美国现代主义（American modernism），就像现代主义运动一般，是现代性时代文化和社会普遍变化所引发的哲学思潮的一种趋势。 美国现代主义是20世纪初美国的一场艺术和文化运动，是第一次世界大战和第二次世界大战之间的核心时期。 和欧洲同行一样，美国的现代主义源于拒绝启蒙运动的思想，试图更好地在一个新的，更加工业化的世界中代表现实。
历史
特征在于，现代主义艺术具有抽象倾向，具有创新性，审美性，未来性和自我指涉性。 它包括视觉艺术，文学，音乐，电影，设计，建筑以及生活方式。 它反对历史主义，艺术惯例和艺术制度化。 艺术不仅要在学院，剧院或音乐厅进行处理，还要包含在日常生活中，并让所有人都可以使用。 此外，专注于美术和文学的文化机构很少关注现代主义的革命风格。 咆哮二十年代期间美国的经济和技术进步引起了广泛的乌托邦主义，这影响了一些现代主义艺术家，而另一些人对技术的拥抱持怀疑态度。 第一次世界大战的胜利证实了美国作为国际球员的地位，给了人民自信和安全感。 在这种背景下，美国现代主义将美国艺术的开端标志为与欧洲品味截然不同的独立艺术，其突破了欧洲传统之前形成的艺术惯例。
美国现代主义得益于移民文化的多样性。 艺术家受到非洲，加勒比海地区，亚洲和欧洲民间文化的启发，并在作品中融入了这些异域风情。
美国现代主义运动反映了20世纪美国人的生活。 在快速工业化的世界里，生活节奏加快，个体容易被浩瀚的事物吞噬，徘徊，失去目的。 种族，阶级，性别，财富和宗教的社会界限正在受到挑战。 由于社会结构受到新的观点的挑战，传统标准和社会结构的界限消失了，身份的丧失仍然存在，最终导致孤立，疏远和与任何“整体”分离的整体感觉。 一个战争胜利的国家的团结正在消失，伴随着它向它的士兵和人民出售的愉快幻想。 这个世界留下了暴力，庸俗和精神空虚。
中产阶级的工人陷入了一个明显不明显的位置，一个齿轮太小，不希望在更大的机器中获得认可。 公民们被自己的徒劳所克服。 年轻人的梦想在失败和失去承认极限和失落的幻灭中失败。 幻灭和流浪者的生活变得更加重要。 通过努力工作和机智来定义自我，在没有传统方式的帮助下创建自己的愿景，变得珍贵。 一些作者赞同这一点，而其他人，如F.斯科特菲茨杰拉德，则质疑如何诱惑，但具有破坏性的虚假特权价值。
现代主义美国必须在一个不再信仰统一的世界中找到共同点。 发现的统一性在于人类经验中共同意识的共同基础。 强调个人的重要性; 人类经验真正有限的性质在种族，阶级，性别，财富或宗教的所有桥梁之间形成了纽带。 社会以这种方式发现了共同的意义，即使在混乱中也是如此。
有些人认为19世纪唯美主义传统中的现代主义和“为艺术而艺术”运动。 克莱门特格林伯格认为，现代主义艺术排除了“自身以外的任何事物”。 其他人则把现代主义艺术看作蓝调和爵士音乐，作为情感和情绪的媒介，许多作品涉及当代问题，如女权主义和城市生活。 一些艺术家和理论家甚至为美国现代主义增添了政治层面。
美国现代主义的设计和建筑使人们能够领导现代生活。 由于上世纪20年代的经济增长，工作和家庭生活发生了剧烈而迅速的变化。 在美国，汽车变得很受欢迎，许多人都能买得起，闲暇时间和娱乐活动变得越来越重要，为女性开辟了就业市场。 为了让生活更有效率，设计师和建筑师旨在简化家务劳动。
20世纪30年代末和30年代的大萧条使人们对这个国家的经济稳定感到失望，并侵蚀了乌托邦思想。 第二次世界大战的爆发和恐怖引起心理上的进一步变化。 随后的战后时期被称为晚现代主义。 后现代主义时代被普遍认为是20世纪80年代后期艺术的特征。
爵士乐
早在20世纪，爵士乐就从布鲁斯传统演变而来，还融入了许多其他音乐和文化元素。 在被认为是爵士乐诞生地的新奥尔良，音乐家从西班牙和法国殖民影响力的涌入中受益。 在这个城市，独特的种族文化混合和宽松的种族禁止使得非裔美国人比南方其他地区的影响力更大。 西美战争使得北方士兵以他们的乐队来到该地区。 由此产生的音乐采用了新的铜管乐器的声音。 在大迁徙期间，爵士乐从新奥尔良传播到纽约，芝加哥和其他城市，并在整个过程中融入了新的声音。 纽约市哈林成为爵士乐时代的新中心。
爵士乐 – 融合的音乐
作为美国文化的核心元素，爵士音乐源于黑奴文化。 音乐将来自非洲的呼叫和响应模式的元素结合到其仪器和即兴演奏中。 在开始阶段，爵士乐受到部分白人的批评，他们认为爵士乐和拉格泰姆节奏是“野蛮的轰炸和爆炸”，并将该流派贬为“不是创新者，而是不称职者”的产品。 它的表现力和动荡风格最初在公众脑海中受到种族刻板印象的影响，并在怀疑拒绝中广泛遭遇。 尽管这种对黑人文化意义上升的仇恨现象，美国作家劳伦斯W.列文解释爵士乐作为国家意识转变的催化剂的作用：
在文化方面，我们仍然远远超出了我们尚未认识到的程度，一个殖民者试图在前皇权的阴影下定义自己。 爵士乐表达了我们自己的另一面，努力认识到我们新的积极方面和我们的异质性; 我们学会对我们的大部分遗产来自非洲和其他非欧洲来源的事实感到满意; 并且在各种融合文化中得到承认，这些文化成为美国特有的一个尴尬弱点，但却是动力源泉。
毕竟，在爵士乐的本质中，努力实现黑人和白人之间的文化融合; 根据萨克斯手索尼罗林斯的说法，“爵士乐一直是融合的音乐。” 在二十世纪二十年代和三十年代，爵士乐获得了相当的知名度，并且引起了对被艺术，个人以及文化表达自由所吸引的年轻白人的兴趣，这种新的音乐形式不得不提供。 着名的白人音乐家，如Benny Goodman，Gene Krupa，Milton Mezzrow，Muggsy Spanier或者Joe Sullivan，都受到了像路易斯阿姆斯特朗这样的非裔美国人的启发。 爵士乐的接受很快就传遍了大西洋，到了20世纪中期，它变得国际化。 今天，爵士音乐被认为是美国文化中不可或缺的一部分，这是美国独特的本土音乐，是美国黑人文化的全球代表。
爵士乐是美国人
1923年出版的“纽约时报”上的一篇文章宣称爵士乐是“……美国对艺术的贡献，作为这个国家音乐民间传说的一部分，它被世界所认可：它与美国一样，如门罗主义或七月四日，或棒球。“
爵士的美国人从根源开始。 爵士乐是非裔美国人的产物，这是一个与美国不同的文化群体。 虽然早期的布鲁斯清楚地唱出了流离失所者的悲伤，但爵士乐是另一回事。 产生爵士乐的非洲裔美国劳工阶层不受其他白人音乐家的教育; 黑人吟游诗人能够摆脱“欧化”艺术的压力。 文化（大写字母C）本质上要求美国人喜欢，赞扬并重申欧洲的一切。 没有这些限制，爵士乐以一种未知的方式前进。 1925年，欧文柏林将爵士乐称为“美国民间音乐”，并引用了从“旧南方歌曲”和“黑人精神”到“俄罗斯和意大利民歌”的影响，但柏林认为它是“典型的首先是美国人。“ 就像它创作的国家一样，爵士乐将不同的种族和文化影响融合为一种新的不同的产品，将黑色身份与其他移民影响相结合。 它融合了南方和现代的声音，以及城市天际线中的适应元素。 爵士乐显然是美国人，因为它融合了不同民族的性格，但仍然让个人有机会以即兴独奏的方式表达自己，因此声称已经是国家特征的“坚固的个人主义”。 此外，爵士乐开始打破表演者和观众之间的隔阂。 它使文化“民主化”，使普通人可以使用。
爵士如同现代
爵士乐的声音和风格都非常现代。 根据劳伦斯莱文的说法，“爵士乐或似乎是新时代的产物……喧嚣，不协调……易于接近，自发……公开的互动式参与式音乐。” 丹尼尔格雷戈里梅森指出，爵士乐“非常适合机器人，可以从另一个角度推断出爵士乐，因此爵士乐就是现代主义工业资本主义的精确音乐反映”，爵士乐也被比喻为铆接声。 欧文柏林称爵士乐是“机器时代的音乐”。 玩家们受到哈林区日常街头谈话以及法国印象派画作的影响。 即兴的自然乞求玩家拆除和检查音乐中的预先存在的结构。 作为对爵士乐现代性的赞扬，人们只需要研究吸引音乐影响的各种媒体。 音乐剧Shuffle Along是舞台上最早和最成功的爵士乐之一，爵士芭蕾舞剧出现在纽约市的大都会剧院，兰斯顿休斯和斯特林布朗从他们所经历的爵士音乐中汲取诗歌，爵士音乐为亚伦的画作上色Douglas，Miguel Covarrubias等等。
视觉艺术
美国现代主义绘画
美国现代时代的开始没有单一的日期，因为在20世纪初有数十位画家活跃于此。 当时是第一个立体主义风景，静物和肖像出现的时候， 鲜艳的色彩进入画家的调色板，第一批非客观的画作在画廊展出。
成长期间的现代主义运动也在1913年在曼哈顿的Wilhelmina Weber Furlong工作室（1878-1962）和1918年Whitney Studio Cub的工作中在纽约市流行开来。根据Davidson，开头美国现代主义绘画可以追溯到20世纪10年代。 这个时期的早期历时25年，结束于1935年左右，当时的现代艺术被称为格林伯格称之为前卫。
纽约市1913年的军械库展览展示了欧洲艺术家以及美国人的当代作品。 印象派，野兽派和立体派绘画让许多习惯于更传统艺术的美国观众吃惊。 然而，从他们看到的启发来看，许多美国艺术家受到激进和新思想的影响。
20世纪初以探索不同的技术和艺术表现方式为标志。 许多美国艺术家像威廉敏娜韦伯，曼雷，帕特里克亨利布鲁斯，杰拉尔德墨菲等人前往欧洲，尤其是巴黎，以制作艺术品。 各种艺术集会的形成导致了视觉艺术的多重意义。 Ashcan学校围绕现实主义聚集（罗伯特亨利或乔治卢克斯）; 斯蒂格利茨圈荣耀了纽约市的抽象愿景（马克斯韦伯，亚伯拉罕沃沃威茨）; （斯坦顿麦克唐纳 – 赖特和摩根罗素）的方向发展，而精确主义以锐利和动态的几何化的形式将美国的工业化景观形象化（Joseph Stella，Charles Sheeler，Morton Livingston Schamberg和Charles Demuth）。 最终艺术家有Charles Burchfield，Marsden Hartley，Stuart Davis，Arthur Dove，被认为是美国现代主义母亲的Georgia O’Keeffe，John Marin，Arthur Beecher Carles，Alfred Henry Maurer，Andrew Dasburg，James Daugherty，John Covert， Henrietta Shore，William Zorach，玛格丽特汤普森（Zorach），Manierre Dawson，阿诺德弗里德曼和奥斯卡布鲁纳在纽约学校迎来了现代主义时代。
视觉艺术中的焦点和多重主题的转移也是美国现代主义艺术的一个标志。 因此，例如，八国集团把重点放在现代城市上，并强调不同阶层公民的多样性。 “八国集团”中最重要的两位代表罗伯特·亨利和约翰·斯隆对绘画进行了关于社会多样性的研究，通常将工业化城市的贫民窟居民作为主要对象。 20世纪20年代后期和20世纪30年代属于美国绘画中的两种运动（区域主义和社会现实主义）。 地区主义者关注美国风景的丰富多彩和乡村生活的复杂性，而社会现实主义者则进入了大萧条，贫穷和社会不公的现实主义。 社会现实主义者对政府和对人类不平等问题表现出虚伪，偏见和漠不关心的政府提出了抗议。 抽象，风景和音乐是20世纪上半叶流行的现代主义主题。 像Charles Demuth这样的艺术家在1928年创作了他的杰作“我看到了金色的图五”，Morton Schamberg（1881-1918）和Charles Sheeler也与精密运动密切相关。 Sheeler通常画他的绘画Amoskeag运河1948例证的城市风景和工业建筑学。爵士乐和音乐由Stuart戴维斯即兴代表，例如从1940年的热的六种颜色的Still Still-Scape – 第7大道样式。
现代主义填补了美国艺术与社会多元化观众之间的差距。越来越多的博物馆和画廊致力于为大众带来现代感。 尽管最初对庆祝进步，科技和城市生活的抵制，视觉艺术对美国人民的自我意识和意识作出了巨大贡献。 新的现代主义绘画突出了观众的情绪和心理状态，这是形成美国身份的基础。
美国“现代主义”的众多方向并没有产生一种连贯的风格，而是引发了对实验和挑战的渴望。 它证明了现代艺术超越了固定的原则。
美国现代主义的主要流派和运动
施蒂格利茨集团
阿伦斯贝格圈
彩色画家
精确主义
独立人士
费城学校
纽约独立人士
芝加哥和西部
现代主义绘画
格鲁吉亚O’Keeffe被称为“美国现代主义之母”，自20世纪20年代以来一直是美国现代主义的重要人物。 她受到了广泛的认可，挑战了现代美国艺术风格的界限。 她主要以花卉，岩石，贝壳，动物骨骼和风景画作而闻名，在这些画作中她综合了抽象和表现。 从1935年开始，Ram’s Head White Hollyhock和Little Hills是奥基夫的一幅着名画作。
Arthur Dove使用了各种各样的媒体，有时以非传统的方式组合他的抽象和抽象风景。 我和1937年的月亮是亚瑟多夫抽象景观的典范，并被称为他职业生涯中最高潮的作品之一。 20世纪20年代，鸽子做了一系列实验性的拼贴作品。 他还尝试了技术，将手工混合油脂或蛋彩石等涂料涂在蜡乳液上。
非裔美国人画家亚伦道格拉斯（1899-1979）是最着名和最有影响力的非洲裔美国现代主义画家之一。 他的作品为美学运动的发展做出了巨大贡献，这一运动与非裔美国人的传统和文化的鲜明特征密切相关。 道格拉斯影响非裔美国人的视觉艺术，特别是在哈莱姆文艺复兴时期。
道格拉斯最受欢迎的绘画之一是“被钉十字架”。 它于1927年在詹姆斯威尔登约翰逊的上帝的长号上发表。绘画中描绘的十字架场景显示了构成道格拉斯艺术的几个元素：明确的描绘，阴影和光线的变化，风格化的人体和几何图形作为同心圆与线性形式相反。 这幅画的主题不仅与圣经场景相似，而且还可以被视为暗示非裔美国人的宗教传统：超大的黑暗耶稣背着他的十字架，他的眼睛指向天堂，光线从天堂落到他的追随者身上。 程式化的罗马士兵用尖尖的长矛在场景的侧翼。 结果，观察者被提醒了例如非裔美国人的福音传统，但也有压制的历史。 博福德德莱尼，查尔斯阿尔斯通，雅各布劳伦斯和罗马尔比尔登也是重要的非洲裔美国现代主义画家，激励了跟随他们的几代艺术家。
现代摄影
在美国现代主义开始时，摄影仍然被认为是一种艺术形式。 摄影师阿尔弗雷德施蒂格利茨形容为：“看过我早期照片的艺术家开始告诉我他们羡慕我，他们觉得我的照片优于他们的绘画，但不幸的是，摄影不是艺术，我不明白为什么艺术家应该为我的工作羡慕我，然而，同一口气，谴责它，因为它是机器制造的。“ （斯蒂戈雷兹：8）。 1902年，施蒂格利茨与Edward Steichen，GertrudeKäsebier和Clarence Hudson White等成员一起成立了Photo-Secession小组，其目标是提高标准和提高艺术摄影意识。 在这一点上，他们的主要风格是图画家，以通过柔焦，特殊滤镜或异国情调的印刷工艺修改照片而闻名，模仿当时的绘画和版画风格。 对于出版手段，斯蒂格利茨作为运动的推动力量，开始了“相机工作”杂志，在那里他发表了他认为代表该运动的艺术家。 他还一个接一个地跑了三家画廊，分别是“291”（1905-1917），“亲密画廊”（1925-1929）和“美国广场”（1929-1947）。 特别是291作为艺术家和作家的交汇点，并且是第一个在美国展出欧洲艺术家的早期现代主义艺术作品，如Henri Matisse，Auguste Rodin，Henri Rousseau，PaulCézanne和Pablo Picasso。 Man Ray建立了与欧洲先锋派的进一步联系。 出生于美国，受到他在斯蒂格利茨画廊所见的作品的启发，雷于1921年移居巴黎，并与欧洲达达和超现实主义运动的艺术家一起创造了新的摄影技术，如X光片（将物体直接放置在光敏纸上）。
在20世纪20年代早期，摄影师走向他们所谓的直接摄影。 与图像风格相反，他们现在拒绝了摄影过程中的任何操作（例如，软镜头，特殊显影或印刷方法），并试图将相机的优点作为捕捉现实的独特媒介。 他们的主题应该尽可能客观。 将焦点从经典肖像和图像风格转移开来，摄影师开始使用他们的照片作为代表日常生活严酷现实的手段，但同时试图在细节或整体美学结构中寻找美。 机器和工厂工作，摩天大楼和技术创新成为突出的主题。 1932年，一些年轻的摄影师（如Ansel Adams，Imogen Cunningham，Willard Van Dyke，Edward Weston）以直摄摄影的理想为基础创立了f / 64组，该摄影成为了当时最具进步性的联想。
女权主义，性别和性
女性主义的发展
从19世纪初开始，一些女性运用理想女性的理论来避免孤立家庭领域。 到19世纪30年代，妇女公开挑战妇女的领域，要求更大的政治，经济和社会权利。 他们在美国各地组成了女性俱乐部和仁慈的社会。公共场所的男性统治对于许多这些中产阶级活动家的女性来说已经不再是可以接受的范围。 从1848年的塞内卡瀑布公约开始，美国女权主义者一直持有国家和国家公约，直到20世纪初。 女权运动的一些发言人将女权主义事业与自由恋爱和性革命联系在一起，这是维多利亚时代的禁忌问题。 因此，英国和美国的女权主义者集中关注政治和法律问题，特别是投票，以及其他重要的妇女问题，涉及妇女的家庭角色和一般的家庭生活组织。
最终，经过漫长而艰苦的斗争，包括大规模的，有时是暴力的抗议活动，许多妇女的监禁，甚至一些死亡，赢得了妇女选举权之争。 1920年在美国通过的选举权法是为妇女谁是户主或妻子的户主，并于1928年为所有成年妇女。 （非裔美国妇女不包括在内，她们只有在20世纪60年代的民权运动中获得投票权。）全国妇女组织（NOW）由一群女权主义者于1966年成立。 美国最大的女权组织现在旨在通过立法游说，诉讼和公开示威来终止性别歧视，尤其是在工作场所。 20世纪后期，随着现代社会所有领域的妇女权利的大幅扩张， 现代主义艺术家对女权主义有着矛盾的态度：一方面他们选择在法律，特许经营和职业方面平等对待男性和女性; 另一方面，他们仍然认为女性在生物学，文化和超越方面存在不足之处。 正如激进的女权主义者艾玛戈德曼所宣称的，“真正的解放既不是在民意调查中，也不是在法院（而是在女性的灵魂中）中开始的”（在里昂223）。
性别和性行为
通过研究国家认同和公民身份，种族身份和种族政治，同性恋身份与美学，杂志文化，视觉文化，市场经济和20世纪政治现代性的历史叙述，阐述了性别与性在美国现代主义中的作用。 女权主义，性别和性行为的学者所做的巨大工作有助于重构美国现代主义学术领域。 女作家已成为广泛文学研究的主题。 同性恋和女同性恋群体被重新定义为现代审美实验的模式，性别认同和性别形成以新的方式被解读。
20世纪的文化生活转向了大众文化与高级文化的二元对立，前者通常被认为是女性化的，而高度的文化思想则以男性为导向。 以前谴责流行小说现在符合女权主义的目的。 “它形成了防御自由恋爱新阶段和同时促进节育的基石。” （里昂225）
日常生活和文化
现代主义运动在其发生的社会中引起了巨大的变化。 随着工业的发展，美国人开始享受新现代主义时代的结果。 日常生活和文化是反映社会习惯变化的领域。 现代主义的发展影响了美国人的生活标准，让位于新的生活方式。
时尚
谈到时尚，通常会想到穿衣风格或服装。 当然，着装风格是“时尚”这个词的一个非常重要的类别。 另一方面，“时尚”具有更多的含义，可以在许多其他领域进行解释和发现，如建筑，体型，舞蹈和音乐，甚至言语形式等。
1.服装
在20世纪20年代早期，成衣时尚开始传播美国。 更多的女性赚取了自己的工资，并且不想花时间在配件上。 由于阶级差异变得模糊，时尚作为地位的象征并不重要。 人们尤其是女性需要廉价的时尚。 在现代服装女装批量生产方面，美国走在了前列。 包括Jane Derby在内的几位时装设计师创造了舞台姿势。
妇女：到1921年，裙子的长度通常较长且不均匀，已经过时。 短裙于1925年开始流行。没有胸部，没有腰围，头发几乎隐藏在克洛什帽子下面。 化妆品的制造也从这十年开始。 粉，口红，胭脂，眉笔，眼影，彩色指甲，女性都有。 此外，珍珠也流行。
男人：在这个时期，男性服装更保守。 裤子在底部加宽至24英寸。 增加宽度和长度的内裤被称为加四肢。 在夏季，白色亚麻布很受欢迎，而在冬季，美国外套 – 浣熊外套 – 很流行。 由毛毡制成的宽松帽子可以卷起来并装入手提箱中。 这些在大学男士中很受欢迎。
2.家具在设计领域没有纯粹的美式现代风格。 美国现代艺术家继承了以简单形式，缺少装饰物为特征的风格，并从他们的先例着眼于功能性关注。 与此同时，美国设计师在他们的作品中融合了巴黎绘画的狂野风格以及现代建筑的特征，如Art Deco。 此外，设计师还非常重视材料，尤其是那些在现代发明的材料。
美国现代主义文学
美国现代主义文学是第一次世界大战和第二次世界大战之间美国文学的主流趋势。 现代主义时代强调了诗歌和散文形式和语言的创新，以及诸如种族关系，性别和人类状况等众多当代话题。 许多美国现代主义者在此期间在欧洲成为外籍人士，往往成为欧洲运动中的坚强后盾，就像TS艾略特，埃兹拉庞德和格特鲁德斯坦的情况一样。 这些作家常被称为“迷失的一代”。
作为对这一趋势的反应，许多美国作家和诗人开始了“本土主义”的趋势，试图代表美国现代美国的经历。 这一趋势的显着贡献者包括William Carlos Williams，Wallace Stevens和Marianne Moore。 这些诗人经常批评诸如艾略特和庞德这样的外国作家的作品，正如Spring和All这样的诗歌所证明的。
受第一次世界大战的影响，许多美国现代主义作家探索了战争经历的心理创伤和精神创伤。 20世纪30年代初美国的经济危机也给文学留下了痕迹，如约翰斯坦贝克的“愤怒的葡萄”。 一个相关的问题是失去自我和需要自我定义，因为工作人员褪去了城市生活的背景，在一台机器内未被注意的齿轮渴望自我定义。 美国现代主义者回应19世纪中期关于“建立自我”的尝试 – 菲茨杰拉德的“伟大的盖茨比”所阐释的一个主题。 疯狂及其表现形式似乎是另一种最受欢迎的现代主义主题，如尤金奥尼尔的“琼斯皇帝”，海明威的“蝙蝠侠”以及福克纳的“那傍晚的太阳”。 尽管如此，所有这些消极方面都带来了新的希望和渴望，并为寻找一个新的开始，不仅为当代的个人，而且为美国现代主义文学中的虚构人物。
美国的新批评
从20世纪30年代到60年代，新批评成为美国的一支重要力量。 这是美国文学批评中最强大的视角。 代表是John Crowe Ransom，Allen Tate，Cleanth Brooks，Robert Penn Warren。 “这些诗人教授开发的有影响力的批评方法强调了密切阅读技巧的提高。新批评特权评价诗歌作为文学学术的理由”。 布鲁克斯和沃伦的“理解诗歌”（1938）成为20世纪30年代最有影响力的大学诗歌教科书之一，并被修订并转载到20世纪70年代。 （莫里森：29）。
新的批评表现在艾略特和叶芝的诗歌作品中。 “重要的课堂教学选集强调了最符合新批评家审美标准的诗歌”（Morrisson：29）。 TS艾略特在他的文章“传统与个人才能”中重新定义了传统。 他提出了“客观相关”这样的批判性概念，并重新思考了他在提高雅各布戏剧和形而上学诗歌中的文学经典。 他的作品对美国新批评产生了根本性的影响。
建筑和空间
美国在新型先进建筑和施工技术的现代主义运动中发挥了重要作用。在建筑创新中，有铁，钢和钢筋混凝土等材料。布鲁克林大桥由约翰和华盛顿罗布林（1869-1883）（更多详情见约翰罗布林/华盛顿罗布林）
路易斯·亨利·沙利文（Louis Henry Sullivan）领导着所谓的芝加哥建筑学院，其功能设计与现代材料的发展截然不同。沙利文的追随者弗兰克劳埃德赖特从他的“骗子大师”（亲爱的大师）那里吸收了德国有机建筑的浪漫传统。他在第一次世界大战之前开发了一种全新的住宅设计方法，这种方式被称为“草原风格”。它将开放式的规划原则与横向重点，不对称的立面高程以及宽阔的屋顶掩护相结合。芝加哥的罗比之家（1909）和纽约市的古根海姆博物馆（1946年至1959年）是他的两部开创性着作。
在他的作品中，赖特越来越靠近自然形态的地球感，使用粗糙的石头和木材，并始终瞄准他的房屋，以达到亲密和保护性避难所的效果。
在20世纪20年代，Richard Neutra，Rudolf Schindler和William Lescaze等外国出生的建筑师在美国建筑发展中发挥了巨大的作用，后来成为了国际风格的名称，并反映在世界之后的公司办公楼设计中二战。纽约市的Skidmore，Owings和Merrill的杠杆之家（1952年）和Ludwig Mies van der Rohe的Seagram Building（1956-58）等建筑就是这种新风格的例子。当沃尔特格罗皮乌斯和路德维格密斯凡德尔德罗等美国着名的欧洲人移民到美国时，许多美国建筑学校受到德国包豪斯传统的影响。