Style Louis XIV

Le style Louis XIV, aussi appelé classicisme français, était le style d’architecture et d’arts décoratifs destiné à glorifier le roi Louis XIV et son règne. Il a comporté la majesté, l’harmonie et la régularité. Il est devenu le style officiel sous le règne de Louis XIV (1643-1715), imposé aux artistes par l’Académie royale de peinture et de sculpture (Académie royale de peinture et de sculpture) nouvellement créée et l’Académie royale d’architecture (Académie royale de Architecture). Il a eu une influence importante sur l’architecture des autres monarques européens, de Frédéric le Grand de Prusse à Pierre le Grand de Russie. Les principaux architectes de l’époque sont François Mansart, Jules Hardouin Mansart, Robert de Cotte, Pierre Le Muet, Charles Perrault et Louis Le Vau. Les principaux monuments incluent le château de Versailles, le Grand Trianon de Versailles et l’église des Invalides (1675-91).

Le style Louis XIV avait trois périodes. Au cours de la première période, qui coïncide avec la jeunesse du roi (1643-1660) et la régence d’Anne d’Autriche, l’architecture et l’art sont fortement influencés par le style ancien de Louis XIII et par le style baroque importé d’Italie. Les débuts du classicisme français furent marqués par les débuts de l’œuvre, notamment dans les premières œuvres de François Mansart, tel le château de Maisons (1630-1651). Pendant la seconde période (1660-1690), sous le règne personnel du roi, le style d’architecture et de décoration devient plus classique, triomphant et ostentatoire, exprimé dans la construction du château de Versailles, d’abord par Louis Le Vau puis Jules Hardouin-Mansart. Jusqu’en 1680, le mobilier était massif, décoré d’une profusion de sculptures et de dorures. Dans la période ultérieure, grâce au développement de l’artisanat de la marqueterie, le mobilier a été décoré avec différentes couleurs et différents bois. André Charles Boulle fut le créateur le plus important du mobilier de la période suivante. La dernière période du style Louis XIV, de 1690 à 1715, est appelée la période de transition; il fut influencé par Hardouin-Mansart et par le créateur du roi des fêtes et des cérémonies, Jean Bérain l’Ancien. Le nouveau style était de forme plus légère, avec plus de fantaisie et de liberté de ligne, grâce en partie à la décoration en fer forgé et à une plus grande utilisation de motifs arabesques, grotesques et coquille, qui continuèrent dans le style de Louis XV.

Période
Le style Louis XIV suit le style Louis XIII. Le style émerge à l’avènement du règne de Louis XIV en 1661 et se poursuit jusqu’à la fin du XVIIe siècle. Après la mort de Le Brun en 1690, le style décline et est progressivement remplacé par le style Régence.

Situation politique et culturelle
Politique
Louis XIV accéda au trône quelques mois avant son cinquième anniversaire, mais durant son enfance la Régence fut partagée par Anne d’Autriche et le cardinal Mazarin. Durant cette période, il est très marqué par la révolte de la Fronde (1648 – 1653). Une fois à la tête du pays, il essaiera de contenir d’une main de fer la noblesse du pays. Il supprime le poste de Premier ministre pour exercer le pouvoir absolutiste. Il congédie Fouquet du poste de surintendant des finances. Au début de son règne, Louis XIV initie d’importantes réformes administratives (création du Conseil Royal des Finances, service de police moderne, Ordonnance civile de Saint-Germain-en-Laye). La politique étrangère a fait beaucoup de guerres à la conquête d’un grand nombre de provinces (Haute-Alsace, Metz, Toul, Verdun, Roussillon, Artois, Flandres françaises, Cambrai, Franche-Comté, Sarre, Hainaut et Basse-Alsace).

Culture
Louis XIV entend démontrer la puissance et la grandeur du royaume. il veut contrôler le milieu artistique pour qu’il soit à son service 1. Il confie à Louis Le Vau et André Le Nôtre la restauration du palais et du jardin des Tuileries. Pendant son règne, il charge Le Vau et Orbay de construire le palais de Versailles, un palais centralisateur du pouvoir. Charles Le Brun, premier peintre du roi, a une grande influence sur les arts. Il est à l’origine du goût prononcé pour le style antique. Il est également nommé par le directeur du roi de la Manufacture des Gobelins. En 1662, Le Brun crée la «Manufacture Royale des Meubles de la Couronne», où sont fabriqués les meubles et les décorations des maisons royales.

Architecture civile
Le modèle de l’architecture civique au début du règne fut Vaux le Vicomte (1658) de Louis Le Vau, construit pour le chef des finances du roi Nicolas Fouquet et achevé en 1658. Louis XIV chargea Fouquet de vol, le mit en prison, et a pris le bâtiment pour lui-même. Le design a été fortement influencé par le classicisme de François Mansart. Il combine une façade dominée et rimée par des colonnes classiques colossales, sous un dôme, importé de l’architecture baroque italienne, avec un certain nombre de caractéristiques originales, comme un salon semi-circulaire qui a regardé sur le vaste jardin à la française créé par André Le Nôtre .

Basé sur le succès de Vaux le Vicomte, Louis XIV choisit Le Vau pour construire un immense nouveau palais à Versailles, pour agrandir un petit palais transformé d’un pavillon de chasse par Louis XIII. Cela devint progressivement, au fil des décennies, l’œuvre maîtresse du style Louis XIV. Après la mort de Le Vau en 1680, Jules Hardouin-Mansart reprend le projet de Versailles; il se détacha des projections et du dôme pittoresques et fit une façade plus sobre et uniforme de colonnes, avec un toit plat surmonté d’une balustrade et d’une rangée de colonnes (1681). Il a utilisé le même style pour harmoniser les autres nouveaux bâtiments qu’il a créés à Versailles, y compris l’Orangerie et les Écuries. Hardouin-Mansart construisit le Grand Trianon (achevé en 1687), retraite royale à un seul étage avec des fenêtres cintrées alternant avec des colonnes et un toit plat et une balustrade.

Un autre projet important entrepris par Louis fut la construction d’une nouvelle façade pour le côté est du Louvre. Louis invite le plus célèbre architecte sculpteur du baroque italien, Gian Lorenzo Bernini, à soumettre un dessin, mais le rejette au profit d’une colonnade plus sobre et classique de Perrault (1668).

Architecture religieuse
Au début de son règne, Louis entreprend la construction de l’église du Val-de-Grâce (1645-1710), la chapelle de l’hôpital du Val-de-Grâce. Le design a été travaillé successivement par Mansart, Jacques Lemercier et Pierre Le Muet avant d’être complété par Gabriel Leduc. Sa façade tripartite pittoresque, son péristyle, ses colonnes détachées, ses statues et ses tondes en font les églises les plus italianisées et baroques de Paris. Il a servi de prototype pour les dômes plus tardifs des Invalides et du Panthéon.

La prochaine église majeure construite sous Louis XIV fut l’église des Invalides (1680-1706). La nef de l’église, par Libéral Bruant, était comparable à celles des autres églises de l’époque, avec des pilastres ioniques et des voûtes pénétrantes, et un intérieur qui ressemblait au style haut baroque. Le dôme, par Hardouin-Mansart, était plus révolutionnaire, assis sur une structure au plan d’une croix grecque. La conception a utilisé des ordres de colonnes superposés, dans le style classique, mais le dôme a atteint une plus grande hauteur, en s’appuyant sur un double tambourin, et la façade et le dôme étaient richement décorés de sculptures, d’entablements dans des niches et d’ornements en bronze doré alternant avec les nervures, ou les nervures du dôme.

La plus belle église de la fin de l’époque de Louis XIV est la chapelle du château de Versailles, créée entre 1697 et 1710 par Hardouin-Mansart et son successeur en tant qu’architecte de la cour, Robert de Cotte. Le décor a été soigneusement retenu, avec des couleurs claires et des détails sculpturaux en léger relief sur les colonnes. L’intérieur de la chapelle s’est ouvert et éclairé par l’utilisation des colonnes classiques placées sur la tribune, un niveau au-dessus du rez-de-chaussée, pour soutenir le poids du plafond voûté.

Le Grand Style: Paris
Bien que Louis XIV ait été accusé plus tard d’avoir ignoré Paris, son règne a vu plusieurs projets architecturaux massifs qui ont ouvert l’espace et ont orné le centre de la ville. L’idée de places urbaines monumentales entourées d’une architecture uniforme avait commencé en Italie, comme beaucoup d’idées architecturales de la période baroque. La première place à Paris fut la place Royale (aujourd’hui place des Vosges) commencée par Henri IV de France, complétée par une statue équestre de Louis XIII; puis la place Dauphine sur l’île de la Cité, qui comportait une statue équestre d’Henri IV. Les premiers grands projets parisiens de Louis XIV étaient de nouvelles façades sur le Louvre, l’une face à la Seine, l’autre à l’est. Ce sont des vitrines du nouveau style monumental de Louis XIV. La vieille brique et pierre des carrés Henri IV a été remplacée par le Grand Style des colonnes monumentales, qui faisaient habituellement partie de la façade elle-même, plutôt que debout séparément. Tous les bâtiments autour de la place étaient reliés et construits à la même hauteur, dans le même style. Le rez-de-chaussée comportait une arcade couverte pour les piétons.

Le premier complexe de ce genre construit sous Louis XIV fut le Collège des Quatre-Nations (aujourd’hui l’Institut de France) (1662-1668), faisant face au Louvre. Conçu par Louis Le Vau et François d’Orbay, il combine le siège des académies fondées par le roi, une chapelle et la bibliothèque du cardinal Mazarin. L’Hôtel Royal des Invalides – complexe pour les anciens combattants composé de résidences, d’un hôpital et d’une chapelle – a été construit par Libéral Bruant et Jules Hardouin-Mansart (1671-1679). Louis XIV commande alors à Mansart de construire une chapelle royale privée distincte avec un dôme saisissant, l’Église du Dôme, qui a été ajouté pour compléter le complexe en 1708.

Le prochain projet majeur fut la Place des Victoires (1684-1697), un projet immobilier de sept grands bâtiments en trois segments autour d’une place ovale, avec une statue équestre de Louis XIV prévue pour la pièce maîtresse. Il a été construit par un entrepreneur entreprenant et noble de la cour, Jean-Baptiste Prédot, associé à l’architecte Jules Haroudin-Mansart. Le dernier projet urbain est devenu le plus connu, la Place Vendôme, également par Harouin-Mansart, entre 1699 et 1702. Autre innovation, ce projet a été partiellement financé par la vente de lots sur la place. Tous ces projets présentaient des façades monumentales dans le style Louis XIV, donnant une harmonie particulière aux places.

Décoration d’intérieur
Au début du style Louis XIV, les principales caractéristiques du décor étaient une richesse de matériaux et un effort pour obtenir un effet monumental. Les matériaux utilisés comprenaient du marbre, souvent combiné avec des pierres multicolores, du bronze, des peintures et des miroirs. Ceux-ci ont été insérés dans un cadre extrêmement des colonnes, des pilastres, des niches, qui ont prolongé les murs et vers le haut sur le plafond. Les portes étaient entourées de médaillons, de frontons et de bas-reliefs. Les cheminées étaient plus petites que celles de l’époque Louis XIII, mais plus ornées, avec une étagère en marbre supportant des vases, sous un cadre sculpté avec une peinture ou des miroirs, le tout entouré d’une épaisse bordure de feuilles ou de fleurs sculptées.

Les éléments décafétifs sur les murs du début du style Louis XIV étaient généralement destinés à célébrer le succès militaire, la majesté et les réalisations culturelles du roi. Ils arboraient souvent des trophées militaires, avec des casques, des feuilles de chêne symbolisant la victoire, et des masses d’armes, généralement en bronze glissé ou en bois sculpté, en relief entouré de marbre. D’autres éléments décoratifs célébraient personnellement le roi: la tête du roi était souvent représentée comme le dieu du soleil Apollon, entouré de feuilles de palmier ou de rayons de lumière dorés. Un aigle représentait habituellement Jupiter. D’autres détails ornementaux ont inclus des nombres dorés, des bâtons royaux, et des couronnes.

La galerie des Glaces du château de Versailles (1678-1684) était le sommet du début du style Louis XIV. Conçu par Charles Le Brun, il allie une richesse de matériaux (marbre, or et bronze) qui se reflète dans les miroirs.

À la fin de l’époque de Louis XIV, après 1690, de nouveaux éléments apparaissent, moins militaristes et plus fantastiques; coquillages en particulier, entourés de lignes et de courbes sinueuses élaborées; et des dessins exotiques, y compris des arabesques et Chinoiserie.

Meubles
Pendant la première période du règne de Louis XIV, le mobilier a suivi le style précédent de Louis XIII et était massif, et abondamment décoré avec la sculpture et la dorure. Après 1680, grâce en grande partie au créateur de mobilier André Charles Boulle, un style plus original et plus délicat apparaît. Il était basé sur l’incrustation d’ébène et d’autres bois rares, une technique d’abord utilisée à Florence au 15ème siècle, qui a été raffinée et développée par Boulle et d’autres travaillant pour Louis XIV. Le mobilier était incrusté de plaques d’ébène, de cuivre et de bois exotiques de différentes couleurs.

Des meubles nouveaux et souvent durables sont apparus; la commode, avec deux à quatre tiroirs, a remplacé le vieux coffre, ou coffre. Le canapé, ou sofa, est apparu, sous la forme d’une combinaison de deux ou trois fauteuils. De nouveaux types de fauteuils sont apparus, y compris le fauteuil en confessionale ou «fauteuil confessionnel», qui avait des coussins rembourrés d’ions de chaque côté du dossier de la chaise. La console a également fait sa première apparition; il a été conçu pour être placé contre un mur. Un autre nouveau type de mobilier était la table à gibier, une table en marbre pour la vaisselle. Les premières variétés du bureau sont apparues; le bureau Mazarin avait une partie centrale en retrait, placée entre deux colonnes de tiroirs, avec quatre pieds sur chaque colonne.

Meubles de style Louis XIV

Les sièges
Fauteuils: les dossiers sont plus hauts que larges, droits ou légèrement inclinés vers l’arrière. Elles sont souvent séparées du siège et entièrement recouvertes de tissus précieux (brocards d’or ou d’argent, velours, damas, satin blanc de Chine orné de motifs à rayures ou point hongrois). La base est plus sculptée. Les traverses peuvent être en accolades (aussi appelées os de mouton), tournées ou volutes face. Plusieurs formes sont en vogue durant cette période: le “pied droit en balustre carré”, le “pied courbe en console” ou le “pied en os de mouton”. Ceux-ci sont reliés par des entretoises qui passent progressivement d’une forme en H à une forme en X. Le bras ou l’accoudoir est plus ondulé. Terminé par une volute ou un bâton, il dépasse la console qui le supporte. La console d’accoudoir est dans le prolongement du pied. Il comprend rarement des poignets (parties rembourrées du bras). On voit aussi apparaître des fauteuils appelés «oreillettes» ou «confessionnaux», ancêtres de la bergère. Équipées d’oreilles percées de jalousie, de joues pleines et d’une tuile ou d’un coussin épais, les oreilles sont progressivement laissées pleines lorsque sa fonction de confession aux prêtres disparaît.
Chaises: La chaise est très similaire à la chaise mais n’a pas d’accoudoir.
Tabourets: le pliage est un pliage (tabouret pliant) avec base X, exécuté dans des matériaux souvent luxueux et des tissus précieux étirés. Le placet est un tabouret carré ou rectangulaire, avec quatre pieds droits et une entretoise en H ou X.

Tables et guéridons
Table d’état similaire aux consoles du milieu (à cause de leurs pieds sous la forme de consoles). Ils deviennent souvent massifs, mais ne sont pas habitués à prendre un repas. Leur assiette carrée, rectangulaire et parfois ronde est faite de marbre, de porphyre, d’albâtre, de marqueterie de pierres colorées entourées de marbre noir, de bois incrusté et de tôle ou de cuivre et d’écaille de tortue. Les pieds formés de consoles ou de motifs en accolades sont assemblés par une ceinture sculptée ou perforée et une entretoise en H qui devient un X. Le pied tourné à l’origine est soit droit (en forme de fourreau à section carrée ou balustre) soit en la forme d’une console, puis la courbe est accentuée pour former un pied de biche avec une chaussure fourchue annonçant le style Régence. Les jeux de fond sur la dorure sont en damier et en losange. La table de salle à manger n’existe pas, il y a encore à l’époque de simples chevalets.
Appareil et supports intermédiaires
Des piédestaux appelés des fusées éclairantes.

Armoires et commodes
Les grandes armoires sont de forme rectangulaire et ont une corniche en saillie.
La commode est créée durant cette période. Cette création est attribuée à Boulle.
Bonnetières.
Buffets (armoires basses).

Meubles d’écriture
Les cabinets deviennent progressivement des bureaux. L’exemple le plus connu est le “Mazarin Office” (voir les nouveaux meubles)

des lits
Les lits sont composés d’un cadre recouvert de tissu. Un lit de paradis repose sur quatre colonnes. Leurs noms sont “lits duchesses” ou “lits à baldaquin”.
Lits de repos, formes (ancêtres du canapé).
Peu à peu, les sièges seront ornés d’un coussin, de tissus, de tapisseries à aiguilles (gros pois, petits pois ou cuir doré ou gaufré), de velours de Gênes ou de Damas, etc., fixés par de petits clous cachés par des passoires.

Nouveaux meubles

Bureau Mazarin
La commode: elle remplace la poitrine et se développe à partir de la fin du XVIIe siècle. La commode porte le nom de 1708.
La chaise avec des oreillettes ou des confessionnaux.
Le bureau: évolution du cabinet. L’un des meilleurs exemples est le bureau Mazarin. Celui-ci se compose de huit pieds. Il est divisé en trois parties. À l’extérieur de l’armoire, les pieds sont reliés quatre par quatre par une entretoise X et supportent trois tiroirs. La partie centrale est en retrait.

Matériaux
les bois
Le bois massif utilisé est principalement composé de noyer, de chêne et de châtaignier. L’ébène, la poire noire, le sapin et les fruits sont également utilisés.

Autre
Le bronze ciselé connaît une grande ascension. Le développement de la marqueterie voit l’utilisation des métaux (cuivre, étain, bronze), des écailles (y compris la tortue), des os, de l’ivoire et des pierres précieuses.

Techniques et outils
La marqueterie, décor réalisé avec placage coupé et collé sur le châssis du meuble, est déjà présent sous le style précédent. On peut noter la contribution du savoir-faire hollandais, ceux-ci, souvent logés dans les Louvres, sont appelés «ébène menuisier, menuisier». La marqueterie connaît alors un fort développement sous la direction d’André-Charles Boulle. Il développe une technique existante, la Tarsia incastro ou la «partie contre-partie», qui prend le nom de «marqueterie Boulle». L’incrustation de tortue apparaît à ce moment. Les techniques d’assemblage sont le tenon – mortaise et la queue d’aronde.

La peinture
Dans la première partie du règne, les peintres français ont été largement influencés par les Italiens, en particulier le Caravage. Les peintres français notables inclus Nicolas Poussin, qui vivait à Rome; Claude Lorrain, qui s’est spécialisé dans les paysages et a passé la plus grande partie de sa carrière à Rome; Louis Le Nain, qui, avec ses frères, a surtout fait des œuvres de genre; Eustache Le Sueur, et Charles Le Brun, qui a étudié avec Poussin à Rome et a été influencé par lui.

Avec la mort en 1661 du cardinal Mazarin, premier ministre du roi, Louis décide de prendre en main tous les aspects du gouvernement, y compris les arts. Son principal conseiller sur les arts était Jean Colbert (1619-1683), qui était aussi son ministre des Finances. En 1663, Colbert réorganise les ateliers de meubles royaux qui fabriquent une grande variété de produits de luxe et y ajoute les ateliers de tapisserie des Gobelins. En même temps, avec l’aide de Le Brun, Colbert prend en charge l’Académie royale de peinture et de sculpture, fondée par le cardinal Mazarin. Colbert a également pris un rôle dominant dans l’architecture, prenant le titre de surintendant des bâtiments en 1664. En 1666, l’Académie française à Rome a été fondée, pour profiter de la position de Rome comme le principal centre d’art de l’Europe, et assurer un flux de peintres bien formés. Le Brun est devenu le doyen des peintres français sous Louis XIV, impliqué dans des projets architecturaux et de design d’intérieur. Ses œuvres décoratives remarquables comprenaient le plafond de la galerie des Glaces du château de Versailles.

Les grands peintres du règne postérieur de Louis XIV comprennent Hyacinthe Rigaud (1659-1743) qui vint à Paris en 1681 et attira l’attention de LeBrun. LeBrun l’orienta vers le portrait, et fit en 1701 un portrait célèbre de Louis XIV, entouré de tous les attributs du pouvoir, de la couronne sur la table aux talons rouges de ses souliers. Rigaud eut bientôt un atelier élaboré pour faire des portraits de la noblesse; il emploie des artistes spécialisés pour créer les costumes et les draperies, et d’autres pour peindre les décors, allant des champs de bataille aux jardins en passant par les salons, tandis qu’il se concentre sur la composition, les couleurs et surtout les visages.

George de la Tour (1593-1652) était une autre figure importante dans le style de Louis XIV; on lui donna un titre, il fut nommé peintre de cour du roi et reçut des paiements élevés pour ses portraits, bien qu’il vînt rarement à Paris, préférant travailler dans sa ville natale de Lunéville. Ses peintures, avec leurs effets inhabituels de lumière et de noir, étaient inhabituellement sombres, les personnages à peine vus dans l’obscurité, éclairés par la lumière des torches, évoquant la méditation et la pitié. En plus des scènes religieuses, il a fait des peintures de genre, y compris le fameux Tricheur ou carte de triche, montrant un jeune être noble trompé aux cartes tandis que d’autres regardent passivement. L’écrivain et plus tard le ministre français de la culture, André Malraux, écrivait en 1951: «Aucun autre peintre, pas même Rembrandt, n’a jamais proposé un si vaste et mystérieux silence: La Tour est le seul interprète de l’aspect serein des ombres.

Dans ses dernières années, les goûts de Louis XIV changèrent de nouveau, sous l’influence de sa femme morganique, Madame de Montespan, vers des thèmes plus religieux et méditatifs. Il fit enlever et remplacer toutes les peintures de sa chambre privée par une seule toile, Saint Sébastien étant soigné par sainte Irène (vers 1649) de Georges de la Tour.

Sculpture
Le sculpteur le plus influent de l’époque était l’Italien Gian Lorenzo Bernini, dont le travail à Rome a inspiré des sculpteurs dans toute l’Europe. Il a voyagé en France; sa proposition pour une nouvelle façade du Louvre a été rejetée par le roi, qui voulait un style plus spécifiquement français, mais le Bernini a fait un buste de Louis XIV en 1665 qui admirait et imitait beaucoup en France.

Antoine Coysevox (prononcer “qualzevo”) (1640-1720) de Lyon est l’un des sculpteurs les plus en vue sous Louis XIV. Il a étudié la sculpture sous Louis Lerambert et a copié dans le marbre des œuvres romaines anciennes, y compris la Vénus de Médicis. En 1776, son buste du peintre officiel du roi Charles Le Brun lui a valu l’admission à l’Académie royale de peinture et de sculpture. Il produisit bientôt une sculpture monumentale pour accompagner les nouveaux bâtiments construits par Louis XIV; il fit un Charlemagne pour la chapelle royale des Invalides, puis un grand nombre de statues pour le nouveau parc de Versailles et ensuite au château de Marly. Il a d’abord fait les statues d’extérieur en stuc résistant aux intempéries, puis les a remplacées par des travaux de marbre quand ils ont été finis en 1705. Son travail de Neptune de Marly est maintenant au Louvre, et ses statues de Pan et une Flora and Dryad sont maintenant trouvées dans les jardins des Tuileries. Sa statue de la renommée du roi sur Pegasus a été faite à l’origine pour le château de Marly. Après la Révolution, il fut transféré aux Jardins des Tuileries et se trouve maintenant au Louvre. Il a également fait une série de sculptures de portrait admirées des principaux hommes d’état et artistes de l’époque; Louis XIV à Versailles, Colbert (pour sa tombe à l’église Saint-Eustache, le cardinal Mazarin au Collège des Quatre-Nations à Paris, le dramaturge Jean Racine, l’architecte Vauban et le jardinier André Le Notre.

Jacques Sarazin était un autre sculpteur notable travaillant sur des projets pour Louis XIV. Il a réalisé de nombreuses statues et décorations pour le château de Versailles, ainsi que les cariatides pour la façade orientale du Pavillon du Horloge du Louvre, face à la Cour Carré, fondées à la fois sur l’étude des modèles grecs originaux et sur le travail de Michel-Ange.

Pierre Paul Puget (1620-1694), sculpteur, peintre, ingénieur et architecte, est un autre notable sculpteur du style Louis XV. Il est né à Marseille et a d’abord sculpté des ornements pour des navires en construction. Il a ensuite voyagé en Italie, où il a travaillé comme apprenti sur les plafonds baroques du Palazzo Barberini et Palazzo Pitti. Il a fait des allers-retours entre l’Italie et la France, peignant, sculptant et sculptant du bois. Il fit sa célèbre statue de cariatides pour la mairie de Toulon en 1665-67, puis fut employé par Nicolas Fouquet pour faire une statue d’Hercule pour son château de Vaux-le-Vicomte. Il a continué à vivre dans le sud de la France, en faisant des statues notables de Milo de Croton, Persée et Andromeda (maintenant dans le Louvre).

Tapisseries
En 1662, Jean-Baptiste Colbert achète l’atelier de tapisserie d’une famille d’artisans flamands et le transforme en atelier royal pour la fabrication de meubles et de tapisseries, sous le nom de tapisserie des Gobelins. Colbert a placé l’atelier sous la direction du peintre de la cour royale, Charles Le Brun, qui a occupé ce poste de 1663 à 1690. L’atelier a travaillé en étroite collaboration avec les principaux peintres de la cour, qui ont produit les dessins. Après 1697 l’entreprise a été réorganisée, et par la suite a été entièrement consacrée à la production de tapisseries pour le roi.

Les thèmes et les styles de la tapisserie étaient largement similaires aux thèmes des peintures de l’époque, célébrant la majesté du roi et des scènes triomphales de victoires militaires, de scènes mythologiques et pastorales. Tandis qu’au début ils étaient faits seulement pour l’usage du Roi et de la noblesse, l’usine a bientôt commencé à exporter ses produits aux autres cours de l’Europe.

La manufacture royale des Gobelins était concurrencée par deux entreprises privées, la Manufacture de Beauvais et l’atelier de tapisserie d’Aubusson, qui produisaient des œuvres du même style mais avec un procédé à faible déformation, avec une qualité légèrement inférieure. Jean Bérain l’Ancien, le dessinateur royal et designer du roi, a créé une série de tapis grotesques pour Aubusson. Ces tapisseries célèbrent parfois des thèmes contemporains, comme une œuvre d’Aubusson. Une tapisserie de la Manufacture de Beauvais représentant les astronomes chinois à l’Observatoire antique de Pékin, datant du 17ème au début du 18ème siècle, utilisant de nouveaux instruments plus précis apportés par des jésuites européens. installé en 1644.

Design et spectacle
Dans les premières années du règne du roi, la cérémonie royale publique la plus importante fut le carrousel, une série d’exercices et de jeux à cheval. Ces événements ont été conçus pour remplacer le tournoi, qui avait été interdit après 1559 lorsque le roi Henri II a été tué dans un accident de joute. Dans la nouvelle version, moins dangereuse, les cavaliers devaient généralement passer leur lance à l’intérieur d’un anneau, ou frapper des mannequins avec les têtes de Méduse, de Maures et de Turcs. Un grand carrousel eut lieu les 5 et 6 juin 1662 pour célébrer la naissance du Dauphin, fils de Louis XIV. Il se tenait sur la place séparant le Louvre du palais des Tuileries, qui devint plus tard la place du Carrousel.

L’entrée cérémoniale du roi à Paris devint aussi l’occasion de festivités. Le retour de Louis XIV et de la reine Marie-Thérèse à Paris après son couronnement en 1660 fut célébré par un grand événement sur un champ de foire aux portes de la ville, où de grands trônes furent construits pour les nouveaux monarques. Après la cérémonie, le site devint connu sous le nom de Place du Trône, ou place du Trône, jusqu’à ce qu’il devienne la Place de la Nation en 1880.

Un bureau existait dans la maison royale de Louis XIV appelée Menus-Plaisirs du Roi, qui était responsable de la décoration des cérémonies royales et des spectacles, y compris les ballets, masques, illuminations, feux d’artifice, représentations théâtrales et autres divertissements. Ce bureau fut tenu de 1674 à 1711 par Jean Bérain l’Ancien (1640-1711). Il était également le concepteur de la chambre à coucher du roi et des bureaux, et a eu une énorme influence sur ce qui est devenu connu comme le style Louis XIV; son atelier était situé dans la Grande Galerie du Louvre, avec ceux du designer de mobilier royal André Charles Boulle. Il était particulièrement responsable de l’introduction de la version modifiée du style d’ornement grotesque, créé à l’origine en Italie par Raphaël, dans le design d’intérieur français. Il a utilisé la stèle grotesque non seulement sur des panneaux muraux, mais aussi sur des tapisseries réalisées par les ateliers de tapisserie d’Aubusson. Parmi ses nombreuses autres conceptions, on peut citer le décor très orné du tableau de bord du navire de guerre Soleil Royal (1670), nommé pour le roi.

En plus de la décoration intérieure, il conçoit les costumes et les décors des théâtres royaux, notamment pour l’opéra Amadis de Jean-Baptiste Lully présenté au Théâtre du Palais Royal (1684) et pour l’opéra-ballet Les Saisons du successeur de Lully , Pascal Colasse, en 1695.

Le jardin à la française
L’une des formes les plus durables et populaires du style Louis XIV est le jardin à la française, un style basé sur la symétrie et le principe de l’ordre imposant sur la nature. L’exemple le plus célèbre est celui des Jardins de Versailles conçus par André Le Nôtre, qui ont inspiré des copies partout en Europe. Le premier jardin important à la française fut le château de Vaux-le-Vicomte, créé par Nicolas Fouquet, surintendant des finances de Louis XIV, à partir de 1656. Fouquet chargea Louis Le Vau de concevoir le château, Charles Le Brun dessina des statues pour le jardin, et André Le Nôtre pour créer les jardins. Pour la première fois, ce jardin et le château étaient parfaitement intégrés. Une grande perspective de 1500 mètres s’étendait du pied du château à la statue de l’Hercule de Farnèse; et l’espace était rempli de parterres d’arbustes à feuillage persistant ornés de motifs colorés, bordés de sable coloré, et les allées étaient décorées à intervalles réguliers par des statues, des bassins, des fontaines et des topiaires soigneusement sculptés. «La symétrie atteinte à Vaux a atteint un degré de perfection et d’unité rarement égalé dans l’art des jardins classiques: le château est au centre de cette stricte organisation spatiale qui symbolise le pouvoir et le succès.

Les jardins de Versailles, créés par André Le Nôtre entre 1662 et 1700, constituent la plus grande réalisation du Jardin à la française. Ils étaient les plus grands jardins d’Europe – avec une superficie de 15.000 hectares, et étaient disposés sur un axe est-ouest, suivaient le cours du soleil: le soleil se levait sur la cour d’honneur, allumait la cour de marbre, traversait le château et allumé la chambre du roi, et mis au bout du Grand Canal, reflété dans les miroirs de la galerie des Glaces. En contraste avec les grandes perspectives, atteignant à l’horizon, le jardin était plein de surprises – fontaines, petits jardins remplis de statues, qui fournissaient une échelle plus humaine et des espaces intimes. Le symbole central du jardin était le soleil; l’emblème de Louis XIV, illustré par la statue d’Apollon dans la fontaine centrale du jardin. “Les vues et les perspectives, vers et depuis le palais, continuaient à l’infini: le roi régnait sur la nature, recréant dans le jardin non seulement sa domination sur ses territoires, mais sur la cour et ses sujets.”