La Città di Torino, la GAM – Galleria Civica d’Arte Moderna e Contemporanea di Torino e l’editore Skira presentano una splendida mostra dedicata al grande artista francese, con capolavori delle collezioni Musée d’Orsay e Musée de l’Orangerie di Parigi.

La collaborazione fortemente auspicata dal sindaco, Piero Fassino, continua tra la Città di Torino, il Museo d’Orsay e l’editore Skira, iniziata nel 2012 con la grande mostra dedicata a Degas.

La Galleria Civica d’Arte Moderna e Contemporanea di Torino presenta una straordinaria nuova mostra dedicata a Pierre-Auguste Renoir (1841-1919), artista tra i protagonisti, con Manet, Monet, Degas, Pissarro, Sisley, Cézanne, tra gli anni settanta del XIX secolo secolo e i primi venti anni del ventesimo secolo, della grande stagione dell’impressionismo francese. Un importante accordo siglato tra la GAM – Galleria civica d’arte moderna e contemporanea di Torino – Fondazione Torino Musei, editore Skira e Musée d’Orsay a Parigi – con Danilo Eccher, direttore della GAM, Massimo Vitta Zelman, presidente di Skira, e Guy Cogeval, presidente del Musée d’Orsay e dell’Orangerie – ha permesso di definire un progetto scientifico di grande valore, che porta nella capitale piemontese una splendida mostra,

Il Musée d’Orsay e il Musée de l’Orangerie, che conservano la collezione più completa del mondo dell’opera di Renoir, hanno deciso di privarsi di sessanta capolavori per quattro mesi, per dare vita a una straordinaria mostra che documenta tutte le attività di questo grande pittore, assistendo ai momenti più significativi e ai punti di svolta che, a partire dall’inizio, hanno portato l’artista alla fine della sua carriera a una progressiva partenza dall’impressionismo.

La cura della mostra è affidata a Sylvie Patry, capo conservatore del Musée d’Orsay e grande specialista di Renoir, e Riccardo Passoni, vicedirettore del GAM di Torino. Skira, in stretta collaborazione con la Fondazione Musei di Torino, produce la mostra, curando gli aspetti organizzativi e promozionali e pubblica il suo catalogo.

La mostra sarà allestita al primo piano del GAM, nella sala Area espositiva, all’interno del percorso delle collezioni permanenti, recentemente riorganizzate secondo quattro nuovi itinerari tematici. Anche dal punto di vista della mostra, la mostra avrà quindi il respiro, la facilità e la piacevolezza di una grande mostra internazionale. Sarà inoltre esposta un’opera di proprietà di GAM: il Ritratto di suo figlio Pierre (1885), acquistato nell’interesse di Lionello Venturi. Questa mostra mira a coprire la complessa evoluzione della carriera artistica di Renoir – attiva da oltre cinquant’anni in modo da produrre oltre cinquemila dipinti e un numero molto elevato di disegni e acquerelli -, evidenziando la grande varietà e qualità della sua tecnica pittorica e le diverse argomenti affrontati.

Nel corso della sua vita, Renoir viene misurato sperimentando la pittura en plein air, fianco a fianco con il suo amico e collega Monet, mentre allo stesso tempo completa i lavori nell’atelier. Dedicandosi anche alla ritrattistica su commissione, è circondato da una stretta cerchia di ammiratori e mecenati. A riprova del successo già raggiunto nella vita, basti pensare al fatto che per il suo dipinto Madame Charpentier e i suoi figli (acquistati dal Metropolitan Museum of Art di New York nel 1907) il prezzo più alto pagato in quegli anni da un dipinto fu pagato . È un amico personale degli impressionisti – come Monet, Cézanne, Pissarro, Berthe Morisot, Sisley e Caillebotte, con cui discute di pittura e organizza mostre – e incoraggia altri grandi artisti come Matisse, Bonnard, Maurice Denis.

Pierre-Auguste Renoir
Pierre-Auguste Renoir, comunemente noto come Auguste Renoir (25 febbraio 1841 – 3 dicembre 1919), era un artista francese che fu un pittore di spicco nello sviluppo dello stile impressionista. Come celebratrice della bellezza e soprattutto della sensualità femminile, è stato detto che “Renoir è il rappresentante finale di una tradizione che va direttamente da Rubens a Watteau”.

Era il padre dell’attore Pierre Renoir (1885-1952), del regista Jean Renoir (1894-1979) e dell’artista ceramico Claude Renoir (1901-1969). Era il nonno del regista Claude Renoir (1913–1993), figlio di Pierre.

Stile

Pittore
Renoir fu uno degli interpreti più convinti e spontanei del movimento impressionista. Artista prodigiosamente prolifico, con ben cinquemila tele e un numero altrettanto elevato di disegni e acquerelli, Renoir si è anche distinto per la sua versatilità, tanto che possiamo distinguere numerosi periodi nella sua produzione pittorica. È lo stesso Renoir, in ogni caso, a parlare del suo metodo di fare arte:

«Organizzo il mio soggetto come voglio, quindi inizio a dipingerlo come farebbe un bambino. Voglio che il rosso sia forte e squilli come una campana, quando non posso aggiungere altri rossi e altri colori fino a quando non lo capisco. Non ci sono altre cattiverie. Non ho regole o metodi; chiunque può esaminare ciò che uso o guardare come dipingo e vedranno che non ho segreti. Guardo un nudo e vedo miriadi di piccole tinte. Devo scoprire cosa fa vibrare la carne sulla tela. Oggi vogliamo spiegare tutto. Ma se un dipinto potesse essere spiegato, non sarebbe più arte. Vuoi che ti dica quali sono le due qualità dell’arte per me? Deve essere indescrivibile e inimitabile … L’opera d’arte deve afferrarti, avvolgerti, trasportarti »
(Pierre-Auguste Renoir)

Come emerge da questa citazione, Renoir si è riferito alla pittura in un modo assolutamente anti-intellettualistico e, sebbene anch’egli fosse intollerante ai convenzionalismi accademici, non ha mai contribuito alla causa dell’Impressionismo con riflessioni teoriche o con affermazioni astratte. Di fatto, ripudia ogni forma di intellettualismo e confessa una vivida fiducia nell’esperienza concreta della creazione pittorica, che si oppone all’unico mezzo di espressione di pennelli e palette: “lavorare come un buon lavoratore”, “lavoratore della pittura”, “make of good painting» sono in realtà frasi che spesso ricorrono nella sua corrispondenza. Questa decisiva richiesta di concretezza è ribadita dallo stesso Renoir nella prefazione all’edizione francese del Libro dell’Arte di Cennino Cennini (1911), dove oltre a fornire consigli pratici e suggerimenti per aspiranti pittori afferma che «potrebbe sembrare che siamo molto lontani da Cennino Cennini e dalla pittura, eppure non è così, poiché la pittura è una professione come la carpenteria e la lavorazione del ferro, ed è soggetto alle stesse regole ». Il critico Octave Mirbeau indica persino le cause della grandezza di Renoir proprio in questa peculiare concezione della pittura:

“Mentre le teorie, le dottrine, l’estetica, la metafisica e le fisiologie dell’arte si susseguono, il lavoro di Renoir si è sviluppato anno dopo anno, mese per mese, giorno per giorno con la semplicità di un fiore che sboccia, di un frutto che matura Renoir ha vissuto e dipinge Ha fatto il suo lavoro, e qui sta tutto il suo genio. Ecco perché tutta la sua vita e il suo lavoro sono una lezione di felicità ”
(Octave Mirbeau)

Scultore
Dal 1913 al 1918, in collaborazione con Richard Guino, un giovane scultore di origine catalana presentato da Aristide Maillol e Ambroise Vollard, creò una serie di pezzi importanti: Vénus Victrix, Le Jugement de Pâris, La Grande Laveuse, Le Forgeron.

L’attribuzione di queste opere collaborative è stata rivista a sessant’anni dalla loro creazione, dopo un lungo processo iniziato nel 1965 da Michel Guino, figlio di Richard e stesso scultore, che ha lavorato per pubblicizzare il lavoro di suo padre. Dopo un’attenta analisi delle opere, dei processi che hanno presieduto alla loro creazione e all’audizione di numerosi artisti, la qualità del coautore è stata riconosciuta da Richard Guino nel 1971 dalla terza camera civile della corte di Parigi e definitivamente istituita dalla Corte di Cassazione nel 1973. Lo storico dell’arte Paul Haesaerts specifica dal 1947 a Renoir sculpteur: “Guino non è mai stato semplicemente un attore che leggeva un testo o un musicista che interpretava meccanicamente una partitura. Guino è stato coinvolto anima e corpo nell’atto creativo. Possiamo anche dire con certezza che se non fosse stato lì, le sculture di Renoir non avrebbero visto la luce del giorno. Guino era essenziale “.

Il processo del figlio di Guino non fu portato “contro” Renoir, una riduzione contenuta in alcuni testi o articoli di giornale che si riferivano alla “vicenda”. Si trattava di aiutare a rivelare l’eccezionale storia di questo processo creativo per ripristinare il contributo originale di Guino all’opera scolpita, inizialmente oscurata da Vollard. Uno scultore “praticante” riproduce o ingrandisce un modello già esistente. Guino, da parte sua, traspone le tecniche: passiamo dalla pittura di Renoir alla scultura di Guino, lo spirito della pittura si riflette nello spirito della scultura. Trasmutazione comprovata tra due artisti. Il fenomeno potrebbe essere realizzato grazie alla loro amicizia e intensa comunità di vedute. Il pittore con i suoi tessuti e lo scultore che lavora l’argilla di Collettes. VS’

Dopo aver interrotto la sua collaborazione con Guino, lavorò con lo scultore Louis Morel (1887-1975), originario di Essoyes. Insieme realizzano il terracotta, due ballerini e un suonatore di flauto.

Influssi
Per i suddetti motivi Renoir non fu mai animato dall’avido idealismo di un Monet o di un Cézanne e, al contrario, ricorse spesso all’esempio degli antichi maestri. Rispetto ai suoi colleghi Renoir si sentiva “erede di una forza vivente accumulata nel corso delle generazioni” (Benedetti) e per questo motivo era più disposto a prendere ispirazione dall’eredità del passato. Anche al liceo, infatti, non ha mai smesso di considerare il museo come il luogo congeniale alla formazione di un artista, riconoscendo la sua capacità di insegnare “quel gusto pittorico che solo la natura non può darci”.

Il lavoro di Renoir funge da punto di incontro (o scontro) tra esperienze artistiche molto eterogenee. Di Rubens era molto attratto dal vigore e dal corpo della pennellata e dalla resa magistrale delle carnagioni altamente espressive, mentre i pittori rococò francesi – Fragonard e Boucher prima di tutto – apprezzavano molto la delicatezza e la fragranza del materiale cromatico. Un ruolo decisivo nella riflessione artistica di Renoir è svolto anche dai pittori Barbizon, dai quali ha preso in prestito il gusto per l’aria plein e l’abitudine di valutare le corrispondenze tra paesaggi e stati d’animo. Anche l’influenza di Jean-Auguste-Dominique Ingres era importante, un’autentica “bestia nera” per i colleghi, che vedevano in esso un simbolo della sterilità delle pratiche accademiche: al contrario, Renoir era molto affascinato dal suo stile, in cui credeva di percepire il battito della vita, e ne trasse un piacere quasi carnale (“Mi piaceva segretamente il bellissimo ventre della Fonte e il collo e le braccia di Madame Rivière”). Di Raffaello Sanzio, un’influenza molto importante soprattutto nella tarda maturità, parleremo nel paragrafo Lo stile aigre.

Nell’universo artistico di Renoir, quindi, un posto di spicco caratteristico appartiene a Gustave Courbet. Uomo animato da una forte determinazione e da un carisma combattivo, Courbet non solo ha tematizzato ciò che fino ad allora era considerato indegno della rappresentazione pittorica, ma è anche riuscito a trasferire pezzi di materia sulla tela. Il suo è un dipinto pesante e pesante, con una forza tutta terra: le tele del maestro di Ornans, infatti, hanno la loro potente, fisicità e sono costituite da un materiale pittorico molto grezzo in cui i colori sono ricchi di spessore e vengono spesso applicati con tratti di spatola, proprio per ottenere effetti di “concretezza” sulla tela. Questo vigore espressivo ha suggerito a Renoir una libertà sconosciuta nel trattamento del materiale pittorico, che emergerà chiaramente anche quando l’artista ”

Il pittore di Joie de Vivre
Il lavoro di Renoir si basa sulla più autentica gioia di vivere. Nella sua vita, infatti, Renoir è stato animato da un genuino entusiasmo per la vita, e non ha mai smesso di stupirsi di fronte alle infinite meraviglie della creazione, godendo appieno della sua bellezza e sentendo il desiderio spasmodico di trasferirsi sulla tela, con un dolce e intensa partecipazione emotiva, il ricordo di ogni percezione visiva lo aveva colpito. Per sottolineare il modo in cui Renoir ha messo in relazione ogni aspetto della vita, sia esso grande o piccolo, il critico Piero Adorno ha proposto il seguente sillogismo: «tutto ciò che esiste vive, tutto ciò che vive è bello, tutto ciò che è bello merita di essere dipinto» ( quindi tutto ciò che esiste è degno di rappresentazione pittorica).

Tutti i suoi dipinti, dai primi lavori nello studio di Gleyre agli ultimi lavori di Cagnes, catturano in realtà gli aspetti più dolci ed effimeri della vita, rendendoli con pennellate fluide e vibranti e con una consistenza cromatica e luminescente rilassante e gioiosa. “Mi piacciono quei quadri che mi fanno venire voglia di andare dentro per fare un giro”: con queste parole il pittore invita esplicitamente gli osservatori dei suoi quadri ad interagire con loro con divertimento simile a quello che lui stesso aveva sperimentato dipingendoli. Quello del “divertimento” è uno dei concetti chiave della poetica di Renoir: infatti, amava “mettere i colori sulla tela per divertirsi”, al punto che probabilmente nessun altro pittore aveva mai provato un’urgenza così inalienabile da dipingere per esprimere i suoi sentimenti («il pennello [… Esemplare la risposta che ha dato con sincera giovinezza al maestro Gleyre, che ha concepito la pittura come un rigoroso esercizio formale, da eseguire con serietà e responsabilità e certamente non lasciando andare figure casuali. Allo stupito maestro, che lo strappò ricordandogli i pericoli della “pittura per divertimento”, avrebbe infatti risposto: “Se non mi divertissi, ti prego di credere che non dipingerei affatto”.

In sintesi, anche i suoi dipinti mostrano la sua traboccante allegria e la sua accoglienza verso il mondo percepita come pura espressione della gioia della vita. Questo anche grazie a una serie consistente di importanti dispositivi stilistici: soprattutto prima della svolta aigre, i suoi dipinti sono leggeri e soffici, impregnati di una luce vivace e pulsante, e sono sopraffatti dai colori con gioiosa vivacità. Renoir quindi frammenta la luce in piccole macchie di colore, ognuna delle quali si deposita sulla tela con una grande delicatezza di tocco, al punto che l’intera opera sembra vibrare agli occhi dello spettatore e diventare qualcosa di chiaro e tangibile, anche grazie ai saggi accordi tra colori complementari (distribuiti secondo una tecnica propriamente impressionista).

Questa effervescenza creativa si rivolge a molti generi pittorici. Il suo lavoro si riferisce principalmente all ‘”eroismo della vita moderna” che Charles Baudelaire aveva identificato come il tema di un’arte che si può dire essere autentica: per questo motivo Renoir, così come i suoi colleghi, comprendono che per raggiungere risultati eccellenti in “pittura di storia” non bisogna rifugiarsi ipocritamente nella storia dei secoli passati, ma piuttosto confrontarsi con l’era contemporanea in modo spontaneo, fresco ma vigoroso, seguendo l’esempio del vecchio Édouard Manet. Ecco il commento di Maria Teresa Benedetti, significativo anche per una più facile comprensione del rapporto tra Renoir e la gioia di vivere:

“In questi anni [quelli dell’esperienza impressionista, ndr.] Il suo sentimento è segnato dal realismo domestico della sua generazione, l’argomento di un dipinto è ancora divertente: temi romantici che propongono agli amanti di una danza o in giardino, scene di genere illustrare piacevoli incontri al Moulin de la Galette, a Bougival, a Chatou, rendono tali opere descrittive, amabili, capolavori popolari; in esse la pittura dell’amore coincide con l’amore della pittura e nessuno come Renoir è in grado di cantare una Parigi industriale la civiltà sta per distruggere »
(Maria Teresa Benedetti)

Lo stile aigre
Un drastico cambiamento stilistico avvenne in seguito al viaggio in Italia nel 1881. Sentendosi oppresso dalla scelta impressionista, infatti, in quell’anno Renoir decise di andare nel Bel Paese per studiare attentamente l’arte dei maestri del Rinascimento, sulle tracce di un quadro topos preso in prestito dal riverito Ingres. Il soggiorno italiano, infatti, oltre ad espandere ulteriormente i suoi orizzonti figurativi, ebbe importanti conseguenze sul suo modo di fare pittura. A colpirlo furono i murales di Pompei e, soprattutto, gli affreschi “ammirevoli per la semplicità e la grandiosità” della Farnesina di Raffaello, in cui scoprì quella perfezione estetica che con l’esperienza impressionista non era riuscito a realizzare. Con malinconico entusiasmo avrebbe confessato alla sua amica Marguerite Charpentier:

«Raffaello, che non dipingeva all’aperto, tuttavia, aveva studiato la luce del sole, perché i suoi affreschi ne sono pieni. D’altra parte, a furia di guardare fuori, ho finito per non vedere più le grandi armonie, preoccupandomi troppo dei piccoli dettagli che annebbiano il sole invece di migliorarlo »
(Pierre-Auguste Renoir)

Se l’arte di Raffaello affascina Renoir per le sue dimensioni silenziose, per la luce diffusa e per i volumi definiti in modo plastico, dai dipinti pompeiani ha tratto un gusto per quelle scene che mescolano sapientemente la dimensione ideale con quella reale, come accade negli affreschi che raffigurano aziende araldiche , architettura mitologica, amorosa e dionisiaca e illusionistica che abbelliva la domus della città vesuviana. Lo dice lui stesso:

«I dipinti pompeiani sono molto interessanti sotto tutti i punti di vista; quindi resto al sole, non tanto per fare ritratti in pieno sole, ma perché, scaldandomi e osservando intensamente, acquisirò, credo, la grandiosità e la semplicità degli antichi pittori »
(Pierre-Auguste Renoir)

Alla vista dei modelli rinascimentali Renoir sperimentò un forte disagio spirituale, si vide spogliato delle sue certezze, ancora peggio, si scoprì artisticamente ignorante. A seguito dell’accoglienza degli affreschi di Raffaello e dei dipinti pompeiani era infatti convinto di non aver mai posseduto la tecnica pittorica e grafica e che ormai aveva esaurito le risorse offerte dalla tecnica impressionista, soprattutto per quanto riguarda l’incidenza della luce sulla natura: “Avevo raggiunto il punto estremo dell’impressionismo e dovevo scoprire che non sapevo più come dipingere o disegnare”, avrebbe tristemente osservato nel 1883.

Per risolvere questo vicolo cieco Renoir si staccò dall’impressionismo e inaugurò la sua fase “aigre” o “ingresque”. Riconciliando il modello Raffaellesco con il modello Ingresiano, noto e amato sin dal suo inizio, Renoir decide di superare quella vibrante instabilità della percezione visiva di una matrice impressionista e di arrivare a un dipinto più solido e incisivo. Per sottolineare la costruttività delle forme, in particolare, ha recuperato un design chiaro e preciso, un “gusto attento ai volumi, alla solidità dei contorni, alla monumentalità delle immagini, a una progressiva castità di colore” (StileArte ), nel segno di una sintesi meno episodica e più sistematica del materiale pittorico.

Abbandona anche l’aria pleinica e ritorna per elaborare le sue creazioni in teatro, questa volta comunque assistito da un ricco background figurativo. Per lo stesso processo nel suo lavoro, i paesaggi sono visti sempre più sporadicamente e si sviluppa un gusto per le figure umane, in particolare i nudi femminili. Questa era una vera costante iconografica nella sua opera – presente sia all’inizio che durante gli esperimenti impressionisti – ma che durante la fase aigre si affermò con maggior vigore, nel segno di un primato assoluto della figura, reso con pennellate vivide e delicate , in grado di catturare con precisione l’umore gioioso del soggetto e l’opulenza della sua carnagione.

Opere
I dipinti di Renoir si distinguono per la loro luce vibrante e il loro colore saturo, il più delle volte incentrati sulle persone in composizioni intime e schiette. Il nudo femminile era uno dei suoi soggetti principali. Tuttavia, nel 1876, un critico di Le Figaro scrisse “Prova a spiegare a Monsieur Renoir che il busto di una donna non è una massa di carne in decomposizione con quelle macchie verdi violacee che denotano uno stato di completa putrefazione in un cadavere” Eppure nel caratteristico stile impressionista , Renoir ha suggerito i dettagli di una scena attraverso tocchi di colore liberamente spazzolati, in modo che le sue figure si fondessero dolcemente tra loro e l’ambiente circostante.

I suoi dipinti iniziali mostrano l’influenza del colorismo di Eugène Delacroix e la luminosità di Camille Corot. Ha anche ammirato il realismo di Gustave Courbet e Édouard Manet, e le sue prime opere ricordano la loro nell’uso del nero come colore. Renoir ammirava il senso del movimento di Edgar Degas. Altri pittori che Renoir ammirarono molto furono i maestri del XVIII secolo François Boucher e Jean-Honoré Fragonard.

Un bell’esempio delle prime opere di Renoir e la prova dell’influenza del realismo di Courbet, è Diana, 1867. Apparentemente un soggetto mitologico, il dipinto è un’opera naturalistica in studio; la figura è stata attentamente osservata, modellata solidamente e sovrapposta a un paesaggio inventato. Se l’opera è un pezzo “studentesco”, è presente l’accresciuta risposta personale di Renoir alla sensualità femminile. La modella era Lise Tréhot, l’amante dell’artista a quel tempo, e fonte d’ispirazione per numerosi dipinti.

Alla fine del 1860, attraverso la pratica di dipingere la luce e l’acqua in aria (all’aperto), lui e il suo amico Claude Monet scoprirono che il colore delle ombre non è marrone o nero, ma il colore riflesso degli oggetti che li circondano, un effetto noto oggi come riflessione diffusa. Esistono diverse coppie di dipinti in cui Renoir e Monet lavoravano fianco a fianco, raffigurando le stesse scene (La Grenouillère, 1869).

Una delle opere impressioniste più conosciute è la Danza del 1876 di Renoir al Moulin de la Galette (Bal du moulin de la Galette). Il dipinto raffigura una scena all’aperto, affollata di gente in un famoso giardino da ballo sulla Butte Montmartre vicino a dove abitava. Le opere della sua prima maturità erano in genere istantanee impressioniste della vita reale, piene di colori e luci scintillanti. Verso la metà del 1880, tuttavia, aveva rotto con il movimento per applicare una tecnica formale più disciplinata ai ritratti e ai dipinti di figure, in particolare delle donne. Fu un viaggio in Italia nel 1881 quando vide opere di Raffaello e altri maestri del Rinascimento, che lo convinsero che era sulla strada sbagliata, e per diversi anni successivi dipinse in uno stile più severo nel tentativo di tornare al classicismo . Concentrandosi sul suo disegno e sottolineando i contorni delle figure,

Dopo il 1890 cambiò di nuovo direzione. Per dissolvere i contorni, come nei suoi lavori precedenti, è tornato al colore leggermente spazzolato. Da questo periodo in poi si concentrò su nudi monumentali e scene domestiche, i cui esempi esemplari sono Girls at the Piano, 1892 e Grandes Baigneuses, 1887. Quest’ultimo dipinto è il più tipico e di successo dei tardivi nudi tardivi di Renoir.

Un artista prolifico, ha creato diverse migliaia di dipinti. La calda sensualità dello stile di Renoir ha reso i suoi dipinti alcune delle opere più conosciute e spesso riprodotte nella storia dell’arte. La più grande raccolta unica delle sue opere – 181 dipinti in tutto – si trova alla Barnes Foundation, a Filadelfia.

La mostra
La mostra di Torino è divisa in nove sezioni. L’età di La Bohème Dopo l’ammissione all’Ecole des Beaux-Arts nel 1862, Renoir incontrò e frequentò Alfred Sisley, Frédéric Bazille e Claude Monet, con i quali condivideva principalmente sessioni di pittura en plein air a Fontainebleau o Grenouillère nei dintorni di Parigi. Alcuni dei suoi ritratti di conoscenti e amici sono di questo periodo: William Sisley (1864), Frédéric Bazille (1867), Claude Monet (1875), esposti in questa sezione con due opere dello stesso Bazille, il suo studio (1870) e un ritratto dallo stesso Renoir (1867) e uno da Monet, un paesaggio invernale di Honfleur (intorno al 1867). Qui anche due dei primi nudi di Renoir, tra i temi più cari all’artista, Il ragazzo con il gatto (1868) e Femme demi-nue couchée: la rose (intorno al 1872).

“Adoriamo le donne di Renoir” (Proust)
Si entra nel cuore della mostra con una galleria di meravigliosi ritratti femminili, dove è davvero difficile scegliere tra Madame Darras (intorno al 1868), La liseuse (1874-1876), Giovane donna con un velo (C. 1870), Madame Georges Charpentier (1876-1877), Femme au jabot blanc (1880), giovane donna seduta (1909), fino al ritratto della colonna romana (1913). Renoir sceglie i suoi protagonisti da ogni contesto sociale: borghese, operai, ballerini, tutti vestiti con una grazia speciale e una bellezza impalpabile che rievocano i modelli femminili dell’arte settecentesca. Si può dire che Renoir inventa la donna del diciannovesimo secolo, tanto che Proust scrisse: “Des femmes passent dans la rue, ce sont des Renoir”.

“Il lavoro del paesaggista” (Renoir)
La collezione di opere paesaggistiche di Renoir del Musée d’Orsay è probabilmente la più bella del mondo. Questa sezione ne presenta dieci, che ripercorrono un lungo periodo cronologico, incluso il viaggio ad Algeri compiuto dall’artista nel 1881. In relazione a questo soggiorno in Nord Africa troviamo in mostra: campo di banane, paesaggio algerino e la moschea, dove Renoir dipinge il sole palme, giardini privati ​​e giardini dal sapore esotico.

Gli altri dipinti rappresentano splendidi panorami in cui si percepisce la grande attrazione del maestro per l’acqua, il verde e i giardini, una fonte continua di ispirazione, per la crescita perenne delle piante e ciò che ha definito la loro intrinseca “irregolarità”, che ha considerato sacrosanto rispetto alla natura domato dall’uomo: Barges on the Seine (1869), The Pear of England (intorno al 1870), The Seine in Argenteuil (1873), The path in the high grass (1876-1877), The Seine in Champrosay (1876), The ponte ferroviario a Chatou (1881) fino a Paesaggio a Cagnes (circa 1915), dipinto dalla famosa tenuta “Les Collettes” sulla Costa Azzurra, dove Renoir si rifugiò alla fine della sua vita per trovare un clima mite che lo avrebbe curato dalla grave patologia reumatoide che lo ha afflitto. ”

Infanzia
I bambini, spesso i suoi figli o i figli degli amici, sono molto presenti nel lavoro di Renoir. Queste nove opere in mostra competono con i ritratti femminili nel darci istantanee di volti infantili pieni di poesia: dal bellissimo pastello su carta Ritratto di una ragazza bruna seduta, con le mani incrociate (1879), al dipinto Fernand Halphen bambino (1880) in un ritratto serio vestito da marinaio, dalla deliziosa Julie Manet (1887) a una tenera Maternità (1885), dal Ritratto del figlio Pierre (1885), come si diceva dalla collezione GAM, a un altro delicato pastello Ritratto de petite fille coiffée d ‘une charlotte (intorno al 1900), presso il famoso Il clown (Ritratto di Coco) (1909), di cui lo stesso Claude, il figlio ritratto, ricorderà la tormentata genesi,

La “felice ricerca del lato moderno” (Zola)
Qui troviamo cinque opere dedicate a una sezione trasversale della società moderna e al nuovo intrattenimento dei parigini, dalla danza alle escursioni in campagna: La balançoire (1876) o l’altalena, dove le magnifiche figure della donna, il giardiniere e la bambina accanto all’altalena spicca in un giardino dai colori vivaci. I tocchi di colore diffusi da piccole macchie fanno filtrare l’effetto della luce solare attraverso le foglie, creando un’atmosfera di vibrazione cromatica e luminosa, che la rende una delle massime espressioni della pittura impressionista nell’aria. Da questo capolavoro, il grande scrittore Emile Zola – che ha incontrato Renoir nel salotto di Madame Charpentier, moglie del suo editore – è stato ispirato da un pezzo del romanzo Una pagina d’amore, ambientato in un giardino di primavera. Un altro incantevole ritratto femminile in mostra è Alphonsine Fournaise (1879), mentre i famosi Ballo in Campagna e Ballo in Città (1883) ritraggono mirabilmente due coppie in momenti spensierati del loro tempo libero. Le Jeunes riempie al pianoforte
Il famoso Jeunes filles au piano (1892) fu il primo dipinto di Renoir ad entrare nelle collezioni di un museo francese. Accanto ad essa c’è un’altra splendida tela: Yvonne e Christine Lerolle al pianoforte (intorno al 1897-1898) e due soggetti legati alla musica: il famoso ritratto di Richard Wagner, ritratto a Palermo durante un memorabile incontro tra Renoir e il compositore tedesco, e quello di Théodore de Banville (entrambi del 1882).

“Bello come una serie di fiori” (Renoir)
Piccola sezione di opere straordinarie: i bouquet di Renoir sono magistrali nella tecnica e nei colori, è uno dei temi in cui l’artista sperimenta di più. “Quando dipingo fiori – ha dichiarato – sperimento audacemente sfumature e valori senza preoccuparmi di rovinare l’intera tela; Non oserei fare lo stesso con una figura. “La varietà di sfumature nei colori è davvero impressionante: Renoir gioca con la tavolozza, con tratti morbidi e delicati, evocando i profumi dei fiori che a loro volta rimandano a sensazioni e ricordi.

“Una forma essenziale dell’arte” (Renoir)
È una sezione capitale della mostra, con opere fondamentali nella carriera di Renoir, che ha sempre mostrato un profondo interesse per l’arte rinascimentale italiana, ammirando le opere del barocco nordico di Raffaello, Tiziano e Rubens, da cui assimila il morbido e il languido forme e un cromatismo completo, che fanno parte del suo codice stilistico per quanto riguarda il modo di trattare la figura femminile. “Guardo un nudo e vedo miriadi di piccole tinte. Devo scoprire cosa farà vivere e vibrare la carne sulla tela “- ha detto il pittore. In mostra, cinque dipinti spettacolari, tutti dipinti nell’ultimo periodo della sua vita, tra il 1906 e il 1917: Femme nue couchée (Gabrielle) (1906), Grand nu (1907), La toilette (Donna che si pettina) (1907-1908), Donna nuda vista da dietro (1909), Odalisque dormiente (1915-1917). E un’imponente scultura in bronzo,

L’eredità dei bagnanti La “chiusura” della mostra è dedicata
all’ultimo capolavoro fondamentale di Renoir, The Bathers (1918-1919). Il dipinto è emblematico della ricerca svolta dall’artista alla fine della sua vita. Qui celebra una natura senza tempo, da cui è vietato ogni riferimento al contemporaneo. I bagnanti devono essere considerati il ​​testamento pittorico di Renoir. È con questo spirito che i suoi tre figli hanno donato il dipinto allo stato francese nel 1923. I due modelli che giacciono in primo piano e i tre bagnanti sullo sfondo della composizione posata nel grande giardino di ulivi in ​​”Les Collettes”, la tenuta del pittore a Cagnes-sur-Mer nel sud della Francia. Il paesaggio mediterraneo riporta alla tradizione classica italiana e greca, quando “la Terra era il paradiso degli dei”. “Ecco cosa voglio dipingere” disse Renoir. Questa visione idilliaca è sottolineata dalla sensualità dei modelli, dalla ricchezza dei colori e dalla pienezza delle forme. Queste figure devono anche molto ai nudi di Tiziano e Rubens, molto ammirati da Renoir. Trasmettono un piacere di dipingere che la malattia e la sofferenza del pittore alla fine della sua vita non hanno sconfitto.

Sono esposti anche gli strumenti di lavoro dell’artista: tavolozza, scatola dei colori, pennelli, strumenti inseparabili del grande maestro. Fino all’ultimo aveva lavorato sui suoi bagnanti, avendo i pennelli legati alle dita ora deformati dall’artrite reumatoide. Renoir morì il 3 dicembre 1919, ucciso da un’infezione polmonare; la sera prima di morire pronuncia queste parole: “Forse ora comincio a capire qualcosa”. Dopo meno di due mesi muore anche Modigliani, che Renoir riceveva spesso nel suo studio. Il mondo dell’arte perde così due straordinari interpreti.

La mostra è accompagnata da una pubblicazione pubblicata da Skira che presenta, oltre alle riproduzioni delle opere esposte, numerosi contributi critici. In particolare, Sylvie Patry esplora i modi in cui le istituzioni museali francesi hanno accettato e acquisito il lavoro di Renoir nel tempo. Il contributo di Riccardo Passoni è invece dedicato alla presenza di Renoir alla Biennale di Venezia del 1910 – dove furono esposte trentasette delle sue opere – e all’influenza che questa partecipazione ebbe su alcuni grandi artisti italiani come Boccioni, Carrà, Soffici, Morandi e De Chirico, che intorno al 1930 si collegò stilisticamente alla poesia del grande maestro francese.

Un altro testo, curato da Augustin De Butler, ha invece lo scopo di ripercorrere l’interesse dell’artista per l’arte italiana durante il suo viaggio nel nostro paese, con particolare riferimento al suo soggiorno a Venezia nel 1881. Raffigurare la bellezza, sorprendente con luce e colore, raffigurante la vita della sua epoca con un realismo delicato, sono elementi chiave della filosofia pittorica di Renoir, che lo rendono ancora uno dei pittori più amati dal pubblico. La mostra di Torino vuole essere un omaggio alla sua arte e un’occasione irripetibile per ripercorrere la sua storia artistica e umana, e ti permette di ammirare opere straordinarie, la maggior parte delle quali non sono mai state esposte in Italia.

Galleria civica d’arte moderna e contemporanea di Torino
La Galleria Civica d’Arte Moderna e Contemporanea di Torino si trova in via Magenta 31 a Torino, Italia. Fu fondata tra il 1891 e il 95. Ospita le collezioni artistiche permanenti del XIX e XX secolo. Fa parte della Fondazione Torino Musei, che comprende anche il MAO (Museo d’Arte Orientale), Palazzo Madama e Casaforte degli Acaja (Museo Civico di Arte Antica), il borgo medievale e la fortezza.

GAM – la Galleria civica di arte moderna e contemporanea – è il più antico museo di arte moderna in Italia. Dall’apertura al pubblico nel 1863 numerosi capolavori sono stati aggiunti alle sue collezioni nel tempo. Allo stato attuale, le collezioni GAM comprendono oltre 47.000 opere, che vanno da dipinti e sculture a installazioni e arte fotografica, oltre a una ricca collezione di disegni e incisioni, e una delle più grandi collezioni di film e video dell’artista in Europa.

Sulla base di questo patrimonio, GAM continua ad attuare il suo originale impegno nella ricerca contemporanea collegando costantemente le sue opere storiche al dibattito culturale di oggi e garantendo che il programma espositivo sia strettamente correlato con le collezioni. Le opere delle collezioni sono esposte in raggruppamenti tematici che cambiano nel tempo, garantendo che i visitatori vedano sempre le collezioni da una nuova prospettiva e possano fare una nuova analisi dei capolavori della Galleria.

Opere sia dei principali artisti italiani del diciannovesimo secolo, come Fontanesi, Fattori, Pellizza da Volpedo e Medardo Rosso, sia dei maestri del XX secolo, tra cui Morandi, Casorati, Martini e De Pisis, hanno riacquistato la loro capacità di parlare al presente, e di mettere in mostra tutta la loro complessità alla pari con le opere delle storiche avanguardie internazionali, esempi eccezionali dei quali sono presenti anche nella collezione: da Max Ernst a Paul Klee e Picabia, nonché opere della nuova avant del dopoguerra -garde movimenti, con una delle più grandi collezioni di Arte Povera – tra cui opere di Paolini, Boetti, Anselmo, Zorio, Penone e Pistoletto – ma anche l’attuale produzione artistica a cui GAM dedica ampio spazio espositivo.