Il modernismo americano, molto simile al movimento del modernismo in generale, è una tendenza del pensiero filosofico derivante dai cambiamenti diffusi nella cultura e nella società nell’età della modernità. Il modernismo americano è un movimento artistico e culturale negli Stati Uniti a partire dall’inizio del XX secolo, con un periodo centrale tra la prima e la seconda guerra mondiale. Come il suo omologo europeo, il modernismo americano derivava dal rifiuto del pensiero illuminista, cercando di rappresentare meglio la realtà in un nuovo mondo più industrializzato.
Storia
Tipicamente, l’arte modernista ha una tendenza all’astrazione, è innovativa, estetica, futuristica e autoreferenziale. Include arte visiva, letteratura, musica, film, design, architettura e stile di vita. Reagisce contro lo storicismo, le convenzioni artistiche e l’istituzionalizzazione dell’arte. L’arte non doveva essere affrontata solo nelle accademie, nei teatri o nelle sale da concerto, ma doveva essere inclusa nella vita quotidiana e accessibile a tutti. Inoltre, le istituzioni culturali concentrate sull’arte e gli studiosi prestavano poca attenzione agli stili rivoluzionari del modernismo. I progressi economici e tecnologici negli Stati Uniti durante i ruggenti anni Venti diedero vita a un utopismo diffuso, che influenzò alcuni artisti modernisti, mentre altri erano scettici sull’abbraccio della tecnologia. La vittoria nella prima guerra mondiale confermò lo status degli Stati Uniti come attore internazionale e diede alla gente sicurezza e fiducia in se stessi. In questo contesto, il modernismo americano ha segnato l’inizio dell’arte americana come distinta e autonoma dal gusto europeo, rompendo le convenzioni artistiche che erano state modellate secondo le tradizioni europee fino ad allora.
Il modernismo americano ha beneficiato della diversità delle culture immigrate. Gli artisti sono stati ispirati dalle culture popolari africane, caraibiche, asiatiche ed europee e hanno incorporato questi stili esotici nelle loro opere.
Il movimento modernista americano era un riflesso della vita americana nel 20 ° secolo. Nel rapido mondo dell’industrialismo e nei ritmi affrettati della vita, era facile per l’individuo essere inghiottito dalla vastità delle cose, lasciato a vagare, privo di scopo. I confini sociali di razza, classe, sesso, ricchezza e religione erano messi alla prova. Mentre la struttura sociale veniva sfidata da nuove visioni in arrivo, i limiti degli standard tradizionali e della struttura sociale si dissolvevano e una perdita di identità era ciò che rimaneva, traducendosi infine in isolamento, alienazione e un sentimento generale di separazione da ogni tipo di “intero”. L’unità di un paese in guerra era in procinto di morire, insieme con l’illusione dei convenevoli che vendeva ai suoi soldati e al popolo. Il mondo è stato lasciato violento, volgare e spiritualmente vuoto.
L’operaio della classe media cadde in una posizione chiaramente impercettibile, un ingranaggio troppo piccolo per sperare di trovare riconoscimento in una macchina molto più grande. I cittadini furono sopraffatti dalla loro stessa inutilità. I sogni dei giovani sono andati in frantumi con il fallimento e una disillusa delusione nel riconoscimento dei limiti e delle perdite. Le vite dei disillusi e dei reietti divennero più focose. La capacità di definire se stessi attraverso il duro lavoro e l’intraprendenza, per creare la propria visione di se stessi senza l’aiuto di mezzi tradizionali, è diventato prezioso. Alcuni autori hanno approvato questo, mentre altri, come F. Scott Fitzgerald, hanno sfidato quanto seducenti ma distruttivamente falsi possano essere i valori del privilegio.
L’America modernista doveva trovare un terreno comune in un mondo non più unificato nella fede. L’unità trovata giace nel terreno comune della coscienza condivisa all’interno di ogni esperienza umana. L’importanza dell’individuo è stata sottolineata; la natura veramente limitata dell’esperienza umana ha formato un legame attraverso tutti i ponti di razza, classe, sesso, ricchezza o religione. La società, in questo modo, ha trovato un significato condiviso, anche nel caos.
Alcuni vedono il modernismo nella tradizione dell’estetismo ottocentesco e del movimento “arte per l’arte”. Clement Greenberg sostiene che l’arte modernista esclude “qualsiasi cosa al di fuori di sé”. Altri vedono l’arte modernista, ad esempio nel blues e nella musica jazz, come mezzo per emozioni e stati d’animo, e molti lavori affrontano questioni contemporanee, come il femminismo e la vita di città. Alcuni artisti e teorici hanno persino aggiunto una dimensione politica al modernismo americano.
Il design e l’architettura modernista americana hanno permesso alle persone di condurre una vita moderna. La vita lavorativa e familiare è cambiata radicalmente e rapidamente a causa della ripresa economica degli anni ’20. Negli Stati Uniti, l’auto è diventata popolare e alla portata di molti, il tempo libero e l’intrattenimento hanno acquisito importanza e il mercato del lavoro si è aperto alle donne. Per rendere la vita più efficiente, i progettisti e gli architetti miravano alla semplificazione delle faccende domestiche.
La Grande Depressione alla fine degli anni ’20 e negli anni ’30 deluse le persone disilluse sulla stabilità economica del paese e ha eroso il pensiero utopistico. L’epidemia e il terrore della seconda guerra mondiale hanno causato ulteriori cambiamenti di mentalità. Il periodo postbellico che seguì fu definito tardo modernismo. L’era postmoderna era generalmente considerata caratteristica dell’arte della fine del XX secolo a partire dagli anni ’80.
Jazz
All’inizio del 20 ° secolo, il jazz si è evoluto dalla tradizione blues, ma ha anche incorporato molti altri elementi musicali e culturali. A New Orleans, considerata spesso la culla del jazz, i musicisti hanno beneficiato dell’affluenza di influenze coloniali spagnole e francesi. In questa città, un mix culturale etnico unico e proibizioni razziste più sciolte permisero agli afroamericani più influenza che in altre regioni del Sud. La guerra ispano-americana portò i soldati nordici nella regione con le loro bande. La musica risultante ha adottato suoni dai nuovi strumenti di ottone. Durante la Grande Migrazione, il jazz si è diffuso da New Orleans a New York, Chicago e altre città, incorporando nuovi suoni lungo la strada. Harlem, New York City, divenne il nuovo centro per l’era del jazz.
Jazz – musica di integrazione
La musica jazz, come elemento centrale della cultura americana, ha le sue radici nella cultura degli schiavi neri. La musica combinava elementi di richiamo africano e modelli di risposta nella sua strumentazione e nei suoi riff. Nei suoi inizi il jazz è stato criticato da parti della popolazione bianca, che pensavano che i ritmi del jazz e del ragtime fossero “selvaggi e scoppi”, e denigrarono il genere come un prodotto “non di innovatori, ma di incompetenti”. Il suo stile espressivo e pulsante inizialmente serviva gli stereotipi razziali nella mente pubblica ed era ampiamente incontrato con il rifiuto scettico. Nonostante questo fenomeno di animosità verso un crescente significato culturale del Nero, lo scrittore americano Lawrence W. Levine interpreta il ruolo del jazz come catalizzatore di una mutevole coscienza nazionale:
Culturalmente, siamo rimasti in una misura molto più ampia di quanto non abbiamo ancora riconosciuto, un popolo colonizzato che tenta di definirsi all’ombra dell’ex potere imperiale. Il jazz era espressione di quell’altro lato di noi stessi che si sforzava di riconoscere gli aspetti positivi della nostra novità e della nostra eterogeneità; che ha imparato a sentirsi a proprio agio con il fatto che una parte significativa del nostro patrimonio deriva dall’Africa e da altre fonti non europee; e quello riconosciuto nelle varie culture sincretizzate che divenne così caratteristico degli Stati Uniti una debolezza imbarazzante ma una fonte dinamica di forza.
Dopotutto, era nella natura del jazz lottare per la convergenza culturale tra neri e bianchi; secondo il sassofonista Sonny Rollins, “il jazz è sempre stato una musica di integrazione”. Negli anni ’20 e ’30 il jazz ha acquisito una notevole popolarità e ha suscitato un crescente interesse per i giovani bianchi attratti dalla libertà di espressione artistica, personale e culturale che questa nuova forma musicale aveva da offrire. Famosi musicisti bianchi come Benny Goodman, Gene Krupa, Milton Mezzrow, Muggsy Spanier o Joe Sullivan sono stati ispirati da icone afroamericane come Louis Armstrong. L’accettazione del jazz si diffuse presto attraverso l’Atlantico e, a metà del 20 ° secolo, la rese internazionale. Oggi, la musica jazz è considerata parte integrante e vibrante della cultura americana, l’unica musica nativa dell’America, un rappresentante mondiale della cultura afroamericana.
Jazz come americano
Un articolo della compilation apparso sul New York Times nel 1923 proclamava il jazz, “… un contributo dell’America alle arti: è riconosciuto in tutto il mondo come parte di una tradizione musicale popolare di questo paese: è così profondamente e tipicamente americano come la Monroe Doctrine o il 4 luglio, o il baseball. ”
L’americanità di Jazz inizia con le sue radici. Il jazz era un prodotto degli afroamericani, un gruppo culturale distinto in America. Anche se i primi azzurri cantavano distintamente delle sofferenze di un popolo sfollato, il jazz era qualcos’altro. La classe operaia afroamericana che ha dato vita al jazz non era soggetta all’educazione di altri musicisti bianchi; i menestrelli neri erano in grado di sfuggire alla pressione per “europeizzare” la loro arte. La cultura (con la C maiuscola) richiedeva essenzialmente che gli americani preferissero, raccomandassero e reiterassero tutte le cose europee. Libero da questi limiti, il jazz progredì in modo inesplorato. Nel 1925, Irving Berlin definì il jazz “musica popolare americana” e citò influenze che andavano da “vecchie canzoni meridionali” e “spiriti negri” a una “sfumatura delle canzoni popolari russe e italiane”, ma Berlino concluse che era “tipicamente” Soprattutto americano. ” Come la nazione in cui è stata creata, il jazz ha mescolato influenze etniche e culturali separate in un prodotto nuovo e diverso, combinando elementi dell’identità nera con altre influenze immigrate. Ha incorporato i suoni del Sud e del moderno e ha adattato gli elementi dello skyline urbano. Il jazz era decisamente americano in quanto fondeva il carattere di popoli diversi, ma lasciava tuttavia che l’individuo avesse la possibilità di esprimersi in un assolo di improvvisazione, e quindi affermava il “robusto individualismo” che già caratterizzava la nazione. Inoltre, il jazz ha iniziato a rompere la barriera tra performer e pubblico. Ha “democratizzato” la cultura, rendendola accessibile alla persona comune.
Jazz come moderno
Il jazz è chiaramente moderno nel suono e nei modi. Secondo Lawrence Levine, “Il jazz era, o sembrava essere il prodotto di una nuova era … rauco, discordante … accessibile, spontaneo … apertamente una musica interattiva e partecipativa”. Daniel Gregory Mason affermò che il jazz “è così perfettamente adattato ai robot che l’uno potrebbe essere dedotto dall’altro: il jazz è quindi l’esatto riflesso musicale del capitalismo industriale modernista”, e anche il jazz è stato paragonato al suono della rivettatura. Irving Berlin ha definito il jazz la “musica dell’età della macchina”. I giocatori hanno tratto influenze dai discorsi di strada di tutti i giorni ad Harlem e dai dipinti impressionisti francesi. La natura improvvisata chiede al giocatore di smantellare ed esaminare la struttura preesistente all’interno della musica. Come tributo alla modernità del jazz, basta esaminare i vari media che hanno influenzato la musica. Il musical Shuffle Along è uno dei primi e più riusciti adattamenti jazz al palcoscenico, i balletti jazz sono apparsi nel Metropolitan Theatre di New York, Langston Hughes e Sterling Brown hanno disegnato poesie della musica Jazz che hanno sperimentato, e la musica jazz ha colorato i dipinti di Aaron Douglas, Miguel Covarrubias e molti altri.
Arti visive
Pittura modernista americana
Non c’è una data unica per l’inizio dell’era moderna in America, come dozzine di pittori erano attivi all’inizio del 20 ° secolo. Era il tempo in cui apparivano i primi paesaggi cubisti, nature morte e ritratti; i colori vivaci sono entrati nella tavolozza dei pittori e i primi dipinti non oggettivi sono stati esposti nelle gallerie.
Il movimento modernista durante gli anni formativi stava diventando popolare anche a New York City nel 1913 presso la famosa galleria di studio di Manhattan di Wilhelmina Weber Furlong (1878-1962) e attraverso il lavoro del Whitney Studio Cub nel 1918. Secondo Davidson, l’inizio della pittura modernista americana può essere datata agli anni ’10. La prima parte del periodo durò 25 anni e si concluse verso il 1935, quando l’arte moderna veniva definita come, quella che Greenberg chiamava l’avanguardia.
Il 1913 Armory Show di New York City mostrava il lavoro contemporaneo di artisti europei, oltre che americani. I quadri impressionisti, fauvisti e cubisti sorpresero molti spettatori americani che erano abituati all’arte più convenzionale. Tuttavia, ispirati da ciò che hanno visto, molti artisti americani sono stati influenzati dalle idee radicali e nuove.
L’inizio del XX secolo è stato caratterizzato dall’esplorazione di diverse tecniche e modi di espressività artistica. Molti artisti americani come Wilhelmina Weber, Man Ray, Patrick Henry Bruce, Gerald Murphy e altri si recarono in Europa, in particolare a Parigi, per fare arte. La formazione di varie assemblee artistiche ha portato alla molteplicità di significato nelle arti visive. La scuola di Ashcan si riunì attorno al realismo (Robert Henri o George Luks); il cerchio di Stieglitz ha glorificato le visioni astratte di New York City (Max Weber, Abraham Walkowitz); i pittori di colore si sono evoluti nella direzione delle colorate “sincromie” astratte (Stanton Macdonald-Wright e Morgan Russell), mentre il precisionismo ha visualizzato il panorama industrializzato dell’America sotto forma di geometrizzazione forte e dinamica (Joseph Stella, Charles Sheeler, Morton Livingston Schamberg e Charles Demuth). Alla fine artisti come Charles Burchfield, Marsden Hartley, Stuart Davis, Arthur Dove, Georgia O’Keeffe che è stata pensata come la madre del modernismo americano, John Marin, Arthur Beecher Carles, Alfred Henry Maurer, Andrew Dasburg, James Daugherty, John Covert, Henrietta Shore, William Zorach, Marguerite Thompson (Zorach), Manierre Dawson, Arnold Friedman e Oscar Bluemner hanno inaugurato l’era del Modernismo alla Scuola di New York.
Lo spostamento della messa a fuoco e la molteplicità dei soggetti nelle arti visive è anche un segno distintivo dell’arte modernista americana. Così, ad esempio, il gruppo The Eight ha focalizzato l’attenzione sulla città moderna e ha posto l’accento sulla diversità delle diverse classi di cittadini. Due dei più importanti rappresentanti di The Eight, Robert Henri e John Sloan hanno realizzato dipinti sulla diversità sociale, prendendo spesso come argomento principale gli abitanti delle baraccopoli delle città industrializzate. La fine degli anni Venti e gli anni Trenta appartenevano (tra molti altri) a due movimenti nella pittura americana, nel regionalismo e nel realismo sociale. I regionalisti si sono concentrati sulla vivacità del paesaggio americano e sulla complessità della vita di campagna, mentre i realisti sociali sono entrati nei temi della Grande Depressione, della povertà e dell’ingiustizia sociale. I realisti sociali protestarono contro il governo e l’establishment che appariva ipocrita, prevenuto e indifferente alle questioni delle disuguaglianze umane. Astrazione, paesaggio e musica erano temi modernisti popolari durante la prima metà del 20 ° secolo. Artisti come Charles Demuth che creò il suo capolavoro I saw The Figure Five in Gold nel 1928, Morton Schamberg (1881-1918) e Charles Sheeler erano strettamente imparentati al movimento Precisionista. Sheeler tipicamente dipinse paesaggi urbani e architettura industriale come esemplificato dalla sua pittura Amoskeag Canal 1948. Il jazz e la musica furono improvvisati da Stuart Davis, come esemplificato da Hot Still-Scape per Six Colors – 7th Avenue Style, del 1940.
Il modernismo ha colmato il divario tra l’arte e un pubblico socialmente diversificato negli Stati Uniti. Un numero crescente di musei e gallerie volti a portare la modernità al grande pubblico. Nonostante la resistenza iniziale alla celebrazione del progresso, della tecnologia e della vita urbana, le arti visive hanno contribuito enormemente all’autocoscienza e alla consapevolezza del popolo americano. La nuova pittura modernista ha fatto luce sugli stati emotivi e psichici del pubblico, che era fondamentale per la formazione di un’identità americana.
Le numerose direzioni del “modernismo” americano non hanno prodotto uno stile coerente, ma hanno evocato il desiderio di esperimenti e sfide. Ha dimostrato che l’arte moderna va oltre i principi fissi.
Principali scuole e movimenti del modernismo americano
il gruppo Stieglitz
il cerchio di Arensberg
pittori di colore
Precisionismo
gli indipendenti
la scuola di Filadelfia
Indipendenti di New York
Chicago e verso ovest
Pittura modernista
Georgia O’Keeffe, conosciuta come la “madre del modernismo americano”, è stata una figura importante nel modernismo americano dagli anni ’20. Ha ricevuto riconoscimenti diffusi, per sfidare i confini del moderno stile artistico americano. È principalmente nota per i dipinti di fiori, rocce, conchiglie, ossa di animali e paesaggi in cui sintetizza l’astrazione e la rappresentazione. Ram’s Head White Hollyhock e Little Hills, del 1935 è un famoso dipinto di O’Keeffe.
Arthur Dove usava una vasta gamma di media, a volte in combinazioni non convenzionali per produrre le sue astrazioni e i suoi paesaggi astratti. Me and the Moon del 1937 è un buon esempio di un paesaggio astratto di Arthur Dove e viene definito uno dei lavori culminanti della sua carriera. Dove ha fatto una serie di lavori sperimentali con collage negli anni ’20. Ha anche sperimentato tecniche, combinando vernici come olio misto a mano o tempera su un’emulsione di cera.
Il pittore afro-americano Aaron Douglas (1899-1979) è uno dei pittori modernisti afroamericani più noti e influenti. Le sue opere hanno fortemente contribuito allo sviluppo di un movimento estetico strettamente correlato a caratteristiche distinte del patrimonio e della cultura afro-americana. Douglas ha influenzato le arti visive afroamericane, specialmente durante il Rinascimento di Harlem.
Uno dei dipinti più famosi di Douglas è The Crucifixion. È stato pubblicato in God’s Trombones di James Weldon Johnson nel 1927. La scena della crocifissione che è rappresentata nel dipinto mostra diversi elementi che costituiscono l’arte di Douglas: delineazione chiara, cambiamento di ombre e luce, corpi umani stilizzati e figure geometriche come cerchi concentrici in contrasto con le forme lineari. Il tema del dipinto non assomiglia solo alla scena biblica, ma può anche essere visto come un’allusione alla tradizione religiosa afro-americana: il Gesù sovradimensionato e oscuro porta la sua croce, i suoi occhi diretti verso il cielo da cui la luce viene proiettata sui suoi seguaci. Soldati romani stilizzati stanno fiancheggiando la scena con le loro lance appuntite. Di conseguenza, all’osservatore viene ricordato per esempio la tradizione gospel afroamericana, ma anche una storia di repressione. Beauford Delaney, Charles Alston, Jacob Lawrence e Romare Bearden erano anche importanti pittori modernisti afroamericani che ispirarono generazioni di artisti che li seguirono.
Fotografia modernista
All’inizio del modernismo americano, la fotografia lottava ancora per essere riconosciuta come una forma d’arte. Il fotografo Alfred Stieglitz lo descrisse come: “Gli artisti che videro le mie prime fotografie cominciarono a dirmi che mi invidiavano, che sentivano che le mie fotografie erano superiori ai loro dipinti, ma che, purtroppo, la fotografia non era un’arte. perché gli artisti dovrebbero invidiarmi per il mio lavoro, eppure, allo stesso tempo, denigrarlo perché è stato fatto a macchina “. (Stieglitz: 8). Nel 1902 Stieglitz fondò il gruppo Photo-Secession con membri come Edward Steichen, Gertrude Käsebier e Clarence Hudson White, che aveva l’obiettivo di elevare lo standard e aumentare la consapevolezza della fotografia d’autore. A quel punto, il loro stile principale era il pittorialista, che era noto per la modifica delle foto attraverso soft focus, filtri speciali o processi di stampa esotici, per imitare lo stile dei dipinti e delle acqueforti di quel tempo. Per mezzo di pubblicazione, Stieglitz, come forza trainante del movimento, ha dato il via alla rivista Camera Work, nella quale ha pubblicato artisti che riteneva rappresentassero il movimento. Gestì anche tre gallerie una dopo l’altra, ovvero “291” (1905-1917), “The Intimate Gallery” (1925-1929) e “An American Place” (1929-1947). Specialmente 291 servì da punto d’incontro per artisti e scrittori e fu il primo ad esporre le prime opere d’arte modernista di artisti europei, come Henri Matisse, Auguste Rodin, Henri Rousseau, Paul Cézanne e Pablo Picasso, negli Stati Uniti. Un ulteriore collegamento con le avanguardie europee è stato stabilito da Man Ray. Nato in America e ispirato all’opera che vide nelle gallerie di Stieglitz, Ray emigrò a Parigi nel 1921 e insieme agli artisti dei movimenti europei di Dada e Surrealista creò nuove tecniche fotografiche come i rayograph (mettendo oggetti direttamente su carta fotosensibile).
Nei primi anni 1920, i fotografi si sono mossi verso quella che loro chiamavano fotografia retta. In contrasto con lo stile pittorico, ora rifiutavano qualsiasi tipo di manipolazione nel processo fotografico (ad es. Lenti morbide, speciali metodi di sviluppo o di stampa) e tentavano di utilizzare i vantaggi della fotocamera come mezzo unico per catturare la realtà. I loro motivi dovevano apparire il più obiettivo possibile. Spostando l’attenzione dalla ritrattistica classica e dallo stile pittorico, i fotografi hanno iniziato a utilizzare le loro immagini come mezzi per rappresentare le dure realtà della vita quotidiana, ma allo stesso tempo hanno cercato di cercare la bellezza nei dettagli o nella struttura estetica complessiva. Le macchine e il lavoro di fabbrica, i grattacieli del cielo e le innovazioni tecniche sono diventati motivi importanti. Nel 1932 alcuni giovani fotografi (ad esempio, Ansel Adams, Imogen Cunningham, Willard Van Dyke, Edward Weston) iniziarono il gruppo f / 64 sulla base degli ideali della fotografia retta, che divenne l’associazione più progressiva del suo tempo.
Femminismo, genere e sessualità
Sviluppo del femminismo
A partire dai primi anni del XIX secolo, alcune donne hanno usato le dottrine della femminilità ideale per evitare l’isolamento della sfera domestica. Intorno al 1830, le donne sfidavano apertamente la sfera delle donne e richiedevano maggiori diritti politici, economici e sociali. Formarono club femminili e società benevoli in tutti gli Stati Uniti. Il dominio maschile dell’arena pubblica non era più entro limiti accettabili per molte di queste donne attiviste della classe media. A partire dalla Convenzione di Seneca Falls del 1848, le femministe americane hanno tenuto le convenzioni statali e nazionali fino all’inizio del XX secolo. Alcune portavoce del movimento femminista collegavano la causa femminista con l’amore libero e la rivoluzione sessuale, che erano i temi tabù dell’età vittoriana. Pertanto, le femministe sia in Gran Bretagna che negli Stati Uniti si sono concentrate su questioni politiche e legali, il voto in particolare, e su altre importanti questioni femminili riguardanti i ruoli domestici delle donne e l’organizzazione della vita domestica in generale.
Alla fine, dopo una lunga e dura lotta che includeva proteste di massa, talvolta violente, l’imprigionamento di molte donne e persino alcuni morti, fu vinta la battaglia per il suffragio femminile. La legge sul suffragio fu approvata negli Stati Uniti nel 1920 per le donne che erano capofamiglia o mogli di capofamiglia e nel 1928 per tutte le donne adulte. (Le donne afro-americane non furono incluse, ricevettero solo il diritto di voto nel Movimento per i diritti civili degli anni ’60.) L’Organizzazione Nazionale per le Donne (NOW) fu fondata nel 1966 da un gruppo di femministe. Il più grande gruppo per i diritti delle donne negli Stati Uniti NOW mirava a porre fine alla discriminazione sessuale, in particolare sul luogo di lavoro, attraverso lobbisti legislativi, contenziosi e dimostrazioni pubbliche. Gli anni successivi alla fine del XX secolo hanno visto una grande espansione dei diritti delle donne in tutte le aree della società moderna. Gli artisti modernisti avevano un atteggiamento ambivalente nei confronti del femminismo: da una parte optarono per la parità di trattamento tra uomini e donne in materia di diritto, franchising e professioni; d’altra parte avevano ancora le inadeguatezze femminili percepite in termini di biologia, cultura e trascendenza in mente. Come ha affermato la femminista radicale Emma Goldman, “la vera liberazione non inizia né alle urne né ai tribunali [ma piuttosto] nell’anima di una donna” (nota a Lione 223).
Genere e sessualità
I ruoli di genere e sessualità nel modernismo americano sono stati elaborati attraverso studi di identità nazionale e cittadinanza, identità razziale e politica razziale, identità queer ed estetica, cultura delle riviste, cultura visiva, economie di mercato e resoconti storici della modernità politica del XX secolo. L’immenso lavoro svolto dagli studiosi di femminismo, genere e sessualità ha contribuito a ristrutturare il campo della cultura modernista americana. Le scrittrici sono diventate oggetto di ampi studi letterari. Le comunità gay e lesbiche sono state rivalutate come modelli di sperimentazione estetica moderna, e l’identità sessuale e la formazione di genere sono state interpretate in un modo nuovo.
La svolta della vita culturale del 20 ° secolo ha visto il passaggio a una dicotomia tra cultura di massa e alta cultura, con la prima generalmente considerata femminile, e la cultura alta pensata per l’uomo. Già denunciata la narrativa popolare, ora è servito lo scopo femminista. “Ha costituito la base per le difese di una nuova fase di amore libero e la concomitante promozione del controllo delle nascite”. (Lione 225)
Vita quotidiana e cultura
Il movimento modernista ha causato enormi cambiamenti nelle società in cui ha avuto luogo. Con l’introduzione degli sviluppi industriali, il popolo americano iniziò a godere del risultato della nuova era modernista. La vita e la cultura di ogni giorno sono le aree che riflettono il cambiamento sociale nelle abitudini della società. Gli sviluppi avvenuti con il modernismo hanno influenzato gli standard di vita delle persone americane e hanno lasciato il posto a un nuovo stile di vita.
Moda
Riferendosi alla moda, di solito si potrebbe pensare a vestire stili o costumi. Naturalmente, lo stile di vestizione è una categoria molto importante della parola “moda”. D’altra parte, la “moda” ha più significati e potrebbe essere spiegata e trovata in molti altri campi, come l’architettura, il tipo di corpo, la danza e la musica, e persino le forme di discorso, ecc.
1. Costumi
Nei primi anni 1920, la moda prêt-à-porter cominciò a diffondere l’America. Più donne hanno guadagnato i loro stipendi e non volevano passare il tempo sugli accessori. La moda come status symbol non era più importante in quanto le distinzioni di classe si stavano offuscando. Le persone, in particolare le donne, chiedevano un modo economico. Nell’aspetto della produzione di massa di abbigliamento in stile contemporaneo per le donne, l’America ha preceduto altri paesi. Diversi designer di questa moda tra cui Jane Derby ha fatto una posa sul palco.
Donne: Nel 1921 la gonna più lunga, che di solito era lunga e irregolare in fondo, era scaduta. La gonna corta divenne popolare nel 1925. Nessun seno, nessuna linea di cintura e capelli quasi nascosti sotto un cappello a cloche. La produzione di cosmetici è iniziata anche da questo decennio. Polvere, rossetto, rossetto, matita per le sopracciglia, ombretto, unghie colorate, le donne ne avevano tutte. Inoltre, anche le perle sono venute di moda.
Uomini: in questo periodo, l’abbigliamento per uomo era più conservatore. Pantaloni allargati a 24 pollici sul fondo. I knickers, aumentati di larghezza e lunghezza, venivano chiamati più quattro. In estate, la biancheria bianca era popolare, mentre in inverno un cappotto americano – il cappotto di procione – era di moda. Il cappello slouch, fatto di feltro, poteva essere arrotolato e imballato in una valigia. Questi erano molto popolari tra gli uomini del college.
2. Mobili Nel mondo del design non esiste uno stile moderno americano puro. Gli artisti americani moderni hanno ereditato lo stile caratterizzato dalla semplicità della forma, dall’assenza di ornamenti decorativi e focalizzato sulle preoccupazioni funzionali dei loro precedenti. Allo stesso tempo, i designer americani hanno mescolato lo stile selvaggio della pittura parigina, così come le caratteristiche dell’architettura moderna nelle loro opere, come l’Art Deco. Inoltre, i designer hanno anche posto molta enfasi sui materiali, specialmente quelli inventati in epoca moderna.
Letteratura modernista americana
La letteratura modernista americana era una tendenza dominante nella letteratura americana tra la prima e la seconda guerra mondiale. L’era modernista ha evidenziato l’innovazione nella forma e nel linguaggio della poesia e della prosa, oltre a occuparsi di numerosi argomenti contemporanei, come le relazioni razziali, il genere e la condizione umana. Molti modernisti americani sono diventati espatriati in Europa durante questo periodo, diventando spesso dei sostenitori del movimento europeo, come nel caso di T. S. Eliot, Ezra Pound e Gertrude Stein. Questi scrittori erano spesso noti come The Lost Generation.
Come reazione a questa tendenza, molti autori e poeti americani hanno iniziato una tendenza di “nativismo”, cercando di rappresentare l’esperienza americana moderna in America. I contributori notevoli a questa tendenza includono William Carlos Williams, Wallace Stevens e Marianne Moore. Questi poeti erano spesso critici nei confronti delle opere di scrittori espatriati come Eliot e Pound, come evidenziato da poesie come Spring and All.
Influenzati dalla prima guerra mondiale, molti scrittori modernisti americani hanno esplorato le ferite psicologiche e le cicatrici spirituali dell’esperienza bellica. La crisi economica in America all’inizio degli anni ’30 ha lasciato un segno anche nella letteratura, come The Grapes of Wrath di John Steinbeck. Un problema correlato è la perdita di sé e il bisogno di auto-definizione, mentre gli operai svaniscono sullo sfondo della vita di città, ingranaggi inosservati all’interno di una macchina che aspira all’autodeterminazione. I modernisti americani hanno richiamato l’attenzione della metà del 19 ° secolo sul tentativo di “costruire un sé”, un tema illustrato da The Great Gatsby di Fitzgerald. La follia e le sue manifestazioni sembrano essere un altro tema modernista favorito, come visto in L’imperatore Jones di Eugene O’Neill, The Battler di Hemingway e That Evening Sun di Faulkner. Tuttavia, tutti questi aspetti negativi portarono a nuove speranze e aspirazioni e alla ricerca di un nuovo inizio, non solo per gli individui contemporanei, ma anche per i personaggi immaginari della letteratura modernista americana.
La nuova critica in America
Dagli anni ’30 agli anni ’60, il New Criticism divenne una forza critica negli Stati Uniti. Era la prospettiva più potente nella critica letteraria americana. I rappresentanti erano John Crowe Ransom, Allen Tate, Cleanth Brooks, Robert Penn Warren. “Gli influenti metodi critici sviluppati da questi professori poeti hanno enfatizzato l’acutizzazione delle capacità di lettura ravvicinata: New Criticism ha privilegiato la valutazione della poesia come giustificazione della cultura letteraria”. Brooks and Warren’s Understanding Poetry (1938) divenne uno dei libri di poesie universitari più influenti degli anni ’30 e fu rivisto e ristampato bene negli anni ’70. (Morrisson: 29).
Nuove critiche si sono dimostrate in opere come le poesie di Eliot e Yeats. “La poesia che meglio si adatta ai criteri estetici dei New Critics è stata enfatizzata in importanti antologie di insegnamento in classe” (Morrisson: 29). T. S. Eliot ha ridefinito la tradizione nel suo saggio “Tradition and the Individual Talent”. Ha formulato concetti così critici come “correlativi oggettivi” e ha ripensato il canone letterario nella sua elevazione del dramma giacobino e della poesia metafisica. Il suo lavoro ha avuto un’influenza fondamentale sulla Nuova Critica in America.
Architettura e spazio
Gli Stati Uniti hanno svolto un ruolo importante nel movimento del modernismo riguardo alle nuove tecnologie avanzate di costruzione e costruzione. Among construction innovations there are such materials as iron, steel and reinforced concrete. Brooklyn Bridge by John and Washington Roebling (1869–1883) (for more details see John Roebling/Washington Roebling)
Louis Henry Sullivan headed the so-called Chicago school of architecture, which was distinct by its development of functional design along with modern materials. Sullivan’s follower Frank Lloyd Wright absorbed from his ‘lieber Master’ (dear master) the German romantic tradition of organic architecture. He developed a new and original approach to residential design before World War I, which became known as the “prairie style.” It combined open planning principles with horizontal emphasis, asymmetrical facade elevations, and broad, sheltering roofs. Robie House in Chicago (1909) and the Guggenheim Museum in New York City (1946–59) are two of his seminal works.
In his works Wright moved closer and closer to an earth-bound sense of natural form, using rough-hewn stone and timber and aiming always in his houses to achieve an effect of intimate and protective shelter.
Foreign-born architects as Richard Neutra, Rudolf Schindler, and William Lescaze during the 1920s played a great role in development of American architecture performing later a style, which got the name of international style and was reflected in the design of corporate office buildings after World War II. Such buildings as Skidmore, Owings and Merrill’s Lever House (1952) and Ludwig Mies van der Rohe’s Seagram Building (1956–58) in New York City are the examples of this new style. When such famous Europeans as Walter Gropius and Ludwig Mies van der Rohe immigrated to the United States, many American architectural schools went under the influence of the traditions of the Bauhaus in Germany.