Der amerikanische Modernismus ist, ähnlich wie die Bewegung des Modernismus überhaupt, eine Tendenz philosophischen Denkens, die sich aus den weitverbreiteten Veränderungen in Kultur und Gesellschaft im Zeitalter der Moderne ergibt. Die amerikanische Moderne ist eine künstlerische und kulturelle Bewegung in den Vereinigten Staaten, die um die Wende des 20. Jahrhunderts mit einer Kernperiode zwischen dem Ersten Weltkrieg und dem Zweiten Weltkrieg begann. Wie sein europäisches Pendant entstammt der amerikanische Modernismus einer Ablehnung des aufklärerischen Denkens, um die Realität in einer neuen, industrialisierten Welt besser darzustellen.

Geschichte
Bezeichnenderweise neigt die modernistische Kunst zur Abstraktion, ist innovativ, ästhetisch, futuristisch und selbstreferenziell. Es umfasst visuelle Kunst, Literatur, Musik, Film, Design, Architektur sowie Lebensstil. Es reagiert auf Historismus, künstlerische Konventionen und Institutionalisierung von Kunst. Kunst sollte nicht nur in Akademien, Theatern oder Konzertsälen behandelt, sondern in den Alltag integriert werden und für alle zugänglich sein. Darüber hinaus konzentrierten sich die Kulturinstitutionen auf bildende Kunst und die Gelehrten schenkten den revolutionären Stilen der Moderne wenig Aufmerksamkeit. Der wirtschaftliche und technologische Fortschritt in den USA während der Goldenen Zwanziger Jahre führte zu einem weitverbreiteten Utopismus, der einige modernistische Künstler beeinflusste, während andere der Umarmung der Technologie skeptisch gegenüberstanden. Der Sieg im Ersten Weltkrieg bestätigte den Status der USA als internationaler Akteur und gab den Menschen Selbstvertrauen und ein Gefühl der Sicherheit. In diesem Kontext markierte die amerikanische Moderne den Beginn der amerikanischen Kunst als eigenständig und unabhängig vom europäischen Geschmack, indem sie künstlerische Konventionen brach, die bis dahin nach europäischen Traditionen geformt worden waren.

Der amerikanische Modernismus profitierte von der Vielfalt der Einwandererkulturen. Die Künstler wurden von afrikanischen, karibischen, asiatischen und europäischen Volkskulturen inspiriert und haben diese exotischen Stile in ihre Werke integriert.

Die modernistische amerikanische Bewegung war ein Spiegelbild des amerikanischen Lebens im 20. Jahrhundert. In der sich rasch industrialisierenden Welt und beschleunigter Geschwindigkeit des Lebens war es für den Einzelnen leicht, von der Unermeßlichkeit der Dinge verschlungen zu werden, die ohne Ziel unterwegs waren. Soziale Grenzen in Rasse, Klasse, Sex, Reichtum und Religion wurden in Frage gestellt. Als die soziale Struktur durch neue ankommende Ansichten herausgefordert wurde, lösten sich die Grenzen traditioneller Standards und sozialer Strukturen auf, und es verblieb ein Identitätsverlust, der sich schließlich in Isolation, Entfremdung und ein allgemeines Gefühl der Abgeschiedenheit von jeder Art von „Ganzem“ verwandelte. Die Einheit eines kriegsversehrten Landes lag im Sterben, ebenso wie die Illusion der Höflichkeiten, die es an seine Soldaten und seine Leute verkaufte. Die Welt war gewalttätig, vulgär und geistig leer.

Der Arbeiter der Mittelschicht fiel in eine deutlich unbemerkte Position, eine Kogge viel zu klein, um in einer viel größeren Maschine Anerkennung zu finden. Die Bürger waren mit ihrer eigenen Sinnlosigkeit überfordert. Die Träume der Jugendlichen zerbrachen mit Versagen und einer enttäuschenden Enttäuschung in Anerkennung von Grenzen und Verlusten. Das Leben der Desillusionierten und Ausgestoßenen wurde stärker fokussiert. Die Fähigkeit, sich selbst durch harte Arbeit und Einfallsreichtum zu definieren, um Ihre eigene Vision von sich selbst ohne die Hilfe traditioneller Mittel zu schaffen, wurde geschätzt. Einige Autoren befürworteten dies, während andere, wie F. Scott Fitzgerald, herausforderten, wie verlockend, aber destruktiv die Werte von Privilegien falsch sind.

Das modernistische Amerika musste in einer Welt, die nicht mehr im Glauben vereint war, eine gemeinsame Basis finden. Die gefundene Einheit lag in der gemeinsamen Grundlage des geteilten Bewusstseins in allen menschlichen Erfahrungen. Die Wichtigkeit des Individuums wurde betont; die wirklich begrenzte Natur der menschlichen Erfahrung bildete eine Verbindung über alle Brücken der Rasse, der Klasse, des Geschlechts, des Reichtums oder der Religion. Auf diese Weise fand die Gesellschaft eine gemeinsame Bedeutung, selbst in Unordnung.

Manche sehen die Moderne in der Tradition des Ästhetizismus des 19. Jahrhunderts und der Bewegung „Kunst um der Kunst“. Clement Greenberg argumentiert, dass die moderne Kunst „etwas außer sich“ ausschließt. Andere sehen modernistische Kunst, zum Beispiel in Blues und Jazz, als Medium für Emotionen und Stimmungen, und viele Arbeiten beschäftigen sich mit zeitgenössischen Themen wie Feminismus und Stadtleben. Einige Künstler und Theoretiker fügten der amerikanischen Moderne sogar eine politische Dimension hinzu.

Amerikanisches Design und Architektur der Moderne ermöglichten den Menschen, ein modernes Leben zu führen. Aufgrund des wirtschaftlichen Aufschwungs in den 1920er Jahren änderte sich das Arbeits- und Familienleben radikal und schnell. In den USA wurde das Auto für viele populär und erschwinglich, Freizeit und Unterhaltung gewann an Bedeutung und der Arbeitsmarkt öffnete sich für Frauen. Um das Leben effizienter zu gestalten, strebten Designer und Architekten nach einer Vereinfachung der Hausarbeit.

Die Weltwirtschaftskrise Ende der 20er Jahre und in den 30er Jahren desillusionierte Menschen über die wirtschaftliche Stabilität des Landes und erodierte das utopische Denken. Der Ausbruch und die Schrecken des Zweiten Weltkriegs verursachten weitere Veränderungen in der Mentalität. Die folgende Nachkriegszeit wurde als Spätmoderne bezeichnet. Die Postmoderne wurde allgemein als charakteristisch für die Kunst des späten 20. Jahrhunderts in den 1980er Jahren betrachtet.

Jazz
Anfang des 20. Jahrhunderts entwickelte sich der Jazz aus der Blues-Tradition, aber auch viele andere musikalische und kulturelle Elemente. In New Orleans, das oft als Geburtsort des Jazz gilt, profitierten die Musiker vom Zustrom spanischer und französischer Kolonialeinflüsse. In dieser Stadt erlaubten eine einzigartige ethnische Kulturmischung und lockere Rassenverbote den Afroamerikanern mehr Einfluss als in anderen Regionen des Südens. Der Spanisch-Amerikanische Krieg brachte mit seinen Bands Nordsoldaten in die Region. Die daraus resultierende Musik wurde von den neuen Blechblasinstrumenten übernommen. Während der Grossen Migration verbreitete sich der Jazz von New Orleans nach New York, Chicago und anderen Städten und brachte neue Sounds mit sich. Harlem, New York City, wurde zum neuen Zentrum für das Jazz-Zeitalter.

Jazz – Musik der Integration
Jazzmusik als zentrales Element der amerikanischen Kultur hat ihre Wurzeln in der schwarzen Sklavenkultur. Die Musik kombinierte Elemente afrikanischer Call- und Response-Patterns zu Instrumentierung und Riffs. In seinen Anfängen wurde der Jazz von Teilen der weißen Bevölkerung kritisiert, die Jazz- und Ragtime-Rhythmen als „wilden Crash und Knall“ ansahen und das Genre als ein Produkt „nicht von Innovatoren, sondern von Inkompetenten“ verunglimpften. Sein expressiver und pulsierender Stil diente zunächst rassistischen Stereotypen in der Öffentlichkeit und war weithin mit skeptischer Ablehnung konfrontiert. Trotz dieses Phänomens der Feindseligkeit gegenüber einer wachsenden schwarzen kulturellen Bedeutung interpretiert der amerikanische Schriftsteller Lawrence W. Levine die Rolle des Jazz als Katalysator eines sich verändernden nationalen Bewusstseins:

Kulturell blieben wir in einem viel größeren Ausmaß, als wir bisher erkannt haben, ein kolonialisiertes Volk, das sich im Schatten der ehemaligen imperialen Macht zu definieren versuchte. Jazz war ein Ausdruck jener anderen Seite von uns selbst, die danach strebte, die positiven Aspekte unserer Neuheit und unserer Heterogenität zu erkennen; das hat gelernt, mit der Tatsache vertraut zu sein, dass ein bedeutender Teil unseres Erbes aus Afrika und anderen außereuropäischen Quellen stammt; und das erkannte in den verschiedenen synkretisierten Kulturen, die so charakteristisch für die Vereinigten Staaten wurden, eine peinliche Schwäche, aber eine dynamische Quelle der Stärke.

Schließlich lag es in der Natur des Jazz, eine kulturelle Annäherung zwischen Schwarzen und Weißen anzustreben; Laut dem Saxophonisten Sonny Rollins war Jazz immer eine Musik der Integration. In den zwanziger und dreißiger Jahren gewann der Jazz an Popularität und erregte zunehmendes Interesse an jungen Weißen, die von der künstlerischen, persönlichen und kulturellen Ausdrucksfreiheit dieser neuen musikalischen Form angezogen wurden. Bekannte weiße Musiker wie Benny Goodman, Gene Krupa, Milton Mezzrow, Muggsy Spanier oder Joe Sullivan wurden von afro-amerikanischen Ikonen wie Louis Armstrong inspiriert. Die Akzeptanz des Jazz verbreitete sich bald über den Atlantik und machte ihn Mitte des 20. Jahrhunderts international. Heutzutage wird Jazzmusik als ein integraler und lebendiger Teil der amerikanischen Kultur angesehen, der einzigartigen einheimischen Musik Amerikas, einem weltweiten Vertreter der afroamerikanischen Kultur.

Jazz als Amerikaner
Ein Kompilationsartikel, der 1923 in der New York Times erschien, proklamierte den Jazz, „… einen Beitrag Amerikas zu den Künsten. Er ist weltweit als Teil einer musikalischen Folklore dieses Landes anerkannt: Er ist so gründlich und typisch amerikanisch wie die Monroe-Doktrin oder der 4. Juli oder Baseball. “

Jazz American’s Ness beginnt mit seinen Wurzeln. Jazz war ein Produkt der Afroamerikaner, einer kulturellen Gruppe, die sich von Amerika unterscheidet. Obwohl der frühe Blues deutlich von den Sorgen eines vertriebenen Volkes gesungen hat, war Jazz etwas anderes. Die afroamerikanische Arbeiterklasse, die den Jazz hervorbrachte, unterlag nicht der Ausbildung anderer weißer Musiker; Schwarze Sänger konnten sich dem Druck entziehen, ihre Kunst zu „europäisieren“. Kultur (mit einer Hauptstadt C) verlangte im Wesentlichen, dass Amerikaner alles europäische bevorzugen, empfehlen und wiederholen. Frei von diesen Einschränkungen schreitet der Jazz auf eine unerforschte Weise voran. Im Jahr 1925 nannte Irving Berlin Jazz „American Folk Music“ und zitierte Einflüsse von „Old Southern Songs“ und „Negro Spirituals“, zu einem „Hauch der russischen und italienischen Volkslieder“, aber Berlin schloss, dass es „typisch war Vor allem Amerikaner. “ Wie die Nation, in der es geschaffen wurde, vermischte der Jazz ethnische und kulturelle Einflüsse zu einem neuen und anderen Produkt, das Elemente der schwarzen Identität mit anderen Einwanderungseinflüssen kombiniert. Es integrierte die Klänge des Südens und der Moderne und adaptierte Elemente aus städtischen Skylines. Jazz war ausgesprochen amerikanisch, weil er den Charakter verschiedener Völker vermengte, aber dennoch dem Individuum die Möglichkeit gab, sich in einem improvisierten Solo auszudrücken, und behauptete daher den „robusten Individualismus“, der bereits die Nation auszeichnete. Darüber hinaus begann der Jazz, die Grenze zwischen Performer und Publikum zu durchbrechen. Sie „demokratisierte“ die Kultur und machte sie der gewöhnlichen Person zugänglich.

Jazz als modern
Jazz ist in Klang und Manier deutlich modern. Laut Lawrence Levine, „Jazz war, oder schien, das Produkt eines neuen Zeitalters zu sein … rauh, diskordant … zugänglich, spontan … offen eine interaktive, partizipatorische Musik.“ Daniel Gregory Mason beschuldigte den Jazz „ist so perfekt an Roboter angepasst, dass der eine von dem anderen abgeleitet werden könnte. Jazz ist somit die exakte musikalische Reflexion des modernistischen Industriekapitalismus“, und Jazz wurde auch mit dem Klang von Nieten verglichen. Irving Berlin nannte Jazz die „Musik des Maschinenzeitalters“. Die Spieler bezogen Einflüsse aus dem täglichen Straßengespräch in Harlem sowie aus französischen Impressionismus-Gemälden. Die improvisierte Natur bittet den Spieler, die bereits bestehende Struktur innerhalb der Musik zu demontieren und zu untersuchen. Als Hommage an die Modernität des Jazz muss man nur die verschiedenen Medien untersuchen, die Einflüsse aus der Musik gezogen haben. Das Musical Shuffle Along ist eine der frühesten und erfolgreichsten Jazz-Adaptionen der Bühne, Jazzballette erschienen im New Yorker Metropolitan Theatre, Langston Hughes und Sterling Brown zeichneten Gedichte aus der Jazzmusik, die sie erlebten, und Jazzmusik kolorierte die Gemälde von Aaron Douglas, Miguel Covarrubias und viele andere.

Bildende Kunst

Amerikanische modernistische Malerei
Es gibt kein einheitliches Datum für den Beginn der Moderne in Amerika, da zu Beginn des 20. Jahrhunderts Dutzende Maler aktiv waren. Es war die Zeit, als die ersten kubistischen Landschaften, Stilleben und Porträts erschienen; helle Farben traten in die Malerpaletten ein, und die ersten gegenstandslosen Bilder wurden in den Galerien ausgestellt.

Die modernistische Bewegung in den prägenden Jahren wurde auch in New York City 1913 in der populären Manhattan Studio Galerie von Wilhelmina Weber Furlong (1878-1962) und durch die Arbeit des Whitney Studio Cub im Jahr 1918 populär. Nach Davidson, der Anfang der amerikanischen modernistischen Malerei kann in die 1910er Jahre datiert werden. Der frühe Teil der Periode dauerte 25 Jahre und endete um 1935, als die moderne Kunst als „Avantgarde“ bezeichnet wurde.

Die Armory Show von 1913 in New York zeigte die zeitgenössische Arbeit europäischer Künstler und Amerikaner. Die impressionistischen, fauvistischen und kubistischen Gemälde erschreckten viele amerikanische Zuschauer, die an konventionellere Kunst gewöhnt waren. Inspiriert von dem, was sie sahen, waren viele amerikanische Künstler von den radikalen und neuen Ideen beeinflusst.

Das frühe 20. Jahrhundert war geprägt von der Erforschung verschiedener Techniken und Ausdrucksformen künstlerischer Ausdruckskraft. Viele amerikanische Künstler wie Wilhelmina Weber, Man Ray, Patrick Henry Bruce, Gerald Murphy und andere gingen nach Europa, vor allem nach Paris, um Kunst zu machen. Die Bildung verschiedener künstlerischer Versammlungen führte zur Bedeutungsvielfalt der bildenden Kunst. Die Ashcan School versammelte sich um Realismus (Robert Henri oder George Luks); der Stieglitz-Kreis verherrlichte abstrakte Visionen von New York City (Max Weber, Abraham Walkowitz); Farbmaler entwickelten sich in Richtung der farbenfrohen, abstrakten „Synchromien“ (Stanton Macdonald-Wright und Morgan Russell), während Präzision die industrialisierte Landschaft Amerikas in Form scharfer und dynamischer Geometrisierung visualisierte (Joseph Stella, Charles Sheeler, Morton Livingston Schamberg und Charles Demuth). Schließlich Künstler wie Charles Burchfield, Marsden Hartley, Stuart Davis, Arthur Dove, Georgia O’Keeffe, der als die Mutter der amerikanischen Moderne galt, John Marin, Arthur Beecher Carles, Alfred Henry Maurer, Andrew Dasburg, James Daugherty, John Covert, Henrietta Shore, William Zorach, Marguerite Thompson (Zorach), Manierre Dawson, Arnold Friedman und Oscar Blümner leiteten die Ära der Moderne an der New York School ein.

Die Verlagerung des Fokus und die Vielfalt der Fächer in der bildenden Kunst ist auch ein Kennzeichen der amerikanischen Kunst der Moderne. So hat zum Beispiel die Gruppe The Eight den Fokus auf die moderne Stadt gelegt und den Schwerpunkt auf die Vielfalt der verschiedenen Klassen von Bürgern gelegt. Zwei der bedeutendsten Vertreter der Acht, Robert Henri und John Sloan, malten Bilder über soziale Vielfalt, die oft die Slumbewohner industrialisierter Städte zum Hauptthema machten. Die späten 1920er und die 1930er Jahre gehörten (neben vielen anderen) zu zwei Bewegungen in der amerikanischen Malerei, dem Regionalismus und dem sozialen Realismus. Die Regionalisten konzentrierten sich auf die Buntheit der amerikanischen Landschaft und die Komplexität des Landlebens, während die Sozialrealisten auf die Themen Große Depression, Armut und soziale Ungerechtigkeit eingingen. Die Sozialrealisten protestierten gegen die Regierung und das Establishment, die scheinheilig, voreingenommen und gleichgültig gegenüber den Fragen der menschlichen Ungleichheit waren. Abstraktion, Landschaft und Musik waren populäre modernistische Themen in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts. Künstler wie Charles Demuth, der 1928 sein Meisterwerk „Ich sah die Fünf in Gold“ schuf, Morton Schamberg (1881-1918) und Charles Sheeler waren eng mit der Precisionist Bewegung verbunden. Sheeler malte typischerweise Stadtlandschaften und Industriearchitektur, wie am Beispiel seines Gemäldes Amoskeag Canal 1948 zu sehen ist. Jazz und Musik wurden improvisiert von Stuart Davis vertreten, wie zum Beispiel Hot Still-Scape für sechs Farben – 7th Avenue Style, von 1940.

Der Modernismus überbrückte die Kluft zwischen der Kunst und einem sozial unterschiedlichen Publikum in den USA. Eine wachsende Zahl von Museen und Galerien zielte darauf ab, die Moderne der Öffentlichkeit zugänglich zu machen. Trotz anfänglichem Widerstand gegen die Feier des Fortschritts, der Technologie und des städtischen Lebens trug die bildende Kunst enorm zum Selbstbewusstsein und Bewusstsein der amerikanischen Bevölkerung bei. Neue modernistische Malerei beleuchtete die emotionalen und psychischen Zustände des Publikums, die für die Bildung einer amerikanischen Identität grundlegend waren.

Zahlreiche Richtungen des amerikanischen „Modernismus“ führten nicht zu einem kohärenten Stil, sondern riefen den Wunsch nach Experimenten und Herausforderungen hervor. Es bewies, dass moderne Kunst über festgelegte Prinzipien hinausgeht.

Hauptschulen und Bewegungen der amerikanischen Moderne
die Stieglitz-Gruppe
der Arensberger Kreis
Farbmaler
Präzision
die Unabhängigen
die Philadelphia-Schule
New York Unabhängige
Chicago und nach Westen

Modernistische Malerei
Georgia O’Keeffe, bekannt als die „Mutter der amerikanischen Moderne“, ist seit den 1920er Jahren eine wichtige Figur in der amerikanischen Moderne. Sie hat breite Anerkennung gefunden, um die Grenzen des modernen amerikanischen Kunststils herauszufordern. Sie ist hauptsächlich für Gemälde von Blumen, Felsen, Muscheln, Tierknochen und Landschaften bekannt, in denen sie Abstraktion und Repräsentation synthetisierte. Ram’s Head White Hollyhock und Little Hills von 1935 ist ein bekanntes Gemälde von O’Keeffe.

Arthur Dove verwendete eine breite Palette von Medien, manchmal in unkonventionellen Kombinationen, um seine Abstraktionen und seine abstrakten Landschaften zu erzeugen. Me and the Moon von 1937 ist ein gutes Beispiel für eine Arthur Dove abstrakte Landschaft und wurde als eines der Höhepunkte seiner Karriere bezeichnet. Dove machte in den 1920er Jahren eine Reihe experimenteller Collagen. Er experimentierte auch mit Techniken, indem er Farben wie handgemisches Öl oder Tempera über eine Wachsemulsion mischte.

Der afroamerikanische Maler Aaron Douglas (1899-1979) ist einer der bekanntesten und einflussreichsten afroamerikanischen Maler der Moderne. Seine Werke trugen stark zur Entwicklung einer ästhetischen Bewegung bei, die eng mit Merkmalen des afroamerikanischen Erbes und der Kultur verbunden ist. Douglas beeinflusste die afroamerikanische Kunst besonders während der Harlem Renaissance.

Eines der beliebtesten Gemälde von Douglas ist die Kreuzigung. Es wurde 1927 in James Weldon Johnsons Posaunen veröffentlicht. Die Kreuzigungsszene, die auf dem Gemälde abgebildet ist, zeigt mehrere Elemente, die Douglas ‚Kunst ausmachen: klare Abgrenzung, Wechsel von Schatten und Licht, stilisierte menschliche Körper und geometrische Figuren als konzentrische Kreise im Gegensatz zu linearen Formen. Das Thema des Gemäldes ähnelt nicht nur der biblischen Szene, sondern kann auch als Anspielung auf die afroamerikanische religiöse Tradition verstanden werden: Der übergroße, dunkle Jesus trägt sein Kreuz, seine Augen richten sich auf den Himmel, von dem aus Licht auf seine Anhänger geworfen wird. Stilisierte römische Soldaten flankieren die Szene mit ihren spitzen Speeren. So wird der Betrachter beispielsweise an die afroamerikanische Gospeltradition erinnert, aber auch an eine Geschichte der Unterdrückung. Beauford Delaney, Charles Alston, Jacob Lawrence und Romare Bearden waren ebenfalls bedeutende afroamerikanische Künstler der Moderne, die Generationen von Künstlern inspirierten, die ihnen folgten.

Moderne Fotografie
Zu Beginn der amerikanischen Moderne hatte die Fotografie noch immer Mühe, als Kunstform anerkannt zu werden. Der Fotograf Alfred Stieglitz beschrieb es so: „Künstler, die meine früheren Fotografien sahen, begannen mir zu erzählen, dass sie mich beneideten, dass sie meine Fotografien ihren Bildern überlegen waren, aber leider war Fotografie keine Kunst. Ich konnte es nicht verstehen warum sollten die Künstler mich für meine Arbeit beneiden, aber im selben Atemzug, weil sie maschinell hergestellt wurde. (Stieglitz: 8). Im Jahr 1902 gründete Stieglitz die Foto-Secession-Gruppe mit Mitgliedern wie Edward Steichen, Gertrude Käsebier und Clarence Hudson White, mit dem Ziel, den Standard zu heben und das Bewusstsein für Kunstfotografie zu erhöhen. Zu diesem Zeitpunkt war ihr Hauptartist der Pictorialist, der dafür bekannt war, Fotos durch Weichzeichnung, spezielle Filter oder exotische Druckverfahren zu modifizieren, um den Stil von Gemälden und Radierungen dieser Zeit nachzuahmen. Für die Publikation hat Stieglitz als treibende Kraft der Bewegung die Zeitschrift Camera Work ins Leben gerufen, in der er Künstler veröffentlichte, die er für die Bewegung hielt. Er leitete auch drei Galerien nacheinander, nämlich „291“ (1905-1917), „The Intimate Gallery“ (1925-1929) und „An American Place“ (1929-1947). Besonders 291 diente als Treffpunkt für Künstler und Schriftsteller und war der erste, der die Werke der frühen Moderne der europäischen Künstler wie Henri Matisse, Auguste Rodin, Henri Rousseau, Paul Cézanne und Pablo Picasso in den Vereinigten Staaten ausstellte. Eine weitere Verbindung zur europäischen Avantgarde wurde von Man Ray begründet. In Amerika geboren und inspiriert von den Arbeiten, die er in Stieglitz ‚Galerien sah, wanderte Ray 1921 nach Paris aus und schuf zusammen mit Künstlern der europäischen Dada- und Surrealistenbewegung neue fotografische Techniken wie Rayographen (Gegenstände direkt auf lichtempfindliches Papier).

In den frühen 1920er Jahren bewegten sich die Fotografen in Richtung der sogenannten Geradlinigen Fotografie. Im Gegensatz zum pictorialistischen Stil lehnten sie jegliche Manipulation im fotografischen Prozess (z. B. weiche Linse, spezielle Entwicklungs- oder Druckverfahren) ab und versuchten, die Vorteile der Kamera als einzigartiges Medium zur Erfassung der Realität zu nutzen. Ihre Motive sollten so objektiv wie möglich aussehen. Indem sie den Fokus von der klassischen Porträtmalerei und dem pictorialistischen Stil abwandten, begannen die Fotografen, ihre Bilder als Mittel zu verwenden, um die harten Realitäten des Alltags darzustellen, gleichzeitig aber nach der Schönheit im Detail oder der ästhetischen Gesamtkonstruktion zu suchen. Maschinen und Fabrikarbeiten, Wolkenkratzer und technische Innovationen wurden zu prominenten Motiven. Im Jahr 1932 begannen einige jüngere Fotografen (zB Ansel Adams, Imogen Cunningham, Willard Van Dyke, Edward Weston) mit der Gruppe f / 64, basierend auf den Idealen der geraden Fotografie, die zur fortschrittlichsten Vereinigung ihrer Zeit wurde.

Feminismus, Geschlecht und Sexualität

Entwicklung des Feminismus
Ab dem frühen 19. Jahrhundert benutzten einige Frauen die Doktrinen der idealen Weiblichkeit, um die Isolation der häuslichen Sphäre zu vermeiden. In den 1830er Jahren forderten Frauen offen den Frauenbereich heraus und forderten größere politische, wirtschaftliche und soziale Rechte. Sie gründeten überall in den USA Frauenklubs und wohlwollende Gesellschaften. Die männliche Vorherrschaft in der Öffentlichkeit war für viele dieser bürgerlichen Aktivistinnen nicht mehr akzeptabel. Beginnend mit der Seneca Falls Convention 1848 hielten amerikanische Feministinnen staatliche und nationale Konventionen bis zum frühen 20. Jahrhundert. Einige Sprecherinnen der feministischen Bewegung verbanden die feministische Sache mit der freien Liebe und der sexuellen Revolution, die Tabuthemen des viktorianischen Zeitalters waren. Daher konzentrierten sich die Feministinnen sowohl in Großbritannien als auch in den Vereinigten Staaten auf politische und rechtliche Fragen, insbesondere auf die Abstimmung, und auf andere wichtige Fragen von Frauen in Bezug auf die häusliche Rolle von Frauen und die Organisation des häuslichen Lebens im Allgemeinen.

Schließlich, nach einem langen und harten Kampf, der massive, manchmal gewalttätige Proteste, die Inhaftierung vieler Frauen und sogar einige Tote beinhaltete, wurde der Kampf um das Frauenwahlrecht gewonnen. Das Wahlrecht wurde 1920 in den Vereinigten Staaten für Frauen, die Haus- oder Hausfrauen waren, und 1928 für alle erwachsenen Frauen verabschiedet. (Afroamerikanische Frauen wurden nicht berücksichtigt. Sie erhielten nur das Wahlrecht in der Bürgerrechtsbewegung der 1960er Jahre.) Die Nationale Organisation für Frauen (NOW) wurde 1966 von einer Gruppe von Feministinnen gegründet. Die größte Frauenrechtsgruppe in den USA, NOW, hat sich zum Ziel gesetzt, sexuelle Diskriminierung, insbesondere am Arbeitsplatz, durch legislative Lobbyarbeit, Rechtsstreitigkeiten und öffentliche Demonstrationen zu beenden. In den folgenden Jahren des späten 20. Jahrhunderts kam es zu einer starken Ausweitung der Frauenrechte in allen Bereichen der modernen Gesellschaft. Moderne Künstler hatten eine ambivalente Einstellung zum Feminismus: Einerseits entschieden sie sich für die Gleichbehandlung von Männern und Frauen in Bezug auf Recht, Wahlrecht und Berufe; auf der anderen Seite hatten sie immer noch die wahrgenommenen weiblichen Unzulänglichkeiten in Bezug auf Biologie, Kultur und Transzendenz im Auge. Wie die radikale Feministin Emma Goldman verkündete: „Die wahre Befreiung beginnt weder bei den Wahlen noch bei den Gerichten [sondern] in der Seele einer Frau“ (Qtd. In Lyon 223).

Geschlecht und Sexualität
Die Rollen von Geschlecht und Sexualität in der amerikanischen Moderne wurden durch Studien der nationalen Identität und Staatsbürgerschaft, Rassenidentität und Rassenpolitik, Queer Identität und Ästhetik, Magazinkultur, visuelle Kultur, Marktwirtschaft und historische Darstellungen der politischen Moderne des 20. Jahrhunderts erarbeitet. Immense Arbeit von Gelehrten aus Feminismus, Gender und Sexualität trug dazu bei, das Feld der amerikanischen modernen Wissenschaft neu zu strukturieren. Schriftstellerinnen sind zum Gegenstand eines umfassenden literarischen Studiums geworden. Schwule und lesbische Gemeinschaften wurden als moderne ästhetische Experimentiermuster aufgewertet, und sexuelle Identität und Geschlechterbildung wurden neu interpretiert.

Die Wende des kulturellen Lebens im 20. Jahrhundert sah eine Verschiebung zu einer Dichotomie der Massenkultur gegenüber der Hochkultur, wobei die ersten allgemein weiblich und die Hochkultur männlich orientiert waren. Die früher angeprangerte Volksliteratur diente nun dem feministischen Zweck. „Es bildete das Fundament für die Verteidigung einer neuen Phase der freien Liebe und die gleichzeitige Förderung der Geburtenkontrolle.“ (Lyon 225)

Alltag und Kultur
Die modernistische Bewegung verursachte große Veränderungen in Gesellschaften, in denen sie stattfand. Mit der Einführung industrieller Entwicklungen begann das amerikanische Volk das Ergebnis der neuen Ära der Moderne zu genießen. Alltag und Kultur sind die Bereiche, die den gesellschaftlichen Wandel in den Gewohnheiten der Gesellschaft widerspiegeln. Entwicklungen, die mit der Moderne auftraten, beeinflussten den Lebensstandard der amerikanischen Bevölkerung und wichen einem neuen Lebensstil.

Mode
Mit Bezug auf Mode würde man normalerweise an Kleidungsstile oder Kostüme denken. Natürlich ist der Kleidungsstil eine sehr wichtige Kategorie des Wortes „Mode“. Auf der anderen Seite, „Mode“ hat mehr Bedeutungen und könnte in vielen anderen Bereichen, wie Architektur, Körpertyp, Tanz und Musik, und sogar Formen der Sprache usw. erklärt und gefunden werden.

1. Kostüme
In den frühen 1920er Jahren begann die Ready-to-wear-Mode Amerika zu verbreiten. Mehr Frauen verdienen ihren eigenen Lohn und wollen keine Zeit für die Ausstattung aufwenden. Die Mode als Statussymbol war nicht mehr wichtig, da Klassenunterschiede verschwammen. Vor allem Frauen forderten billige Mode. Im Hinblick auf die Massenproduktion von zeitgenössischer Kleidung für Frauen ging Amerika anderen Ländern voraus. Mehrere Designer dieser Mode, darunter Jane Derby, machten eine Bühnenpose.

Frauen: Bis 1921 war der längere Rock, der normalerweise lang und uneben an der Unterseite war, veraltet. Der kurze Rock wurde 1925 populär. Kein Busen, keine Taille und Haare fast unter einem Cloche Hut versteckt. Die Herstellung von Kosmetika begann ebenfalls in diesem Jahrzehnt. Puder, Lippenstift, Rouge, Augenbrauenstift, Lidschatten, farbige Nägel, Frauen hatten sie alle. Außerdem kamen Perlen in Mode.

Männer: In dieser Zeit war die Kleidung für Männer konservativer. Die Hose wurde an den Hosenbeinen auf 24 Zoll verbreitert. Höschen, erhöht die Breite und Länge, wurden plus Vieren genannt. Im Sommer war weiße Wäsche beliebt, während im Winter ein amerikanischer Mantel – der Waschbärmantel – in Mode war. Der Schlapphut aus Filz könnte zusammengerollt und in einen Koffer gepackt werden. Diese waren sehr beliebt bei College-Männern.

2. Möbel Es gibt keinen reinen amerikanischen modernen Stil in der Designwelt. Die amerikanischen modernen Künstler erbten den Stil, der durch die Einfachheit der Form, die Abwesenheit des dekorativen Ornaments charakterisiert wurde, und konzentrierten sich auf funktionelle Anliegen ihrer Präzedenzfälle. Gleichzeitig mischten die amerikanischen Designer den wilden Stil der Pariser Malerei sowie die Merkmale der modernen Architektur in ihre Werke, wie Art Deco. Darüber hinaus legten die Designer viel Wert auf die Materialien, insbesondere jene, die in der Moderne erfunden wurden.

Amerikanische modernistische Literatur
Amerikanische modernistische Literatur war eine dominierende Tendenz in der amerikanischen Literatur zwischen dem Ersten Weltkrieg und dem Zweiten Weltkrieg. Die modernistische Ära hob Innovationen in der Form und Sprache von Poesie und Prosa hervor, ebenso wie auf zahlreiche zeitgenössische Themen, wie Rassenbeziehungen, Geschlecht und die menschliche Verfassung. Viele amerikanische Modernisten wurden während dieser Zeit in Europa ausgebürgert und wurden oft zu Fußgängern in der europäischen Bewegung, wie es bei TS Eliot, Ezra Pound und Gertrude Stein der Fall war. Diese Autoren wurden oft als The Lost Generation bekannt.

Als Reaktion auf diesen Trend begannen viele amerikanische Autoren und Dichter einen Trend des „Nativismus“, der die moderne amerikanische Erfahrung in Amerika repräsentieren sollte. Zu diesem Trend beigetragen haben William Carlos Williams, Wallace Stevens und Marianne Moore. Diese Dichter kritisierten oft die Werke von ausländischen Schriftstellern wie Eliot und Pound, wie Gedichte wie Spring and All beweisen.

Beeinflusst durch den ersten Weltkrieg erforschten viele amerikanische Schriftsteller der Moderne die psychologischen Wunden und geistigen Narben der Kriegserfahrung. Die Wirtschaftskrise in Amerika zu Beginn der 1930er Jahre hinterließ auch Spuren in der Literatur, wie John Steinbecks The Grapes of Wrath. Ein damit verbundenes Problem ist der Verlust des Selbst und das Bedürfnis nach Selbstdefinition, da die Arbeiter in den Hintergrund des städtischen Lebens gerieten, unbemerkt in eine Maschine, die sich nach Selbstdefinition sehnt. Amerikanische Modernisten wiederholten den Fokus der Mitte des 19. Jahrhunderts auf den Versuch, „ein Selbst aufzubauen“ – ein Thema, das von Fitzgeralds The Great Gatsby illustriert wurde. Der Wahnsinn und seine Manifestationen scheinen ein weiteres liebstes modernistisches Thema zu sein, wie es in Eugene O’Neills The Emperor Jones, Hemingways The Battler und Faulkners That Evening Sun zu sehen ist. Nichtsdestoweniger führten all diese negativen Aspekte zu neuen Hoffnungen und Bestrebungen und zur Suche nach einem neuen Anfang, nicht nur für die zeitgenössischen Individuen, sondern auch für die fiktiven Charaktere in der amerikanischen modernistischen Literatur.

Die neue Kritik in Amerika
Von den 1930er bis zu den 1960er Jahren wurde New Criticism eine kritische Kraft in den Vereinigten Staaten. Es war die stärkste Perspektive in der amerikanischen Literaturkritik. Die Vertreter waren John Crowe Ransom, Allen Tate, Cleanth Brooks, Robert Penn Warren. „Die einflussreichen kritischen Methoden, die diese Dichterprofessoren entwickelten, betonten die Verschärfung enger Lesefähigkeiten. Neue Kritik privilegierte die Bewertung der Dichtung als Rechtfertigung der Literaturwissenschaft“. Brooks und Warrens Understanding Poetry (1938) wurde zu einem der einflussreichsten College-Poesie-Lehrbücher der 1930er Jahre und wurde bis in die 1970er Jahre überarbeitet und neu aufgelegt. (Morrisson: 29)

Neue Kritik zeigte sich in Werken wie Eliots und Yeats ‚Gedichten. „Poesie, die am besten zu den ästhetischen Kriterien der New Critics passt, wurde in wichtigen Anthologien im Unterricht hervorgehoben“ (Morrisson, 29). TS Eliot definierte die Tradition in seinem Essay „Tradition und das individuelle Talent“ neu. Er formulierte solche kritischen Konzepte als „objektive Korrelate“ und überlegte den literarischen Kanon in seiner Erhebung des jakobinischen Dramas und der metaphysischen Poesie. Seine Arbeit hatte einen fundamentalen Einfluss auf die New Criticism in Amerika.

Architektur und Raum
Die Vereinigten Staaten spielten eine große Rolle in der Modernismusbewegung bezüglich neuer fortschrittlicher Gebäude- und Bautechnologien.Zu den Konstruktionsinnovationen gehören Materialien wie Eisen, Stahl und Stahlbeton. Brooklyn Bridge von John und Washington Roebling (1869-1883) (für weitere Informationen siehe John Roebling / Washington Roebling)

Louis Henry Sullivan leitete die sogenannte Chicago School of Architecture, die sich durch die Entwicklung von funktionalem Design und modernen Materialien auszeichnete. Sullivans Anhänger Frank Lloyd Wright nahm von seinem „lieben Master“ (lieber Meister) die deutsche romantische Tradition der organischen Architektur auf. Er entwickelte vor dem Ersten Weltkrieg einen neuen und originellen Zugang zum Wohndesign, der als „Präriestil“ bekannt wurde. Es kombiniert offene Planungsgrundsätze mit horizontaler Betonung, asymmetrischen Fassadenerhebungen und breiten, schützenden Dächern. Robie House in Chicago (1909) und das Guggenheim Museum in New York City (1946-59) sind zwei seiner bahnbrechenden Arbeiten.

In seinen Werken rückte Wright näher und näher an ein erdgebundenes Gefühl der natürlichen Form, indem er grob behauenen Stein und Holz verwendete und immer in seinen Häusern zielte, um eine Wirkung von intimem und schützendem Schutz zu erreichen.

Ausländische Architekten wie Richard Neutra, Rudolf Schindler und William Lescaze spielten in den 1920er Jahren eine wichtige Rolle bei der Entwicklung der amerikanischen Architektur und führten später einen Stil, der den Namen des internationalen Stils erhielt und sich in der Gestaltung von Bürogebäuden nach der Welt widerspiegelte Krieg II. Solche Gebäude wie Skidmore, Owings und Merrills Lever House (1952) und Ludwig Mies van der Rohes Seagram Building (1956-58) in New York City sind die Beispiele für diesen neuen Stil. Als so berühmte Europäer wie Walter Gropius und Ludwig Mies van der Rohe in die USA einwanderten, gerieten viele amerikanische Architekturschulen unter den Einfluss der Traditionen des Bauhauses in Deutschland.