アメリカのモダニズム

アメリカのモダニズムは、モダニズム運動のように、モダニティ時代の文化と社会の広範な変化から生じる哲学的思考の傾向です。 アメリカのモダニズムは、第一次世界大戦と第二次世界大戦の中核期を迎え、20世紀に入るとアメリカの芸術的・文化的運動です。 ヨーロッパ人のように、アメリカのモダニズムは、より先進的で新しい新しい世界で現実をよりよく表現しようとする、啓蒙主義思想の拒否から生じた。

歴史
特徴的に、モダニズムの芸術は、抽象化する傾向があり、革新的で、美的で、未来的で自己参照的である。 それには、視覚芸術、文学、音楽、映画、デザイン、建築、ライフスタイルが含まれます。 それは歴史主義、芸術的慣行、芸術の制度化に反する。 アートは、アカデミー、劇場、コンサートホールで扱われるだけでなく、日々の生活に参加し、誰もが利用できるようにすることでした。 さらに、画家や学者に集中した文化機関は、モダニズムの革命的スタイルにほとんど注意を払わなかった。 雄大な時代のアメリカでの経済的・技術的進歩は、近代的な芸術家に影響を与えた広大なユートピア主義を引き起こし、他の人々は技術の抱擁に疑念を抱かせた。 第一次世界大戦での勝利は、国際的プレーヤーとしての米国の地位を確認し、人々に自信と安心感を与えました。 この文脈では、アメリカのモダニズムは、アメリカの芸術の始まりを、ヨーロッパの趣向とは異なる独特のものとして、それまでヨーロッパの伝統に基づいて形作られてきた芸術的な慣例を破ることによって示した。

アメリカのモダニズムは移民文化の多様性から恩恵を受けました。 アーティストはアフリカ、カリブ、アジア、ヨーロッパの民族文化に触発され、作品にこれらのエキゾチックなスタイルを埋め込んでいます。

モダニストのアメリカ運動は、20世紀のアメリカ人の生活を反映しています。 急速に工業化する世界と急速な人生のペースでは、放浪された、目的のない広大なものによって個人を飲み込むことは容易でした。 人種、階級、性別、富、宗教の社会的境界が挑戦されていました。 社会的構造が新たな視点から挑戦されるにつれて、伝統的な基準と社会構造の境界が解消され、アイデンティティの喪失は残っていたものであり、最終的には孤立、疎外、あらゆる種類の「全体」からの分離の全体的な感覚につながった。 戦争に巻き込まれた国の団結は、それとともに兵士や人々に売った善意者の錯覚とともに、死んでいった。 世界は暴力的で、下品で、霊的に空いていました。

中産階級の労働者は、はるかに大きい機械で認識を見つけることを望むには小さすぎる目立たない位置に落ちた。 市民は自分自身の無駄で克服されました。 青少年の夢は失敗で崩壊し、限界と喪失を認識して幻滅に満ちていた。 幻滅と暴行の人生はより重要になった。 ハードワークと豊富な経験を通して自己を定義する能力、伝統的な手段の助けなしにあなた自身のビジョンを創造する能力は賞賛されました。 スコット・フィッツジェラルドのような他の人たちは、特権の価値がいかに魅力的だが破壊的に間違っていることに挑戦したが、一部の著者はこれを支持した。

モダニズムのアメリカは、もはや信念で統一されていない世界で共通の根拠を見つけなければならなかった。 発見された団結は、すべての人間の経験の中で共通の意識の共通の基礎に置かれています。 個人の重要性が強調されました。 人間の経験の本当に限られた性質は、人種、階級、性別、富、または宗教のすべての橋を越えて結束を形成しました。 このようにして、社会は混乱しても共通の意味を見出した。

ある人々は、19世紀の審美主義の伝統と「芸術のための芸術」運動のモダニズムを見ている。 クレメント・グリーンバーグは、モダニスト芸術は「それ以外のもの」を除外していると主張する。 その他には、例えば、ブルースやジャズ音楽などのモダニズムアート、感情や気分の媒体としてのフェミニズムや都市生活などの現代的な問題を扱った作品が多数見られます。 一部の芸術家や理論家は、アメリカのモダニズムに政治的側面を加えました。

アメリカのモダニズムのデザインと建築は人々が現代生活をリードすることを可能にしました。 1920年代の経済的な上昇のために、仕事や家族の生活は根本的に、そして急速に変化しました。 米国では、車は人気があり、多くの余暇やエンターテインメントで手ごろな価格が得られ、女性のために雇用市場が開放されました。 人生をより効率的にするために、デザイナーや建築家は家事の簡素化を目指していました。

20年代の終わりと30年代の大恐慌は、国の経済の安定性とユートピア主義的思考を傷つけた人々に幻滅をもたらしました。 第二次世界大戦の勃発と恐怖は、精神のさらなる変化を引き起こした。 その後の戦後期は、後期モダニズムと呼ばれていた。 ポストモダニスト時代は、1980年代に始まった20世紀後半の芸術の特徴であると一般に考えられていました。

ジャズ
20世紀初頭、ジャズはブルースの伝統から進化しましたが、他の多くの音楽的および文化的要素も取り入れました。 ニューオーリンズでは、しばしばジャズの発祥地と見なされ、ミュージシャンはスペインとフランスの植民地支配の影響を受けました。 この都市では、独自の民族文化の組み合わせと緩やかな人種の禁止により、アフリカ系アメリカ人は南部の他の地域よりも影響を受けました。 スペインとアメリカの戦争は北部の兵士たちを地域に連れて行った。 その結果得られた音楽は新しい真鍮の楽器からの音を採用しました。 グレートマイグレーションの間、ジャズはニューオーリンズからニューヨーク、シカゴなどの都市に広がり、途中で新しい音を取り入れました。 ニューヨークのハーレムは、ジャズ時代の新しい中心地となりました。

ジャズ – 統合の音楽
ジャズ音楽は、アメリカの文化の中心的要素であり、黒い奴隷文化に根ざしています。 音楽は、アフリカの呼び出しと応答のパターンからその楽器とリフの要素を組み合わせたものです。 ジャズとラグタイムのリズムは「野蛮なクラッシュ・アンド・・・・・・」と思った白人の人たちによってジャズが批判的に見られ、そのジャンルは「イノベーターではなく、無能な人」という製品として批判された。 その表現力豊かな脈動的なスタイルは、当初は公衆の心の中で人種的なステレオタイプを提供し、懐疑的な拒絶反応に広く遭遇しました。 アメリカの作家、ローレンス・W・レヴァインは、黒人の文化的意義が高まるにつれて、このような敵意を抱く現象にもかかわらず、変化する国家意識の触媒としてジャズの役割を解釈している。

文化的には、私たちはまだ認識していたよりもはるかに大きく、前の帝国の勢力の影の中で自分自身を定義しようとする植民地民でした。 ジャズは、私たちの新しさと異質性の肯定的な側面を認識するように努力した、自分自身の他の側面の表出でした。 アフリカや他の非ヨーロッパ諸国の源泉に由来する私たちの遺産の重要な部分であるという事実に慣れ親しんだことを学びました。 米国の特徴となった様々な統合された文化では恥ずかしい弱さがあるが、力強い力の源泉であることが認識された。

結局のところ、黒人と白人の文化的コンバージェンスに努力するのはジャズの本質であった。 サックス奏者ソニー・ロリンズによると、「ジャズはいつも統合音楽だった。 1920年代と1930年代にジャズはかなり人気を博し、この新しい音楽形式が提供しなければならなかった芸術的、個人的、文化的な表現の自由に惹かれた若い白人に対する関心が高まった。 Benny Goodman、Gene Krupa、Milton Mezzrow、Muggsy Spanier、Joe Sullivanなどの有名な白人ミュージシャンは、Louis Armstrongのようなアフリカ系アメリカ人のアイコンに触発されました。 まもなくジャズの受け入れが大西洋に広がり、20世紀半ばまでには国際化されました。 今日、ジャズ音楽は、アフリカ系アメリカ人の文化を世界的に代表するアメリカ固有のネイティブ音楽である、アメリカ文化の不可欠で活気に満ちた部分とみなされています。

ジャズ・イン・アメリカン
1923年にThe New York Timesに掲載された編集記事は、ジャズを「アメリカの芸術への貢献」と宣言しました。この国の音楽民俗伝承の一部として世界中が認識されています。モンロー・ドクトリン、7月4日、または野球のように。

ジャズのアメリカのネスはそのルーツから始まります。 ジャズはアフリカ系アメリカ人の産物で、アメリカとは異なる文化グループです。 初期のブルースは避難民の悲しみをはっきりと歌いましたが、ジャズは別のものでした。 ジャズを生み出したアフリカ系アメリカ人の労働者階級は、他の白人ミュージシャンの教育の対象にはならなかった。 ブラック・ミンストレルは彼らの芸術を「ヨーロッパ化する」という圧力を免れることができた。 文化(首都Cを持つ)は、アメリカ人がヨーロッパのすべてのものを好きであり、推薦し、繰り返してくれることを本質的に要求した。 これらの制約から解放されて、ジャズは未知の方法で進歩した。 1925年、アーヴィング・ベルリンはジャズ「アメリカの民俗音楽」と呼ばれ、「古い南部の歌」と「黒人のスピリチュアル」から「ロシアとイタリアの民謡」への影響を挙げたが、ベルリンは「典型的とりわけアメリカ人。 それが創造された国のように、ジャズは民族や文化の影響を別々の新製品にブレンドし、ブラックアイデンティティの要素と他の移民の影響を組み合わせました。 それは、南部の音と都市のスカイラインから現代的で適応された要素を取り入れました。 ジャズは、異なる民族の性格をブレンドしたものの、即興的なソロで自分自身を表現するチャンスを持つことを可能にし、したがって、すでに国家を特徴付ける「頑丈な個人主義」を主張している点で、 さらに、ジャズは演奏者と聴衆の間の障壁を打破し始めました。 文化を「民主化」し、共通の人がアクセスできるようにします。

モダンなジャズ
ジャズは音とマナーではっきりとモダンです。 ローレンス・レヴァインによれば、「ジャズは、新しい時代の製品であったか、あるいは幻想的で不協和音で…アクセス可能で、自発的に…オープンでインタラクティブな参加型音楽です。 ダニエル・グレゴリー・メイソンは、ジャズは「ロボットが他のものから推測できるほど完璧に適合しているので、ジャズはモダニスト産業資本主義の正確な音楽的反映」であり、ジャズはリベットの音にも似ていると主張した。 アーヴィング・ベルリンはジャズに「機械時代の音楽」と呼んだ。 プレーヤーはHarlemの毎日の通りの話、そしてフランス印象派の絵画から影響を受けました。 即興の性質は、プレーヤーが音楽内の既存の構造を解体して調べるように促す。 ジャズの現代性に敬意を表して、音楽の影響を受けた様々なメディアを調べる必要があります。 音楽的なシャッフル・アングは、舞台への最も初期かつ成功したジャズ・アダプターの一つであり、ニューヨーク市のメトロポリタン・シアターに登場するジャズ・バレエ、Langston Hughes、スターリング・ブラウンが経験したジャズ音楽から詩を引き出し、ジャズ・ミュージックはアーロンダグラス、ミゲルコヴァルビアス、その他多数

視覚芸術

アメリカのモダニズム絵画
数十人の画家が20世紀初めに活動していたため、アメリカでは現代の始まりには単一の日付はありません。 それは、最初の立方体の景観、静物、肖像画が登場した時でした。 明るい色が画家のパレットに入り、最初の非目的の絵がギャラリーに表示されました。

創造期の近代主義運動は、1913年にマンハッタンのWilhelmina Weber Furlong(1878-1962)のスタジオ・ギャラリーと1918年にWhitney Studio Cubの作品を通じてニューヨーク市でも人気を博していました。Davidsonによると、アメリカのモダニズム絵画の1910年代にすることができます。 初期の部分は25年間続き、1935年頃に終了しました。現代美術は、グリーンバーグがアバンギャルドと呼んでいたものです。

ニューヨーク市の1913年の兵器ショーでは、アメリカ人だけでなく、ヨーロッパのアーティストの現代的な作品が展示されました。 印象派、ファビウス、キュビストの絵画は、従来の芸術に慣れていた多くのアメリカ人の視聴者を驚かせました。 しかし、彼らが見たものに触発されて、多くのアメリカのアーティストは根本的で新しいアイデアの影響を受けました。

20世紀初頭は、さまざまな技法や芸術的な表現力の探求によって特徴付けられました。 ヴィルヘルミナ・ウェーバー、マン・レイ、パトリック・ヘンリー・ブルース、ジェラルド・マーフィーなどの多くのアメリカ人アーティストは、ヨーロッパ、特にパリで美術を作った。 様々な芸術的集会の形成は、視覚芸術における意味の多様性をもたらした。 Ashcanスクールは現実主義(ロバート・アンリ、ジョージ・ルークス)の周りに集まった。 Stieglitzサークルは、ニューヨーク市(Max Weber、Abraham Walkowitz)の抽象的なビジョンを賞賛しました。 (Stanton Macdonald-WrightとMorgan Russell)の方向に発展した一方、精密主義は、鋭くダイナミックな幾何学の形でアメリカの工業化された景観を視覚化した(Joseph Stella、Charles Sheeler、Morton Livingston Schamberg、チャールズ・デムート)。 最終的には、アメリカのモダニズム、ジョンマリン、アーサービーチャーカールズ、アルフレッドヘンリーマウラー、アンドリューダスブルク、ジェームスダーゲティ、ジョンコヴェルトの母親と考えられていたチャールズバーチフィールド、マースデンハートレー、スチュアートデービス、アーサードーブ、ジョージアオキーフのような芸術家は、 Henrietta Shore、William Zorach、Marguerite Thompson(Zorach)、Manierre Dawson、Arnold Friedman、Oscar Bluemnerは、ニューヨークの学校へのモダニズムの時代を迎えました。

視覚芸術における主題の焦点と多様性の変化はまた、アメリカの近代主義芸術の特徴でもある。 したがって、例えばThe Eightグループは現代都市に焦点を当て、様々な市民階級の多様性に重点を置いた。 The Eight、Robert Henri、John Sloanの最も重要な代表者の2人は、社会の多様性についての絵を描き、工業都市のスラム居住者を主なテーマとして取り上げました。 1920年代後半と1930年代は、アメリカの絵画、地域主義と社会的リアリズムの2つの動きに属していました(他の多くのものの中にあります)。 地域主義者は、アメリカの景観のカラフルさと国の生活の複雑さに焦点を当てたのに対して、社会的リアリズムは大恐慌、貧困、社会的不公平の対象に入った。 社会的現実主義者たちは、人間の不平等の問題に偽善的で偏見的で無関心に見える政府と設立に抗議した。 抽象、風景、音楽は、20世紀前半の人気のモダニズムテーマでした。 チャールズ・デムースのような芸術家は、1928年に彼の名作「私はフィギュア・ファイアー・ザ・フィギュア・ファイヴ」を創りました。モートン・シェンバーグ(1881-1918)とチャールズ・シーラーは、精密主義運動と密接に関連していました。 Sheelerは、典型的には、彼の絵画「Amoskeag Canal 1948」によって例示されるように、都市景観と産業建築を描いた。ジャズと音楽は、1940年から7つのアベニュースタイルのHot Still-Scapeによって例示されるように、スチュアート・デイヴィスによって即興表現された。

モダニズムは、芸術と社会的に多様な聴衆との間のギャップを橋渡ししました。一般市民に近代をもたらすことを目的とした博物館や美術館が増えています。 進歩、技術、都市生活の祝典への最初の抵抗にもかかわらず、視覚芸術はアメリカ人の自意識と意識に大きく貢献しました。 新しいモダニズムの絵画は、アメリカのアイデンティティを形成するための基本的な観客の感情的、精神的な状態を明るく照らした。

アメリカの「モダニズム」の多くの方向性は、一貫したスタイルをもたらさなかったが、実験と挑戦の願望を呼び起こした。 現代美術は固定原則を超えていることが証明されました。

アメリカのモダニズムの主要な学校と運動
Stieglitzグループ
アレンスベルクサークル
カラーペインター
精密主義
独立系
フィラデルフィアの学校
ニューヨークの無所属
シカゴと西側

モダニズムの絵画
ジョージア・オキーフは「アメリカのモダニズムの母親」として知られており、1920年代からアメリカのモダニズムの主要人物となっています。 彼女は近代的なアメリカの芸術的スタイルの境界に挑戦して、広く認められています。 彼女は、花、岩、貝、動物の骨、風景の絵画のために主に知られており、抽象と表現を合成しました。 1935年のラムズヘッドホワイトホーリーホックとリトルヒルズは、オキーフの著名な絵画です。

Arthur Doveは広範囲のメディアを使用していましたが、ときには抽象的な風景や抽象的な風景を生み出すために、 1937年のMe and the MoonはArthur Doveの抽象的な風景の良い例であり、彼のキャリアの最高の作品の1つと言われています。 Doveは1920年代に一連の実験的なコラージュ作品を作った。 彼はまた、手で混合された油や温度などの塗料をワックスエマルションと組み合わせて、技術を試しました。

アフリカ系アメリカ人の画家Aaron Douglas(1899-1979)は、最も有名で最も影響力のあるアフリカ系アメリカ人のモダニズム画家のひとりです。 彼の作品は、アフリカ系アメリカ人の遺産と文化の特徴に密接に関連した美学運動の発展に大きく貢献しました。 ダグラスは、特にハーレム・ルネッサンス時代にアフリカ系アメリカ人の視覚芸術に影響を与えました。

ダグラスの最も人気のある絵画の1つは「十字架」です。 それは1927年にジェームズウェルドンジョンソンの神のトロンボーンで出版されました。絵画に描かれている十字架のシーンは、ダグラスの芸術を構成するいくつかの要素を示しています:明瞭な描写、影と光の変化、人体と幾何学図形の同心円線形とは対照的に、 絵画の主題は聖書の場面に似ているだけでなく、アフリカ系アメリカ人の宗教的伝統を暗示するものでもあります。大型で暗いイエスは十字架をつけています。 形作られたローマの兵士たちは、尖った槍でその場に面しています。 その結果、オブザーバーはアフリカ系アメリカ人の福音伝承の伝承を思い起こさせるだけでなく、抑圧の歴史を思い起こさせる。 Beauford Delaney、Charles Alston、Jacob Lawrence、Romare Beardenもアフリカ系アメリカ人のモダニストの画家として重要な存在であり、世代を重ねてきたアーティストたちに影響を与えました。

モダニズムの写真
アメリカのモダニズムの冒頭で、写真はまだ芸術の一形態として認識されるために苦労していました。 写真家のアルフレッド・スティグリッツは、「私の初期の写真を見たアーティストたちは、彼らが私を羨ましく思い、自分の写真が自分の絵より優れていると感じ始めたのですが、残念ながら写真はアートではありませんでした。なぜ私の仕事のために芸術家を羨ましく思っているのですか?同じ息吹で、それは機械製作だったのでそれを否定します。 (Stieglitz:8)。 Stieglitzは、1902年にEdward Steichen、GertrudeKäsebier、Clarence Hudson WhiteなどのメンバーとPhoto-Secessionグループを創設しました。これは、標準を高め、アート写真の認知度を高めることを目的としていました。 その時点での主なスタイルは、ソフトフォーカス、特殊なフィルターまたはエキゾチックな印刷プロセスで写真を修正することで知られていた絵画主義者で、当時の絵画や彫刻の様式を模倣したものでした。 出版の手段として、Stieglitzは動きの原動力として、Camera Workの雑誌「Camera Work」を開始した。 また、「291」(1905-1917)、「インティメイトギャラリー」(1925-1929)、「アメリカンプレイス」(1929-1947)の3つのギャラリーを次々に運営していました。 特に、291はアーティストと作家の出会いの場として活動し、アンリ・マティス、オーギュスト・ロダン、アンリ・ルソー、ポール・セザンヌ、パブロ・ピカソなど、ヨーロッパの初期の近代的な美術家の作品をアメリカで初めて展示した。 マン・レイによって、ヨーロッパのアヴァンギャルドへのさらなるつながりが確立されました。 アメリカで生まれ、Stieglitzの画廊で見た作品に触発されたRayは、1921年にパリに移住し、ヨーロッパのDadaとSurrealistの芸術家とともに、レイ・グラフ(感光紙に直接オブジェクトを置く)のような新しい写真技術を作り出しました。

1920年代初頭には、写真家たちはまっすぐな写真撮影に向かった。 絵画主義様式とは対照的に、彼らは現在、写真プロセス(例えば、ソフトレンズ、特別な現像または印刷方法)におけるいかなる種類の操作も拒絶し、現実を捕らえるための独特な媒体としてカメラの利点を使用しようと試みた。 彼らのモチーフは可能な限り客観的に見えるはずだった。 古典的な肖像画と絵画主義のスタイルから焦点を外すと、写真家は日常生活の厳しい現実を表現するための手段として写真を使い始めましたが、同時に細部または全体的な美的構造の美しさを探そうとしました。 機械や工場作業、スカイスクレーパー、技術革新は目立つモチーフになりました。 1932年、いくつかの若い写真家(Ansel Adams、Imogen Cunningham、Willard Van Dyke、Edward Westonなど)が直進写真の理念に基づいてGroup f / 64を開始しました。

フェミニズム、ジェンダー、セクシュアリティ

フェミニズムの発達
19世紀初頭から、女性の中には理想的な女性の教義を使って国内圏の隔離を避けるものがありました。 1830年代までに、女性は公然と女性の領域に挑戦し、より大きな政治的、経済的、社会的権利を要求していました。 彼らは、米国中の女性クラブと慈悲深い社会を形成しました。公的場の男性支配は、これらの中産階級の活動家女性の多くにとって受け入れられる限界にはもはやいませんでした。 アメリカのフェミニストは、1848年のセネカ・フォールズ・コンベンションをはじめ、20世紀初頭まで州と国の慣習を制定しました。 フェミニズム運動のいくつかのスポークスメントは、自由主義と性的革命を伴うフェミニストの原因を、ビクトリア朝時代のタブー問題と結びつけました。 したがって、英国と米国のフェミニストは、政治的、法的問題、特に投票、女性の国内的役割と一般的な国内生活の組織に関する重要な女性問題に集中していた。

結局、大規模な、時には暴力的な抗議、多くの女性の投獄、さらには死亡を含む長く困難な闘いの後、女性の参政権に対する戦いが勝利した。 選挙権の法律は、1920年に米国で、家主の世帯主または女性の妻であり、1928年にはすべての大人の女性であった。 (アフリカ系アメリカ人の女性は含まれておらず、1960年代の市民権運動でのみ投票権を得た。)女性団体(NOW)は、1966年にフェミニストのグループによって設立された。 現在、米国最大の女性権利グループは、特に職場での法的ロビー活動、訴訟、公開デモンストレーションを通じて性的差別を終わらせることを目指しています。 20世紀後半の次の年は、現代社会のあらゆる分野における女性の権利の大幅な拡大を目撃した。 モダニズムの芸術家はフェミニズムに対する両立的な態度を取っていた:一方で、彼らは法律、フランチャイズ、職業に関して男性と女性の平等な扱いを選んだ。 一方で、生物学、文化、そして超越を念頭に置いて、依然として女性が不十分であると認識していました。 急進的なフェミニストのエマ・ゴールドマンが宣言したように、「真の解放は、世論調査でもなく、女性の魂の中で始まる」(リヨン223でqtd。)。

性別と性別
アメリカのモダニズムにおけるジェンダーとセクシュアリティの役割は、国家のアイデンティティと市民権、人種識別と人種政治、奇妙なアイデンティティと美学、雑誌文化、視覚文化、市場経済、 フェミニズム、ジェンダー、セクシュアリティの学者によって行われた莫大な研究は、アメリカ近代奨学金の分野を再構築するのに役立った。 女性作家は、広範な文学研究の対象となっている。 ゲイとレズビアンのコミュニティは、現代の美的実験のパターンとして再評価され、性的アイデンティティとジェンダー形成は新しい形で解釈されました。

20世紀の文化生活の転換は、大衆文化と高文化の二分法への転換を見た。前者は一般的に女性と考えられ、高等文化は男性指向であった。 以前は非難された人気のフィクションは今、フェミニストの目的に役立った。 “それは自由な愛の新しい段階の防衛のための基盤を形成し、同時に出生制御の促進。 (リヨン225)

日常生活と文化
モダニズム運動は、それが起こった社会の大きな変化を引き起こした。 産業発展の導入に伴い、アメリカ人は新しい近代主義時代の成果を楽しむようになりました。 日常生活と文化は、社会の習慣における社会的変化を反映する分野です。 モダニズムで起こった発展は、アメリカの人々の生活水準に影響を与え、新しい生活様式に移行しました。

ファッション
ファッションを参照すると、通常、スタイルや衣装をドレッシングすることが考えられます。 もちろん、ドレッシングスタイルは、「ファッション」という言葉の非常に重要なカテゴリです。 一方、「ファッション」はもっと意味を持ち、建築、身体タイプ、ダンスや音楽、さらにはスピーチなどの多くの分野で説明され、発見されています。

1.コスチューム
1920年代初頭には、既製品のファッションがアメリカを広め始めました。 より多くの女性が自分の賃金を稼ぎ、艤装品に時間を費やしたくなかった。 クラスの区別がぼやけていたため、ステータスシンボルとしてのファッションはもはや重要ではありませんでした。 人々は特に女性が安価な方法を求めた。 女性のための現代的なスタイルの衣服の大量生産の面では、アメリカは他の国より先に進んでいた。 ジェーンダービーを含むこのファッションのいくつかのデザイナーは、ステージポーズを作った。

女性:1921年までに、長いスカートは通常は長く、底には不揃いでした。 短いスカートは1925年に人気を得ました。胸元やウエストライン、帽子の下に隠れた髪はほとんどありません。 化粧品の製造もこの10年から始まりました。 パウダー、口紅、ルージュ、眉毛の鉛筆、アイシャドー、色付きの爪、女性はそれらをすべて持っていました。 さらに、真珠も流行しました。

男性:この時期、男性のための服はより控えめでした。 ズボンは、底に24インチに広がった。 幅と長さを増やしたニッカは、プラス4と呼ばれていました。 夏には白いリネンが人気があり、冬にはアメリカのコート(アライグマのコート)が流行していました。 フェルトで作られた飾り帽子は、巻き上げてスーツケースに詰めることができます。 これらは大学の男性に非常に人気がありました。

2.家具デザイン界には純粋なアメリカのモダンスタイルはありません。 アメリカの近代的な芸術家は、形式の単純さ、装飾の不在、そしてその先例からの機能的な懸念に焦点を当てたスタイルを継承しました。 同時に、アメリカのデザイナーは、パリの絵画の野生のスタイルと、アールデコのような作品の現代建築の特徴を融合させました。 さらに、デザイナーは、材料、特に近代において発明された材料に重点を置いた。

アメリカのモダニズム文学
アメリカのモダニズム文学は第一次世界大戦と第二次世界大戦の間のアメリカ文学の支配的な傾向であった。 モダニズム時代は、詩や文章の形式や言語の革新、人種関係、性別、人間の状態など、多くの現代的なテーマに取り組んでいます。 多くのアメリカのモダニティは、この時期にヨーロッパで駐在するようになりました.TSエリオット、エズラ・ポンド、ガートルード・スタインの場合と同様に、しばしばヨーロッパの動きでは勇敢になりました。 これらの作家はしばしばThe Lost Generationとして知られていました。

この傾向への反応として、多くのアメリカの作家と詩人はアメリカでの近代的なアメリカの経験を表現しようとしている、「嫌悪」の傾向を始めました。 この傾向に注目すべき貢献者には、ウィリアム・カルロス・ウィリアムズ、ウォレス・スティーブンス、マリアン・ムーアなどがあります。 これらの詩人は、エリオットやポンドのような外国人作家の作品にしばしば批判的でした。

第一次世界大戦の影響を受けて、多くのアメリカのモダニズム作家は、戦争体験の心理的傷や精神的傷跡を探検しました。 1930年代初めのアメリカの経済危機は、ジョン・スタインベックの「怒りのぶどう」など、文学の痕跡を残しました。 関連する問題は、都市生活の背景にぼやけている労働者、自己定義のための機械を憧れる機械の中に気づかれていない歯車など、自己定義の欠如と自己定義の必要性です。 アメリカのモダニズムは、19世紀半ばにフィッツジェラルドの「ザ・グレイト・ギャツビー」が描いたテーマ「自分を築く」試みに焦点を当てた。 Eugene O’NeillのThe Emperor Jones、HemingwayのThe Battler、FaulknerのThe Evening Sunに見られるように、狂気とその兆候はもう一つの好きな近代主義的テーマのようです。 それにもかかわらず、これらのすべての否定的側面は、新しい現代人のためだけでなく、アメリカ近代文学の架空のキャラクターにとっても、新たな希望と願望、そして新しい始まりの探求につながった。

アメリカにおける新たな批判
1930年代から1960年代にかけて、新しい批評は米国で重要な力となった。 それはアメリカ文学批評の中で最も強力な視点でした。 代表者は、John Crowe Ransom、Allen Tate、Cleanth Brooks、Robert Penn Warrenでした。 「これらの詩人が発展させた影響力のある批判的方法は、読解力の向上を強調した。新しい批評は、文学奨学金の正当性としての詩の評価に特権を与えた。 Brooks and Warren’s Understanding Poetry(1938)は、1930年代の最も影響力のある大学の詩の教科書の1つとなり、1970年代に改訂され、再版されました。 (Morrisson:29)。

エリオットやイェイツの詩などの新しい批評が現れた。 「新しい批評家の審美的基準に最もよく合う詩は、重要な教室の指導のアンソロジーで強調されました」(Morrisson:29)。 TSエリオットは、エッセイ「伝統と個性」において、伝統を再定義しました。 彼は「客観的な相関」というような重要な概念を定式化し、ヤコビアンのドラマと形而上学の詩の高揚で文学のキヤノンを再考した。 彼の作品はアメリカの新しい批評に根本的な影響を与えました。

建築と空間
米国は、新しい先進的な建築技術や建設技術に関するモダニズム運動において大きな役割を果たしました。建設革新の中には、鉄、鉄、鉄筋コンクリートなどの材料があります。ブルックリン橋John and Washington Roebling(1869-1883)(詳細はJohn Roebling / Washington Roebling参照)

ルイス・ヘンリー・サリバン(Louis Henry Sullivan)は、シカゴ建築のシカゴ校を率いていた。サリバンのフォロワー、フランク・ロイド・ライトは、ドイツのロマンチックなオーガニック建築の伝統を「リーバーマスター」(親愛なるマスター)から吸収しました。彼は、第一次世界大戦の前に住居デザインに新しい独自のアプローチを開発しました。これは「プレーリースタイル」として知られるようになりました。それは、水平方向の強調、非対称のファサード・エレベーション、広範囲の遮蔽屋根を備えたオープンな計画原則を組み合わせました。シカゴのロビー・ハウス(1909年)とニューヨークのグッゲンハイム美術館(1946〜19年)は、彼の精神的な作品の2つです。

彼の作品では、ライト(Wright)は大まかに切り取った石と木材を使用し、親密で保護された避難所の効果を達成するために常に家の中を目指して、自然界の形に近づきました。

リチャード・ニュートラ、ルドルフ・シンドラー、ウィリアム・レスカゼなどの外国人建築家は、1920年代にアメリカの建築の発展に大きな役割を果たしました。このスタイルは、国際的なスタイルの名前を持ち、世界の後の企業のオフィスビルの設計に反映されました戦争II。ニューヨーク市のスキッドモア、オウイングス、メリルズ・レバーハウス(1952)、ルードヴィヒ・ミース・ファン・デル・ローエのシーグラム・ビルディング(1956-58)などの建物がこの新しいスタイルの例です。Walter GropiusやLudwig Mies van der Roheのような有名なヨーロッパ人がアメリカに移住したとき、多くのアメリカの建築学校はドイツのBauhausの伝統の影響を受けました。