu und schlägt vor, ihren Körper in Bezug auf den Maßstab der Stadt und der Welt zu messen, verwendet jedoch die Grundlage aller Kunst – die Hand – als Grundlage, um den Maßstab zu bestimmen.

In Memory Place erforscht Abes drei Momente in ihrer „ausfransenden Gewissheit“ über Istanbul, wie es mehr zu einer Idee als einem Ort wird, und visualisiert diesen Prozess durch Punktwolkendaten und Photogrammetrie, die Videos und Fotografien in 3D-Umgebungen verwandeln, die sich vom Betrachter entfernen. Diese Umgebungen sind impressionistisch und partiell – mit Lücken hier und da in den dargestellten Szenen und mit Bildteilen, die schärfer werden, wenn sie sich dem Fluchtpunkt nähern. In beiden Arbeiten wird die Fragmentarität der Bildsprache durch das Sounddesign immersiv.

Agua
Agua bietet der Öffentlichkeit einen Raum, eine Oase, zum Heilen und Verstehen. Die Arbeit ist ortsspezifisch und architektonisch integriert, um ein poetisches Bewusstsein für Wasser als heilige Ressource für die Menschheit zu fördern und gleichzeitig einen Moment der Reflexion für die Teilnehmer zu schaffen. Agua ist ein Mehrkanal-Kunstwerk, das Videos von Wasser kombiniert, die im Laufe der Jahre aus der Naturforschung auf der ganzen Welt gesammelt wurden. Die wechselnden Farbtöne drücken verschiedene Geistes- und Gefühlszustände aus und harmonisieren die interaktive Erfahrung physisch mit einer inneren.

Jetzt haben sich Art LA und Building Bridges Art Exchange als lokale Non-Profit-Organisationen zusammengeschlossen, um die Arbeit Agua der Künstlerin Luciana Abait zu präsentieren, eine Videoprojektion, die vom Flut-Mythos-Motiv inspiriert ist, das in vielen Kulturen vorkommt, in dem Wasser heilend und heilend wirkt. Geburtswerkzeug, das sich oft auf Ideen der Schöpfung, Reinigung und Erhaltung des Lebens bezieht. Agua, wie es in der Innenstadt von Los Angeles ausgestellt wird, unterstützt einen Aufruf zum Handeln und unterstreicht die Bedeutung von Wasser als Schlüsselkomponente für unser zukünftiges Überleben. Ich beabsichtige, dass diese Arbeit dazu beiträgt, Bewusstsein und Aktionen rund um Umweltinitiativen mit Tiefe, Schönheit, Anmut und Wunder zu öffnen.

Mädchenstimmen jetzt
Women’s Voices Now (WVN) ist eine gemeinnützige 501(c)3-Organisation mit Sitz in Los Angeles, die die Macht des Films nutzt, um einen positiven sozialen Wandel voranzutreiben, der die Rechte von Frauen und Mädchen weltweit fördert. Wir versuchen, der Fehl- und Unterrepräsentation von Frauen entgegenzuwirken, indem wir Filme von Frauen über Frauen für alle fördern.

Girls‘ Voices Now hat 70 Mädchen aus unterversorgten Gemeinden geholfen und die Produktion ihrer 12 Kurzfilme überwacht, die auf 48 Filmfestivals ausgewählt und ausgezeichnet und dank unserer Partnerschaften mit Here Media von über 522.000 Online-Zuschauern angesehen wurden. Kanopy, UN Women und die UN #HeforShe-Kampagne. Dieses Programm befähigt Mädchen und junge Frauen aus unterversorgten Gemeinschaften, ihre Stimme für einen positiven sozialen Wandel durch Filmemachen zu finden, zu entwickeln und zu nutzen.

Leistung: Un/Gesehen
Die Künstlerin Tiffany Trenda präsentiert Un/Seen, eine Live-Performance in einem immersiven Erlebnis mit volumetrischer Erfassung. Es verändert sich in Echtzeit, abhängig von den Aktionen der Öffentlichkeit. Mit neuen immersiven Erfahrungen werden wir körperlos. Das heißt, wir befinden uns physisch in einem Raum, während unsere Augen und Gedanken gleichzeitig eine andere Welt erleben. Unsere Körper werden dissoziiert, wenn wir zwischen dem Simulierten und dem Realen wechseln. Außerdem befinden wir uns nicht unmittelbar in der Gegenwart eines anderen. Unsere Präsenz wird vermittelt und in einen anderen Raum transportiert, der nicht wirklich existiert. Wir sind im Wesentlichen gesehen und unsichtbar.

Diese neuen Anwendungen verwischen auch die Rolle des Benutzers und des Erstellers, da beide Parteien die Erfahrung ändern können. Das heißt, der Zuschauer ist kein Zeuge mehr, sondern ein Mitarbeiter. Außerdem werden alle Parteien als Avatare dargestellt und dies eröffnet eine Erzählung von „Wer ist das?“ und „was passiert?“ Unsere Rollen als Spieler in diesen Spielen sind mehrdeutig, ein perfektes Spiegelbild unserer Zeit mit der Ungewissheit unserer Zukunft.

Imagraphie (Dokumentarfilm)
Imagraphy ist ein Dokumentarfilm, in dem eine Vielzahl internationaler Fotografen ihre Geschichten über das Handwerk, die Industrie, Techniken und ihre Gesamteindrücke der Welt durch ihre Objektive teilen. Mitwirkende: Roger Ballen, James Balog, John Batho, Peter Bialobrzeski, Michel Comte, Ralph Gibson, Greg Gorman, Henry Horenstein, Graciela Iturbide, Hiroji Kubota, Sir Derry Moore, Howard Schatz, Andres Serrano, Sandy Skoglund, Paul Watson und Stephen Wilkes.

Rosenfluss-Denkmal
Das Rose River Memorial ist eine Gemeinschaftskunstkollaboration, die die vielen Menschenleben ehrt und betrauert, die während der COVID-19-Pandemie in den Vereinigten Staaten verloren gegangen sind. Das Rose River Memorial hat sich zum Ziel gesetzt, eine Filzrose als Symbol der Trauer für jedes verlorene Leben zu schaffen. Die Installation war ein heiliger Ort der Heilung, in dem sich Menschen mit ihren eigenen Gefühlen und Sinnen verbinden können, um ihre eigene Trauer individuell oder im Kollektiv zu erfahren, das Leben zu feiern und die Menschheit einzuladen, Neuanfänge zu feiern.

Seminare
Citibank kehrt mit Virtual Gallerist Talks zurück, einer Reihe von persönlichen und Live-Streaming-Events und Diskussionen, die einige der beliebtesten Galerien der LA Art Show hervorheben. Während des gesamten Wochenendes veranstaltete die Citibank LA Art Show Gallerist Talks. Diese Live-Gespräche mit den Galeristen beinhalteten einen Rundgang durch die Ausstellungen sowie Kommentare zu ausgewählten Kunstwerken. In einer koordinierten Anstrengung gab es sowohl eine persönliche Präsenz als auch ein virtuelles Erlebnis, das sich auf fünf ausgewählte Galerien konzentrierte. Diese Serie gibt den Zuschauern einen detaillierten Einblick in die Kuration jeder Show, mit einem lebhaften Dialog über jedes Stück.

Wohltätigkeit
In den letzten sechs Jahren ist die LA Art Show ein starker und unerschütterlicher Unterstützer des St. Jude Children’s Research Hospital, da es weltweit den Weg führt, Krebs im Kindesalter und andere lebensbedrohliche Krankheiten zu verstehen, zu behandeln und zu besiegen. Im Jahr 2021 bleibt das St. Jude Children’s Research Hospital der Begünstigte, wobei die LA Art Show nicht nur 15% der Eröffnungstickets spendet, sondern dieses Jahr alle Tickets für ihre lebensrettende Mission.

Veranstaltungsort
Die LA Art Show liegt strategisch günstig im dynamischen Epizentrum der Stadt. Das LA Convention Center ist Südkaliforniens technologisch fortschrittlichster grüner Veranstaltungsort mit hohen Decken und viel Platz. Hier befinden sich die Grammy Awards, das Grammy Museum und ein beeindruckender Unterhaltungskomplex, der das Nokia Theatre, die Staples Center Arena, Top-Restaurants und das Ritz Carlton Hotel and Residences umfasst. Kunstmäzene fahren gerne nach Downtown LA, um das Beste in klassischer Musik (Disney Hall), Theater (Mark Taper und Ahmanson) und zeitgenössischer Kunst (MOCA, Art District) zu genießen.