미국 모더니즘은 모더니즘 운동과 마찬가지로 모더니티 시대의 문화와 사회에서의 광범위한 변화로 인해 야기 된 철학적 사고의 경향이다. 미국의 모더니즘은 제 1 차 세계 대전과 제 2 차 세계 대전 사이의 핵심시기 인 20 세기 초반부터 시작된 미국의 예술 및 문화 운동입니다. 유럽의 모범과 마찬가지로 미국의 모더니즘은 새로운 선진국에서 현실을보다 잘 대변하고자하는 계몽주의 사상을 거부 한 데서 비롯되었습니다.
역사
특징적으로, 모더니스트 예술은 추상적 인 경향이 있으며, 혁신적이고, 미적이며, 미래 지향적이고 자기 참조 적입니다. 시각 예술, 문학, 음악, 영화, 디자인, 건축 및 라이프 스타일을 포함합니다. 그것은 역사주의, 예술적 관례 및 예술 제도화에 반발합니다. 예술은 아카데미, 극장, 콘서트 홀에서 다루어 질뿐만 아니라 일상 생활에 포함되어 모든 사람들이 이용할 수있는 것이 었습니다. 또한 문화 기관은 미술에 중점을 두었고 학자들은 모더니즘의 혁명적 스타일에 거의 관심을 기울이지 않았다. 활발한 20 대 시대의 미국에서의 경제 및 기술 진보는 일부 현대주의 예술가들에게 영향을 미치는 널리 유토피아적인 정신을 불러 일으켰고 다른 일부는 기술 포용에 회의적이었다. 제 1 차 세계 대전에서의 승리는 국제적인 선수로서의 미국의 지위를 확인하고 국민들에게 자신감과 안도감을주었습니다. 이러한 맥락에서 미국의 모더니즘은 미국의 예술이 유럽의 전통에 뒤 이은 예술적 관례를 깨뜨림으로써 유럽의 맛과는 차별적이며 자율적 인 것으로 미국 미술의 시작을 알렸다.
미국의 모더니즘은 이민자 문화의 다양성으로부터 혜택을 받았습니다. 아티스트들은 아프리카, 카리브해, 아시아 및 유럽의 민속 문화에서 영감을 얻었으며 이러한 이국적인 스타일을 작품에 포함 시켰습니다.
모더니스트 아메리칸 운동은 20 세기 미국인의 삶을 반영한 것입니다. 빠르게 산업화되는 세계와 빠른 속도의 삶 속에서, 개인이 광대 한 사물에 삼켜지기 쉽고, 방황하고 목적이 결여되어 있습니다. 인종, 계급, 성별, 부와 종교의 사회적 경계가 도전 받고있었습니다. 사회적 구조가 새로운 관점으로 인해 도전 받았을 때, 전통적인 표준과 사회 구조의 경계는 해체되었고, 정체성의 상실은 결국 어떤 종류의 “전체”로부터 분리, 소외 및 전반적인 분리감으로 이어졌다. 전쟁에 휘말린 나라의 단합은 병사들과 사람들에게 팔린 유족의 환상과 함께 죽어 가고있었습니다. 세상은 폭력적이고 천박하고 영적으로 공허합니다.
중산층 노동자는 눈에 띄게 눈에 띄지 않는 자세로 넘어갔습니다.이 기계는 훨씬 더 큰 기계에서 인정을 받기에는 너무 작은 것이 었습니다. 시민들은 자신들의 무용으로 극복되었습니다. 젊음의 꿈은 실패와 한계와 상실감에 대한 실망스러운 실망으로 산산조각이났다. 환멸을 느끼고 추방당한 사람들의 삶은 더욱 중요하게되었다. 열심히 일하고 수완을 통해 자아를 정의하고, 전통적인 방법의 도움없이 자신 만의 비전을 창출 할 수있는 능력은 높이 평가되었습니다. F. Scott Fitzgerald와 같은 다른 사람들은 특권의 가치가 얼마나 유혹적이지만 파괴적으로 거짓인지에 대해 도전하는 일부 저자는 이것을지지했습니다.
근대주의 미국은 더 이상 믿음이 통일되지 않는 세상에서 공통점을 찾아야했습니다. 발견 된 일치는 모든 인간 경험 내에서 공유 된 의식의 공통 기반에 놓여있다. 개인의 중요성이 강조되었습니다. 인간 경험의 진실하게 제한된 본성은 인종, 계급, 성별, 부 또는 종교의 모든 교량에 걸친 채권을 형성했습니다. 이런 방식으로 사회는 혼란 스러울 때에도 공동의 의미를 발견했습니다.
어떤 이들은 19 세기의 미학과 예술을위한 예술 운동의 전통에서 모더니즘을 봅니다. 클레멘트 그린버그는 근대 미술은 “무엇이든 외부”를 배제한다고 주장한다. 다른 이들은 감성과 분위기를위한 매체로서 블루스와 재즈 음악과 같은 모더니스트 예술을보고 있으며 페미니즘과 도시 생활과 같은 현대적 문제를 다루는 많은 작품이 있습니다. 일부 예술가들과 이론가들은 미국의 모더니즘에 정치적 차원을 더했습니다.
미국 근대주의 디자인과 건축은 사람들로 하여금 현대 생활을 인도 할 수있게했습니다. 일과 가정 생활은 1920 년대의 경제적 상승으로 인해 급속하고 급격한 변화를 겪었습니다. 미국에서는 자동차가 인기를 얻었고 여가 시간과 오락을 즐기기에 알맞은 가격대가되었습니다. 그리고 여성을 위해 고용 시장이 개방되었습니다. 삶을보다 효율적으로 만들기 위해 설계자와 건축가는 가사 노동의 단순화를 목표로 삼았습니다.
대공황은 ’20 년대 말과 30 년대 말에 국민의 경제 안정에 대해 환멸을 느끼고 유토피아 적 사고를 침식했다. 제 2 차 세계 대전의 발발과 공포는 심적 상태의 변화를 가져 왔습니다. 뒤에 오는 전후 기간은 늦은 모더니즘이라고 불렸다. 포스트 모더니즘 시대는 일반적으로 1980 년대 초반부터 시작된 20 세기 후반 예술의 특징으로 간주되었다.
재즈
20 세기 초, 재즈는 블루스 전통에서 진화했지만 많은 다른 음악적, 문화적 요소도 통합되었습니다. 뉴 올리언즈에서는 흔히 재즈의 발상지로 여겨졌지만 음악가들은 스페인 식민지 영향과 프랑스 식민지 영향의 영향을 받았다. 이 도시에서 독특한 민족 문화 혼합과 느슨한 인종 금지로 아프리카 계 미국인은 남부의 다른 지역보다 영향력을 행사할 수있었습니다. 스페인계 미국 전쟁은 북부 군인들을 밴드와 함께이 지역으로 데려왔다. 결과 음악은 새 금 관악기의 사운드를 채택했습니다. Great Migration이 진행되는 동안 재즈는 뉴 올리언스에서 뉴욕, 시카고 및 다른 도시로 퍼져 나갔습니다. 할렘, 뉴욕시는 재즈 시대의 새로운 중심지가되었습니다.
재즈 – 통합 음악
재즈 음악은 미국 문화의 중심 요소로서 흑인 노예 문화에 뿌리를두고 있습니다. 이 음악은 아프리카의 전화 및 응답 패턴을 계기 및 리프로 결합했습니다. 처음에는 재즈와 래그 타임 리듬이 “야만적 인 충돌과 강타”라고 생각한 백인 인구의 일부가 재즈를 비판적으로 보았으며 “혁신가가 아니라 무능한”제품이라는 장르를 존중했습니다. 그것의 표정이 풍부하고 맥동 한 스타일은 처음에는 대중의 마음 속에서 인종적 고정 관념을 보여 주었고 회의적인 거부로 인해 광범위하게 마주 쳤습니다. 미국의 작가 인 로렌스 W. 레빈 (Lawrence W. Levine)은 흑인 문화의 중요성이 커지면서 이러한 현상이 나타나고 있음에도 불구하고 재즈의 역할을 민족 의식의 촉매제로 해석했다.
문화적으로, 우리는 이전의 제국주의의 그늘에서 스스로를 정의하려고 시도한 식민 통치민 인 우리가 아직 인식하지 못했던 것보다 훨씬 더 많이 남아있었습니다. 재즈는 우리의 새로운면과 이질성의 긍정적 인면을 인식하기 위해 노력한 그 자신의 다른 측면의 표현이었습니다. 아프리카와 다른 비 유럽 출신에서 파생 된 유산의 상당 부분이 편안하다는 것을 알게되었습니다. 그리고 그것은 미국의 특징이 된 다양한 혼합 문화에서 인정받지 못했던 약점이지만 역동적 인 힘의 근원이었습니다.
결국, 흑인과 백인 사이의 문화적 융합을 위해 노력하는 것은 재즈의 본질에있었습니다. 색소폰 연주자 인 Sonny Rollins에 따르면, “재즈는 언제나 통합 음악이었습니다.” 1920 년대와 1930 년대에 재즈는 인기를 얻었고 예술적, 개인적, 문화적 표현의 자유가 매력적이었던 젊은 백인에 대한 관심이 커지면서 새로운 형식의 음악이 제공해야했습니다. Benny Goodman, Gene Krupa, Milton Mezzrow, Muggsy Spanier 또는 Joe Sullivan과 같이 잘 알려진 백인 음악가는 Louis Armstrong과 같은 아프리카 계 미국인 아이콘에서 영감을 받았습니다. 재즈의 수용은 곧 대서양을 가로 질러 퍼져 나갔고, 20 세기 중반 경에 재즈의 국제화가 이루어졌습니다. 오늘날 재즈 음악은 아프리카 계 미국인 문화의 세계적 대표자 인 미국의 독특한 고유 음악 인 미국 문화의 필수 요소이며 활기찬 부분으로 간주됩니다.
미국인 재즈
1923 년 The New York Times에 게재 된 편집 기사는 “미국이 예술에 기여한 것”이라고 재즈를 선포했으며이 나라의 음악 민속 전설의 일부로 전 세계가 인정 받았다. 먼로 독트린이나 7 월 4 일이나 야구로. ”
재즈의 미국인은 그 뿌리에서 출발합니다. 재즈는 아프리카 계 미국인의 제품으로, 미국과는 다른 문화 그룹입니다. 초기 블루스는 피난민들의 슬픔을 분명하게 불렀지 만, 재즈는 다른 것이 었습니다. 재즈를 낳은 아프리카 계 미국인 노동 계급은 다른 백인 음악가들의 교육을받지 않았습니다. 흑인 민병대는 그들의 예술을 “유럽화”하라는 압력을 피할 수있었습니다. 문화 (수도 C와 함께)는 근본적으로 미국인들이 유럽의 모든 것을 선호하고, 추천하고, 반복하도록 요구했다. 이러한 제약으로부터 자유로 워진 재즈는 미지의 방식으로 진행되었습니다. 1925 년에 어빙 베를린은 재즈의 “미국 민속 음악”이라고 불렀고 “옛 남부 노래”와 “흑인 영가”에서 “러시아와 이탈리아 민속 노래”에 이르기까지 영향을 언급했지만 베를린은 “일반적으로 무엇보다도 미국인. ” 재즈가 창안 된 국가와 마찬가지로 재즈는 민족적, 문화적 영향을 새롭고 다른 제품으로 혼합하여 흑인 정체성의 요소와 다른 이민자의 영향을 결합했습니다. 그것은 남쪽의 소리와 도시의 스카이 라인에서 현대적이고 적응 된 요소를 통합했습니다. 재즈는 다른 사람들의 성격을 섞어 놓은 점에서 뚜렷하게 미국인 이었지만, 즉흥 연주의 솔로로 자신을 표현할 수있는 기회를 갖게하고 따라서 이미 국가를 특징 짓는 “튼튼한 개인주의”를 주장했다. 또한 재즈는 연주자와 청중 사이의 장벽을 허물기 시작했습니다. 그것은 문화를 “민주화”하여 일반인이 접근 할 수있게 해줍니다.
현대 재즈
재즈는 사운드와 방식면에서 현대적입니다. 로렌스 레빈 (Lawrence Levine)에 따르면 “재즈는 새로운 시대의 산물이었습니다 … 악명 높고 불협화하며 접근하기 쉽고 자연스럽고 공개적으로 대화 형 참여 음악입니다.” 다니엘 그레고리 메이슨 (Daniel Gregory Mason)은 재즈는 “로봇이 로봇에서 완전히 추론 될 수 있기 때문에 재즈는 모더니스트 산업 자본주의의 정확한 음악 반영”이라고 말하면서 재즈는 리벳의 소리에 비유되었다. Irving Berlin은 재즈를 “기계 시대의 음악”이라고 불렀습니다. 선수들은 Harlem의 일상 거리 이야기와 프랑스 인상주의 그림에서 영향을 받았다. 즉흥적 인 자연은 플레이어가 음악 내의 기존 구조를 해체하고 조사 할 것을 요구합니다. 재즈의 근대성에 대한 찬사로서, 음악의 영향을받은 다양한 미디어를 조사 할 필요가 있습니다. 뮤지컬 Shuffle Along은 무대에서 가장 빠르고 성공적인 재즈 적응 중 하나이며, 뉴욕시의 수도권 극장에 출연 한 재즈 발레단, Langston Hughes와 Sterling Brown은 경험 한 재즈 음악에서시를 썼으며 재즈 음악은 Aaron의 그림을 색칠했습니다 Douglas, Miguel Covarrubias 등 많은 사람들이 참여했습니다.
시각 예술
미국 근대주의 회화
수십 명의 화가들이 20 세기 초에 활동했기 때문에 미국에서 근대의 시작에 대한 단 하나의 날짜는 없습니다. 그것은 최초의 입체파 풍경, 정물과 초상화가 등장한 때였습니다. 밝은 색이 화가의 팔레트에 들어갔고 최초의 비 객관적인 그림이 화랑에 전시되었습니다.
조형 적시기의 모더니스트 운동은 1913 년 뉴욕 맨해튼의 Wilhelmina Weber Furlong (1878-1962)의 맨하탄 스튜디오 갤러리와 1918 년 Whitney Studio Cub의 작품을 통해 인기를 얻었습니다. Davidson에 따르면, 미국의 근대주의 회화는 1910 년대로 거슬러 올라간다. 이 기간의 초기 부분은 25 년 동안 지속되었고 1935 년경에 끝났습니다. 당시 현대 미술이 그린버그 (Greenberg)가 아방가르드 (avant-garde)라고 불렀던시기였습니다.
뉴욕시의 1913 년 Armory Show에서는 미국인뿐만 아니라 유럽 예술가들의 현대 작품을 전시했습니다. 인상주의 자, Fauvist 및 Cubist 회화는 더 전통적인 예술에 익숙했던 많은 미국 구경꾼을 깜짝 놀라게했다. 그러나 그들이 본 것에서 영감을 얻은 많은 미국 예술가들은 근본적이고 새로운 아이디어에 영향을 받았습니다.
20 세기 초반에는 다양한 기술과 예술적 표현 방식을 탐구했습니다. 빌헬미나 웨버, 맨 레이, 패트릭 헨리 브루스, 제럴드 머피 (Gerald Murphy) 등 많은 미국인 예술가들이 유럽을 비롯하여 파리를 비롯한 여러 예술가들과 함께 예술 작품을 만들었습니다. 다양한 예술적 집합체의 형성은 시각 예술에서 의미의 다양성을 이끌어 냈습니다. Ashcan 학교는 사실주의 (로버트 앙리 또는 조지 Luks)의 주위에 모였다; Stieglitz 동그라미는 뉴욕시 (Max Weber, Abraham Walkowitz)의 추상적 인 비전을 영화 롭게했습니다. 컬러 화가는 화려하고 추상적 인 “싱크로미스”(Stanton Macdonald-Wright 및 Morgan Russell)의 방향으로 진화 한 반면 정밀주의는 날카 롭고 역동적 인 기하학 형태의 미국 산업화 된 풍경을 시각화했습니다 (Joseph Stella, Charles Sheeler, Morton Livingston Schamberg 및 Charles Demuth). 결국 미국 모더니즘, 존 마린, 아서 비처 칼슬, 알프레드 헨리 마우러, 앤드류 다스 버그, 제임스 다우 허티, 존 코 버트의 어머니로 생각되었던 찰스 버치 필드, 마스든 하틀리, 스튜어트 데이비스, 아서 도브, 조지아 오 키퍼, Henrietta Shore, William Zorach, Marguerite Thompson (Zorach), Manierre Dawson, Arnold Friedman 및 Oscar Bluemner는 뉴욕 학교에 모더니즘 시대를 열었습니다.
시각 예술에서 주체의 초점과 다양성의 이동은 또한 미국 근대 미술의 특징입니다. 예를 들어, The Eight 그룹은 현대 도시에 초점을 맞추었고 다양한 시민들의 다양성에 중점을 두었습니다. The Eight, Robert Henri 및 John Sloan의 가장 중요한 대표자 중 두 명이 사회 다양성에 관한 그림을 그렸으며 종종 산업화 된 도시의 빈민가 거주자를 주요 주제로 삼았습니다. 1920 년대 후반과 1930 년대는 미국 회화, 지역주의와 사회 현실주의의 두 가지 움직임에 속했다. 지역 주의자들은 미국의 풍경이 다채로 우며 삶의 복잡성에 초점을 맞추었지만 사회적 현실 주의자들은 대공황, 빈곤, 사회적 부정의 대상으로 들어갔다. 사회적 현실 주의자들은 인간 위 불평등 문제에 위선적이고, 편파적이며, 무관심한 정부와 설립에 항의했다. 추상화, 풍경 및 음악은 20 세기 전반에 인기있는 모더니스트 테마였습니다. 찰스 데스 워드 (Charles Demuth)와 같은 예술가들은 1928 년 골드 피겨 5 화 (Saw The Figure Five)를 창작했으며 모튼 시암 베르크 (Morton Schamberg, 1881-1918)와 찰스 셀러 (Charles Sheeler)는 정밀 운동에 밀접한 관련이 있습니다. Sheeler는 전형적으로 그의 그림 Amoskeag Canal 1948에 의해 예시 된 도시 풍경과 산업 건축물을 그렸습니다. 재즈와 음악은 1940 년부터 6 가지 색상 – 7 번가 스타일의 Hot Still-Scape에 의해 예시 된 것처럼 스튜어트 데이비스에 의해 즉흥적으로 표현되었습니다.
모더니즘은 미국 미술계와 사회적으로 다양한 청중과의 틈을 메웠다. 일반 대중에게 현대성을 가져다 줄 수있는 박물관과 미술관이 점차 늘어나고있다. 진보, 기술 및 도시 생활을 축하하는 것에 대한 초기 저항에도 불구하고 시각 예술은 미국민의 자의식과 인식에 엄청난 공헌을했습니다. 새로운 근대주의의 그림은 청중의 감정적이고 심령 상태에 빛을 비추 었으며, 이는 미국 정체성의 형성에 기본이었다.
미국의 “모더니즘”에 대한 많은 방향은 일관된 스타일을 만들어 내지 못했지만 실험과 도전에 대한 열망을 불러 일으켰다. 현대 미술은 고정 된 원칙을 넘어선다고 증명되었습니다.
미국 모더니즘의 주요 학교와 운동
Stieglitz 그룹
아 렌스 버그 서클
컬러 화가
정밀주의
독립국
필라델피아 학교
뉴욕 무소속
시카고와 서쪽
근대주의 회화
“미국 모더니즘의 어머니”로 알려진 조지아 오 키프 (Georgia O’Keeffe)는 1920 년대부터 미국 모더니즘의 주요 인물이었습니다. 그녀는 현대 미국 예술적 스타일의 경계에 도전하여 광범위한 인지도를 얻었습니다. 그녀는 주로 꽃, 바위, 껍질, 동물의 뼈 및 풍경을 추상화하고 표현한 그림으로 유명합니다. Ram ‘s Head 화이트 홀리 고크 (Hollyhock)와 리틀 힐스 (Little Hills)는 1935 년부터 O’Keeffe의 유명한 그림입니다.
Arthur Dove는 광범위한 미디어를 사용하여 때로는 자유롭지 않은 조합으로 추상화와 추상적 인 풍경을 만들어 냈습니다. Me and the Moon은 1937 년부터 Arthur Dove 추상 풍경의 좋은 예이며, 그의 경력에서 가장 중요한 작품 중 하나로 손 꼽히고 있습니다. 비둘기는 1920 년대에 일련의 실험 콜라주 작품을 만들었습니다. 그는 또한 왁스 유제에 손으로 섞은 기름이나 온도와 같은 도료를 결합하여 기법을 실험했습니다.
아프리카 계 미국인 화가 애런 더글라스 (Aaron Douglas, 1899-1979)는 아프리카 계 미국인 모더니즘 화가 중 가장 유명하고 가장 영향력있는 화가 중 한 명입니다. 그의 작품은 아프리카 계 미국인의 유산과 문화의 특징과 밀접한 관련이있는 미적 운동의 발전에 크게 기여했습니다. 더글러스는 특히 할렘 르네상스 시대에 아프리카 계 미국인 시각 예술에 영향을주었습니다.
더글러스의 가장 인기있는 그림 중 하나는 십자가에 처형입니다. 그것은 1927 년 제임스 웰던 존슨의 신의 트롬본에서 출판되었습니다. 그림에 묘사 된 십자가 처형 장면은 더글라스의 예술을 구성하는 몇 가지 요소를 보여줍니다 : 명확한 묘사, 그림자와 빛의 변화, 양식 된 인체와 기하학적 인 피규어는 동심원 선형 형태와는 대조적이다. 회화의 주제는 성서적 장면과 비슷하지만 아프리카 계 미국인의 종교 전통에 대한 암시로 볼 수 있습니다. 너무 크고 어두운 예수님은 십자가를지고 하늘을 향한 눈은 빛이 추종자에게 던져지는 천국으로 향하게됩니다. 양식화 된 로마 군인들은 뾰족한 창으로 장면을 둘러싼 다. 결과적으로, 관찰자는 아프리카 계 미국인 복음 전통뿐만 아니라 억압의 역사에 대해서도 상기시켜줍니다. Beauford Delaney, Charles Alston, Jacob Lawrence, Romare Bearden은 아프리카 계 미국인 근대주의 화가 들로서 여러 세대의 예술가들에게 영감을 불어 넣었습니다.
근대 주의적 사진
미국 모더니즘의 시작에서, 사진은 여전히 예술의 한 형태로 인식되기 위해 애썼다. 사진 작가 알프레드 스티글리츠 (Alfred Stieglitz)는 다음과 같이 설명했다 : “나의 초기 사진을 본 예술가들은 저를 부러워하고, 내 그림이 그들의 그림보다 우수하다고 느꼈다. 그러나 불행히도, 사진은 예술이 아니었다. 나는 이해할 수 없었다. 왜 예술가들은 내 작품에 대해 부러워해야하지만, 같은 호흡에서 기계로 만들어 졌기 때문에 그것을 비난해야합니다. ” (Stieglitz : 8). Stieglitz는 1902 년 Edward Steichen, Gertrude Käsebier 및 Clarence Hudson White와 같은 회원들과 함께 Photo-Secession 그룹을 설립했습니다.이 그룹은 표준을 제고하고 예술 사진에 대한 인식을 높이는 것을 목표로 삼았습니다. 그 당시의 주요 스타일은 회화 론자였습니다. 소프트 포커스, 특수 필터 또는 이국적인 인쇄 프로세스를 통해 사진을 수정하여 당시 회화와 에칭의 스타일을 모방 한 것으로 유명했습니다. 발간 수단으로 Stieglitz는 운동의 원동력 인 카메라 작업 (Camera Work)이라는 잡지를 시작했으며,이 잡지에서 그는 운동을 대표하는 예술가를 출간했습니다. 그는 또한 “291”(1905-1917), “친밀한 갤러리”(1925-1929) 및 “미국 장소”(1929-1947) 순차적으로 3 개의 갤러리를 운영했습니다. 특히 291은 예술가와 작가의 만남의 장소였으며 미국의 Henri Matisse, Auguste Rodin, Henri Rousseau, Paul Cézanne, Pablo Picasso와 같은 유럽 작가들의 초기 근대 미술 작품을 처음으로 전시했습니다. 유럽의 아방가르드에 대한 추가 링크는 Man Ray가 설립했습니다. 미국에서 태어 났으며 Stieglitz의 갤러리에서 본 작품에서 영감을 얻은 Ray는 1921 년 파리로 이주하여 유럽 다다와 초현실주의 운동의 예술가들과 함께 광선 사진 (감광성 종이에 직접 물건을 올려 놓는 것)과 같은 새로운 사진 기술을 만들었습니다.
1920 년대 초, 사진 사는 스트레이트 사진 촬영으로 이동했습니다. pictorialist 스타일과는 달리 그들은 사진 과정에서 어떤 종류의 조작 (예 : 소프트 렌즈, 특수 개발 또는 인쇄 방법)을 거부하고 현실을 포착하기위한 고유 한 매체로 카메라의 장점을 사용하려고했습니다. 그들의 모티프는 가능한 한 객관적으로 보이기로되어있었습니다. 고전적인 초상화와 pictorialist 스타일에서 초점을 돌리고, 사진 사는 일상 생활의 가혹한 현실을 대표하는 수단으로 자신의 사진을 사용하기 시작했지만 동시에 세부 또는 전체적인 미학 구조의 아름다움을 검색하려고했습니다. 기계 및 공장 작업, 하늘 깎기 및 기술 혁신은 중요한 주제가되었습니다. 1932 년 몇몇 젊은 사진가 (예 : Ansel Adams, Imogen Cunningham, Willard Van Dyke, Edward Weston)는 당시 가장 진보적 인 협회가 된 직선 사진 촬영의 이상을 기반으로 f / 64 Group을 시작했습니다.
페미니즘, 성 및 섹슈얼리티
페미니즘의 발전
19 세기 초반부터 일부 여성들은 국내 영역의 고립을 피하기 위해 이상적인 여성 성의 교리를 사용했습니다. 1830 년대 여성은 공개적으로 여성의 영역에 도전하고 더 큰 정치적, 경제적 및 사회적 권리를 요구했습니다. 그들은 미국 전역에서 여성 단체와 자선 단체를 결성했다. 대중 계급의 남성 지배는 더 이상이 중산층 활동가 여성들에게 허용되는 한도 내에서 벗어나지 않았다. 1848 년 세네카 폴스 협약 (Seneca Falls Convention)으로 시작하여 미국 페미니스트들은 20 세기 초까지 주 및 전국 대회를 개최했습니다. 페미니스트 운동의 일부 여성 여성 운동가들은 페미니스트 원인과 자유로운 사랑과 성 혁명을 연결 시켰는데, 이는 빅토리아 시대의 금기 사항이었다. 따라서 영국과 미국의 페미니스트들은 정치적, 법적 문제, 특히 투표와 여성의 국내 역할과 가정 생활 전반에 관한 중요한 여성 문제에 집중했다.
결국 거칠고 때로는 폭력적인 항의, 많은 여성의 투옥, 심지어 일부 사망까지 포함하여 길고 어려운 투쟁 끝에 여성 참정권을위한 전쟁이 승리했습니다. 참정권 법은 1920 년에 미국에서 집 주인이나 가정 주부 인 여성을 위해, 1928 년에는 모든 성인 여성에게 통과되었습니다. (아프리카 계 미국인 여성은 포함되지 않았고, 1960 년대의 시민권 운동에서만 투표권을 받았다.) 여성 단체 (NOW)는 1966 년 페미니스트 그룹에 의해 창설되었다. 미국 최대 여성 권리 단체는 입법 로비, 소송 및 공개 시위를 통해 특히 직장에서 성적 차별을 종식시키는 것을 목표로 삼았습니다. 다음 20 세기 후반에는 현대 사회의 모든 영역에서 여성의 권리가 크게 확대되는 것을 목격했습니다. 현대주의 예술가들은 페미니즘에 대한 모호한 태도를 취했다. 한편으로는 법, 프랜차이즈, 직업에 관한 남성과 여성의 동등한 대우를 선택했다. 다른 한편으로는 그들은 여전히 생물학, 문화 및 초월의 관점에서 인식 된 여성 부적절 함을 가지고있었습니다. 급진적 인 페미니스트 인 엠마 골드만 (Emma Goldman)이 말했듯이, “진정한 해방은 여론 조사 나 법원에서 시작된 것이 아니라 오히려 여성의 영혼에서 시작된다”(리옹 223).
성별 및 성별
미국의 모더니즘에서 성 및 성의 역할은 국가 정체성과 시민권, 인종 정체성과 인종 정치, 동성애 정체성과 미학, 잡지 문화, 시각 문화, 시장 경제, 20 세기 정치 근대 역사에 대한 연구를 통해 정교하게 구성되었습니다. 페미니즘, 성 및 성적 학자들이 한 엄청난 연구는 미국 근대 주의적 장학금 분야의 구조 조정을 도왔습니다. 여성 작가들은 광범위한 문학 연구의 대상이되었습니다. 게이와 레즈비언 공동체는 현대 미적 실험의 패턴으로 재평가되었으며 성적 정체성과 성별 형성은 새로운 방식으로 해석되었습니다.
20 세기 문화 생활의 전환은 대중 문화 대 고 문화의 이분법으로 전환했으며, 이전에는 일반적으로 여성이라고 생각되었고 고 문화는 남성 중심으로 생각했습니다. 예전에 비난받은 대중 소설은 이제 페미니스트 목적에 봉사했다. “그것은 새로운 자유 단계의 방어와 동시에 피임 제어의 촉진을위한 기반암을 형성했다.” (리용 225)
일상 생활과 문화
모더니즘 운동은 그것이 일어난 사회에서 막대한 변화를 일으켰다. 산업 발전이 도입됨에 따라 미국 국민들은 새로운 근대주의 시대의 결과를 즐기기 시작했습니다. 일상 생활과 문화는 사회의 습관에서 사회적 변화를 반영한 영역입니다. 모더니즘으로 발생한 발전은 미국인들의 생활 수준에 영향을 미치고 새로운 삶의 방식으로 나아갔습니다.
유행
패션을 언급하면서, 보통 사람은 스타일이나 의상을 입는 것을 생각할 것입니다. 물론, 드레싱 스타일은 “패션”이라는 단어의 매우 중요한 범주입니다. 반면에, “패션”은 더 많은 의미를 가지며 건축, 신체 유형, 춤과 음악, 심지어 연설의 형태와 같은 많은 다른 분야에서 설명되고 발견 될 수 있습니다.
1. 의상
1920 년대 초, 기성복이 미국을 보급하기 시작했습니다. 더 많은 여성들이 임금을 받았고 피팅에 시간을 투자하고 싶지 않았습니다. 클래스 구분이 흐려지면서 상태 기호로서의 패션은 더 이상 중요하지 않았습니다. 사람들은 특히 여성들이 저렴한 패션을 원했습니다. 여성을위한 현대적인 스타일 의류 양산 측면에서 미국은 다른 나라보다 앞서 갔다. 제인 더비 (Jane Derby)를 비롯한 여러 디자이너가 무대 포즈를 만들었습니다.
여성 : 1921 년경에는 길고 평평하지 않은 더 긴 치마가 바닥에 낡았다. 짧은 치마는 1925 년에 인기를 얻었습니다. 가슴이 없으며, 허리 둘레가없고, 머리카락이 모자에 거의 숨겨져 있지 않습니다. 화장품 제조도 지난 10 년간 시작되었습니다. 파우더, 립스틱, 루즈, 눈썹 연필, 아이섀도, 손톱 색깔, 여성 모두가 그랬습니다. 또한, 진주도 패션에 왔습니다.
남자 :이시기에는 남성 의류가 더 보수적이었습니다. 바지는 바닥에서 24 인치로 넓어졌습니다. 너비와 길이가 늘어난 니커는 플러스 넷이라고 불 렸습니다. 여름에는 흰색 린넨이 인기가 있었고 겨울에는 아메리칸 코트 (너구리 코트)가 유행했습니다. 펠트로 만든 깔창 모자는 말아서 가방에 담을 수 있습니다. 이들은 대학생들에게 매우 인기가있었습니다.
2. 가구 디자인 세계에는 순수한 미국 현대 스타일이 없습니다. 미국 현대 예술가들은 형식의 단순함, 장식 장식품의 부재, 그리고 그들의 전례에 대한 기능적인 관심에 초점을 맞춘 스타일을 계승했습니다. 동시에, 미국 디자이너들은 아르 데코와 같은 작품에서 현대 건축의 특징뿐만 아니라 파리의 회화의 야생 스타일을 혼합합니다. 또한 디자이너는 재료, 특히 현대 시대에 발명 된 재료에 많은 부분을 집중 시켰습니다.
미국 근대 문학
미국 근대 문학은 1 차 세계 대전과 2 차 세계 대전 사이에서 미국 문학의 지배적 인 경향이었다. 현대주의 시대는시와 산문의 형식과 언어에 대한 혁신을 강조하고 인종 관계, 성 및 인간 조건과 같은 수많은 현대 주제를 다루었습니다. 많은 미국 모더니스트들이이 기간 동안 유럽에서 국외로 추방되었으며, 종종 T. S. Eliot, Ezra Pound 및 Gertrude Stein의 경우처럼 유럽 운동에서 굳건 해졌다. 이 작가들은 종종 The Lost Generation으로 알려졌습니다.
이러한 추세에 대한 반응으로 많은 미국 작가와 시인들은 미국에서의 현대 미국 경험을 나타 내기 위해 ‘nativism’의 경향을 시작했습니다. 이 추세에 주목할만한 공헌자는 William Carlos Williams, Wallace Stevens 및 Marianne Moore입니다. 이 시인들은 종종 Eliot와 Pound와 같은 외국인 추방 작가들의 작품에 비판적이었으며, 봄과 모두 같은 시들에 의해 입증되었습니다.
1 차 세계 대전의 영향을받은 많은 미국 근대주의 작가들은 전쟁 경험의 정신적 상처와 정신적 상처를 탐구했습니다. 1930 년대 초 미국의 경제 위기는 존 스타 인 벡 (John Steinbeck)의 <분노의 포도>와 같은 문학에 흔적을 남겼습니다. 관련 문제는 근로자가 도시 생활의 배경으로 희미 해짐에 따라 자기 정의의 필요성을 잃어버린 것입니다. 미국 근대 주의자들은 피츠 제럴드의 ‘그레이트 개츠비 (The Great Gatsby)’에 의해 묘사 된 주제 인 “자기를 건설하기위한”시도에 19 세기 중반의 초점을 되풀이했다. 광기와 그 징후들은 유진 오닐의 천황 존스, 헤밍웨이의 배틀러와 포크너의 그 저녁의 태양에서 볼 수있는 또 다른 모더니스트 테마로 보인다. 그럼에도 불구하고 이러한 모든 부정적인면은 새로운 희망과 열망을 불러 일으켰고 현대인뿐만 아니라 미국 근대 문학의 허구의 인물에 대해서도 새로운 시작을 모색하게되었습니다.
미국의 새로운 비판
1930 년대에서 1960 년대에 이르기까지 새로운 비판은 미국에서 결정적인 영향력을 행사했습니다. 그것은 미국 문학 비평에서 가장 강력한 관점이었습니다. 대표자는 John Crowe Ransom, Allen Tate, Cleanth Brooks, Robert Penn Warren이었습니다. “시인 교수가 개발 한 영향력있는 비판적 방법은 긴밀한 독해 기술의 강화를 강조했다. 새로운 비평은 문학 장학금의 정당화로서의시의 평가를 특권으로 삼았다.” Brooks와 Warren ‘s Understanding Poetry (1938)는 1930 년대에 가장 영향력있는 대학 시문 교과서 중 하나가되었고 1970 년대에 개정되고 재판되었습니다. (Morrisson : 29).
Eliot와 Yeats의시와 같은 작품에서 새로운 비판이 나타났다. “새로운 비평가의 미학적 기준에 가장 잘 맞는시는 중요한 교실 선집 선집에서 강조되었다”(Morrisson : 29). T. S. Eliot은 “전통과 개인 재능”에세이에서 전통을 재정의했습니다. 그는 “객관적 상관”과 같은 비판적 개념을 공식적으로 제시하고 Jacobean 드라마와 형이상학 적시의 입장에서 문학적 규범을 다시 생각했다. 그의 작품은 미국의 새로운 비판에 근본적인 영향을 미쳤다.
건축과 공간
미국은 첨단 건축 및 건설 기술에 관한 모더니즘 운동에 큰 역할을 담당했다. Among construction innovations there are such materials as iron, steel and reinforced concrete. Brooklyn Bridge by John and Washington Roebling (1869–1883) (for more details see John Roebling/Washington Roebling)
Louis Henry Sullivan headed the so-called Chicago school of architecture, which was distinct by its development of functional design along with modern materials. Sullivan’s follower Frank Lloyd Wright absorbed from his ‘lieber Master’ (dear master) the German romantic tradition of organic architecture. He developed a new and original approach to residential design before World War I, which became known as the “prairie style.” It combined open planning principles with horizontal emphasis, asymmetrical facade elevations, and broad, sheltering roofs. Robie House in Chicago (1909) and the Guggenheim Museum in New York City (1946–59) are two of his seminal works.
In his works Wright moved closer and closer to an earth-bound sense of natural form, using rough-hewn stone and timber and aiming always in his houses to achieve an effect of intimate and protective shelter.
Foreign-born architects as Richard Neutra, Rudolf Schindler, and William Lescaze during the 1920s played a great role in development of American architecture performing later a style, which got the name of international style and was reflected in the design of corporate office buildings after World War II. Such buildings as Skidmore, Owings and Merrill’s Lever House (1952) and Ludwig Mies van der Rohe’s Seagram Building (1956–58) in New York City are the examples of this new style. When such famous Europeans as Walter Gropius and Ludwig Mies van der Rohe immigrated to the United States, many American architectural schools went under the influence of the traditions of the Bauhaus in Germany.