O modernismo americano, muito parecido com o movimento modernista em geral, é uma tendência do pensamento filosófico que surge das mudanças generalizadas na cultura e na sociedade na era da modernidade. O modernismo americano é um movimento artístico e cultural nos Estados Unidos que começou na virada do século XX, com um período central entre a Primeira Guerra Mundial e a Segunda Guerra Mundial. Tal como o seu homólogo europeu, o modernismo americano resultou de uma rejeição do pensamento iluminista, procurando representar melhor a realidade num mundo novo e mais industrializado.

História
Caracteristicamente, a arte modernista tem uma tendência à abstração, é inovadora, estética, futurista e auto-referencial. Inclui arte visual, literatura, música, cinema, design, arquitetura e estilo de vida. Reage contra historicismo, convenções artísticas e institucionalização da arte. A arte não era apenas para ser tratada em academias, teatros ou salas de concerto, mas para ser incluída na vida cotidiana e acessível a todos. Além disso, as instituições culturais concentraram-se em belas artes e os estudiosos deram pouca atenção aos estilos revolucionários do modernismo. O progresso econômico e tecnológico dos Estados Unidos durante os anos 20 deu origem a um utopismo generalizado, que influenciou alguns artistas modernistas, enquanto outros eram céticos quanto à adoção da tecnologia. A vitória na Primeira Guerra Mundial confirmou o status dos EUA como um jogador internacional e deu às pessoas autoconfiança e segurança. Nesse contexto, o modernismo americano marcou o início da arte americana como distinta e autônoma do gosto europeu, ao romper as convenções artísticas moldadas a partir das tradições européias até então.

O modernismo americano se beneficiou da diversidade das culturas imigrantes. Os artistas foram inspirados pelas culturas folclóricas africanas, caribenhas, asiáticas e européias e incorporaram esses estilos exóticos em suas obras.

O movimento modernista americano foi um reflexo da vida americana no século XX. No mundo rapidamente industrializado e no ritmo acelerado da vida, era fácil para o indivíduo ser engolido pela vastidão das coisas, deixado vagando, desprovido de propósito. Limites sociais em raça, classe, sexo, riqueza e religião estavam sendo desafiados. À medida que a estrutura social era desafiada por novos pontos de vista, os limites dos padrões tradicionais e da estrutura social se dissolviam e a perda de identidade era o que restava, traduzindo-se em isolamento, alienação e um sentimento geral de separação de qualquer “todo”. A unidade de um país em guerra estava morrendo, junto com a ilusão das amenidades que vendeu a seus soldados e povo. O mundo ficou violento, vulgar e espiritualmente vazio.

O trabalhador da classe média caiu em uma posição nitidamente imperceptível, uma engrenagem muito pequena para esperar encontrar reconhecimento em uma máquina muito maior. Os cidadãos foram superados com sua própria futilidade. Os sonhos dos jovens destruídos pelo fracasso e uma desilusão decepcionante em reconhecimento de limites e perdas. As vidas dos desiludidos e marginalizados tornaram-se mais focais. Capacidade de definir auto através do trabalho duro e desenvoltura, para criar sua própria visão de si mesmo sem a ajuda dos meios tradicionais, tornou-se valorizada. Alguns autores endossaram isso, enquanto outros, como F. ​​Scott Fitzgerald, questionaram quão sedutor, mas destrutivamente falso, os valores de privilégio podem ser.

A América Modernista teve que encontrar um terreno comum em um mundo que não é mais unificado em crenças. A unidade encontrada está no terreno comum da consciência compartilhada em toda a experiência humana. A importância do indivíduo foi enfatizada; a natureza verdadeiramente limitada da experiência humana formava um vínculo entre todas as pontes de raça, classe, sexo, riqueza ou religião. A sociedade, dessa maneira, encontrou um significado compartilhado, mesmo em desordem.

Alguns vêem o modernismo na tradição do esteticismo do século XIX e o movimento “arte pela arte”. Clement Greenberg argumenta que a arte modernista exclui “qualquer coisa fora de si”. Outros vêem a arte modernista, por exemplo, no blues e jazz, como um meio para emoções e humores, e muitos trabalhos lidam com questões contemporâneas, como o feminismo e a vida na cidade. Alguns artistas e teóricos acrescentaram uma dimensão política ao modernismo americano.

O design e a arquitetura modernistas americanos permitiram que as pessoas levassem uma vida moderna. A vida profissional e familiar mudou radicalmente e rapidamente devido ao crescimento econômico durante a década de 1920. Nos EUA, o carro se tornou popular e acessível para muitos, o tempo de lazer e o entretenimento ganharam importância e o mercado de trabalho se abriu para as mulheres. A fim de tornar a vida mais eficiente, designers e arquitetos visam a simplificação do trabalho doméstico.

A Grande Depressão no final dos anos 20 e durante os anos 30 desiludiu as pessoas sobre a estabilidade econômica do país e erodiu o pensamento utópico. O surto e os terrores da Segunda Guerra Mundial causaram novas mudanças de mentalidade. O período pós-guerra que se seguiu foi denominado modernismo tardio. A era pós-moderna era geralmente considerada característica da arte do final do século XX, a partir dos anos 80.

Jazz
No início do século XX, o jazz evoluiu da tradição do blues, mas também incorporou muitos outros elementos musicais e culturais. Em Nova Orleans, muitas vezes considerada o berço do jazz, os músicos se beneficiaram do influxo de influências coloniais espanholas e francesas. Nesta cidade, uma mistura cultural étnica única e proibições raciais mais flexíveis permitiram aos afro-americanos mais influência do que em outras regiões do sul. A guerra hispano-americana trouxe soldados do norte para a região com suas bandas. A música resultante adotou sons dos novos instrumentos de metal. Durante a Grande Migração, o jazz se espalhou de Nova Orleans para Nova York, Chicago e outras cidades, incorporando novos sons ao longo do caminho. Harlem, New York City, tornou-se o novo centro da era do jazz.

Jazz – música de integração
A música jazz, como elemento central da cultura americana, tem suas raízes na cultura escrava negra. A música combinou elementos de padrões africanos de chamadas e respostas em sua instrumentação e riffs. Em seus primórdios, o jazz era visto criticamente por partes da população branca, que achavam que os ritmos do jazz e do ragtime eram “crash e bang selvagem” e denegriam o gênero como um produto “não de inovadores, mas de incompetentes”. Seu estilo expressivo e pulsante inicialmente serviu aos estereótipos raciais na mente do público e foi amplamente encontrado com a rejeição cética. Apesar desse fenômeno de animosidade em relação ao crescente significado cultural dos negros, o escritor norte-americano Lawrence W. Levine interpreta o papel do jazz como um catalisador de uma consciência nacional em mutação:

Culturalmente, permanecemos em uma extensão muito maior do que já reconhecemos, um povo colonizado tentando se definir à sombra do antigo poder imperial. O jazz era uma expressão daquele outro lado de nós que se esforçava para reconhecer os aspectos positivos de nossa novidade e nossa heterogeneidade; que aprendeu a se sentir confortável com o fato de que uma parte significativa de nossa herança derivou da África e de outras fontes não-européias; e isso foi reconhecido nas várias culturas sincretizadas que se tornaram tão características dos Estados Unidos uma fraqueza embaraçosa, mas uma fonte dinâmica de força.

Afinal, era da natureza do jazz lutar pela convergência cultural entre negros e brancos; De acordo com o saxofonista Sonny Rollins, “o jazz sempre foi uma música de integração”. Durante as décadas de 1920 e 1930, o jazz ganhou considerável popularidade e despertou crescente interesse por jovens brancos, atraídos pela liberdade de expressão artística, pessoal e cultural que essa nova forma musical tinha a oferecer. Músicos brancos bem conhecidos, como Benny Goodman, Gene Krupa, Milton Mezzrow, Muggsy Spanier ou Joe Sullivan, foram inspirados por ícones afro-americanos como Louis Armstrong. A aceitação do jazz logo se espalhou pelo Atlântico e, em meados do século XX, tornou-se internacional. Hoje, a música jazz é considerada uma parte integrante e vibrante da cultura americana, a única música nativa da América, representante mundial da cultura afro-americana.

Jazz como americano
Um artigo de compilação publicado no The New York Times em 1923 proclamava jazz, “… uma contribuição da América para as artes. É reconhecida em todo o mundo como parte de uma tradição folclórica musical deste país: é tão completa e tipicamente americana como a Doutrina Monroe ou o Quatro de Julho, ou o beisebol “.

Americanidade do Jazz começa com suas raízes. O jazz era um produto dos afro-americanos, um grupo cultural distinto da América. Embora os primeiros blues cantassem distintamente as tristezas das pessoas deslocadas, o jazz era outra coisa. A classe operária afro-americana que deu origem ao jazz não estava sujeita à educação de outros músicos brancos; os menestréis negros conseguiram escapar da pressão de “europeizar” sua arte. A cultura (com a letra maiúscula C) exigia essencialmente que os americanos preferissem, elogiassem e reiterassem todas as coisas européias. Livre dessas restrições, o jazz progrediu de maneira desconhecida. Em 1925, Irving Berlin chamou o jazz de “música folclórica americana” e citou influências que vão desde “antigas canções do sul” e “espirituais negras” a um “matiz russo e italiano”, mas Berlin concluiu que “tipicamente Americano acima de tudo “. Como a nação onde foi criado, o jazz misturou influências étnicas e culturais separadas em um produto novo e diferente, combinando elementos da identidade negra com outras influências de imigrantes. Incorporou os sons do sul e os elementos modernos e adaptados das linhas urbanas. O jazz era distintamente americano na medida em que misturava o caráter de diferentes povos, mas ainda deixava o indivíduo ter a chance de se expressar em um solo de improvisação e, portanto, afirmava o “individualismo acidentado” que já caracterizava a nação. Além disso, o jazz começou a quebrar a barreira entre o performer e o público. Ela “democratizou” a cultura, tornando-a acessível à pessoa comum.

Jazz como moderno
O jazz é distintamente moderno em som e maneira. De acordo com Lawrence Levine, “Jazz era, ou parecia ser o produto de uma nova era … estridente, discordante … acessível, espontânea … abertamente uma música interativa e participativa”. Daniel Gregory Mason afirmava que o jazz “é tão perfeitamente adaptado aos robôs que um pode ser deduzido do outro. O jazz é, portanto, a exata reflexão musical do capitalismo industrial modernista”, e o jazz também foi comparado ao som de rebitar. Irving Berlin chamou o jazz de “música da era da máquina”. Os jogadores atraíram influências da conversa diária de rua no Harlem, bem como das pinturas impressionistas francesas. A natureza improvisada pede ao jogador que desmonte e examine a estrutura pré-existente dentro da música. Como tributo à modernidade do jazz, basta examinar as várias mídias que atraíram influências da música. O musical Shuffle Along é uma das primeiras e mais bem sucedidas adaptações de jazz ao palco, balés de jazz apareceram no Metropolitan Theatre de Nova York, Langston Hughes e Sterling Brown atraíram a poesia da música jazz que experimentaram e a música jazz coloriu as pinturas de Aaron. Douglas, Miguel Covarrubias e muitos outros.

Artes visuais

Pintura modernista americana
Não há uma data única para o início da era moderna na América, pois dezenas de pintores estavam ativos no início do século XX. Foi a época em que surgiram as primeiras paisagens cubistas, a natureza morta e os retratos; cores brilhantes entraram nas paletas dos pintores, e as primeiras pinturas não objetivas foram exibidas nas galerias.

O movimento modernista durante os anos de formação também estava se tornando popular em Nova York em 1913 na popular galeria de estúdio de Wilhelmina Weber Furlong em Manhattan (1878-1962) e através do trabalho do Whitney Studio Cub em 1918. De acordo com Davidson, o começo da pintura modernista americana pode ser datada de 1910. A parte inicial do período durou 25 anos e terminou por volta de 1935, quando a arte moderna foi referida como o que Greenberg chamou de vanguarda.

O 1913 Armory Show, em Nova York, exibiu o trabalho contemporâneo de artistas europeus, bem como americanos. As pinturas impressionistas, fauvistas e cubistas surpreenderam muitos espectadores americanos acostumados à arte mais convencional. No entanto, inspirados pelo que viram, muitos artistas americanos foram influenciados pelas ideias novas e radicais.

O início do século XX foi marcado pela exploração de diferentes técnicas e formas de expressividade artística. Muitos artistas americanos como Wilhelmina Weber, Man Ray, Patrick Henry Bruce, Gerald Murphy e outros foram para a Europa, notavelmente Paris, para fazer arte. A formação de várias assembléias artísticas levou à multiplicidade de significado nas artes visuais. A Escola Ashcan reuniu-se em torno do realismo (Robert Henri ou George Luks); o círculo de Stieglitz glorificou visões abstratas da cidade de Nova York (Max Weber, Abraham Walkowitz); pintores de cores evoluíram em direção às coloridas e abstratas “sincromias” (Stanton Macdonald-Wright e Morgan Russell), enquanto o rigorismo visualizou a paisagem industrializada da América na forma de geometrização aguda e dinâmica (Joseph Stella, Charles Sheeler, Morton Livingston Schamberg e Charles Demuth). Eventualmente artistas como Charles Burchfield, Marsden Hartley, Stuart Davis, Arthur Dove, Georgia O’Keeffe, que foi pensado como a mãe do modernismo americano, John Marin, Arthur Beecher Carles, Alfred Henry Maurer, Andrew Dasburg, James Daugherty, John Covert, Henrietta Shore, William Zorach, Marguerite Thompson (Zorach), Manierre Dawson, Arnold Friedman e Oscar Bluemner deram início à era do Modernismo na Escola de Nova York.

A mudança de foco e multiplicidade de temas nas artes visuais é também uma característica da arte modernista americana. Assim, por exemplo, o grupo The Eight trouxe o foco para a cidade moderna e enfatizou a diversidade de diferentes classes de cidadãos. Dois dos mais importantes representantes do Oito, Robert Henri e John Sloan, fizeram pinturas sobre a diversidade social, muitas vezes tomando como assunto principal os moradores das favelas das cidades industrializadas. O final da década de 1920 e a década de 1930 pertenciam (entre muitos outros) a dois movimentos da pintura americana, o regionalismo e o realismo social. Os regionalistas concentraram-se no colorido da paisagem americana e nas complexidades da vida no campo, enquanto os realistas sociais foram para os temas da Grande Depressão, da pobreza e da injustiça social. Os realistas sociais protestaram contra o governo e o establishment que pareciam hipócritas, preconceituosos e indiferentes às questões das desigualdades humanas. Abstração, paisagem e música foram temas modernistas populares durante a primeira metade do século XX. Artistas como Charles Demuth, que criou sua obra-prima, Morton Schamberg (1881-1918) e Charles Sheeler, também estavam intimamente relacionados ao movimento Precisionista. Sheeler tipicamente pintava paisagens urbanas e arquitetura industrial como exemplificado por sua pintura Amoskeag Canal de 1948. Jazz e música foram improvisadamente representados por Stuart Davis, como exemplificado por Hot Still-Scape para Six Colors – 7th Avenue Style, de 1940.

O modernismo preencheu a lacuna entre a arte e um público socialmente diversificado nos EUA. Um número crescente de museus e galerias com o objetivo de trazer modernidade para o público em geral. Apesar da resistência inicial à celebração do progresso, tecnologia e vida urbana, as artes visuais contribuíram enormemente para a autoconsciência e conscientização do povo americano. A nova pintura modernista iluminou os estados emocionais e psíquicos do público, fundamentais para a formação de uma identidade americana.

Numerosas direções do “modernismo” americano não resultaram em um estilo coerente, mas evocaram o desejo por experimentos e desafios. Provou que a arte moderna vai além de princípios fixos.

Escolas principais e movimentos do modernismo americano
o grupo Stieglitz
o círculo de Arensberg
pintores de cor
Precisionismo
os independentes
a escola da Filadélfia
Independentes de Nova York
Chicago e para o oeste

Pintura modernista
Georgia O’Keeffe, conhecida como a “mãe do modernismo americano”, tem sido uma figura importante no modernismo americano desde a década de 1920. Ela recebeu amplo reconhecimento, por desafiar os limites do moderno estilo artístico americano. Ela é conhecida principalmente por pinturas de flores, rochas, conchas, ossos de animais e paisagens em que ela sintetizou abstração e representação. Cabeça de Carneiro Branco Hollyhock e Little Hills, de 1935 é uma pintura bem conhecida por O’Keeffe.

Arthur Dove usou uma ampla gama de mídias, às vezes em combinações não convencionais para produzir suas abstrações e suas paisagens abstratas. Me and the Moon, de 1937, é um bom exemplo de uma paisagem abstrata de Arthur Dove e tem sido referido como um dos trabalhos culminantes de sua carreira. Dove fez uma série de trabalhos de colagem experimental na década de 1920. Ele também experimentou técnicas, combinando tintas como óleo misturado à mão ou têmpera sobre uma emulsão de cera.

O pintor afro-americano Aaron Douglas (1899–1979) é um dos pintores modernistas afro-americanos mais conhecidos e influentes. Seus trabalhos contribuíram fortemente para o desenvolvimento de um movimento estético que está intimamente relacionado a características distintas da herança e cultura afro-americanas. Douglas influenciou artes visuais afro-americanas, especialmente durante o Renascimento do Harlem.

Uma das pinturas mais populares de Douglas é a Crucificação. Foi publicado em God’s Trombones, de James Weldon Johnson, em 1927. A cena da crucificação mostrada na pintura mostra vários elementos que constituem a arte de Douglas: delineação clara, mudança de sombras e luz, corpos humanos estilizados e figuras geométricas como círculos concêntricos em contraste com formas lineares. O tema da pintura se assemelha não apenas à cena bíblica, mas também pode ser visto como uma alusão à tradição religiosa afro-americana: o enorme Jesus escuro está carregando sua cruz, seus olhos direcionados para o céu, do qual a luz é lançada sobre seus seguidores. Soldados romanos estilizados estão flanqueando a cena com suas lanças pontiagudas. Como resultado, o observador é lembrado, por exemplo, da tradição evangélica afro-americana, mas também de uma história de supressão. Beauford Delaney, Charles Alston, Jacob Lawrence e Romare Bearden também foram importantes pintores modernistas afro-americanos que inspiraram gerações de artistas que os seguiram.

Fotografia modernista
No início do modernismo americano, a fotografia ainda lutava para ser reconhecida como uma forma de arte. O fotógrafo Alfred Stieglitz descreveu: “Artistas que viram minhas fotos anteriores começaram a me dizer que me invejavam; que sentiam que minhas fotografias eram superiores às suas pinturas, mas que, infelizmente, a fotografia não era uma arte. Eu não conseguia entender por que os artistas deveriam me invejar pelo meu trabalho, mas, ao mesmo tempo, condená-lo porque foi feito à máquina. ” (Stieglitz: 8). Em 1902, Stieglitz fundou o grupo Foto-Secessão com membros como Edward Steichen, Gertrude Käsebier e Clarence Hudson White, que tinham o objetivo de elevar o padrão e aumentar a consciência da fotografia artística. Nesse ponto, seu estilo principal era pictorialista, que era conhecido por modificar fotos através de foco suave, filtros especiais ou processos de impressão exóticos, para imitar o estilo de pinturas e gravuras da época. Como meio de publicação, Stieglitz, como força motriz do movimento, iniciou a revista Camera Work, na qual publicava artistas que ele sentia representarem o movimento. Ele também correu três galerias uma após a outra, ou seja, “291” (1905-1917), “A Galeria Íntima” (1925-1929) e “An American Place” (1929-1947). Especialmente 291 serviu como um ponto de encontro para artistas e escritores e foi o primeiro a expor as primeiras obras de arte modernistas de artistas europeus, como Henri Matisse, Auguste Rodin, Henri Rousseau, Paul Cézanne e Pablo Picasso, nos Estados Unidos. Um outro elo com a vanguarda européia foi estabelecido por Man Ray. Nascido nos Estados Unidos e inspirado pelo trabalho que viu nas galerias de Stieglitz, Ray emigrou para Paris em 1921 e, juntamente com artistas dos movimentos Dada e Surrealista europeus, criou novas técnicas fotográficas, como rayographs (colocação de objetos diretamente em papel fotossensível).

No início dos anos 20, os fotógrafos se dirigiram para o que eles chamavam de fotografia direta. Em contraste com o estilo pictorialista, eles agora rejeitavam qualquer tipo de manipulação no processo fotográfico (por exemplo, lentes flexíveis, métodos especiais de revelação ou impressão) e tentavam usar as vantagens da câmera como um meio único para capturar a realidade. Seus motivos deveriam parecer o mais objetivos possíveis. Desviando o foco do retrato clássico e do estilo pictorialista, os fotógrafos começaram a usar suas imagens como meio de representar as duras realidades da vida cotidiana, mas ao mesmo tempo tentaram buscar a beleza nos detalhes ou na estrutura estética geral. Máquinas e trabalho de fábrica, arranha-céus e inovações técnicas tornaram-se motivos proeminentes. Em 1932, alguns fotógrafos mais jovens (por exemplo, Ansel Adams, Imogen Cunningham, Willard Van Dyke e Edward Weston) iniciaram o Grupo f / 64 com base nos ideais da fotografia direta, que se tornou a associação mais progressista do seu tempo.

Feminismo, gênero e sexualidade

Desenvolvimento do feminismo
A partir do início do século XIX, algumas mulheres usaram as doutrinas da feminilidade ideal para evitar o isolamento da esfera doméstica. Na década de 1830, as mulheres desafiavam abertamente a esfera das mulheres e exigiam maiores direitos políticos, econômicos e sociais. Eles formaram clubes femininos e sociedades benevolentes em todo os EUA. O domínio masculino da arena pública não estava mais dentro dos limites aceitáveis ​​para muitas dessas mulheres ativistas de classe média. Começando com a Convenção de Seneca Falls em 1848, as feministas americanas realizaram convenções estaduais e nacionais até o início do século XX. Algumas porta-vozes do movimento feminista ligaram a causa feminista ao amor livre e à revolução sexual, que eram as questões tabus da era vitoriana. Portanto, feministas na Grã-Bretanha e nos Estados Unidos concentraram-se em questões políticas e legais, o voto em particular, e outras questões importantes das mulheres em relação aos papéis domésticos das mulheres e à organização da vida doméstica em geral.

Eventualmente, depois de uma longa e dura luta que incluiu protestos maciços, às vezes violentos, a prisão de muitas mulheres e até mesmo algumas mortes, a batalha pelo sufrágio feminino foi vencida. A lei sufragista foi aprovada nos Estados Unidos em 1920 para mulheres que eram chefes de família ou esposas de chefes de famílias e em 1928 para todas as mulheres adultas. (As mulheres afro-americanas não foram incluídas. Apenas receberam o direito de votar no Movimento pelos Direitos Civis dos anos 60.) A Organização Nacional para as Mulheres (NOW) foi fundada em 1966 por um grupo de feministas. O maior grupo de direitos das mulheres nos EUA agora tinha como objetivo acabar com a discriminação sexual, especialmente no local de trabalho, por meio de lobby legislativo, litígios e manifestações públicas. Os anos seguintes do final do século XX testemunharam uma grande expansão dos direitos das mulheres em todas as áreas da sociedade moderna. Os artistas modernistas tinham uma atitude ambivalente em relação ao feminismo: por um lado, optaram pela igualdade de tratamento entre homens e mulheres no que diz respeito à lei, franquia e profissões; por outro lado, ainda tinham em mente as inadequações femininas percebidas em termos de biologia, cultura e transcendência. Como a feminista radical Emma Goldman proclamou, “a verdadeira libertação não começa nas urnas nem nos tribunais [mas sim] na alma de uma mulher” (qtd. Em Lyon 223).

Gênero e sexualidade
Os papéis de gênero e sexualidade no modernismo americano foram elaborados através de estudos de identidade nacional e cidadania, identidade racial e política racial, identidade e estética queer, cultura de revista, cultura visual, economias de mercado e relatos históricos da modernidade política do século XX. Um trabalho imenso feito por estudiosos do feminismo, gênero e sexualidade ajudou a reestruturar o campo da erudição modernista americana. As escritoras de mulheres tornaram-se os sujeitos do estudo literário extenso. As comunidades de gays e lésbicas foram reavaliadas como padrões de experimentação estética moderna, e a identidade sexual e a formação de gênero foram interpretadas de uma nova maneira.

A virada da vida cultural do século XX viu uma mudança para uma dicotomia da cultura de massa versus alta cultura, com a primeira geralmente considerada feminina e a alta cultura pensada para o masculino. A ficção popular anteriormente denunciada agora servia ao propósito feminista. “Ele formou a base para as defesas de uma nova fase de amor livre e a promoção concomitante do controle de natalidade.” (Lyon 225)

Vida cotidiana e cultura
O movimento modernista causou grandes mudanças nas sociedades em que ocorreu. Com a introdução de desenvolvimentos industriais, o povo americano começou a apreciar o resultado da nova era modernista. A vida cotidiana e a cultura são as áreas que refletem a mudança social nos hábitos da sociedade. Desenvolvimentos que ocorreram com o modernismo influenciaram os padrões de vida das pessoas americanas e deram lugar a um novo estilo de vida.

moda
Referindo-se à moda, normalmente se pensaria em estilos de vestir ou fantasias. É claro que o estilo de vestir é uma categoria muito importante da palavra “moda”. Por outro lado, a “moda” tem mais significados e pode ser explicada e encontrada em muitos outros campos, como arquitetura, tipo de corpo, dança e música, e até formas de fala, etc.

1. Fantasias
No início da década de 1920, a moda pronta começou a espalhar a América. Mais mulheres ganhavam seus próprios salários e não queriam gastar tempo em acessórios. A moda como símbolo de status não era mais importante, pois as distinções de classe estavam se tornando indistintas. Pessoas especialmente mulheres pediam moda barata. No aspecto da produção em massa de roupas de estilo contemporâneo para as mulheres, os Estados Unidos foram à frente de outros países. Vários designers dessa moda, incluindo Jane Derby, fizeram uma pose de palco.

Mulheres: em 1921, a saia mais longa, que geralmente era longa e irregular na parte inferior, estava desatualizada. A saia curta tornou-se popular em 1925. Sem peito, sem cintura e cabelos quase escondidos sob um chapéu cloche. A fabricação de cosméticos também começou a partir desta década. Pó, batom, rouge, lápis de sobrancelha, sombra para os olhos, unhas coloridas, as mulheres tinham todos eles. Além disso, as pérolas também vieram na moda.

Homens: Neste período, a roupa masculina era mais conservadora. Calças alargadas para 24 polegadas no fundo. Calcinhas, aumentaram a largura e comprimento, foram chamados mais quatro. No verão, o linho branco era popular, enquanto no inverno um casaco americano – o casaco de guaxinim – estava na moda. O chapéu desleixado, feito de feltro, podia ser enrolado e colocado em uma mala. Estes eram muito populares entre os universitários.

2. Móveis Não há estilo moderno americano puro no mundo do design. Os artistas modernos americanos herdaram o estilo caracterizado pela simplicidade de forma, ausência de ornamentos decorativos e focados em preocupações funcionais de seus precedentes. Ao mesmo tempo, os designers americanos misturaram o estilo selvagem da pintura parisiense, bem como as características da arquitetura moderna em suas obras, como Art Deco. Além disso, os designers também deram muita ênfase aos materiais, especialmente aqueles inventados na era moderna.

Literatura modernista americana
A literatura modernista americana foi uma tendência dominante na literatura americana entre a Primeira Guerra Mundial e a Segunda Guerra Mundial. A era modernista destacou a inovação na forma e na linguagem da poesia e da prosa, além de abordar vários tópicos contemporâneos, como as relações raciais, o gênero e a condição humana. Muitos modernistas americanos se tornaram expatriados na Europa durante esse tempo, muitas vezes se tornando fiéis no movimento europeu, como foi o caso de TS Eliot, Ezra Pound e Gertrude Stein. Esses escritores eram conhecidos como The Lost Generation.

Como reação a essa tendência, muitos autores e poetas americanos iniciaram uma tendência de “nativismo”, procurando representar a moderna experiência americana na América. Contribuintes notáveis ​​para esta tendência incluem William Carlos Williams, Wallace Stevens e Marianne Moore. Esses poetas costumavam criticar os trabalhos de escritores expatriados como Eliot e Pound, evidenciados por poemas como Spring e All.

Influenciados pela primeira Guerra Mundial, muitos escritores modernistas americanos exploraram as feridas psicológicas e as cicatrizes espirituais da experiência de guerra. A crise econômica na América no início dos anos 1930 também deixou uma marca na literatura, como The Grapes of Wrath, de John Steinbeck. Uma questão relacionada é a perda de si mesmo e a necessidade de autodefinição, à medida que os trabalhadores se desvaneciam no pano de fundo da vida da cidade, engrenagens despercebidas dentro de uma máquina que ansiava por autodefinição. Modernistas norte-americanos ecoaram o foco de meados do século XIX na tentativa de “construir um eu” – um tema ilustrado por The Great Gatsby, de Fitzgerald. A loucura e suas manifestações parecem ser outro tema modernista favorito, como visto em The Emperor Jones, de Eugene O’Neill, The Battler, de Hemingway, e That Evening Sun, de Faulkner. No entanto, todos esses aspectos negativos levaram a novas esperanças e aspirações, e à busca de um novo começo, não apenas para os indivíduos contemporâneos, mas também para os personagens fictícios da literatura modernista americana.

A nova crítica na América
Da década de 1930 à década de 1960, New Criticism tornou-se uma força crítica nos Estados Unidos. Foi a perspectiva mais poderosa da crítica literária americana. Os representantes foram John Crowe Ransom, Allen Tate, Cleanth Brooks e Robert Penn Warren. “Os métodos críticos influentes que esses professores-poetas desenvolveram enfatizaram o aprimoramento das habilidades de leitura. A nova crítica privilegiou a avaliação da poesia como a justificativa da erudição literária”. Brooks e Warren’s Understanding Poetry (1938) tornaram-se um dos mais influentes livros-texto de poesia universitária dos anos 30 e foram revisados ​​e reimpressos até os anos 1970. (Morrisson: 29).

Novas críticas se mostraram em obras como os poemas de Eliot e Yeats. “A poesia que melhor se enquadra nos critérios estéticos dos Novos Críticos foi enfatizada em importantes antologias de ensino em sala de aula” (Morrisson, 29). TS Eliot redefiniu a tradição em seu ensaio “Tradição e o talento individual”. Ele formulou conceitos críticos como “correlativo objetivo” e repensou o cânone literário em sua elevação do drama jacobeu e da poesia metafísica. Seu trabalho teve uma influência fundamental na Nova Crítica na América.

Arquitetura e espaço
Os Estados Unidos desempenharam um papel importante no movimento do modernismo em relação às novas tecnologias avançadas de construção e construção.Entre as inovações de construção estão materiais como ferro, aço e concreto armado. Ponte do Brooklyn por John e Washington Roebling (1869–1883) (para mais detalhes, consulte John Roebling / Washington Roebling)

Louis Henry Sullivan liderou a chamada escola de arquitetura de Chicago, que era distinta por seu desenvolvimento de design funcional junto com materiais modernos. O seguidor de Sullivan, Frank Lloyd Wright, absorveu de seu “lieber Master” (querido mestre) a tradição romântica alemã da arquitetura orgânica. Ele desenvolveu uma abordagem nova e original para o design residencial antes da Primeira Guerra Mundial, que ficou conhecida como o “estilo da pradaria”. Combinava princípios de planejamento aberto com ênfase horizontal, elevações de fachadas assimétricas e tetos abrigos largos. Robie House em Chicago (1909) e o Museu Guggenheim em Nova York (1946-1959) são dois de seus trabalhos seminais.

Em suas obras, Wright se aproximava cada vez mais de um senso de forma natural ligado à terra, usando pedra e madeira toscas e mirando sempre em suas casas para conseguir um efeito de abrigo íntimo e protetor.

Arquitetos estrangeiros como Richard Neutra, Rudolf Schindler e William Lescaze durante a década de 1920 desempenharam um papel importante no desenvolvimento da arquitetura americana, executando posteriormente um estilo, que ganhou o nome de estilo internacional e se refletiu no design de edifícios de escritórios corporativos após a World Segunda Guerra. Edifícios como o Lever House de Skidmore, Owings e Merrill (1952) e o Seagram Building de Ludwig Mies van der Rohe (1956-1958) em Nova York são exemplos desse novo estilo. Quando europeus famosos como Walter Gropius e Ludwig Mies van der Rohe imigraram para os Estados Unidos, muitas escolas de arquitetura americanas foram influenciadas pelas tradições da Bauhaus na Alemanha.