Le modernisme américain, tout comme le mouvement moderniste en général, est une tendance de la pensée philosophique découlant des changements généralisés de la culture et de la société à l’ère de la modernité. Le modernisme américain est un mouvement artistique et culturel aux États-Unis à partir du début du 20ème siècle, avec une période de base entre la Première Guerre mondiale et la Seconde Guerre mondiale. Comme son homologue européen, le modernisme américain est né d’un rejet de la pensée des Lumières, cherchant à mieux représenter la réalité dans un nouveau monde plus industrialisé.
Histoire
De manière caractéristique, l’art moderniste a tendance à l’abstraction, est innovant, esthétique, futuriste et autoréférentiel. Il comprend l’art visuel, la littérature, la musique, le cinéma, le design, l’architecture ainsi que le style de vie. Il réagit contre l’historicisme, les conventions artistiques et l’institutionnalisation de l’art. L’art ne devait pas seulement être traité dans les académies, les théâtres ou les salles de concert, mais être inclus dans la vie quotidienne et accessible à tous. De plus, les institutions culturelles se concentraient sur les beaux-arts et les savants accordaient peu d’attention aux styles révolutionnaires du modernisme. Le progrès économique et technologique aux États-Unis pendant les années folles a donné lieu à un utopisme répandu, qui a influencé certains artistes modernistes, tandis que d’autres étaient sceptiques quant à l’adoption de la technologie. La victoire de la Première Guerre mondiale a confirmé le statut des Etats-Unis en tant qu’acteur international et a donné confiance en eux et un sentiment de sécurité. Dans ce contexte, le modernisme américain a marqué le début de l’art américain en tant que distinct et autonome du goût européen, en brisant les conventions artistiques qui avaient été façonnées après les traditions européennes jusque-là.
Le modernisme américain a bénéficié de la diversité des cultures immigrées. Les artistes ont été inspirés par les cultures folkloriques africaines, caribéennes, asiatiques et européennes et ont intégré ces styles exotiques dans leurs œuvres.
Le mouvement moderniste américain était un reflet de la vie américaine au 20ème siècle. Dans le monde en voie d’industrialisation rapide et le rythme accéléré de la vie, il était facile pour l’individu d’être englouti par l’immensité des choses, laissé errant, sans but. Les frontières sociales dans la race, la classe, le sexe, la richesse et la religion étaient contestées. Comme la structure sociale a été remise en question par de nouveaux points de vue, les limites des normes traditionnelles et de la structure sociale se sont dissoutes et une perte d’identité est restée, se traduisant finalement par l’isolement, l’aliénation et un sentiment général de séparation. L’unité d’un pays rallié à la guerre était en train de mourir, avec l’illusion des plaisanteries qu’elle vendait à ses soldats et à son peuple. Le monde était resté violent, vulgaire et spirituellement vide.
Le travailleur de classe moyenne est tombé dans une position nettement imperceptible, un rouage beaucoup trop petit pour espérer trouver la reconnaissance dans une machine beaucoup plus grande. Les citoyens étaient vaincus par leur propre futilité. Les rêves des jeunes se sont brisés avec l’échec et une déception désillusionnante dans la reconnaissance de la limite et de la perte. La vie des désillusionnés et des exclus est devenue plus focale. La capacité de se définir soi-même par le travail acharné et la débrouillardise, de créer sa propre vision de soi sans l’aide des moyens traditionnels, est devenue prisé. Certains auteurs l’ont approuvé, tandis que d’autres, comme F. Scott Fitzgerald, ont contesté à quel point les valeurs de privilège peuvent être attrayantes mais destructives.
L’Amérique moderniste a dû trouver un terrain d’entente dans un monde qui n’est plus unifié dans la croyance. L’unité trouvée réside dans le terrain commun de la conscience partagée dans toute l’expérience humaine. L’importance de l’individu a été soulignée; la nature vraiment limitée de l’expérience humaine a formé un lien entre tous les ponts de race, de classe, de sexe, de richesse ou de religion. La société, de cette manière, a trouvé un sens partagé, même dans le désarroi.
Certains voient le modernisme dans la tradition de l’esthétisme du XIXe siècle et du mouvement «art pour l’art». Clement Greenberg soutient que l’art moderniste exclut «tout ce qui est en dehors d’elle-même». D’autres voient l’art moderniste, par exemple dans le blues et la musique de jazz, comme un moyen d’émotions et d’humeurs, et de nombreuses œuvres traitent de questions contemporaines, comme le féminisme et la vie urbaine. Certains artistes et théoriciens ont même ajouté une dimension politique au modernisme américain.
Le design et l’architecture modernistes américains ont permis aux gens de mener une vie moderne. La vie professionnelle et familiale a changé radicalement et rapidement en raison de la reprise économique des années 1920. Aux États-Unis, la voiture est devenue populaire et abordable pour beaucoup, les loisirs et les divertissements ont pris de l’importance et le marché du travail s’est ouvert aux femmes. Afin de rendre la vie plus efficace, les concepteurs et les architectes ont visé à la simplification du ménage.
La Grande Dépression de la fin des années 20 et des années 30 a désillusionné les gens sur la stabilité économique du pays et a érodé la pensée utopiste. L’épidémie et les terreurs de la Seconde Guerre mondiale ont provoqué d’autres changements dans la mentalité. La période d’après-guerre qui a suivi a été appelée Late Modernism. L’ère postmoderniste était généralement considérée comme caractéristique de l’art de la fin du 20ème siècle à partir des années 1980.
le jazz
Au début du XXe siècle, le jazz a évolué à partir de la tradition du blues, mais a également incorporé de nombreux autres éléments musicaux et culturels. À la Nouvelle-Orléans, souvent considérée comme le berceau du jazz, les musiciens ont bénéficié de l’afflux d’influences coloniales espagnoles et françaises. Dans cette ville, un mélange culturel ethnique unique et des interdictions raciales plus lâches ont permis aux Afro-Américains d’avoir plus d’influence que dans d’autres régions du Sud. La guerre hispano-américaine a amené les soldats du Nord dans la région avec leurs bandes. La musique résultante a adopté des sons des nouveaux instruments de cuivres. Pendant la Grande Migration, le jazz s’étend de la Nouvelle-Orléans à New York, Chicago et d’autres villes, incorporant de nouveaux sons en cours de route. Harlem, New York City, est devenu le nouveau centre de l’âge du jazz.
Jazz – musique d’intégration
La musique de jazz, en tant qu’élément central de la culture américaine, a ses racines dans la culture d’esclave noire. La musique a combiné des éléments de l’appel africain et des modèles de réponse dans son instrumentation et ses riffs. À ses débuts, le jazz était critiqué par certaines parties de la population blanche, qui pensaient que le jazz et les rythmes ragtimes étaient «un fracas sauvage» et dénigraient le genre comme un produit «non d’innovateurs, mais d’incompétents». Son style expressif et palpitant a d’abord servi les stéréotypes raciaux dans l’esprit du public et a été largement rencontré avec le rejet sceptique. Malgré ce phénomène d’animosité envers une signification culturelle noire croissante, l’écrivain américain Lawrence W. Levine interprète le rôle du jazz comme catalyseur d’une conscience nationale changeante:
Culturellement, nous sommes restés dans une bien plus grande mesure que nous ne l’avons encore reconnu, un peuple colonisé qui tente de se définir dans l’ombre de l’ancienne puissance impériale. Le jazz était une expression de cet autre côté de nous-mêmes qui s’efforçait de reconnaître les aspects positifs de notre nouveauté et de notre hétérogénéité; qui ont appris à être à l’aise avec le fait qu’une part importante de notre patrimoine provient de l’Afrique et d’autres sources non européennes; et cela a reconnu dans les diverses cultures syncrétisées qui sont devenues si caractéristiques des Etats-Unis une faiblesse embarrassante mais une source dynamique de force.
Après tout, il était dans la nature du jazz de rechercher la convergence culturelle entre les Noirs et les Blancs; selon le saxophoniste Sonny Rollins, « le jazz a toujours été une musique d’intégration ». Au cours des années 1920 et 1930, le jazz gagne en popularité et suscite un intérêt croissant pour les jeunes blancs attirés par la liberté d’expression artistique, personnelle et culturelle qu’offre cette nouvelle forme musicale. Les musiciens blancs bien connus tels que Benny Goodman, Gene Krupa, Milton Mezzrow, Muggsy Spanier ou Joe Sullivan ont été inspirés par des icônes afro-américaines comme Louis Armstrong. L’acceptation du jazz s’est rapidement répandue à travers l’Atlantique et, au milieu du 20ème siècle, l’a internationalisée. Aujourd’hui, la musique de jazz est considérée comme une partie intégrante et dynamique de la culture américaine, la musique native unique de l’Amérique, un représentant mondial de la culture afro-américaine.
Jazz comme américain
Un article de compilation paru dans le New York Times en 1923 proclamait le jazz, « … une contribution de l’Amérique aux arts.Il est reconnu dans le monde entier comme faisant partie d’un folklore musical de ce pays: il est aussi profondément et typiquement américain comme la doctrine Monroe ou le 4 juillet, ou le baseball. »
L’américanité de Jazz commence par ses racines. Le jazz était un produit des Afro-Américains, un groupe culturel distinct de l’Amérique. Bien que le début du blues ait clairement chanté les souffrances d’un peuple déplacé, le jazz était autre chose. La classe ouvrière afro-américaine qui a donné naissance au jazz n’était pas soumise à l’éducation d’autres musiciens blancs; Les ménestrels noirs ont pu échapper à la pression pour «européaniser» leur art. La culture (avec un C majuscule) exigeait essentiellement que les Américains préfèrent, recommandent et réitèrent tout ce qui est européen. Libéré de ces contraintes, le jazz progresse de manière inexplorée. En 1925, Irving Berlin appelait le jazz « American folk music » et citait des influences allant des « vieux Southern Songs » et des « Negro Spirituals », à une « teinte des chansons folkloriques russes et italiennes », mais Berlin concluait que Américain avant tout. » Comme la nation où il a été créé, le jazz a mélangé des influences ethniques et culturelles distinctes en un produit nouveau et différent, combinant des éléments de l’identité noire avec d’autres influences immigrantes. Il a incorporé les sons du Sud et les éléments modernes et adaptés des horizons urbains. Le jazz était nettement américain dans la mesure où il mêlait le caractère de différents peuples, tout en permettant à l’individu de s’exprimer dans un solo d’improvisation, affirmant ainsi «l’individualisme rude» qui caractérisait déjà la nation. En outre, le jazz a commencé à faire tomber la barrière entre l’interprète et le public. Il a «démocratisé» la culture, la rendant accessible à la personne ordinaire.
Jazz comme moderne
Le jazz est distinctement moderne dans le son et la manière. Selon Lawrence Levine, « le jazz était, ou semblait être le produit d’un nouvel âge … rauque, discordant … accessible, spontané … ouvertement une musique interactive et participative ». Pour Daniel Gregory Mason, le jazz «est si parfaitement adapté aux robots que l’un peut être déduit de l’autre: le jazz est donc le reflet musical exact du capitalisme industriel moderniste» et le jazz a été assimilé au son du rivetage. Irving Berlin a appelé le jazz la «musique de l’ère de la machine». Les joueurs se sont inspirés des discussions de rue quotidiennes à Harlem, ainsi que des peintures impressionnistes françaises. La nature improvisée demande au joueur de démonter et d’examiner la structure préexistante dans la musique. En hommage à la modernité du jazz, il suffit d’examiner les différents médias qui ont attiré les influences de la musique. La comédie musicale Shuffle Along est l’une des premières et des plus réussies adaptation au jazz, des ballets de jazz sont apparus au Metropolitan Theatre de New York, Langston Hughes et Sterling Brown ont dessiné des poèmes de la musique Jazz et la musique jazz a coloré les peintures d’Aaron. Douglas, Miguel Covarrubias et beaucoup d’autres.
Arts visuels
Peinture moderniste américaine
Il n’y a pas de date unique pour le début de l’ère moderne en Amérique, car des dizaines de peintres étaient actifs au début du 20ème siècle. C’était l’époque où apparaissaient les premiers paysages cubistes, les natures mortes et les portraits; des couleurs vives entraient dans les palettes des peintres, et les premières peintures non objectives étaient exposées dans les galeries.
Le mouvement moderniste pendant les années formatrices devenait également populaire à New York en 1913 à la galerie populaire de studio de Manhattan de Wilhelmina Weber Furlong (1878-1962) et à travers le travail du Whitney Studio Cub en 1918. Selon Davidson, le commencement de la peinture moderniste américaine peut être datée des années 1910. Le début de la période a duré 25 ans et s’est terminé vers 1935, quand l’art moderne a été appelé, ce que Greenberg appelait l’avant-garde.
Le 1913 Armory Show à New York a présenté le travail contemporain des artistes européens, ainsi que des Américains. Les peintures impressionnistes, fauves et cubistes ont surpris de nombreux téléspectateurs américains habitués à l’art plus conventionnel. Cependant, inspirés par ce qu’ils ont vu, de nombreux artistes américains ont été influencés par les idées radicales et nouvelles.
Le début du XXe siècle a été marqué par l’exploration de différentes techniques et manières d’expression artistique. Beaucoup d’artistes américains comme Wilhelmina Weber, Man Ray, Patrick Henry Bruce, Gerald Murphy et d’autres sont allés en Europe, notamment à Paris, pour faire de l’art. La formation de diverses assemblées artistiques a conduit à la multiplicité des significations dans les arts visuels. L’école Ashcan s’est rassemblée autour du réalisme (Robert Henri ou George Luks); le cercle de Stieglitz a glorifié des visions abstraites de New York (Max Weber, Abraham Walkowitz); les peintres de couleurs évoluent en direction des «synchromies» abstraites colorées (Stanton Macdonald-Wright et Morgan Russell), tandis que le précurseurisme visualise le paysage industrialisé de l’Amérique sous la forme d’une géométrisation précise et dynamique (Joseph Stella, Charles Sheeler, Morton Livingston Schamberg et Charles Demuth). Finalement, des artistes comme Charles Burchfield, Marsden Hartley, Stuart Davis, Arthur Dove, Georgia O’Keeffe qui était considéré comme la mère du modernisme américain, John Marin, Arthur Beecher Carles, Alfred Henry Maurer, Andrew Dasburg, James Daugherty, John Covert, Henrietta Shore, William Zorach, Marguerite Thompson (Zorach), Manierre Dawson, Arnold Friedman et Oscar Bluemner ont inauguré l’ère du modernisme à l’école de New York.
Le changement d’orientation et la multiplicité des sujets dans les arts visuels est également une caractéristique de l’art moderniste américain. Ainsi, par exemple, le groupe The Eight a mis l’accent sur la ville moderne et a mis l’accent sur la diversité des différentes catégories de citoyens. Deux des représentants les plus significatifs de The Eight, Robert Henri et John Sloan ont réalisé des peintures sur la diversité sociale, prenant souvent comme sujet principal les habitants des bidonvilles des villes industrialisées. La fin des années 1920 et les années 1930 appartenaient (entre autres) à deux mouvements de la peinture américaine, le régionalisme et le réalisme social. Les régionalistes se sont concentrés sur le caractère coloré du paysage américain et sur les complexités de la vie à la campagne, tandis que les réalistes sociaux ont abordé les sujets de la Grande Dépression, de la pauvreté et de l’injustice sociale. Les réalistes sociaux protestaient contre le gouvernement et l’establishment qui paraissait hypocrite, partial et indifférent aux inégalités humaines. L’abstraction, le paysage et la musique étaient des thèmes modernistes populaires pendant la première moitié du 20ème siècle. Des artistes comme Charles Demuth, qui a créé son chef-d’œuvre, J’ai vu la figure cinq en or en 1928, Morton Schamberg (1881-1918) et Charles Sheeler étaient également très proches du mouvement Precisionist. Sheeler peignait typiquement les paysages urbains et l’architecture industrielle comme en témoigne sa peinture Amoskeag Canal 1948. Le jazz et la musique étaient représentés de façon improvisée par Stuart Davis, comme illustré par Hot Still-Scape pour Six Couleurs – 7th Avenue Style, 1940.
Le modernisme a comblé le fossé entre l’art et un public socialement diversifié aux États-Unis. Un nombre croissant de musées et de galeries visaient à apporter la modernité au grand public. Malgré la résistance initiale à la célébration du progrès, de la technologie et de la vie urbaine, les arts visuels ont énormément contribué à la conscience et à la conscience du peuple américain. La nouvelle peinture moderniste a mis en lumière les états émotionnels et psychiques du public, ce qui était fondamental pour la formation d’une identité américaine.
De nombreuses directions du «modernisme» américain n’ont pas donné lieu à un style cohérent, mais ont suscité le désir d’expériences et de défis. Il a prouvé que l’art moderne va au-delà des principes fixes.
Principales écoles et mouvements du modernisme américain
le groupe Stieglitz
le cercle d’Arensberg
peintres de couleurs
Precisionism
les indépendants
l’école de Philadelphie
Indépendants de New York
Chicago et à l’ouest
Peinture moderniste
Georgia O’Keeffe, connue comme la «mère du modernisme américain», est une figure majeure du modernisme américain depuis les années 1920. Elle a reçu une large reconnaissance, pour avoir défié les limites du style artistique américain moderne. Elle est surtout connue pour ses peintures de fleurs, de roches, de coquillages, d’os d’animaux et de paysages dans lesquels elle a synthétisé l’abstraction et la représentation. Ram’s Head White Hollyhock et Little Hills, de 1935 est une peinture bien connue par O’Keeffe.
Arthur Dove utilisait un large éventail de médias, parfois dans des combinaisons non conventionnelles pour produire ses abstractions et ses paysages abstraits. Moi et la Lune de 1937 est un bon exemple d’un paysage abstrait d’Arthur Dove et a été considéré comme l’une des œuvres culminantes de sa carrière. Dove a fait une série de collages expérimentaux dans les années 1920. Il a également expérimenté des techniques combinant des peintures comme de l’huile mélangée à la main ou de la détrempe à une émulsion de cire.
Le peintre afro-américain Aaron Douglas (1899-1979) est l’un des peintres modernistes afro-américains les plus connus et les plus influents. Ses travaux ont fortement contribué au développement d’un mouvement esthétique étroitement lié aux caractéristiques distinctes du patrimoine et de la culture afro-américaine. Douglas a influencé les arts visuels afro-américains en particulier pendant la Renaissance de Harlem.
L’une des peintures les plus populaires de Douglas est La Crucifixion. Il a été publié dans God’s Trombones de James Weldon Johnson en 1927. La scène de crucifixion qui est représentée dans le tableau montre plusieurs éléments qui constituent l’art de Douglas: délimitation claire, changement des ombres et de la lumière, corps humains stylisés et figures géométriques comme cercles concentriques contrairement aux formes linéaires. Le thème de la peinture ressemble non seulement à la scène biblique mais peut aussi être vu comme une allusion à la tradition religieuse afro-américaine: le Jésus surdimensionné et sombre porte sa croix, ses yeux dirigés vers le ciel d’où la lumière tombe sur ses disciples. Des soldats romains stylisés encadrent la scène avec leurs lances pointues. En conséquence, l’observateur se souvient par exemple de la tradition évangélique afro-américaine mais aussi d’une histoire de répression. Beauford Delaney, Charles Alston, Jacob Lawrence et Romare Bearden étaient également d’importants peintres modernistes afro-américains qui ont inspiré des générations d’artistes qui les ont suivis.
Photographie moderniste
Au début du modernisme américain, la photographie avait encore du mal à être reconnue comme une forme d’art. Le photographe Alfred Stieglitz l’a décrit comme: « Les artistes qui ont vu mes photographies précédentes ont commencé à me dire qu’ils m’importaient, qu’ils sentaient que mes photographies étaient supérieures à leurs peintures, mais que, malheureusement, la photographie n’était pas un art. pourquoi les artistes devraient m’envier pour mon travail, pourtant, dans le même souffle, le décrier parce qu’il a été fait à la machine. » (Stieglitz: 8). En 1902, Stieglitz a fondé le groupe Photo-Secession avec des membres tels qu’Edward Steichen, Gertrude Käsebier et Clarence Hudson White, qui avaient pour objectif d’élever le niveau et d’accroître la notoriété de la photographie d’art. À ce moment-là, leur style principal était pictorialiste, qui était connu pour modifier les photos à travers le soft focus, des filtres spéciaux ou des procédés d’impression exotiques, pour imiter le style des peintures et gravures de l’époque. Pour les moyens de publication, Stieglitz, en tant que force motrice du mouvement, a lancé le magazine Camera Work, dans lequel il a publié des artistes qu’il estimait représenter le mouvement. Il a également dirigé trois galeries les unes après les autres, à savoir « 291 » (1905-1917), « The Intimate Gallery » (1925-1929) et « An American Place » (1929-1947). 291 servait de point de rencontre pour les artistes et les écrivains et était le premier à exposer les premières œuvres d’art modernistes d’artistes européens, comme Henri Matisse, Auguste Rodin, Henri Rousseau, Paul Cézanne et Pablo Picasso aux États-Unis. Un autre lien avec l’avant-garde européenne a été établi par Man Ray. Né en Amérique et inspiré par le travail qu’il a vu dans les galeries de Stieglitz, Ray émigre à Paris en 1921 et crée avec les artistes des mouvements européens Dada et Surréalistes de nouvelles techniques photographiques telles que les rayons (placement d’objets directement sur du papier photosensible).
Au début des années 1920, les photographes se sont dirigés vers ce qu’ils ont appelé la photographie droite. Contrairement au style pictorialiste, ils refusaient désormais toute manipulation dans le processus photographique (par exemple, lentille souple, méthodes spéciales de développement ou d’impression) et essayaient d’utiliser les avantages de la caméra comme moyen unique de capturer la réalité. Leurs motifs étaient censés être aussi objectifs que possible. Retenant l’attention du portrait classique et du style pictorialiste, les photographes ont commencé à utiliser leurs images pour représenter les dures réalités de la vie quotidienne, tout en essayant de rechercher la beauté dans le détail ou la structure esthétique globale. Les machines et le travail en usine, les gratte-ciel et les innovations techniques sont devenus des motifs importants. En 1932, quelques jeunes photographes (par exemple Ansel Adams, Imogen Cunningham, Willard Van Dyke, Edward Weston) ont commencé le groupe f / 64 basé sur les idéaux de la photographie droite, qui est devenue l’association la plus progressive de son temps.
Féminisme, genre et sexualité
Développement du féminisme
A partir du début du 19ème siècle, certaines femmes ont utilisé la doctrine de la féminité idéale pour éviter l’isolement de la sphère domestique. Dans les années 1830, les femmes défiaient ouvertement la sphère des femmes et exigeaient de plus grands droits politiques, économiques et sociaux. Ils ont formé des clubs de femmes et des sociétés bienveillantes partout aux États-Unis. La domination masculine sur l’arène publique n’était plus dans les limites acceptables pour beaucoup de ces femmes activistes de la classe moyenne. À partir de la Convention de Seneca Falls en 1848, les féministes américaines ont tenu des conventions nationales et nationales jusqu’au début du XXe siècle. Certaines porte-parole du mouvement féministe ont lié la cause féministe à l’amour libre et à la révolution sexuelle, qui étaient les sujets tabous de l’ère victorienne. Par conséquent, les féministes en Grande-Bretagne et aux États-Unis se sont concentrées sur les questions politiques et juridiques, le vote en particulier, et d’autres questions importantes concernant les rôles domestiques des femmes et l’organisation de la vie domestique en général.
Finalement, après une lutte longue et dure qui comprenait des manifestations massives, parfois violentes, l’emprisonnement de nombreuses femmes, et même quelques morts, la bataille pour le suffrage des femmes a été gagnée. La loi sur le suffrage a été adoptée aux États-Unis en 1920 pour les femmes qui étaient chefs de ménage ou épouses de ménages et en 1928 pour toutes les femmes adultes. (Les femmes afro-américaines n’ont pas été incluses, elles ont seulement reçu le droit de vote au sein du mouvement des droits civiques des années 1960.) L’Organisation nationale des femmes (NOW) a été fondée en 1966 par un groupe de féministes. Le plus grand groupe de défense des droits des femmes aux États-Unis a pour but de mettre fin à la discrimination sexuelle, en particulier sur le lieu de travail, par le biais de lobbying législatif, de contentieux et de manifestations publiques. Les années suivantes de la fin du 20ème siècle ont vu une grande expansion des droits des femmes dans tous les domaines de la société moderne. Les artistes modernistes avaient une attitude ambivalente vis-à-vis du féminisme: d’une part, ils optaient pour un traitement égal des hommes et des femmes en matière de droit, de franchise et de profession; d’un autre côté, ils avaient encore les insuffisances perçues des femmes en termes de biologie, de culture et de transcendance. Comme l’a proclamée la féministe radicale Emma Goldman, «la vraie libération ne commence ni aux urnes ni aux tribunaux [mais plutôt] dans l’âme d’une femme» (Lyon 223).
Genre et sexualité
Les rôles du genre et de la sexualité dans le modernisme américain ont été élaborés à travers des études sur l’identité nationale et la citoyenneté, l’identité raciale et la politique raciale, l’identité et l’esthétique, la culture visuelle, les économies de marché et les récits historiques de la modernité politique. Le travail immense effectué par des érudits du féminisme, du genre et de la sexualité a aidé à restructurer le champ de l’érudition moderniste américaine. Les femmes écrivains sont devenues les sujets d’une vaste étude littéraire. Les communautés gays et lesbiennes ont été réévaluées en tant que modèles d’expérimentation esthétique moderne, et l’identité sexuelle et la formation du genre ont été interprétées d’une nouvelle manière.
Au tournant de la vie culturelle du 20ème siècle a vu un passage à une dichotomie de la culture de masse contre la haute culture, avec le premier généralement considéré féminin, et la haute culture pensée masculine. La fiction populaire autrefois dénoncée servait maintenant le but féministe. « Il a formé le socle pour les défenses d’une nouvelle phase de l’amour libre et la promotion concomitante du contrôle des naissances. » (Lyon 225)
Vie quotidienne et culture
Le mouvement moderniste a provoqué de grands changements dans les sociétés dans lesquelles il a eu lieu. Avec l’introduction des développements industriels, le peuple américain a commencé à apprécier les résultats de la nouvelle ère moderniste. La vie quotidienne et la culture sont les domaines qui reflètent le changement social dans les habitudes de la société. Les développements qui ont eu lieu avec le modernisme influencé les normes de vie des gens américains et a cédé la place à un nouveau style de vie.
Mode
En ce qui concerne la mode, on penserait généralement à s’habiller de styles ou de costumes. Bien sûr, le style vestimentaire est une catégorie très importante du mot « mode ». D’autre part, la «mode» a plus de sens et pourrait être expliquée et trouvée dans de nombreux autres domaines, tels que l’architecture, le type de corps, la danse et la musique, et même les formes de discours, etc.
1. Costumes
Au début des années 1920, la mode prêt-à-porter a commencé à propager l’Amérique. Plus de femmes gagnaient leur propre salaire et ne voulaient pas passer du temps sur les accessoires. La mode comme symbole de statut n’était pas plus importante que les distinctions de classe devenaient floues. Les gens en particulier les femmes ont appelé à la mode bon marché. Dans l’aspect de la production de masse de vêtements de style contemporain pour les femmes, l’Amérique devance les autres pays. Plusieurs designers de cette mode, y compris Jane Derby a fait une pose de scène.
Femmes: En 1921, la jupe la plus longue, habituellement longue et inégale au fond, était dépassée. La jupe courte est devenue populaire en 1925. Pas de poitrine, pas de tour de taille, et les cheveux presque cachés sous un chapeau cloche. La fabrication de cosmétiques a également commencé à partir de cette décennie. Poudre, rouge à lèvres, fard à joues, crayon à sourcils, ombre à paupières, ongles de couleur, les femmes les avaient toutes. De plus, les perles sont aussi à la mode.
Hommes: Dans cette période, les vêtements pour hommes étaient plus conservateurs. Pantalon élargi à 24 pouces au fond. Knickers, a augmenté la largeur et la longueur, ont été appelés plus de quatre. En été, le lin blanc était populaire, tandis qu’en hiver, un manteau américain – le manteau de raton laveur – était à la mode. Le chapeau en feutre peut être enroulé et emballé dans une valise. Ceux-ci étaient très populaires auprès des hommes d’université.
2. Meubles Il n’y a pas de style moderne américain pur dans le monde du design. Les artistes modernes américains ont hérité le style caractérisé par la simplicité de la forme, l’absence d’ornement décoratif, et axé sur les préoccupations fonctionnelles de leurs précédents. Dans le même temps, les designers américains ont mélangé le style sauvage de la peinture parisienne, ainsi que les caractéristiques de l’architecture moderne dans leurs œuvres, comme Art déco. En outre, les concepteurs ont également mis beaucoup d’accent sur les matériaux, en particulier ceux inventés à l’époque moderne.
Littérature moderniste américaine
La littérature moderniste américaine était une tendance dominante dans la littérature américaine entre la Première Guerre mondiale et la Seconde Guerre mondiale. L’ère moderniste a mis en évidence l’innovation dans la forme et le langage de la poésie et de la prose, ainsi que de nombreux sujets contemporains, tels que les relations raciales, le genre et la condition humaine. Beaucoup de modernistes américains sont devenus expatriés en Europe à cette époque, devenant souvent des piliers du mouvement européen, comme ce fut le cas pour TS Eliot, Ezra Pound et Gertrude Stein. Ces écrivains étaient souvent connus comme la génération perdue.
En réaction à cette tendance, de nombreux auteurs et poètes américains ont commencé une tendance au «nativisme», cherchant à représenter l’expérience américaine moderne en Amérique. William Carlos Williams, Wallace Stevens et Marianne Moore comptent parmi les contributeurs notables à cette tendance. Ces poètes critiquaient souvent les œuvres d’écrivains expatriés comme Eliot et Pound, comme en témoignent des poèmes comme Spring and All.
Influencés par la première guerre mondiale, de nombreux écrivains modernistes américains ont exploré les blessures psychologiques et les cicatrices spirituelles de l’expérience de la guerre. La crise économique en Amérique au début des années 1930 a également marqué la littérature, comme The Grapes of Wrath de John Steinbeck. Une question connexe est la perte de soi et le besoin d’auto-définition, alors que les travailleurs disparaissaient dans l’arrière-plan de la vie en ville, des rouages inaperçus dans une machine aspirant à l’auto-définition. Les modernistes américains se sont fait l’écho de l’accent mis au milieu du XIXe siècle sur la tentative de «construire soi-même» – un thème illustré par The Great Gatsby de Fitzgerald. La folie et ses manifestations semblent être un autre thème moderniste préféré, comme on peut le voir dans The Emperor Jones d’Eugene O’Neill, The Battler d’Hemingway et That Evening Sun de Faulkner. Néanmoins, tous ces aspects négatifs ont conduit à de nouveaux espoirs et aspirations, et à la recherche d’un nouveau départ, non seulement pour les individus contemporains, mais aussi pour les personnages fictifs de la littérature moderniste américaine.
La nouvelle critique en Amérique
Des années 1930 aux années 1960, New Criticism est devenu une force critique aux États-Unis. C’était la perspective la plus puissante de la critique littéraire américaine. Les représentants étaient John Crowe Ransom, Allen Tate, Cleanth Brooks et Robert Penn Warren. « Les méthodes critiques influentes développées par ces poètes-professeurs ont mis l’accent sur l’amélioration des capacités de lecture, tandis que la Nouvelle Critique a privilégié l’évaluation de la poésie comme justification de l’érudition littéraire ». Understanding’s Poetry de Brooks et Warren (1938) est devenu l’un des manuels de poésie universitaires les plus influents des années 1930 et a été révisé et réimprimé jusque dans les années 1970. (Morrisson: 29).
De nouvelles critiques se sont manifestées dans des œuvres telles que les poèmes d’Eliot et de Yeats. «La poésie qui correspond le mieux aux critères esthétiques des nouveaux critiques a été soulignée dans d’importantes anthologies d’enseignement en classe» (Morrisson: 29). TS Eliot a redéfini la tradition dans son essai « Tradition and the Individual Talent ». Il a formulé des concepts aussi critiques que «corrélatif objectif» et a repensé le canon littéraire dans son élévation du drame jacobin et de la poésie métaphysique. Son travail a eu une influence fondamentale sur New Criticism en Amérique.
Architecture et espace
Les États-Unis ont joué un grand rôle dans le mouvement moderniste concernant les nouvelles technologies avancées de construction et de construction.Parmi les innovations en matière de construction, il y a des matériaux tels que le fer, l’acier et le béton armé. Brooklyn Bridge par John et Washington Roebling (1869-1883) (pour plus de détails, voir John Roebling / Washington Roebling)
Louis Henry Sullivan a dirigé la soi-disant école d’architecture de Chicago, qui a été distincte par son développement de la conception fonctionnelle avec des matériaux modernes. Le disciple de Sullivan Frank Lloyd Wright a absorbé de son «maître lieber» (cher maître) la tradition romantique allemande de l’architecture organique. Il a développé une approche nouvelle et originale du design résidentiel avant la Première Guerre mondiale, connue sous le nom de «style prairie». Il combinait des principes de planification ouverte avec un accent horizontal, des façades de façade asymétriques et des toits larges et protecteurs. Robie House à Chicago (1909) et le musée Guggenheim à New York (1946-59) sont deux de ses œuvres phares.
Dans ses œuvres, Wright se rapproche de plus en plus d’un sens de la forme naturelle lié à la terre, en utilisant de la pierre brute et du bois et en visant toujours dans ses maisons pour obtenir un effet d’abri intime et protecteur.
Les architectes nés à l’étranger comme Richard Neutra, Rudolf Schindler, et William Lescaze pendant les années 1920 ont joué un grand rôle dans le développement de l’architecture américaine en réalisant plus tard un style qui a pris le nom de style international. Guerre II. Des bâtiments tels que Skidmore, Owings et Lever House de Merrill (1952) et Seagram Building de Ludwig Mies van der Rohe (1956-58) à New York sont des exemples de ce nouveau style. Lorsque des Européens célèbres comme Walter Gropius et Ludwig Mies van der Rohe émigrèrent aux États-Unis, de nombreuses écoles d’architecture américaines sont passées sous l’influence des traditions du Bauhaus en Allemagne.