El modernismo estadounidense, al igual que el movimiento modernista en general, es una tendencia de pensamiento filosófico que surge de los cambios generalizados en la cultura y la sociedad en la era de la modernidad. El modernismo estadounidense es un movimiento artístico y cultural en los Estados Unidos que comenzó a principios del siglo XX, con un período central entre la Primera Guerra Mundial y la Segunda Guerra Mundial. Al igual que su contraparte europea, el modernismo estadounidense surgió del rechazo del pensamiento ilustrado, que busca representar mejor la realidad en un mundo nuevo y más industrializado.
Historia
Característicamente, el arte modernista tiene una tendencia a la abstracción, es innovador, estético, futurista y autorreferencial. Incluye arte visual, literatura, música, cine, diseño, arquitectura y estilo de vida. Reacciona contra el historicismo, las convenciones artísticas y la institucionalización del arte. El arte no solo debe tratarse en academias, teatros o salas de conciertos, sino que debe incluirse en la vida cotidiana y ser accesible para todos. Además, las instituciones culturales se concentraron en las bellas artes y los eruditos prestaron poca atención a los estilos revolucionarios del modernismo. El progreso económico y tecnológico en los Estados Unidos durante los locos años veinte dio lugar a un utopismo generalizado, que influyó en algunos artistas modernistas, mientras que otros se mostraron escépticos sobre la adopción de la tecnología. La victoria en la Primera Guerra Mundial confirmó el estatus de los EE. UU. Como jugador internacional y le dio a la gente confianza en sí misma y una sensación de seguridad. En este contexto, el modernismo estadounidense marcó el comienzo del arte estadounidense como algo distinto y autónomo del gusto europeo, rompiendo las convenciones artísticas que se habían formado según las tradiciones europeas hasta entonces.
El modernismo americano se benefició de la diversidad de culturas de inmigrantes. Los artistas se inspiraron en culturas populares africanas, caribeñas, asiáticas y europeas e incorporaron estos estilos exóticos en sus obras.
El movimiento modernista estadounidense fue un reflejo de la vida estadounidense en el siglo XX. En el mundo en rápido proceso de industrialización y acelerado ritmo de vida, era fácil para el individuo ser absorbido por la inmensidad de las cosas, deambular, carente de propósito. Las fronteras sociales en raza, clase, sexo, riqueza y religión estaban siendo desafiadas. Cuando la estructura social fue desafiada por nuevos puntos de vista entrantes, los límites de los estándares tradicionales y la estructura social se disolvieron, y una pérdida de identidad fue lo que quedó, traduciéndose finalmente en aislamiento, alienación y un sentimiento general de separación de cualquier tipo de «todo». La unidad de un país unido a la guerra estaba muriendo, junto con la ilusión de los cumplidos que vendía a sus soldados y su gente. El mundo quedó violento, vulgar y espiritualmente vacío.
El trabajador de la clase media cayó en una posición claramente imperceptible, un engranaje demasiado pequeño para esperar encontrar reconocimiento en una máquina mucho mayor. Los ciudadanos fueron vencidos con su propia futilidad. Los sueños de los jóvenes se hicieron añicos con el fracaso y una desilusión desilusionante en el reconocimiento del límite y la pérdida. Las vidas de los desilusionados y los marginados se volvieron más focales. La capacidad de definirse a uno mismo a través del trabajo arduo y el ingenio, para crear su propia visión de sí mismo sin la ayuda de los medios tradicionales, se volvió muy apreciada. Algunos autores respaldaron esto, mientras que otros, como F. Scott Fitzgerald, cuestionaron cuán atractivos pero destructivamente falsos pueden ser los valores del privilegio.
La América modernista tuvo que encontrar un terreno común en un mundo que ya no estaba unificado en la creencia. La unidad encontrada yace en el terreno común de la conciencia compartida dentro de toda experiencia humana. Se enfatizó la importancia del individuo; la naturaleza verdaderamente limitada de la experiencia humana formó un vínculo a través de todos los puentes de raza, clase, sexo, riqueza o religión. La sociedad, de esta manera, encontró un significado compartido, incluso en desorden.
Algunos ven el modernismo en la tradición del esteticismo del siglo XIX y el movimiento del «arte por el arte». Clement Greenberg sostiene que el arte moderno excluye «cualquier cosa fuera de él». Otros ven el arte modernista, por ejemplo en el blues y la música de jazz, como un medio para las emociones y los estados de ánimo, y muchos trabajos tratan temas contemporáneos, como el feminismo y la vida en la ciudad. Algunos artistas y teóricos incluso agregaron una dimensión política al modernismo estadounidense.
El diseño y la arquitectura modernistas estadounidenses permitieron a las personas llevar una vida moderna. El trabajo y la vida familiar cambiaron radical y rápidamente debido a la recuperación económica de los años veinte. En los Estados Unidos, el automóvil se hizo popular y asequible para muchos, el tiempo libre y el entretenimiento adquirieron importancia y el mercado de trabajo se abrió para las mujeres. Para hacer la vida más eficiente, los diseñadores y arquitectos se enfocaron en la simplificación del trabajo doméstico.
La Gran Depresión a finales de los años 20 y durante los años 30 desilusionó a la gente sobre la estabilidad económica del país y el pensamiento utópico erosionado. El estallido y los terrores de la Segunda Guerra Mundial causaron más cambios en la mentalidad. El período de posguerra que siguió se denominó Modernismo tardío. La era postmodernista generalmente se consideraba característica del arte de finales del siglo XX que comenzó en los años ochenta.
Jazz
A principios del siglo XX, el jazz evolucionó de la tradición del blues, pero también incorporó muchos otros elementos musicales y culturales. En Nueva Orleans, a menudo considerado el lugar de nacimiento del jazz, los músicos se beneficiaron de la afluencia de influencias coloniales españolas y francesas. En esta ciudad, una mezcla cultural étnica única y prohibiciones raciales más flexibles permitieron a los afroamericanos una mayor influencia que en otras regiones del sur. La Guerra Hispanoamericana trajo soldados del Norte a la región con sus bandas. La música resultante adoptó sonidos de los nuevos instrumentos de metal. Durante la Gran Migración, el jazz se extendió desde Nueva Orleans a Nueva York, Chicago y otras ciudades, incorporando nuevos sonidos en el camino. Harlem, Nueva York, se convirtió en el nuevo centro para la era del jazz.
Jazz – música de integración
La música de jazz, como elemento central de la cultura estadounidense, tiene sus raíces en la cultura esclava negra. La música combina elementos de patrones de llamadas y respuestas africanas en su instrumentación y riffs. En sus inicios, el jazz fue criticado por parte de la población blanca, que pensaba que el jazz y los ritmos ragtime eran «salvajes choques y explosiones» y denigraban el género como un producto «no de innovadores, sino de incompetentes». Su estilo expresivo y palpitante sirvió inicialmente a los estereotipos raciales en la mente del público y fue ampliamente encontrado con rechazo escéptico. A pesar de este fenómeno de animosidad hacia un creciente significado cultural negro, el escritor estadounidense Lawrence W. Levine interpreta el papel del jazz como un catalizador de una conciencia nacional cambiante:
Culturalmente, seguimos siendo mucho más grandes de lo que hemos reconocido hasta ahora, un pueblo colonizado que intenta definirse a la sombra del antiguo poder imperial. Jazz fue una expresión de ese otro lado de nosotros mismos que se esforzó por reconocer los aspectos positivos de nuestra novedad y nuestra heterogeneidad; que aprendió a sentirse cómodo con el hecho de que una parte significativa de nuestro patrimonio proviene de África y otras fuentes no europeas; y eso reconoció en las diversas culturas sincretizadas que llegaron a ser tan características de los Estados Unidos una debilidad embarazosa pero una fuente dinámica de fortaleza.
Después de todo, estaba en la naturaleza del jazz luchar por la convergencia cultural entre negros y blancos; de acuerdo con el saxofonista Sonny Rollins, «el jazz siempre ha sido una música de integración». Durante los años 1920 y 1930, el jazz ganó considerable popularidad y despertó un creciente interés en los jóvenes blancos que se sintieron atraídos por la libertad de expresión artística, personal y cultural que esta nueva forma musical tenía para ofrecer. Conocidos músicos blancos como Benny Goodman, Gene Krupa, Milton Mezzrow, Muggsy Spanier o Joe Sullivan se inspiraron en iconos afroamericanos como Louis Armstrong. La aceptación del jazz pronto se extendió por el Atlántico y, a mediados del siglo XX, lo hizo internacional. Hoy en día, la música de jazz se considera una parte integral y vibrante de la cultura estadounidense, la música nativa única de América, un representante mundial de la cultura afroamericana.
Jazz como estadounidense
Un artículo compilado que apareció en The New York Times en 1923 proclamó el jazz, «… una contribución de América a las artes. Es reconocido en todo el mundo como parte de una tradición popular musical de este país: es tan completamente y típicamente estadounidense. como la Doctrina Monroe o el Cuatro de Julio, o el béisbol «.
La americanidad de Jazz comienza con sus raíces. Jazz fue un producto de los afroamericanos, un grupo cultural distinto de Estados Unidos. Aunque los primeros blues cantaban claramente las penas de un pueblo desplazado, el jazz era otra cosa. La clase trabajadora afroamericana que dio a luz al jazz no estaba sujeta a la educación de otros músicos blancos; los trovadores negros pudieron escapar de la presión para «europeizar» su arte. La cultura (con una C mayúscula) esencialmente exigía que los estadounidenses prefirieran, elogiaran y reiteraran todo lo europeo. Libre de estas limitaciones, el jazz progresó de una manera desconocida. En 1925, Irving Berlin llamó al jazz «American folk music» y citó influencias que van desde «Old Southern Songs» y «Negro spirituals», hasta «un toque de canciones populares rusas e italianas», pero Berlin concluyó que era «típicamente Estadounidense por encima de todo «. Al igual que la nación donde se creó, el jazz mezcló influencias étnicas y culturales separadas en un producto nuevo y diferente, combinando elementos de la identidad negra con otras influencias de inmigrantes. Incorporó los sonidos del sur y los elementos modernos y adaptados de los horizontes urbanos. El jazz fue distintivamente estadounidense en la medida en que mezcló el carácter de diferentes pueblos, pero aún le permitió al individuo tener la oportunidad de expresarse en un solo de improvisación, y por lo tanto afirmó el «individualismo resistente» que ya caracterizaba a la nación. Además, el jazz comenzó a romper la barrera entre el intérprete y el público. «Democratizó» la cultura, haciéndola accesible para la persona común.
Jazz como moderno
El jazz es claramente moderno en sonido y forma. Según Lawrence Levine, «el jazz era, o parecía ser, el producto de una nueva era … escandalosa, discordante … accesible, espontánea … abiertamente una música interactiva y participativa». Daniel Gregory Mason dijo que el jazz «está tan perfectamente adaptado a los robots que uno podría deducirse del otro. El jazz es así el reflejo musical exacto del capitalismo industrial modernista», y el jazz también se ha comparado con el sonido de remachar. Irving Berlin llamó al jazz la «música de la era de la máquina». Los jugadores sacaron influencias de la charla callejera cotidiana en Harlem, así como de las pinturas impresionistas francesas. La naturaleza improvisada le pide al jugador que desmantele y examine la estructura preexistente dentro de la música. Como tributo a la modernidad del jazz, uno solo necesita examinar los diversos medios que extrajeron influencias de la música. El musical Shuffle Along es una de las primeras y más exitosas adaptaciones de jazz al escenario, los ballets de jazz aparecieron en el Metropolitan Theatre de la ciudad de Nueva York, Langston Hughes y Sterling Brown dibujaron poesía de la música de jazz que experimentaron y la música de jazz coloreó las pinturas de Aaron Douglas, Miguel Covarrubias y muchos otros.
Artes visuales
Pintura modernista estadounidense
No hay una fecha única para el comienzo de la era moderna en Estados Unidos, ya que decenas de pintores estuvieron activos a principios del siglo XX. Era el momento en que aparecieron los primeros paisajes, bodegones y retratos cubistas; los colores brillantes entraron en las paletas de los pintores, y las primeras pinturas no objetivas se exhibieron en las galerías.
El movimiento modernista durante los años de formación también se hizo popular en la ciudad de Nueva York en 1913 en la popular galería de estudio de Wilhelmina Weber Furlong (1878-1962) y en Whitney Studio Cub en 1918. Según Davidson, el comienzo de la pintura modernista estadounidense se puede fechar en la década de 1910. La primera parte del período duró 25 años y terminó alrededor de 1935, cuando se hizo referencia al arte moderno como lo que Greenberg llamó la vanguardia.
La Armory Show de 1913 en la ciudad de Nueva York mostró el trabajo contemporáneo de artistas europeos, así como estadounidenses. Las pinturas impresionistas, fauvistas y cubistas sorprendieron a muchos espectadores estadounidenses que estaban acostumbrados al arte más convencional. Sin embargo, inspirado por lo que vieron, muchos artistas estadounidenses fueron influenciados por las ideas radicales y nuevas.
El comienzo del siglo XX estuvo marcado por la exploración de diferentes técnicas y formas de expresividad artística. Muchos artistas estadounidenses como Wilhelmina Weber, Man Ray, Patrick Henry Bruce, Gerald Murphy y otros viajaron a Europa, especialmente a París, para hacer arte. La formación de varias asambleas artísticas condujo a la multiplicidad de significados en las artes visuales. La escuela Ashcan se concentró en el realismo (Robert Henri o George Luks); el círculo de Stieglitz glorificaba visiones abstractas de la ciudad de Nueva York (Max Weber, Abraham Walkowitz); los pintores de color evolucionaron en dirección a los coloridos y abstractos «sincronos» (Stanton Macdonald-Wright y Morgan Russell), mientras que el precisión visualizó el paisaje industrializado de América en forma de geometrización aguda y dinámica (Joseph Stella, Charles Sheeler, Morton Livingston Schamberg y Charles Demuth). Finalmente, artistas como Charles Burchfield, Marsden Hartley, Stuart Davis, Arthur Dove, Georgia O’Keeffe, a quien se pensó como la madre del modernismo estadounidense, John Marin, Arthur Beecher Carles, Alfred Henry Maurer, Andrew Dasburg, James Daugherty, John Covert, Henrietta Shore, William Zorach, Marguerite Thompson (Zorach), Manierre Dawson, Arnold Friedman y Oscar Bluemner marcaron el comienzo de la era del Modernismo en la Escuela de Nueva York.
El cambio de enfoque y la multiplicidad de temas en las artes visuales es también un sello distintivo del arte modernista estadounidense. Así, por ejemplo, el grupo The Eight trajo el foco en la ciudad moderna, y puso énfasis en la diversidad de diferentes clases de ciudadanos. Dos de los representantes más importantes de The Eight, Robert Henri y John Sloan hicieron pinturas sobre la diversidad social, a menudo teniendo como tema principal a los habitantes de barrios marginales de las ciudades industrializadas. Los últimos años de la década de 1920 y la de 1930 pertenecieron (entre muchos otros) a dos movimientos en la pintura estadounidense: el regionalismo y el realismo social. Los regionalistas se centraron en el colorido del paisaje estadounidense y las complejidades de la vida en el campo, mientras que los realistas sociales entraron en los temas de la Gran Depresión, la pobreza y la injusticia social. Los realistas sociales protestaron contra el gobierno y el establishment que parecían hipócritas, tendenciosos e indiferentes a las cuestiones de las desigualdades humanas. La abstracción, el paisaje y la música fueron temas modernistas populares durante la primera mitad del siglo XX. Artistas como Charles Demuth que creó su obra maestra I Saw The Figure Five en Gold en 1928, Morton Schamberg (1881-1918) y Charles Sheeler estaban estrechamente relacionados con el movimiento Precisionista también. Sheeler típicamente pintó paisajes urbanos y arquitectura industrial como lo ejemplifica su pintura Amoskeag Canal 1948. El jazz y la música fueron representados improvisadamente por Stuart Davis, ejemplificado por Hot Still-Scape para Six Colours – 7th Avenue Style, de 1940.
El modernismo cerró la brecha entre el arte y una audiencia socialmente diversa en los EE. UU. Un número creciente de museos y galerías destinadas a llevar la modernidad al público en general. A pesar de la resistencia inicial a la celebración del progreso, la tecnología y la vida urbana, las artes visuales contribuyeron enormemente a la autoconciencia y la conciencia del pueblo estadounidense. La nueva pintura modernista arrojó una luz sobre los estados emocionales y psíquicos de la audiencia, que fue fundamental para la formación de una identidad estadounidense.
Numerosas direcciones del «modernismo» estadounidense no resultaron en un estilo coherente, sino que evocaron el deseo de experimentos y desafíos. Demostró que el arte moderno va más allá de los principios fijos.
Escuelas principales y movimientos del modernismo americano
el grupo Stieglitz
el círculo Arensberg
pintores de color
Precisión
los independientes
la escuela de Philadelphia
Nueva York independientes
Chicago y hacia el oeste
Pintura modernista
Georgia O’Keeffe, conocida como la «Madre del modernismo estadounidense», ha sido una figura importante en el modernismo estadounidense desde la década de 1920. Ha recibido un reconocimiento generalizado por desafiar los límites del estilo artístico estadounidense moderno. Ella es principalmente conocida por las pinturas de flores, rocas, conchas, huesos de animales y paisajes en los que ella sintetizó la abstracción y la representación. Ram’s Head White Hollyhock y Little Hills, de 1935, es una pintura muy conocida de O’Keeffe.
Arthur Dove utilizó una amplia gama de medios, a veces en combinaciones no convencionales para producir sus abstracciones y sus paisajes abstractos. Me and the Moon de 1937 es un buen ejemplo de un paisaje abstracto de Arthur Dove y ha sido referido como una de las obras culminantes de su carrera. Dove hizo una serie de trabajos de collage experimentales en la década de 1920. También experimentó con técnicas, combinando pinturas como aceite mezclado a mano o témpera sobre una emulsión de cera.
El pintor afroamericano Aaron Douglas (1899-1979) es uno de los pintores modernistas afroamericanos más conocidos e influyentes. Sus trabajos contribuyeron fuertemente al desarrollo de un movimiento estético que está estrechamente relacionado con características distintivas de la herencia y cultura afroamericana. Douglas influenció las artes visuales afroamericanas especialmente durante el Renacimiento de Harlem.
Una de las pinturas más populares de Douglas es The Crucifixion. Fue publicado en God’s Trombones de James Weldon Johnson en 1927. La escena de la crucifixión que se muestra en la pintura muestra varios elementos que constituyen el arte de Douglas: delineación nítida, cambio de sombras y luz, cuerpos humanos estilizados y figuras geométricas como círculos concéntricos en contraste con formas lineales. El tema de la pintura se asemeja no solo a la escena bíblica, sino que también se puede ver como una alusión a la tradición religiosa afroamericana: el Jesús oscuro y sobredimensionado lleva su cruz, sus ojos dirigidos al cielo, de los cuales desciende la luz sobre sus seguidores. Soldados romanos estilizados flanquean la escena con sus lanzas puntiagudas. Como resultado, se recuerda al observador, por ejemplo, la tradición del evangelio afroamericano, pero también una historia de supresión. Beauford Delaney, Charles Alston, Jacob Lawrence y Romare Bearden también fueron importantes pintores modernistas afroamericanos que inspiraron a generaciones de artistas que los siguieron.
Fotografía modernista
Al comienzo del modernismo estadounidense, la fotografía todavía luchaba por ser reconocida como una forma de arte. El fotógrafo Alfred Stieglitz lo describió así: «Los artistas que vieron mis fotografías anteriores comenzaron a decirme que me envidiaban, que sentían que mis fotografías eran superiores a sus pinturas, pero que, desafortunadamente, la fotografía no era un arte. No podía entender por qué los artistas deberían envidiarme por mi trabajo, pero, al mismo tiempo, lo condenan porque fue hecho a máquina «. (Stieglitz: 8). En 1902, Stieglitz fundó el grupo Photo-Secession con miembros como Edward Steichen, Gertrude Käsebier y Clarence Hudson White, que tenían el objetivo de elevar el estándar y aumentar la conciencia de la fotografía artística. En ese momento, su estilo principal era el pictorialista, que era conocido por modificar fotos a través de enfoque suave, filtros especiales o procesos de impresión exóticos, para imitar el estilo de pinturas y grabados de esa época. Para los medios de publicación, Stieglitz, como la fuerza impulsora del movimiento, comenzó la revista Camera Work, en la que publicó artistas que sintió que representaban el movimiento. También dirigió tres galerías una tras otra, a saber, «291» (1905-1917), «The Intimate Gallery» (1925-1929) y «An American Place» (1929-1947). Especialmente 291 sirvió como un punto de encuentro para artistas y escritores y fue el primero en exhibir las primeras obras de arte modernista de artistas europeos, como Henri Matisse, Auguste Rodin, Henri Rousseau, Paul Cézanne y Pablo Picasso, en los Estados Unidos. Un enlace adicional a la vanguardia europea fue establecido por Man Ray. Nacido en Estados Unidos e inspirado por el trabajo que vio en las galerías de Stieglitz, Ray emigró a París en 1921 y junto con artistas del Dada europeo y los movimientos surrealistas crearon nuevas técnicas fotográficas como rayografías (colocando objetos directamente en papel fotosensible).
A principios de la década de 1920, los fotógrafos se movieron hacia lo que llamaron fotografía directa. En contraste con el estilo pictorialista, ahora rechazaban cualquier tipo de manipulación en el proceso fotográfico (por ejemplo, lente suave, desarrollo especial o métodos de impresión) y trataban de usar las ventajas de la cámara como un medio único para capturar la realidad. Se suponía que sus motivos debían verse lo más objetivos posible. Desviando la atención del retrato clásico y el estilo pictorialista, los fotógrafos comenzaron a utilizar sus imágenes como medios para representar las duras realidades de la vida cotidiana, pero al mismo tiempo trataron de buscar la belleza en los detalles o la estructura estética general. Las máquinas y el trabajo de fábrica, los rascacielos y las innovaciones técnicas se convirtieron en motivos destacados. En 1932 algunos fotógrafos más jóvenes (por ejemplo, Ansel Adams, Imogen Cunningham, Willard Van Dyke, Edward Weston) comenzaron el Grupo f / 64 basado en los ideales de la fotografía directa, que se convirtió en la asociación más progresista de su tiempo.
Feminismo, género y sexualidad
Desarrollo del feminismo
A partir de principios del siglo XIX, algunas mujeres utilizaron las doctrinas de la feminidad ideal para evitar el aislamiento de la esfera doméstica. En la década de 1830, las mujeres desafiaban abiertamente la esfera de las mujeres y exigían mayores derechos políticos, económicos y sociales. Formaron clubes de mujeres y sociedades benevolentes en todo Estados Unidos. La dominación masculina de la arena pública ya no se encontraba dentro de los límites aceptables para muchas de estas mujeres activistas de clase media. Comenzando con la Convención de Seneca Falls en 1848, las feministas estadounidenses celebraron convenciones estatales y nacionales hasta principios del siglo XX. Algunas portavoces del movimiento feminista conectaron la causa feminista con el amor libre y la revolución sexual, que fueron los temas tabú de la época victoriana. Por lo tanto, las feministas en Gran Bretaña y los Estados Unidos se concentraron en asuntos políticos y legales, el voto en particular, y otros asuntos importantes de mujeres con respecto a los roles domésticos de las mujeres y la organización de la vida doméstica en general.
Eventualmente, después de una larga y dura lucha que incluyó protestas masivas, a veces violentas, el encarcelamiento de muchas mujeres, e incluso algunas muertes, se ganó la batalla por el sufragio femenino. La ley de sufragio fue aprobada en los Estados Unidos en 1920 para las mujeres que eran jefas de hogar o esposas de los cabezas de familia y en 1928 para todas las mujeres adultas. (Las mujeres afroamericanas no fueron incluidas, solo recibieron el derecho al voto en el Movimiento por los Derechos Civiles de la década de 1960). La Organización Nacional de Mujeres (NOW) fue fundada en 1966 por un grupo de feministas. El grupo de derechos de las mujeres más grande de los EE. UU. AHORA tenía como objetivo poner fin a la discriminación sexual, especialmente en el lugar de trabajo, mediante cabildeo legislativo, litigios y manifestaciones públicas. Los siguientes años de finales del siglo XX presenciaron una gran expansión de los derechos de las mujeres en todas las áreas de la sociedad moderna. Los artistas modernistas tenían una actitud ambivalente hacia el feminismo: por un lado, optaron por un trato igualitario de hombres y mujeres con respecto a la ley, la franquicia y las profesiones; por otro lado, todavía tenían las insuficiencias femeninas percibidas en términos de biología, cultura y trascendencia en mente. Como proclamó la feminista radical Emma Goldman, «la verdadera liberación no comienza en las urnas ni en los tribunales [sino más bien] en el alma de una mujer» (citado en Lyon 223).
Género y sexualidad
Los roles de género y sexualidad en el modernismo estadounidense fueron elaborados a través de estudios de identidad nacional y ciudadanía, identidad racial y política racial, identidad y estética queer, cultura de revistas, cultura visual, economía de mercado y relatos históricos de la modernidad política del siglo XX. El inmenso trabajo realizado por los estudiosos del feminismo, el género y la sexualidad ayudó a reestructurar el campo de la erudición modernista estadounidense. Las escritoras se han convertido en los sujetos de extensos estudios literarios. Las comunidades de gays y lesbianas se han revalorizado como patrones de experimentación estética moderna, y la identidad sexual y la formación de género se interpretaron de una nueva manera.
El cambio de la vida cultural del siglo XX vio un cambio hacia una dicotomía entre la cultura de masas y la alta cultura, con lo primero generalmente pensado como femenino y el pensamiento de alta cultura orientado a los hombres. La ficción popular antes denunciada ahora servía al propósito feminista. «Formó la base para las defensas de una nueva fase de amor libre y la promoción concomitante de control de la natalidad». (Lyon 225)
La vida cotidiana y la cultura
El movimiento modernista causó grandes cambios en las sociedades en las que tuvo lugar. Con la introducción de desarrollos industriales, el pueblo estadounidense comenzó a disfrutar el resultado de la nueva era modernista. La vida cotidiana y la cultura son las áreas que reflejan el cambio social en los hábitos de la sociedad. Los desarrollos que ocurrieron con el modernismo influyeron en los estándares de vida de los estadounidenses y dieron paso a un nuevo estilo de vida.
Moda
En referencia a la moda, generalmente uno pensaría en estilos de vestuario o disfraces. Por supuesto, el estilo de vestir es una categoría muy importante de la palabra «moda». Por otro lado, «moda» tiene más significados y podría ser explicada y encontrada en muchos otros campos, como la arquitectura, el tipo de cuerpo, la danza y la música, e incluso formas de habla, etc.
1. Disfraces
A principios de la década de 1920, la moda prêt-à-porter comenzó a extenderse por América. Más mujeres ganaban sus propios salarios y no querían perder el tiempo en accesorios. La moda como símbolo de estatus no era más importante ya que las distinciones de clase se estaban volviendo borrosas. Las personas, especialmente las mujeres, pedían moda económica. En el aspecto de la producción en masa de ropa de estilo contemporáneo para mujeres, Estados Unidos se adelantó a otros países. Varios diseñadores de esta moda, incluyendo a Jane Derby, hicieron una pose de escenario.
Mujeres: en 1921, la falda más larga, que por lo general era larga y desigual en el fondo, estaba desactualizada. La falda corta se hizo popular en 1925. Sin escote, sin cintura y cabello casi oculto bajo un sombrero de campana. La fabricación de cosméticos también comenzó a partir de esta década. Polvo, lápiz de labios, colorete, lápiz de cejas, sombra de ojos, uñas de colores, las mujeres los tenían todos. Además, las perlas también se pusieron de moda.
Hombres: en este período, la ropa para hombres fue más conservadora. Pantalones ampliados a 24 pulgadas en la parte inferior. Las bragas, aumentaron el ancho y la longitud, se llamaron más cuatro patas. En verano, el lino blanco era popular, mientras que en invierno un abrigo estadounidense, el abrigo de mapache, estaba de moda. El sombrero holgado, hecho de fieltro, podría enrollarse y empacarse en una maleta. Estos fueron muy populares entre los hombres de la universidad.
2. Muebles No hay un estilo moderno americano puro en el mundo del diseño. Los artistas modernos estadounidenses heredaron el estilo caracterizado por la simplicidad de la forma, la ausencia de adornos decorativos, y se centró en las preocupaciones funcionales de sus precedentes. Al mismo tiempo, los diseñadores estadounidenses mezclaron el estilo salvaje de la pintura parisina, así como las características de la arquitectura moderna en sus obras, como Art Deco. Además, los diseñadores también pusieron mucho énfasis en los materiales, especialmente aquellos inventados en la era moderna.
Literatura modernista estadounidense
La literatura modernista estadounidense fue una tendencia dominante en la literatura estadounidense entre la Primera Guerra Mundial y la Segunda Guerra Mundial. La era modernista destacó la innovación en la forma y el lenguaje de la poesía y la prosa, así como abordar numerosos temas contemporáneos, como las relaciones raciales, el género y la condición humana. Muchos modernistas estadounidenses se expatriaron en Europa durante este tiempo, a menudo convirtiéndose en incondicionales del movimiento europeo, como fue el caso de TS Eliot, Ezra Pound y Gertrude Stein. Estos escritores a menudo eran conocidos como The Lost Generation.
Como una reacción a esta tendencia, muchos autores y poetas estadounidenses comenzaron una tendencia de «nativismo», buscando representar la experiencia estadounidense moderna en Estados Unidos. Contribuyentes notables a esta tendencia incluyen a William Carlos Williams, Wallace Stevens y Marianne Moore. Estos poetas solían criticar las obras de escritores expatriados como Eliot y Pound, como lo demuestran poemas como Spring y All.
Influenciados por la primera Guerra Mundial, muchos escritores modernistas estadounidenses exploraron las heridas psicológicas y las cicatrices espirituales de la experiencia bélica. La crisis económica en América a principios de la década de 1930 también dejó una huella en la literatura, como The Grapes of Wrath, de John Steinbeck. Un problema relacionado es la pérdida de uno mismo y la necesidad de autodefinición, a medida que los trabajadores se desvanecen en el trasfondo de la vida de la ciudad, engranajes inadvertidos dentro de una máquina que anhelan la autodefinición. Los modernistas estadounidenses se hicieron eco del enfoque de mediados del siglo XIX sobre el intento de «construir un yo», un tema ilustrado por The Great Gatsby de Fitzgerald. La locura y sus manifestaciones parecen ser otro tema modernista favorito, como se ve en The Emperor Jones de Eugene O’Neill, The Battler de Hemingway y That Evening Sun de Faulkner. Sin embargo, todos estos aspectos negativos llevaron a nuevas esperanzas y aspiraciones, y a la búsqueda de un nuevo comienzo, no solo para los individuos contemporáneos, sino también para los personajes de ficción en la literatura modernista estadounidense.
La nueva crítica en América
Desde la década de 1930 hasta la década de 1960, la Nueva Crítica se convirtió en una fuerza crítica en los Estados Unidos. Era la perspectiva más poderosa en la crítica literaria estadounidense. Los representantes fueron John Crowe Ransom, Allen Tate, Cleanth Brooks, Robert Penn Warren. «Los influyentes métodos críticos desarrollados por estos profesores de poesía enfatizaron la agudización de las habilidades de lectura cercana. La nueva crítica privilegió la evaluación de la poesía como la justificación de la erudición literaria». La Poesía comprensiva de Brooks y Warren (1938) se convirtió en uno de los libros de texto de poesía universitaria más influyentes de la década de 1930 y se revisó y reimprimió hasta bien entrada la década de 1970. (Morrisson: 29).
Nueva crítica se mostró en obras como los poemas de Eliot y Yeats. «La poesía que mejor se ajustaba a los criterios estéticos de los Nuevos Críticos se enfatizaba en importantes antologías de enseñanza en el aula» (Morrisson: 29). TS Eliot redefinió la tradición en su ensayo «La tradición y el talento individual». Formuló conceptos críticos como «correlativo objetivo» y repensó el canon literario en su elevación del drama jacobeo y la poesía metafísica. Su trabajo tuvo una influencia fundamental en New Criticism in America.
Arquitectura y espacio
Los Estados Unidos desempeñaron un gran papel en el movimiento de modernismo con respecto a las nuevas tecnologías avanzadas de construcción y construcción.Entre las innovaciones en la construcción, se encuentran materiales como el hierro, el acero y el hormigón armado. Puente de Brooklyn por John y Washington Roebling (1869-1883) (para más detalles ver John Roebling / Washington Roebling)
Louis Henry Sullivan encabezó la llamada escuela de arquitectura de Chicago, que se distinguió por su desarrollo de diseño funcional junto con materiales modernos. El seguidor de Sullivan, Frank Lloyd Wright, absorbió de su «maestro de lieber» (querido maestro) la tradición romántica alemana de la arquitectura orgánica. Desarrolló un enfoque nuevo y original para el diseño residencial antes de la Primera Guerra Mundial, que se hizo conocido como el «estilo de la pradera». Combinó principios de planificación abiertos con énfasis horizontal, elevaciones de fachada asimétricas y techos amplios y acogedores. Robie House en Chicago (1909) y el Museo Guggenheim en la ciudad de Nueva York (1946-59) son dos de sus obras fundamentales.
En sus obras, Wright se acercaba más y más a un sentido de la naturaleza ligado a la tierra, utilizando piedra tosca y madera y apuntando siempre a sus casas para lograr un efecto de refugio íntimo y protector.
Arquitectos nacidos en el extranjero como Richard Neutra, Rudolf Schindler y William Lescaze desempeñaron durante la década de 1920 un gran papel en el desarrollo de la arquitectura estadounidense y posteriormente adoptaron un estilo internacional que se reflejó en el diseño de edificios de oficinas corporativos después del mundo. Guerra II. Edificios tales como Skidmore, Owings and Merrill’s Lever House (1952) y Ludwig Mies van der Rohe’s Seagram Building (1956-58) en la ciudad de Nueva York son ejemplos de este nuevo estilo. Cuando emigraron a los Estados Unidos famosos europeos como Walter Gropius y Ludwig Mies van der Rohe, muchas escuelas de arquitectura estadounidenses se vieron bajo la influencia de las tradiciones de la Bauhaus en Alemania.