O Estilo Luís XIV, também chamado de classicismo francês, era o estilo de arquitetura e artes decorativas destinado a glorificar o rei Luís XIV e seu reinado. Apresentava majestade, harmonia e regularidade. Tornou-se o estilo oficial durante o reinado de Luís XIV (1643–1715), imposto aos artistas pela recém-criada Academia Real de Pintura e Escultura (Academia Real de Pintura e Escultura) e pela Académie royale d’architecture (Academia Real de Arquitetura). Teve uma influência importante na arquitetura de outros monarcas europeus, desde Frederico o Grande da Prússia até Pedro, o Grande da Rússia. Os principais arquitetos do período incluíam François Mansart, Jules Hardouin Mansart, Robert de Cotte, Pierre Le Muet, Charles Perrault e Louis Le Vau. Os principais monumentos incluíam o Palácio de Versalhes, o Grande Trianon em Versalhes e a Igreja de Les Invalides (1675-91).
O estilo Luís XIV teve três períodos. Durante o primeiro período, que coincidiu com a juventude do rei (1643-1660) e a regência de Ana da Áustria, a arquitetura e a arte foram fortemente influenciadas pelo estilo anterior de Luís XIII e pelo estilo barroco importado da Itália. O período inicial viu o início do classicismo francês, particularmente nos primeiros trabalhos de François Mansart, como o Chateau de Maisons (1630-1651). Durante o segundo período (1660-1690), sob o domínio pessoal do rei, o estilo de arquitetura e decoração tornou-se mais clássico, triunfante e ostentoso, expresso na construção do Chateau de Versailles, primeiro por Louis Le Vau e depois por Jules. Hardouin-Mansart. Até 1680, os móveis eram enormes, decorados com uma profusão de esculturas e dourados. No período posterior, graças ao desenvolvimento da embarcação de marchetaria, a mobília foi decorada com diferentes cores e madeiras diferentes. O criador mais proeminente de móveis no período posterior foi André Charles Boulle. O período final do estilo de Luís XIV, de 1690 a 1715, é chamado de período de transição; foi influenciado por Hardouin-Mansart e pelo designer de festas e cerimônias do rei, Jean Bérain, o Velho. O novo estilo era mais leve e apresentava maior fantasia e liberdade de linha, graças em parte ao uso da decoração em ferro forjado e à maior utilização de desenhos de arabesco, grotesco e coquille, que continuaram no estilo de Luís XV.
Período
O estilo Luís XIV segue o estilo Luís XIII. O estilo surge com o advento do reinado de Luís XIV em 1661 e continua até o final do século XVII. Após a morte de Le Brun em 1690, o estilo declina e é gradualmente substituído pelo estilo Regency.
Situação política e cultural
Política
Luís XIV subiu ao trono alguns meses antes de seu quinto aniversário, mas durante sua infância a regência foi compartilhada por Anne da Áustria e pelo cardeal Mazarin. Durante este período, ele é muito marcado pela revolta da Fronda (1648 – 1653). Uma vez na cabeça do país, Ele tentará conter com mão de ferro a nobreza do país. Remove o cargo de primeiro-ministro de exercer poder absolutista. Ele despede Fouquet do cargo de Superintendente de Finanças. No início de seu reinado, Luís XIV iniciou grandes reformas administrativas (criação do Conselho Real das Finanças, um moderno serviço policial, Ordonnance civile de Saint-Germain-en-Laye). A política externa fez muitas guerras na conquista de um grande número de províncias (Alta Alsácia, Metz, Toul, Verdun, Roussillon, Artois, Flandres Francesa, Cambrai, Franche-Comté, Sarre, Hainaut e Baixa Alsácia).
Cultura
Luís XIV pretende demonstrar o poder e a grandeza do reino. ele quer controlar o meio artístico para que esteja a seu serviço 1. Ele confiou Louis Le Vau e André Le Nôtre à restauração do palácio e do jardim das Tulherias. Durante seu reinado, ele instruiu Le Vau e Orbay a construir o Palácio de Versalhes, um palácio centralizador de poder. Charles Le Brun, o primeiro pintor do rei, tem uma grande influência nas artes. Ele está na origem do gosto pronunciado pelo estilo antigo. Ele também é nomeado pelo rei diretor da Manufatura dos Gobelins. Em 1662, Le Brun criou o “Royal Manufacture of Crown Furniture”, onde móveis e decorações foram feitas para as casas reais.
Arquitetura civil
O modelo de arquitetura cívica na primeira parte do reinado foi Vaux le Vicomte (1658), de Louis Le Vau, construído para o chefe de finanças do rei Nicolas Fouquet e concluído em 1658. Luís XIV acusou Fouquet de roubo, colocou-o na prisão, e levou o prédio para si mesmo. O design foi fortemente influenciado pelo classicismo de François Mansart. Combinou uma fachada dominada e rimada por colunas clássicas colossais, sob uma cúpula, importada da arquitetura barroca italiana, juntamente com uma série de características originais, como um salão semicircular que dava para o vasto jardim formal francês criado por André Le Nôtre. .
Baseado no sucesso de Vaux le Vicomte, Luís XIV escolheu Le Vau para construir um imenso novo palácio em Versalhes, para aumentar um pequeno palácio transformado de uma cabana de caça por Luís XIII. Isso gradualmente se tornou, ao longo das décadas, a obra-prima do estilo Luís XIV. Após a morte de Le Vau em 1680, Jules Hardouin-Mansart assumiu o projeto de Versalhes; separou-se das projeções pitorescas e da cúpula e fez uma fachada de colunas mais sóbria e uniforme, com um teto plano encimado por uma balaustrada e fileira de colunas (1681). Ele usou o mesmo estilo para harmonizar os outros novos edifícios que ele criou em Versailles, incluindo os Orangerie e os Stables. Hardouin-Mansart construiu o Grand Trianon (concluído em 1687), recuo real de um único andar com janelas arqueadas alternando com pares de colunas, e um telhado plano e balaustrada.
Outro grande projeto novo empreendido por Louis foi a construção de uma nova fachada para o lado leste do Louvre. Louis convidou o mais famoso arquiteto escultor do barroco italiano, Gian Lorenzo Bernini, para apresentar um projeto, mas o rejeitou em favor de uma colunata mais sóbria e clássica de Perrault (1668).
Arquitetura religiosa
No período inicial de seu reinado, Luís começou a construir a igreja de Val-de-Grâce (1645-1710), a capela do hospital Val-de-Grace. O projeto foi trabalhado sucessivamente por Mansart, Jacques Lemercier e Pierre Le Muet antes de ser concluído por Gabriel Leduc. Sua pitoresca fachada tripartite, peristilo, colunas destacadas, estátuas e tondi fazem dela a igreja mais italiana e barroca de Paris. Serviu como protótipo para as últimas cúpulas de Les Invalides e do Panteão.
A próxima grande igreja construída sob Luís XIV foi a igreja de Les Invalides (1680-1706). A nave da igreja, de Libéral Bruant, era comparável à de outras igrejas do período, com pilastras iônicas e abóbadas penetrantes, e um interior que lembrava o alto estilo barroco. A cúpula, de Hardouin-Mansart, era mais revolucionária, assentada sobre uma estrutura com o plano de uma cruz grega. O desenho usava ordens sobrepostas de colunas, no estilo clássico, mas a cúpula alcançava maior altura, apoiando-se em um tambor duplo, ea fachada e a cúpula eram ricamente decoradas com esculturas, entalhes em nichos e ornamentos de bronze dourado alternando entre si. com as nervuras ou costelas da cúpula.
O melhor interior da igreja do final do período de Luís XIV é a capela do Palácio de Versalhes, criada entre 1697 e 1710 por Hardouin-Mansart e seu sucessor como arquiteto da corte, Robert de Cotte. A decoração foi cuidadosamente contida, com cores claras e detalhes esculturais em ligeiro relevo nas colunas. O interior da capela era aberto e iluminado pelo uso de colunas clássicas colocadas na tribuna, um nível acima do térreo, para suportar o peso do teto abobadado.
O grande estilo: Paris
Embora Louis XIV tenha sido posteriormente acusado de ter ignorado Paris, seu reinado viu diversos projetos arquitetônicos maciços que abriram espaço e ornamentaram o centro da cidade. A idéia de monumentais praças urbanas cercadas por arquitetura uniforme tinha começado na Itália, como muitas idéias arquitetônicas do período barroco. A primeira dessas praças em Paris foi a Place Royal (agora Place des Vosges) iniciada por Henrique IV da França, completada com uma estátua equestre de Luís XIII; depois a Place Dauphine na Ile de la Cité, que tinha uma estátua equestre de Henrique IV. Os primeiros grandes projetos parisienses de Louis XIV eram novas fachadas no Louvre, uma em frente ao Sena, a outra voltada para o leste. Estas foram mostras do novo estilo monumental de Louis XIV. O velho tijolo e a pedra das praças de Henrique IV foram substituídos pelo Grande Estilo de colunas monumentais, que geralmente faziam parte da fachada em si, em vez de ficarem separadas. Todos os prédios ao redor da praça foram conectados e construídos na mesma altura, no mesmo estilo. O térreo apresentava uma arcada coberta para pedestres.
O primeiro desses complexos de edifícios construídos sob Luís XIV foi o Collège des Quatre-Nations (hoje o Institut de France) (1662-1668), em frente ao Louvre. Foi projetado por Louis Le Vau e François d’Orbay e combinou a sede das academias fundadas pelo rei, uma capela e a biblioteca do cardeal Mazarin. O Hôtel Royal des Invalides – um complexo para veteranos de guerra composto por residências, um hospital e uma capela – foi construído por Libéral Bruant e Jules Hardouin-Mansart (1671-1679). Luís XIV então contratou Mansart para construir uma capela real particular separada com uma cúpula impressionante, a Église du Dôme, que foi adicionada para completar o complexo em 1708.
O próximo grande projeto foi a Place des Victoires (1684-1697), um empreendimento imobiliário de sete grandes edifícios em três segmentos em torno de uma praça oval, com uma estátua equestre de Luís XIV planejada para a peça central. Este foi construído por um empreendedor empreendedor e nobre da corte, Jean-Baptiste Prédot, combinado com o arquiteto Jules Haroudin-Mansart. O último projeto urbano tornou-se o mais conhecido, a Place Vendôme, também de Harouin-Mansart, entre 1699 e 1702. Em outra inovação, esse projeto foi parcialmente financiado pela venda de lotes ao redor da praça. Todos esses projetos apresentavam fachadas monumentais no estilo Luís XIV, dando uma harmonia particular aos quadrados.
Decoração de interior
No início do estilo Luís XIV, as principais características da decoração eram uma riqueza de materiais e um esforço para alcançar um efeito monumental. Os materiais utilizados incluíam o mármore, muitas vezes combinado com pedras multicoloridas, bronze, pinturas e espelhos. Estes foram inseridos em um quadro extremamente de colunas, pilastras, nichos, que se estendiam até as paredes e até o teto. As portas estavam cercadas de medalhões, frontões e baixos-relevos. As chaminés eram menores do que as da era Luís XIII, mas mais ornamentadas, com uma prateleira de mármore sustentando vasos, abaixo de uma moldura entalhada com uma pintura ou espelhos, tudo rodeado por uma borda grossa de folhas ou flores entalhadas.
Elementos descritivos nas paredes do estilo inicial de Luís XIV eram geralmente destinados a celebrar o sucesso militar, a majestade e as conquistas culturais do rei. Eles freqüentemente exibiam troféus militares, com capacetes, folhas de carvalho simbolizando a vitória e massas de armas, geralmente feitas de bronze deslizado ou madeira esculpida, em relevo rodeadas de mármore. Outros elementos decorativos celebravam o rei pessoalmente: o chefe do rei era muitas vezes representado como o deus do sol Apolo, cercado por folhas de palmeira ou raios dourados de luz. Uma águia geralmente representava Júpiter. Outros detalhes ornamentais incluíam números dourados, bastões reais e coroas.
O Salão dos Espelhos do Palácio de Versalhes (1678-1684) foi o cume do início do estilo de Luís XIV. Projetado por Charles Le Brun, combinou uma riqueza de materiais (mármore, ouro e bronze) que refletiam nos espelhos.
No final do período Luís XIV, depois de 1690, novos elementos começaram a aparecer, menos militaristas e mais fantásticos; particularmente conchas, cercadas por linhas e curvas sinuosas elaboradas; e desenhos exóticos, incluindo arabescos e chinoiserie.
Mobília
Durante o primeiro período do reinado de Luís XIV, a mobília seguiu o estilo anterior de Luís XIII, foi maciça e profusamente decorada com escultura e douradura. Depois de 1680, graças em grande parte ao designer de mobiliário André Charles Boulle, surgiu um estilo mais original e delicado. Baseou-se na incrustação de ébano e outras madeiras raras, uma técnica usada pela primeira vez em Florença no século 15, que foi refinada e desenvolvida por Boulle e outros que trabalham para Louis XIV. A mobília era incrustada de placas de ébano, cobre e madeiras exóticas de cores diferentes.
Surgiram novos tipos de mobília, muitas vezes duradouros; o vaso sanitário, com duas a quatro gavetas, substituiu o antigo caixão ou baú. O canapé ou sofá apareceu na forma de uma combinação de duas ou três poltronas. Novos tipos de poltronas apareceram, incluindo o fauteuil en confessionale ou “Confessional armchair”, que tinha almofadas de íons em ambos os lados das costas da cadeira. A mesa de console também fez sua primeira aparição; Ele foi projetado para ser colocado contra uma parede. Outro novo tipo de mobília era a mesa à gibier, uma mesa com tampo de mármore para guardar pratos. Variedades antigas da mesa apareceram; a escrivaninha de Mazarin tinha uma seção central recuada, colocada entre duas colunas de gavetas, com quatro pés em cada coluna.
Mobiliário de estilo icônico de Louis XIV
Os assentos
Poltronas: as costas são mais altas que largas, retas ou levemente inclinadas para trás. Eles são freqüentemente separados do assento e completamente cobertos com um pano precioso (brocados de ouro ou prata, veludo, damasco, cetim branco da China decorado com estampas em listras ou ponto húngaro). A base é mais esculpida. Os dormentes podem estar em aparelhos (também chamados de osso de ovelha), virados ou voltados para frente. Várias formas estão em voga durante este período: o “pé direito no balaústre quadrado”, o “pé curvo no console” ou o “pé no osso de ovelha”. Estes são conectados por espaçadores que se movem gradualmente de uma forma de H para uma forma de X. O braço ou braço é mais ondulado. Terminado por uma voluta ou uma vara, excede o console que o suporta. O console do apoio de braço está na extensão do pé. Raramente inclui algemas (partes acolchoadas do braço). Também vemos a aparência de poltronas chamadas “aurículas” ou “confessionários”, ancestrais da pastora. Equipadas com orelhas perfuradas de ciúmes, bochechas cheias e uma telha ou almofada espessa, as orelhas são gradualmente deixadas cheias quando sua função de confissão aos sacerdotes desaparece.
Cadeiras: A cadeira é muito semelhante à cadeira, mas não possui um apoio de braço.
Bancos: o dobramento é dobrável (banco dobrável) com base X, executado em materiais luxuosos e tecidos preciosos esticados. O placet é um banco quadrado ou retangular, com quatro pés retos e espaçador em H ou X.
Mesas e mesas de pedestal
Tabela de estado semelhante aos consoles médios (por causa de seus pés na forma de consoles). Eles muitas vezes se tornam maciços, mas não estão acostumados a fazer uma refeição. Seu prato quadrado, retangular e às vezes redondo, é feito de mármore, pórfiro, alabastro, marchetaria de pedras coloridas cercadas por mármore preto ou madeira incrustada e estanho ou cobre e tartaruga. Os pés formados de consoles ou motivos em aparelhos são montados por uma cinta esculpida ou perfurada e um espaçador em H que se torna um X. O pé virado para a origem é reto (na forma de bainha com seção quadrada ou balaústre) ou em a forma de um console, então a curva é acentuada para formar um pé de cabra com sapata bifurcada anunciando o estilo Regency. Os jogos de fundo na douração são xadrez e losango. A mesa da sala de jantar não existe, ainda há na época simples cavaletes.
Aparelhos e suportes médios
Pedestais chamados chamas.
Armários e armários
Os grandes armários são de forma retangular e têm uma cornija saliente.
A cômoda é criada durante esse período. Esta criação é atribuída a Boulle.
Bonnetières.
Buffets (armários baixos).
Mobiliário de escrita
Os gabinetes estão gradualmente se tornando escritórios. O exemplo mais conhecido é o “Mazarin Office” (ver novo mobiliário)
camas
As camas são compostas por uma armação coberta com tecido. Um leito do céu repousa sobre quatro colunas. Seus nomes são “camas de duquesa” ou “camas de dossel”.
Restos de cama, formas (antepassados do sofá).
Gradualmente, os assentos serão adornados com uma almofada, tecidos, tapeçarias de agulha (grandes pontos, pequenos pontos ou couro dourado ou estampado), Gênova aveludado, ou Damasco, etc., feitos de pequenas unhas escondidas por coadores.
Moveis novos
Escritório Mazarin
A cômoda: substitui o peito e se desenvolve a partir do final do século XVII. O armário é nomeado após 1708.
A cadeira com aurículas ou confessionários.
O escritório: evolução do gabinete. Um dos melhores exemplos é o Mazarin Office. Este consiste em oito pés. Está dividido em três partes. Na parte externa do gabinete, os pés são conectados quatro por quatro por um espaçador X e suportam três gavetas. A parte central está recuada.
Materiais
Madeiras
A madeira maciça usada é principalmente feita de nogueira, carvalho e castanha. Ébano, pêra negra, abeto e fruta também são usados.
De outros
O bronze esculpido conhece um grande aumento. O desenvolvimento da marchetaria vê o uso de metais (cobre, estanho, bronze), escamas (incluindo tartaruga), ossos, marfim e pedras preciosas.
Técnicas e ferramentas
A marchetaria, decoração feita com folheados e colada na armação da peça de mobiliário, já está presente sob o estilo anterior. Podemos notar a contribuição do know-how holandês, estes, muitas vezes alojados no Louvres são chamados de “marceneiro de ébano, rei marceneiro”. A marchetaria então conhece um forte desenvolvimento sob a liderança de André-Charles Boulle. Ele desenvolve uma técnica existente, o Tarsia incastro ou o “partido contra-parte”, que leva o nome de “marchetaria Boulle”. A incrustação de casco de tartaruga aparece neste momento. Técnicas de junção são o espigão e a cauda de andorinha.
Pintura
Na primeira parte do reinado, os pintores franceses foram em grande parte influenciados pelos italianos, particularmente Caravaggio. Pintores franceses notáveis incluíam Nicolas Poussin, que vivia em Roma; Claude Lorrain, especializado em paisagens e passou a maior parte de sua carreira em Roma; Louis Le Nain, que, junto com seus irmãos, fazia principalmente obras de gênero; Eustache Le Sueur e Charles Le Brun, que estudaram com Poussin em Roma e foram influenciados por ele.
Com a morte, em 1661, do cardeal Mazarin, o primeiro-ministro do rei, Louis decidiu assumir pessoalmente todos os aspectos do governo, incluindo as artes. Seu principal conselheiro nas artes foi Jean Colbert (1619-1683), que também foi seu ministro das finanças. Em 1663, Colbert reorganizou as oficinas de móveis reais, que produziam uma grande variedade de artigos de luxo, e acrescentou as oficinas de tapeçaria dos Gobelins. Ao mesmo tempo, com a ajuda de Le Brun, Colbert encarregou-se da Academia Real de Pintura e Escultura, fundada pelo Cardeal Mazarin. Colbert também assumiu um papel dominante na arquitetura, assumindo o título de Superintendente de edifícios em 1664. Em 1666, foi fundada a Academia Francesa em Roma, para aproveitar a posição de Roma como o principal centro de arte da Europa, e para assegurar um fluxo de pintores bem treinados. Le Brun tornou-se o decano dos pintores franceses de Louis XIV, envolvido em projetos arquitetônicos e design de interiores. Suas notáveis obras decorativas incluíam o teto do Salão dos Espelhos no Palácio de Versalhes.
Os principais pintores do final do reinado de Luís XIV incluíam Hyacinthe Rigaud (1659-1743), que chegou a Paris em 1681 e atraiu a atenção de LeBrun. LeBrun orientou-o para a pintura de retratos, e ele fez um célebre retrato de Luís XIV em 1701, cercado por todos os atributos do poder, da coroa na mesa aos saltos vermelhos dos sapatos. Rigaud logo teve uma oficina elaborada para fazer retratos da nobreza; ele empregou artistas especializados para criar os figurinos e cortinas, e outros para pintar os cenários, desde campos de batalha a jardins e salões, enquanto se concentrava na composição, nas cores e principalmente nos rostos.
George de la Tour (1593-1652) foi outra figura importante no estilo Luís XIV; recebeu um título, nomeado pintor da corte do rei, e recebeu altos pagamentos por seus retratos, embora raramente chegasse a Paris, preferindo trabalhar em sua cidade natal de Lunéville. Suas pinturas, com sua luz incomum e efeitos escuros, eram extraordinariamente sombrias, as figuras mal vistas na escuridão, iluminadas pela luz das tochas, evocando a meditação e a pena. Além de cenas religiosas, ele fez pinturas de gênero, incluindo o famoso Tricheur ou cartão de fraude, mostrando um jovem nobre sendo enganado em cartões enquanto outros olham passivamente. O escritor e mais tarde ministro da Cultura francês Andre Malraux escreveu em 1951, “Nenhum outro pintor, nem mesmo Rembrandt, jamais sugeriu um silêncio tão vasto e misterioso. La Tour é o único intérprete do aspecto sereno das sombras”.
Em seus últimos anos, os gostos de Luís XIV mudaram novamente, sob a influência de sua esposa morganesa, Madame de Montespan, em direção a temas mais religiosos e meditativos. Ele teve todas as pinturas em sua sala privada removidas e substituídas por uma única tela, Saint Sebastien sendo atendido por Santa Irene (c. 1649) por Georges de la Tour.
Escultura
O escultor mais influente do período foi o italiano Gian Lorenzo Bernini, cuja obra em Roma inspirou escultores em toda a Europa. Ele viajou para a França; sua proposta para uma nova fachada do Louvre foi rejeitada pelo rei, que queria um estilo mais especificamente francês, mas o Bernini fez um busto de Luís XIV em 1665, que muito admirava e imitava na França.
Um dos escultores mais proeminentes de Luís XIV foi Antoine Coysevox (pronunciado “qualzevo”) (1640-1720), de Lyon. Ele estudou escultura sob Louis Lerambert e copiou em mármore antigas obras romanas, incluindo a Vênus de Medici. Em 1776, seu busto do pintor oficial do rei, Charles Le Brun, lhe valeu a admissão na Academia Real de Pintura e Escultura. Ele logo estava produzindo uma escultura monumental para acompanhar os novos edifícios construídos por Luís XIV; ele fez um Charlemagne para a capela real em Les Invalides, e então um grande número de estátuas para o novo Parque em Versalhes e depois no Castelo de Marly. Ele originalmente fez as estátuas ao ar livre em estuque resistente às intempéries, depois as substituiu por obras de mármore quando foram concluídas em 1705. Seu trabalho de Netuno de Marly agora está no Louvre, e suas estátuas de Pan e uma Flora e Dríade agora são encontradas nos Jardins das Tulherias. Sua estátua de Fama do Rei montando Pegasus foi originalmente feita para o Chateau de Marly. Após a Revolução, foi transferido para o Jardim das Tulherias e agora está dentro do Louvre. Ele também fez uma série de esculturas de retrato muito admiradas dos principais estadistas e artistas da época; Luís XIV em Versalhes, Colbert (por sua tumba na Igreja de Saint Eustache; Cardeal Mazarin no Collège des Quatre-Nations (hoje Institut de France) em Paris; o dramaturgo Jean Racine; o arquiteto Vauban e o designer de jardins Andre Le Notre.
Jacques Sarazin foi outro notável escultor trabalhando em projetos para Louis XIV. Ele fez muitas estátuas e decorações para o Palácio de Versalhes, bem como as cariátides para a fachada oriental do Pavilhão do Horloge do Louvre, em frente ao Cour Carré, que se baseava tanto no estudo dos modelos gregos originais, quanto na o trabalho de Michelangelo.
Outro notável escultor do Estilo Louis XV foi Pierre Paul Puget (1620-1694), que era escultor, pintor, engenheiro e arquiteto. Ele nasceu em Marselha e primeiro esculpiu ornamentos para navios em construção. Ele então viajou para a Itália, onde trabalhou como aprendiz nos limites barrocos do Palazzo Barberini e Palazzo Pitti. Ele viajou de um lado para o outro entre a Itália e a França, pintando, esculpindo e esculpindo em madeira. Ele fez sua célebre estátua de cariátides para a prefeitura de Toulon em 1665-67, em seguida, foi contratado por Nicolas Fouquet para fazer uma estátua de Hércules para seu castelo em Vaux-le-Vicomte. Ele continuou a viver no sul da França, fazendo estátuas notáveis de Milo de Croton, Perseu e Andrômeda (agora no Louvre).
Tapeçarias
Em 1662 Jean Baptiste Colbert comprou a oficina de tapeçaria de uma família de artesãos flamengos e transformou-a em uma oficina real para a fabricação de móveis e tapeçarias, sob o nome de tapeçaria Gobelins. Colbert colocou a oficina sob a direção do pintor da corte real, Charles Le Brun, que serviu nessa posição de 1663 até 1690. A oficina trabalhou em estreita colaboração com os principais pintores da corte, que produziram os desenhos. Depois de 1697, o empreendimento foi reorganizado e, a partir de então, foi inteiramente dedicado à produção de tapeçarias para o rei.
Os temas e estilos da tapeçaria foram em grande parte semelhantes aos temas nas pinturas do período, celebrando a majestade do rei e cenas triunfais de vitórias militares, cenas mitológicas e pastorais. Enquanto no início eles foram feitos apenas para uso do rei e da nobreza, a fábrica logo começou a exportar seus produtos para os outros tribunais da Europa.
A manufatura real Gobelins tinha a concorrência de duas empresas privadas, a oficina de tapeçaria de Beauvais e a oficina de tapeçaria de Aubusson, que produzia obras no mesmo estilo, mas com um processo de baixa deformação, com um pouco menos de qualidade. Jean Bérain, o Velho, desenhista real e designer do rei, criou uma série de tapetes grotescos para Aubusson. Essas tapeçarias às vezes celebravam temas contemporâneos, como uma obra projetada por Aubusson. Uma tapeçaria do final do século XVII até início do século XVIII feita pela Manufactura de Beauvais representando astrônomos chineses no Observatório Antigo de Pequim usando novos instrumentos mais precisos trazidos pelos europeus (jesuítas). instalado em 1644.
Design e espetáculo
Nos primeiros anos do reinado do rei, a mais importante cerimônia pública real foi o carrossel, uma série de exercícios e jogos a cavalo. Esses eventos foram planejados para substituir o torneio, que havia sido banido depois de 1559, quando o rei Henry II foi morto em um duelo de justa. Na versão nova e menos perigosa, os cavaleiros geralmente tinham que passar a lança pelo interior de um anel, ou golpear manequins com as cabeças de Medusa, mouros e turcos. Um grande carrossel foi realizado de 5 a 6 de junho de 1662 para celebrar o nascimento do Dauphin, filho de Luís XIV. Foi realizada na praça que separa o Louvre do Palácio das Tulherias, que depois ficou conhecida como a Place du Carrousel.
A entrada cerimonial do rei em Paris também se tornou uma ocasião para festividades. O retorno de Luís XIV e da rainha Marie-Thérèse a Paris após sua coroação em 1660 foi celebrado por um grande evento em um recinto de feiras às portas da cidade, onde grandes tronos foram construídos para os novos monarcas. Após a cerimônia, o local ficou conhecido como Place du Trône, ou lugar do trono, até se tornar a Place de la Nation em 1880.
Um escritório existia na casa real de Louis XIV chamado Menus-Plaisirs du Roi, que era responsável pela decoração de cerimônias reais e espetáculos, incluindo balés, máscaras, iluminação, fogos de artifício, apresentações de teatro e outros entretenimentos. Este escritório foi realizado de 1674 a 1711 por Jean Bérain, o Velho (1640-1711). Ele também foi designer dos aposentos e escritórios do rei, e teve uma enorme influência sobre o que ficou conhecido como o Estilo Louis XIV; seu estúdio estava localizado na Grande Galeria do Louvre, junto com o do designer de mobiliário real André Charles Boulle. Ele foi particularmente responsável por introduzir a versão modificada do estilo grotesco do ornamento, originalmente criado na Itália por Rafael, no design de interiores francês. Ele usou a grotesca estela não apenas em painéis de parede, mas também em tapeçarias feitas pelas oficinas de tapeçaria de Aubusson. Seus muitos outros projetos variados incluíam o projeto altamente ornamentado de popa do navio de guerra Soleil Royal (1670), batizado em homenagem ao rei.
Além da decoração de interiores, ele desenhou os figurinos e cenários para os teatros reais, inclusive para a ópera Amadis de Jean-Baptiste Lully apresentada no Theatre of the Palais Royal (1684) e para a ópera-balé Les Saisons pelo sucessor de Lully Pascal Colasse, em 1695.
O jardim a la Française
Uma das formas mais duradouras e populares do Estilo Louis XIV é o Jardin à la française ou jardim formal francês, um estilo baseado na simetria e no princípio da imposição da ordem na natureza. O exemplo mais famoso é o Gardens of Versailles, projetado por André Le Nôtre, que inspirou cópias por toda a Europa. O primeiro jardim importante à francesa foi o Chateau de Vaux-le-Vicomte, criado por Nicolas Fouquet, superintendente de Finanças de Luís XIV, a partir de 1656. Fouquet encarregou Louis Le Vau de projetar o castelo, Charles Le Brun para projetar estátuas para o jardim, e André Le Nôtre para criar os jardins. Pela primeira vez, aquele jardim e o castelo estavam perfeitamente integrados. Uma grande perspectiva de 1500 metros se estendia do pé do castelo até a estátua do Hércules de Farnese; e o espaço estava cheio de parterres de arbustos sempre-verdes em padrões ornamentais, cercados por areia colorida, e as vielas eram decoradas em intervalos regulares por estátuas, bacias, fontes e topiarias cuidadosamente esculpidas. “A simetria alcançada em Vaux alcançou um grau de perfeição e unidade raramente igualado na arte dos jardins clássicos. O castelo está no centro dessa estrita organização espacial que simboliza poder e sucesso.”
Os Jardins de Versalhes, criados por André Le Nôtre entre 1662 e 1700, foram a maior conquista do Jardim à la francaise. Eles eram os maiores jardins da Europa – com uma área de 15.000 hectares, e foram dispostos em um eixo leste-oeste seguido do curso do sol: o sol se levantou sobre o Tribunal de Honra, acendeu a Corte de Mármore, cruzou o Castelo e acendeu o quarto do rei e se pôs no final do Grande Canal, refletido nos espelhos do Salão dos Espelhos. Em contraste com as grandes perspectivas, chegando ao horizonte, o jardim estava cheio de surpresas – fontes, pequenos jardins cheios de estátuas, que proporcionavam uma escala mais humana e espaços íntimos. O símbolo central do jardim era o sol; o emblema de Luís XIV, ilustrado pela estátua de Apolo na fonte central do jardim. “Os pontos de vista e perspectivas, de e para o palácio, continuaram ao infinito. O rei governou a natureza, recriando no jardim não apenas a dominação de seus territórios, mas sobre a corte e seus súditos”.