Lo stile Luigi XIV, chiamato anche classicismo francese, era lo stile dell’architettura e delle arti decorative destinato a glorificare il re Luigi XIV e il suo regno. Ha caratterizzato maestosità, armonia e regolarità. Divenne lo stile ufficiale durante il regno di Luigi XIV (1643-1715), imposto agli artisti dalla neonata Académie royale de peinture et de sculpture (Accademia Reale di Pittura e Scultura) e dall’Académie royale d’architecture (Royal Academy of Architettura). Ha avuto un’influenza importante sull’architettura di altri monarchi europei, da Federico il Grande di Prussia a Pietro il Grande di Russia. I principali architetti del periodo furono François Mansart, Jules Hardouin Mansart, Robert de Cotte, Pierre Le Muet, Charles Perrault e Louis Le Vau. I principali monumenti includevano la Reggia di Versailles, il Grand Trianon a Versailles e la Chiesa di Les Invalides (1675-91).

Lo stile Luigi XIV aveva tre periodi. Durante il primo periodo, che coincise con la gioventù del Re (1643-1660) e la reggenza di Anna d’Austria, l’architettura e l’arte furono fortemente influenzate dallo stile precedente di Luigi XIII e dallo stile barocco importato dall’Italia. Il primo periodo vide l’inizio del classicismo francese, in particolare nei primi lavori di Francois Mansart, come il castello di Maisons (1630-51). Durante il secondo periodo (1660-1690), sotto il dominio personale del Re, lo stile dell’architettura e della decorazione divenne più classico, trionfante e ostentato, espresso nella costruzione del castello di Versailles, prima da Louis Le Vau e poi da Jules Hardouin-Mansart. Fino al 1680, i mobili erano massicci, decorati con una profusione di sculture e dorature. Nel periodo successivo, grazie allo sviluppo del mestiere di intarsio, l’arredamento è stato decorato con diversi colori e legni diversi. Il più importante creatore di mobili del periodo successivo fu André Charles Boulle. L’ultimo periodo di stile Luigi XIV, dal 1690 circa al 1715, è chiamato periodo di transizione; fu influenzato da Hardouin-Mansart e dal designer del re di feste e cerimonie, Jean Bérain il Vecchio. Il nuovo stile era più leggero nella forma e caratterizzato da una maggiore fantasia e libertà di linea, grazie in parte all’uso della decorazione in ferro battuto, e un maggior uso di disegni arabescati, grotteschi e coquili, che continuarono nello stile di Luigi XV.

Periodo
Lo stile Luigi XIV segue lo stile Luigi XIII. Lo stile emerge dall’avvento del regno di Luigi XIV nel 1661 e continua fino alla fine del XVII secolo. Dopo la morte di Le Brun nel 1690, lo stile declina e viene gradualmente sostituito dallo stile Regency.

Situazione politica e culturale
Politica
Luigi XIV salì al trono pochi mesi prima del suo quinto compleanno, ma durante la sua infanzia la reggenza fu condivisa da Anna d’Austria e dal cardinale Mazzarino. Durante questo periodo, è molto segnato dalla rivolta della Fronda (1648-1653). Una volta a capo del paese, cercherà di contenere con un pugno di ferro la nobiltà del paese. Rimuove la carica di primo ministro per esercitare il potere assoluto. Respinge Fouquet dall’incarico di Sovrintendente alle Finanze. All’inizio del suo regno, Luigi XIV ha avviato importanti riforme amministrative (creazione del Royal Council of Finance, un moderno servizio di polizia, Ordonnance civile di Saint-Germain-en-Laye). La politica estera ha portato molte guerre alla conquista di un gran numero di province (Alta Alsazia, Metz, Toul, Verdun, Roussillon, Artois, Fiandre francesi, Cambrai, Franca Contea, Saarland, Hainaut e Bassa Alsazia).

Cultura
Luigi XIV intende dimostrare il potere e la grandezza del regno. vuole controllare l’ambiente artistico in modo che sia al suo servizio 1. Ha affidato a Louis Le Vau e André Le Nôtre il restauro del palazzo e del giardino delle Tuileries. Durante il suo regno, ha incaricato Le Vau e Orbay di costruire il Palazzo di Versailles, un palazzo del potere centralizzato. Charles Le Brun, il primo pittore del re, ha una grande influenza sulle arti. È all’origine del gusto pronunciato per lo stile antico. È anche nominato dal re direttore della Manifattura dei Gobelins. Nel 1662, Le Brun creò la “Fabbricazione reale di mobili a corona”, dove venivano realizzati mobili e decorazioni per le case reali.

Architettura civile
Il modello di architettura civile nella prima parte del regno fu Vaux le Vicomte (1658), di Louis Le Vau, costruito per il capo della finanza del re Nicolas Fouquet e completato nel 1658. Luigi XIV accusò Fouquet di furto, lo mise in prigione, e ha preso l’edificio per se stesso. Il design è stato fortemente influenzato dal classicismo di François Mansart. Combinava una facciata dominata e rimata da colossali colonne classiche, sotto una cupola, importate dall’architettura barocca italiana, insieme a una serie di caratteristiche originali, come un salone semicircolare che si affacciava sul vasto giardino formale francese creato da André Le Nôtre. .

Sulla base del successo di Vaux le Vicomte, Luigi XIV scelse Le Vau per costruire un immenso nuovo palazzo a Versailles, per aumentare un palazzo più piccolo trasformato da un padiglione di caccia da Luigi XIII. Questo divenne gradualmente, nel corso dei decenni, il lavoro principale dello stile Luigi XIV. Dopo la morte di Le Vau nel 1680, Jules Hardouin-Mansart rilevò il progetto di Versailles; si staccò dalle proiezioni pittoresche e dalla cupola e fece una facciata più sobria e uniforme di colonne, con un tetto piatto sormontato da una balaustra e una fila di colonne (1681). Ha usato lo stesso stile per armonizzare gli altri nuovi edifici che ha creato a Versailles, tra cui l’Orangerie e le stalle. Hardouin-Mansart costruì il Grand Trianon (completato nel 1687), un edificio reale a un piano con finestre ad arco alternate a coppie di colonne, un tetto piatto e una balaustra.

Un altro grande nuovo progetto intrapreso da Louis fu la costruzione di una nuova facciata per il lato est del Louvre. Luigi invitò il più famoso architetto scultore del barocco italiano, Gian Lorenzo Bernini, a presentare un disegno, ma lo respinse a favore di un colonnato più sobrio e classico di Perrault (1668).

Architettura religiosa
Nel primo periodo del suo regno, Louis iniziò a costruire la chiesa di Val-de-Grâce (1645-1710), la cappella dell’ospedale Val-de-Grace. Il progetto è stato lavorato successivamente da Mansart, Jacques Lemercier e Pierre Le Muet prima di essere completato da Gabriel Leduc. La sua pittoresca facciata tripartita, il peristilio, le colonne staccate, le statue e i tondi, ne fanno la chiesa più italiana e barocca di Parigi. Servì come prototipo per le cupole successive di Les Invalides e del Pantheon.

La successiva grande chiesa costruita sotto Luigi XIV fu la chiesa di Les Invalides (1680-1706). La navata della chiesa, di Libéral Bruant, era paragonabile a quella di altre chiese del periodo, con pilastri ionici e volte penetranti, e un interno che ricordava l’alto stile barocco. La cupola, di Hardouin-Mansart, era più rivoluzionaria, seduta su una struttura con il piano di una croce greca. Il progetto utilizzava ordini sovrapposti di colonne, nello stile classico, ma la cupola raggiunse un’altezza maggiore, poggiando su un tamburo a doppio tamburo, e la facciata e la cupola stessa erano riccamente decorate con sculture, aperture in nicchie e ornamenti in bronzo dorato alternati con i nervi o le costole della cupola.

L’interno della chiesa più bella del tardo periodo di Luigi XIV è la cappella del castello di Versailles, creata tra il 1697 e il 1710 da Hardouin-Mansart e il suo successore come architetto di corte, Robert de Cotte. L’arredamento è stato accuratamente controllato, con colori chiari e dettagli scultorei in leggero rilievo sulle colonne. L’interno della cappella si aprì e alleggerì con l’uso di colonne classiche poste sulla tribuna, un livello al di sopra del piano terra, per sostenere il peso del soffitto a volta.

The Grand Style: Parigi
Sebbene Luigi XIV sia stato in seguito accusato di aver ignorato Parigi, il suo regno ha visto numerosi progetti architettonici di grandi dimensioni che hanno aperto lo spazio e ornato il centro della città. L’idea di piazze urbane monumentali circondate da un’architettura uniforme era iniziata in Italia, come molte idee architettoniche del periodo barocco. La prima piazza di questo genere a Parigi era Place Royal (ora Place des Vosges) iniziata da Enrico IV di Francia, completata con una statua equestre di Luigi XIII; poi la Place Dauphine sull’Ile de la Cité, che esponeva una statua equestre di Enrico IV. I primi grandi progetti di Parigi di Luigi XIV furono nuove facciate sul Louvre, uno rivolto verso la Senna, l’altro rivolto a est. Queste erano vetrine del nuovo stile monumentale di Luigi XIV. Il vecchio mattone e la pietra delle piazze di Enrico IV furono sostituiti dal Grand Style di colonne monumentali, che di solito facevano parte della facciata stessa, piuttosto che stare separatamente. Tutti gli edifici intorno alla piazza erano collegati e costruiti alla stessa altezza, nello stesso stile. Il piano terra era caratterizzato da un porticato coperto per i pedoni.

Il primo complesso di edifici costruito sotto Luigi XIV fu il Collège des Quatre-Nations (ora Institut de France) (1662-68), di fronte al Louvre. Fu progettato da Louis Le Vau e François d’Orbay e riunì la sede delle accademie fondate dal Re, una cappella e la biblioteca del cardinale Mazzarino. L’Hôtel Royal des Invalides – un complesso per veterani di guerra composto da residenze, un ospedale e una cappella – fu costruito da Libéral Bruant e Jules Hardouin-Mansart (1671-1679). Luigi XIV quindi commissionò a Mansart la costruzione di una cappella privata privata separata con una cupola impressionante, l’Église du Dôme, che fu aggiunta per completare il complesso nel 1708.

Il prossimo grande progetto fu la Place des Victoires (1684-1697), uno sviluppo immobiliare di sette grandi edifici in tre segmenti attorno a una piazza ovale, con una statua equestre di Luigi XIV progettata per il centrotavola. Questo è stato costruito da un intraprendente imprenditore e nobile della corte, Jean-Baptiste Prédot, combinato con l’architetto Jules Haroudin-Mansart. Il progetto urbano definitivo divenne il più noto, Place Vendôme, anche da Harouin-Mansart, tra il 1699 e il 1702. In un’altra innovazione, questo progetto fu parzialmente finanziato dalla vendita di lotti attorno alla piazza. Tutti questi progetti presentavano facciate monumentali nello stile Luigi XIV, conferendo un’armonia particolare alle piazze.

Decorazione d’interni
Nel primo stile Luigi XIV, le principali caratteristiche del decoro erano la ricchezza dei materiali e lo sforzo per ottenere un effetto monumentale. I materiali utilizzati includevano il marmo, spesso combinato con pietre multicolor, bronzo, dipinti e specchi. Questi sono stati inseriti in una struttura estremamente di colonne, pilastri, nicchie, che ha esteso le pareti e fino al soffitto. Le porte erano circondate da medaglioni, frontoni e bassorilievi. I camini erano più piccoli di quelli dell’epoca di Luigi XIII, ma più ornati, con una mensola di marmo che reggeva vasi, al di sotto di una cornice intagliata con un dipinto o specchi, il tutto circondato da uno spesso bordo di foglie o fiori intagliati.

Elementi decrativi sulle pareti del primo stile Luigi XIV erano solitamente destinati a celebrare il successo militare, la maestà e le conquiste culturali del re. Spesso presentavano trofei militari, con elmi, foglie di quercia che simboleggiavano la vittoria, e masse di armi, solitamente in bronzo o legno scolpito, in rilievo circondato da marmo. Altri elementi decorativi hanno celebrato personalmente il re: la testa del re era spesso rappresentata come il dio sole Apollo, circondato da foglie di palma o raggi di luce dorati. Un’aquila rappresentava solitamente Giove. Altri dettagli ornamentali includevano numeri dorati, bastoni reali e corone.

La Sala degli specchi del Palazzo di Versailles (1678-1684) fu la cima del primo stile Luigi XIV. Progettato da Charles Le Brun, combinava una ricchezza di materiali (marmo, oro e bronzo) che si riflettevano negli specchi.

Nel tardo periodo di Luigi XIV, dopo il 1690, cominciarono ad apparire nuovi elementi, meno militaristi e più fantastici; in particolare conchiglie, circondate da elaborate linee sinuose e curve; e disegni esotici, tra cui arabeschi e cineserie.

Mobilia
Durante il primo periodo del regno di Luigi XIV, i mobili seguirono lo stile precedente di Luigi XIII, e furono massicci, e abbondantemente decorati con sculture e dorature. Dopo il 1680, grazie in gran parte al designer di mobili André Charles Boulle, apparve uno stile più originale e delicato. Era basato sull’intarsio di ebano e altri legni rari, una tecnica usata per la prima volta a Firenze nel XV secolo, che fu raffinata e sviluppata da Boulle e altri che lavoravano per Luigi XIV. I mobili erano intarsiati con placche di ebano, rame e legni esotici di diversi colori.

Apparivano nuovi e spesso durevoli tipi di mobili; il comò, con due o quattro cassetti, sostituiva la vecchia coffre, o cassapanca. Il canapé, o divano, è apparso, sotto forma di una combinazione di due o tre poltrone. Comparvero nuovi tipi di poltrone, tra cui la fauteuil en confessionale o “Poltrona confessionale”, che aveva imbottito cuscini ioni su entrambi i lati dello schienale della sedia. Anche la consolle ha fatto la sua prima apparizione; è stato progettato per essere posizionato contro un muro. Un altro nuovo tipo di arredamento era il tavolo à gibier, un tavolo in marmo per contenere i piatti. Apparvero le prime varietà della scrivania; la scrivania di Mazarin aveva una sezione centrale arretrata, posta tra due colonne di cassetti, con quattro piedi su ogni colonna.

Mobili in stile Luigi XIV iconico

I posti
Poltrone: gli schienali sono più alti di quelli larghi, diritti o leggermente inclinati all’indietro. Sono spesso separati dal sedile e completamente ricoperti di stoffa preziosa (broccati di oro o argento, velluto, damasco, raso bianco della Cina decorati con motivi a strisce o punto ungherese). La base è più scolpita. I dormienti possono essere in coppia (chiamato anche osso di pecora), voltati o voltati di fronte. Diverse forme sono in voga durante questo periodo: il “piede destro in balaustra quadrata”, il “piede curvo in consolle” o il “piede in osso di pecora”. Questi sono collegati da distanziatori che passano gradualmente da una forma ad H ad una forma X. Il braccio o il bracciolo è più ondulato. Finito da una voluta o un bastone, supera la console che lo supporta. La console del bracciolo è nell’estensione del piede. Raramente include polsini (parti imbottite del braccio). Vediamo anche l’apparizione di poltrone chiamate “padiglioni auricolari” o “confessionali”, antenati della pastorella. Dotato di orecchie trafitte dalla gelosia, dalle guance piene e da una fitta tegola o cuscino, le orecchie vengono gradualmente lasciate piene quando scompare la sua funzione di confessione ai sacerdoti.
Sedie: la sedia è molto simile alla sedia ma non ha un bracciolo.
Sgabelli: il pieghevole è un pieghevole (sgabello pieghevole) con base X, eseguito in materiali spesso lussuosi e tessuti preziosi estesi. Il placet è uno sgabello quadrato o rettangolare, con quattro piedi dritti e distanziale in H o X.

Tabelle e tavoli su piedistallo
Tabella di stato simile alle console centrali (a causa dei loro piedi sotto forma di console). Spesso diventano enormi, ma non sono abituati a consumare un pasto. Il loro piatto quadrato, rettangolare ea volte tondo è fatto di marmo, porfido, alabastro, intarsio di pietre colorate circondate da marmo nero, o legno intarsiato e stagno o rame e tartarugato. I piedi formati da consolle o motivi in ​​bretelle sono assemblati da una cintura scolpita o perforata e un distanziatore in H che diventa una X. Il piede rivolto verso l’origine è o dritto (nella forma di guaina con sezione quadrata o balaustra) o in la forma di una console, poi la curva è accentuata per formare un piede di porco con scarpa a forcella che annuncia lo stile Regency. I giochi di sfondo sulla doratura sono a scacchi e rombo. Il tavolo della sala da pranzo non esiste, ci sono ancora allora cavalletti semplici.
Apparecchio e parentesi centrali
Piedistalli chiamati razzi.

Armadi e cassettiere
I grandi armadi sono di forma rettangolare e hanno una cornice sporgente.
Il comò viene creato durante questo periodo. Questa creazione è attribuita a Boulle.
Bonnetières.
Buffet (armadi bassi).

Scrivendo mobili
I gabinetti stanno gradualmente diventando uffici. L’esempio più noto è “Mazarin Office” (vedi nuovi mobili)

letti
I letti sono composti da una struttura rivestita in tessuto. Un letto del cielo poggia su quattro colonne. I loro nomi sono “letti della duchessa” o “letti a baldacchino”.
Riposo letti, forme (antenati del divano).
A poco a poco, i sedili saranno adornati con un cuscino, tessuti, arazzi (grandi punti, piccoli punti o pelle dorata o goffrata), velluto di Genova, o Damasco, ecc., Fissati da piccole unghie nascoste da colini.

Nuovi mobili

Ufficio Mazarin
Il comò: sostituisce il petto e si sviluppa dalla fine del XVII secolo. Il comò prende il nome dal 1708.
La sedia con padiglioni auricolari o confessionali.
L’ufficio: evoluzione del cabinet. Uno dei migliori esempi è l’ufficio Mazarin. Questo consiste di otto piedi. É diviso in tre parti. All’esterno del cabinet, i piedini sono collegati quattro per quattro da un distanziale X e supportano tre cassetti. La parte centrale è arretrata.

materiale
boschi
Il legno massiccio utilizzato è principalmente fatto di noce, quercia e castagno. Si usano anche ebano, pera nera, abete e frutta.

Altro
Il bronzo cesellato conosce una grande ascesa. Lo sviluppo dell’intarsio vede l’uso di metalli (rame, stagno, bronzo), scaglie (inclusa la tartaruga), osso, avorio e pietre preziose.

Tecniche e strumenti
L’intarsio, l’arredamento realizzato con tranciato e incollato sulla cornice del mobile, è già presente con lo stile precedente. Possiamo notare il contributo del know-how olandese, questi, spesso ospitati nel Louvre, sono chiamati “falegname d’ebano, ebanista”. L’intarsio quindi conosce un forte sviluppo sotto la guida di André-Charles Boulle. Sviluppa una tecnica esistente, l’incastro di Tarsia o la “parte contro-parte”, che prende il nome di “intarsio di Boulle”. L’incrostazione di tartaruga appare in questo momento. Le tecniche di unione sono il tenone – mortasa e la coda di rondine.

Pittura
Nella prima parte del regno, i pittori francesi furono in gran parte influenzati dagli italiani, in particolare da Caravaggio. Notevoli pittori francesi comprendevano Nicolas Poussin, che viveva a Roma; Claude Lorrain, che si è specializzato in paesaggi e ha trascorso gran parte della sua carriera a Roma; Louis Le Nain, che, insieme ai suoi fratelli, ha fatto per lo più opere di genere; Eustache Le Sueur e Charles Le Brun, che ha studiato con Poussin a Roma e sono stati influenzati da lui.

Con la morte nel 1661 del cardinale Mazarin, il primo ministro del re, Louis decise di assumersi la responsabilità personale di tutti gli aspetti del governo, comprese le arti. Il suo principale consigliere per le arti era Jean Colbert (1619-1683), che era anche il suo ministro delle finanze. Nel 1663 Colbert riorganizzò i laboratori di mobili reali, che producevano un’ampia varietà di beni di lusso, e aggiunse ad essi le officine degli arazzi di Gobelins. Allo stesso tempo, con l’aiuto di Le Brun, Colbert si fece carico della Royal Academy of Painting and Sculpture, che era stata fondata dal cardinale Mazarin. Colbert prese anche un ruolo dominante nell’architettura, prendendo il titolo di Sovrintendente degli edifici nel 1664. Nel 1666 fu fondata l’Accademia di Francia a Roma, per approfittare della posizione di Roma come principale centro d’arte d’Europa, e per assicurare un flusso di pittori ben addestrati. Le Brun divenne il decano dei pittori francesi sotto Luigi XIV, coinvolto in progetti di architettura e interior design. Le sue notevoli opere decorative includevano il soffitto della Sala degli Specchi nel Palazzo di Versailles.

I maggiori pittori dell’ultimo regno di Luigi XIV comprendevano Hyacinthe Rigaud (1659-1743), che arrivò a Parigi nel 1681 e attirò l’attenzione di LeBrun. LeBrun lo orientò verso la ritrattistica, e fece un celebre ritratto di Luigi XIV nel 1701, circondato da tutti gli attributi del potere, dalla corona sul tavolo ai tacchi rossi delle sue scarpe. Presto Rigaud ebbe un elaborato laboratorio per fare ritratti della nobiltà; ha impiegato artisti specializzati per creare costumi e drappeggi, e altri per dipingere gli sfondi, che vanno dai campi di battaglia ai giardini ai saloni, mentre si concentrava sulla composizione, i colori e soprattutto i volti.

George de la Tour (1593-1652) fu un’altra figura importante nello stile Luigi XIV; gli fu dato un titolo, chiamato pittore di corte del re, e ricevette alti pagamenti per i suoi ritratti, anche se raramente veniva a Parigi, preferendo lavorare nella sua città natale di Lunéville. I suoi dipinti, con la loro luce insolita e gli effetti oscuri, erano insolitamente cupi, le figure appena viste nell’oscurità, illuminate dalla luce delle torce, evocavano la meditazione e la pietà. Oltre alle scene religiose, ha realizzato dipinti di genere, tra cui il famoso Tricheur o il trucco della carta, mostrando che un giovane nobile viene ingannato a carte mentre altri lo guardano passivamente. Lo scrittore e poi ministro della cultura francese Andre Malraux scrisse nel 1951: “Nessun altro pittore, nemmeno Rembrandt, ha mai suggerito un silenzio così vasto e misterioso: La Tour è l’unico interprete dell’aspetto sereno delle ombre”.

Nei suoi ultimi anni, i gusti di Luigi XIV cambiarono di nuovo, sotto l’influenza della moglie morganica, Madame de Montespan, verso temi più religiosi e meditativi. Ha fatto rimuovere tutti i dipinti nella sua stanza privata e li ha sostituiti con una singola tela, Saint Sebastien curata da Saint Irene (1649 circa) da Georges de la Tour.

Scultura
Lo scultore più influente del periodo fu l’italiano Gian Lorenzo Bernini, il cui lavoro a Roma ispirò scultori in tutta Europa. Ha viaggiato in Francia; la sua proposta di una nuova facciata del Louvre fu respinta dal re, che voleva uno stile più specificamente francese, ma il Bernini fece un busto di Luigi XIV nel 1665 che fu molto ammirato e imitato in Francia.

Uno degli scultori più importanti sotto Luigi XIV fu Antoine Coysevox (pronunciato “qualzevo”) (1640-1720) da Lione. Studiò scultura sotto Luigi Lerambert e copiò in marmo antiche opere romane, tra cui la Venere di Medici. Nel 1776, il suo busto del pittore ufficiale del re Charles Le Brun gli fece ottenere l’ammissione alla Royal Academy of Painting and Sculpture. Presto stava producendo una scultura monumentale per accompagnare i nuovi edifici costruiti da Luigi XIV; fece un Carlo Magno per la cappella reale di Les Invalides, e poi un gran numero di statue per il nuovo parco di Versailles e poi allo Chateau de Marly. Inizialmente realizzò le statue all’aperto in stucco resistente agli agenti atmosferici, poi le sostituì con opere di marmo quando furono terminate nel 1705. La sua opera di Nettuno da Marly è ora al Louvre, e le sue statue di Pan e Flora e Dryad sono ora trovate nei giardini delle Tuileries. La sua statua di The King’s Fame a cavallo di Pegaso era originariamente fatta per il castello di Marly. Dopo la Rivoluzione fu trasferito ai Giardini delle Tuileries e ora è all’interno del Louvre. Fece anche una serie di sculture di ritratto molto ammirate dei principali statisti e artisti del tempo; Luigi XIV a Versailles, Colbert (per la sua tomba nella chiesa di Saint-Eustache, il cardinale Mazarin nel Collège des Quatre-Nations (ora Institut de France) a Parigi, il drammaturgo Jean Racine, l’architetto Vauban e il giardiniere André Le Notre.

Jacques Sarazin è stato un altro notevole scultore che ha lavorato a progetti per Luigi XIV. Realizzò molte statue e decorazioni per la Reggia di Versailles, così come le Cariatidi per la facciata orientale del Padiglione dell’Orologio del Louvre, di fronte a Cour Carré, che erano basate sia su uno studio dei modelli greci originali, sia su l’opera di Michelangelo.

Un altro notevole scultore dello stile Luigi XV fu Pierre Paul Puget (1620-1694), scultore, pittore, ingegnere e architetto. È nato a Marsiglia e ha decorato per la prima volta gli ornamenti per le navi in ​​costruzione. In seguito viaggiò in Italia, dove lavorò come apprendista sui soffitti barocchi di Palazzo Barberini e Palazzo Pitti. Ha viaggiato avanti e indietro tra l’Italia e la Francia, dipingendo, scolpendo e intagliando il legno. Ha fatto la sua celebre statua di cariatidi per il municipio di Tolone nel 1665-67, poi è stato impiegato da Nicolas Fouquet per fare una statua di Ercole per il suo castello a Vaux-le-Vicomte. Continuò a vivere nel sud della Francia, facendo notevoli statue di Milo di Crotone, Perseo e Andromeda (ora al Louvre).

arazzi
Nel 1662 Jean Baptiste Colbert acquistò il laboratorio di arazzi di una famiglia di artigiani fiamminghi e lo trasformò in un laboratorio reale per la produzione di mobili e arazzi, sotto il nome di arazzo di Gobelins. Colbert collocò l’officina sotto la direzione del pittore di corte reale, Charles Le Brun, che prestò servizio in quella posizione dal 1663 fino al 1690. Il laboratorio lavorò a stretto contatto con i principali pittori della corte, che produssero i disegni. Dopo il 1697 l’impresa fu riorganizzata, e da allora in poi fu interamente dedicata alla produzione di arazzi per il re.

I temi e gli stili dell’arazzo erano in gran parte simili ai temi dei dipinti del periodo, celebrando la maestà del re e scene trionfali di vittorie militari, scene mitologiche e pastorali. Mentre inizialmente erano fatti solo per l’uso del re e della nobiltà, la fabbrica iniziò presto ad esportare i suoi prodotti nelle altre corti d’Europa.

La manifattura dei Gobelins reali ebbe concorrenza da due imprese private, la manifattura di Beauvais e il laboratorio di arazzi di Aubusson, che producevano opere nello stesso stile ma con un processo di deformazione bassa, con una qualità leggermente inferiore. Jean Bérain il Vecchio, il disegnatore e disegnatore reale del re, ha creato una serie di tappeti grotteschi per Aubusson. Questi arazzi a volte celebravano temi contemporanei, come un’opera progettata da Aubusson. Un arazzo tardo XVII e XVIII secolo realizzato dalla Manifattura di Beauvais raffigurante astronomi cinesi presso l’antico Osservatorio di Pechino utilizzando nuovi strumenti più precisi portati loro dagli europei (gesuiti) che erano installato nel 1644.

Design e spettacolo
Nei primi anni del regno del re, la cerimonia reale pubblica più importante fu la giostra, una serie di esercizi e giochi a cavallo. Questi eventi furono progettati per sostituire il torneo, che era stato bandito dopo il 1559 quando il re Enrico II fu ucciso in un incidente di giostra. Nella versione nuova, meno pericolosa, i cavalieri di solito dovevano passare la loro lancia attraverso l’interno di un anello, o colpire manichini con le teste di Medusa, Mori e Turchi. Una grande giostra fu celebrata il 5-6 giugno 1662 per celebrare la nascita del Delfino, figlio di Luigi XIV. Si è tenuto sulla piazza che separa il Louvre dal Palazzo delle Tuileries, che in seguito divenne noto come Place du Carrousel.

Anche l’ingresso cerimoniale del re a Parigi divenne occasione di festeggiamenti. Il ritorno di Luigi XIV e della regina Marie-Thérèse a Parigi dopo la sua incoronazione nel 1660 fu celebrato da un grande evento in una fiera alle porte della città, dove furono costruiti grandi troni per i nuovi monarchi. Dopo la cerimonia il sito divenne noto come Place du Trône, o luogo del Trono, fino a diventare la Place de la Nation nel 1880.

Nella casa reale di Luigi XIV esisteva un ufficio chiamato Menus-Plaisirs du Roi, che era responsabile della decorazione delle cerimonie e degli spettacoli reali, tra cui balletti, maschere, luminarie, fuochi d’artificio, spettacoli teatrali e altri intrattenimenti. Questo ufficio fu tenuto dal 1674 al 1711 da Jean Bérain il Vecchio (1640-1711). Fu anche progettista della camera da letto e degli uffici del re e esercitò un’enorme influenza su quello che divenne noto come lo stile Luigi XIV; il suo studio era situato nella Grande Galleria del Louvre, insieme a quelli del designer di mobili reali André Charles Boulle. È stato particolarmente responsabile dell’introduzione della versione modificata dello stile di ornamento grottesco, originariamente creato in Italia da Raffaello, nell’arredamento francese. Ha usato la stele grottesca non solo sui pannelli murali, ma anche sugli arazzi realizzati dai laboratori di arazzi di Aubusson. I suoi numerosi e vari altri design includevano il design altamente decorato dello specchio di poppa della nave da guerra Soleil Royal (1670), dal nome del re.

Oltre alla decorazione degli interni, ha progettato i costumi e gli scenari per i teatri reali, tra cui l’opera Amadis di Jean-Baptiste Lully eseguita al Theatre del Palais Royal (1684) e per il balletto dell’opera Les Saisons del successore di Lully , Pascal Colasse, nel 1695.

Il giardino alla francese
Una delle forme più longeve e popolari dello stile Luigi XIV è il Jardin à la française o il giardino formale francese, uno stile basato sulla simmetria e il principio dell’impostazione dell’ordine sulla natura. L’esempio più famoso è il giardino di Versailles progettato da André Le Nôtre, che ha ispirato copie in tutta Europa. Il primo importante giardino alla francese fu il castello di Vaux-le-Vicomte, creato da Nicolas Fouquet, sovrintendente di Finanze a Luigi XIV, a partire dal 1656. Fouquet commissionò a Louis Le Vau di progettare il castello, Charles Le Brun, per progettare statue per il giardino, e André Le Nôtre per creare i giardini. Per la prima volta, quel giardino e il castello erano perfettamente integrati. Una grande prospettiva di 1500 metri si estendeva dai piedi del castello alla statua di Ercole di Farnese; e lo spazio era pieno di parterre di arbusti sempreverdi a motivi ornamentali, bordati da sabbia colorata, ei viali erano decorati a intervalli regolari da statue, vasche, fontane e topiari accuratamente scolpiti. “La simmetria raggiunta da Vaux ha raggiunto un livello di perfezione e di unità raramente eguagliata nell’arte dei giardini classici: il castello è al centro di questa rigida organizzazione spaziale che simboleggia il potere e il successo”.

I Giardini di Versailles, creati da André Le Nôtre tra il 1662 e il 1700, furono il più grande successo del Garden à la francaise. Erano i giardini più grandi d’Europa – con una superficie di 15.000 ettari, e furono disposti su un asse est-ovest seguendo il corso del sole: il sole sorse sulla Corte d’Onore, accese la Corte di Marmo, attraversò il castello e illuminò la camera da letto del Re e si mise in fondo al Canal Grande, riflesso negli specchi della Sala degli Specchi. In contrasto con le grandi prospettive, raggiungendo l’orizzonte, il giardino era pieno di sorprese – fontane, piccoli giardini pieni di statue, che fornivano una dimensione più umana e spazi intimi. Il simbolo centrale del giardino era il sole; l’emblema di Luigi XIV, illustrato dalla statua di Apollo nella fontana centrale del giardino. “I punti di vista e le prospettive, da e verso il palazzo, continuarono all’infinito.Il re regnava sulla natura, ricreando nel giardino non solo il suo dominio sui suoi territori, ma sulla corte e sui suoi sudditi”.