Renoir De las colecciones del Museo de Orsay y Orangerie, Galería Cívica de Arte Moderno y Contemporáneo de Turín

La ciudad de Turín, el editor GAM – Galería Cívica de Arte Moderno y Contemporáneo de Turín y Skira presentan una espléndida exposición dedicada al gran artista francés, con obras maestras de las colecciones del Museo de Orsay y el Museo de la Orangerie en París.

La colaboración fuertemente deseada por el alcalde, Piero Fassino, continúa entre la editorial de la ciudad de Turín, el museo de Orsay y Skira, que comenzó en 2012 con la gran exposición dedicada a Degas.

La Galería Cívica de Arte Moderno y Contemporáneo de Turín presenta una extraordinaria nueva exposición dedicada a Pierre-Auguste Renoir (1841-1919), artista entre los protagonistas, con Manet, Monet, Degas, Pissarro, Sisley, Cézanne, entre los años setenta y diecinueve. siglo y los primeros veinte años del siglo XX, de la gran temporada del impresionismo francés. Un importante acuerdo firmado entre el GAM – Galería Cívica de Arte Moderno y Contemporáneo de Turín – Fundación Torino Musei, la editorial Skira y el Museo de Orsay en París – con Danilo Eccher, Director del GAM, Massimo Vitta Zelman, Presidente de Skira, y Guy Cogeval, presidente del Museo de Orsay y de la Orangerie, permitió definir un proyecto científico de gran valor, que trae a la capital piamontesa una espléndida exposición,

El Musée d’Orsay y el Musée de l’Orangerie, que conservan la colección más completa del mundo de la obra de Renoir, han acordado privarse de sesenta obras maestras durante cuatro meses, para dar vida a una exposición extraordinaria que documenta todas las actividades. de este gran pintor, testigo de los momentos más significativos y los puntos de inflexión que, desde el principio, llevaron al artista al final de su carrera a una desviación progresiva del impresionismo.

La curaduría de la exposición está a cargo de Sylvie Patry, conservadora en jefe del Museo de Orsay y gran especialista de Renoir, y Riccardo Passoni, subdirector del GAM de Turín. Skira, en estrecha colaboración con la Fundación de Museos de Turín, produce la exposición, se ocupa de los aspectos organizativos y promocionales y publica su catálogo.

La exposición se instalará en el primer piso del GAM, en la sala del Área de Exhibición, dentro del camino de las colecciones permanentes, recientemente reorganizadas de acuerdo con cuatro nuevos itinerarios temáticos. También desde el punto de vista de la exposición, la exposición tendrá por lo tanto el aliento, la facilidad y el placer de una gran exposición internacional. También se exhibirá una obra de GAM: el Retrato de su hijo Pierre (1885), comprado en interés de Lionello Venturi. Esta exposición tiene como objetivo cubrir la compleja evolución de la carrera artística de Renoir, activa durante más de cincuenta años para producir más de cinco mil pinturas y una gran cantidad de dibujos y acuarelas, destacando la gran variedad y calidad de su técnica de pintura y las diferentes temas abordados

En el transcurso de su vida, Renoir se mide experimentando con la pintura al aire libre, junto con su amigo y colega Monet, mientras que al mismo tiempo completa los trabajos en el taller. También dedicándose al retrato por encargo, está rodeado por un círculo cercano de admiradores y mecenas. Como evidencia del éxito alcanzado en la vida, piense en el hecho de que por su pintura Madame Charpentier y sus hijos (comprados por el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York en 1907) se pagó el precio más alto pagado en esos años por una pintura. . Es amigo personal de los impresionistas, como Monet, Cézanne, Pissarro, Berthe Morisot, Sisley y Caillebotte, con quienes discute pintura y organiza exposiciones, y alienta a otros grandes artistas como Matisse, Bonnard, Maurice Denis.

Pierre-Auguste Renoir
Pierre-Auguste Renoir, conocido comúnmente como Auguste Renoir (25 de febrero de 1841 – 3 de diciembre de 1919), fue un artista francés que fue un pintor líder en el desarrollo del estilo impresionista. Como celebradora de la belleza y especialmente de la sensualidad femenina, se ha dicho que «Renoir es el representante final de una tradición que va directamente de Rubens a Watteau».

Fue el padre del actor Pierre Renoir (1885–1952), el cineasta Jean Renoir (1894–1979) y el artista de cerámica Claude Renoir (1901–1969). Fue el abuelo del cineasta Claude Renoir (1913–1993), hijo de Pierre.

Estilo

Pintor
Renoir fue uno de los intérpretes más convencidos y espontáneos del movimiento impresionista. Artista prodigiosamente prolífico, con hasta cinco mil lienzos y un número igualmente grande de dibujos y acuarelas, Renoir también se ha distinguido por su versatilidad, tanto que podemos distinguir numerosos períodos en su producción pictórica. Es Renoir mismo, en cualquier caso, quien habla sobre su método de hacer arte:

«Arreglo mi tema como quiero, luego empiezo a pintarlo como lo haría un niño. Quiero que el rojo suene fuerte y suene como una campana, cuando no puedo, agrego otros rojos y otros colores hasta que lo consiga. No hay otra malicia. No tengo reglas ni métodos; cualquiera puede examinar lo que uso o ver cómo pinto, y verán que no tengo secretos. Miro a un desnudo y veo una miríada de pequeños matices. Necesito descubrir qué hace que la carne vibre en el lienzo. Hoy queremos explicarte todo. Pero si una pintura pudiera explicarse, ya no sería arte. ¿Quieres que te diga cuáles son las dos cualidades del arte para mí? Debe ser indescriptible e inimitable … La obra de arte debe atraparte, envolverte, transportarte »
(Pierre-Auguste Renoir)

Como se desprende de esta cita, Renoir se relacionó con la pintura de una manera absolutamente antiintelectual y, aunque él también era intolerante con los convencionalismos académicos, nunca contribuyó a la causa del impresionismo con reflexiones teóricas o con declaraciones abstractas. De hecho, repudia toda forma de intelectualismo y confiesa una vívida confianza en la experiencia concreta de la realización pictórica, que se objeta en los únicos medios de expresión de pinceles y paletas: «trabajar como un buen trabajador», «trabajador de la pintura», «hacer una buena pintura» son, de hecho, frases que a menudo se repiten en su correspondencia. Esta solicitud decisiva de concreción es reiterada por el propio Renoir en su prefacio a la edición francesa del Libro de Artby Cennino Cennini (1911), donde, además de proporcionar consejos prácticos y sugerencias para los aspirantes a pintores, afirma que «podría parecer que estamos muy lejos de Cennino Cennini y de la pintura, pero no es así, ya que la pintura es una profesión como la carpintería y el trabajo del hierro, y es sujeto a las mismas reglas ». El crítico Octave Mirbeau incluso señala las causas de la grandeza de Renoir precisamente en esta concepción peculiar de la pintura:

«Si bien las teorías, doctrinas, estética, metafísica y fisiologías del arte se sucedieron, el trabajo de Renoir se desarrolló año tras año, mes a mes, día a día con la simplicidad de una flor en flor, de una fruta que madura, Renoir ha vivido y pinta Hizo su trabajo, y ahí reside todo su genio. Es por eso que toda su vida y su trabajo son una lección de felicidad «.
(Octava Mirbeau)

Escultor
De 1913 a 1918, en colaboración con Richard Guino, un joven escultor de origen catalán que le presentaron Aristide Maillol y Ambroise Vollard, creó un conjunto de piezas principales: Vénus Victrix, le Jugement de Pâris, la Grande Laveuse, le Forgeron.

La atribución de estas obras colaborativas fue revisada sesenta años después de su creación, después de un largo juicio iniciado en 1965 por Michel Guino, hijo de Richard y escultor, quien trabajó para dar a conocer la obra de su padre. Después de un análisis minucioso de las piezas, los procesos que presidieron su creación y la audiencia de numerosos artistas, la calidad de coautor fue reconocida por Richard Guino en 1971 por la tercera sala civil de la corte de París y establecida definitivamente por la Corte. de Cassation en 1973. El historiador del arte Paul Haesaerts especifica desde 1947 en el escultor de Renoir: “Guino nunca fue simplemente un actor que leía un texto o un músico que interpretaba mecánicamente una partitura. Guino estuvo involucrado en cuerpo y alma en el acto creativo. Incluso podemos decir con certeza que si no hubiera estado allí, Las esculturas de Renoir no habrían visto la luz del día. Guino fue esencial «.

El juicio del hijo de Guino no fue llevado «contra» Renoir, una reducción transmitida en ciertos textos o artículos periodísticos que se refieren al «asunto». Se trataba de ayudar a revelar la historia excepcional de este proceso creativo para restaurar la contribución original de Guino al trabajo esculpido, inicialmente oscurecido por Vollard. Un escultor «practicante» reproduce o amplía un modelo ya existente. Guino, por su parte, transpone técnicas: pasamos de la pintura de Renoir a la escultura de Guino, el espíritu de la pintura se refleja en el espíritu de la escultura. Transmutación probada entre dos artistas. El fenómeno se pudo lograr gracias a su amistad y su intensa comunidad de visión. El pintor con sus telas y el escultor trabajando la arcilla de Collettes. VS ‘

Después de interrumpir su colaboración con Guino, trabajó con el escultor Louis Morel (1887-1975), originario de Essoyes. Juntos, hacen la terracota, dos bailarines y un flautista.

Influencias
Debido a las razones antes mencionadas, Renoir nunca fue animado por el ávido idealismo de un Monet o un Cézanne y, por el contrario, a menudo recurrió al ejemplo de los antiguos maestros. En comparación con sus colegas, Renoir se sintió «heredero de una fuerza viva acumulada a lo largo de las generaciones» (Benedetti) y, por esta razón, estaba más dispuesto a inspirarse en el legado del pasado. Incluso en la escuela secundaria, de hecho, nunca dejó de considerar el museo como el lugar propicio para la formación de un artista, reconociendo su capacidad para enseñar «ese sabor de la pintura que solo la naturaleza no nos puede dar».

El trabajo de Renoir actúa como un punto de encuentro (o un choque) entre experiencias artísticas muy heterogéneas. Di Rubens se sintió muy atraído por el vigor y el cuerpo de la pincelada y la representación magistral de las tez altamente expresivas, mientras que los pintores rococó franceses, Fragonard y Boucher, apreciaron la delicadeza y la fragancia del material cromático. Los pintores de Barbizon también desempeñan un papel decisivo en la reflexión artística de Renoir, de quien tomó prestado el gusto por el aire libre y el hábito de evaluar las correspondencias entre paisajes y estados de ánimo. La influencia de Jean-Auguste-Dominique Ingres también fue importante, una auténtica «bestia negra» para sus colegas, que vieron en ella un símbolo de la esterilidad de las prácticas académicas: por el contrario, Renoir estaba muy fascinado por su estilo, en el que creía percibir el latido de la vida, y dibujó un placer casi carnal en él («Secretamente disfruté el hermoso vientre de la Fuente y el cuello y los brazos de Madame Rivière»). Por Raffaello Sanzio, una influencia muy importante, especialmente en la madurez tardía, hablaremos en el párrafo El estilo aigre.

En el universo artístico de Renoir, entonces, un lugar destacado característico pertenece a Gustave Courbet. Animado por una fuerte determinación y un carisma combativo, Courbet no solo temió lo que hasta entonces se consideraba indigno de representación pictórica, sino que también logró transferir piezas de materia al lienzo. La suya es una pintura pesada, pesada, con una fuerza terrestre: los lienzos del maestro de Ornans, de hecho, tienen su propia y poderosa fisicalidad, y consisten en un material pictórico muy crudo en el que los colores son ricos en grosor. y a menudo se aplican con trazos de espátula, precisamente para obtener efectos de «concreción» en el lienzo. Este vigor expresivo sugirió a Renoir una libertad desconocida en el tratamiento del material pictórico, que surgirá claramente incluso cuando el artista ‘

El pintor de joie de vivre
El trabajo de Renoir se basa en la alegría de vivir más auténtica. En su vida, de hecho, Renoir fue animado por un genuino entusiasmo por la vida, y nunca dejó de sorprenderse frente a las infinitas maravillas de la creación, disfrutando plenamente de su belleza y sintiendo el deseo espasmódico de transferirse al lienzo, con un dulce e intensa participación emocional, el recuerdo de cada percepción visual lo había golpeado. Para subrayar cómo Renoir se relaciona con cada aspecto de la vida, ya sea grande o pequeño, el crítico Piero Adorno propuso el siguiente silogismo: «todo lo que existe vive, todo lo que vive es hermoso, todo lo que es hermoso merece ser pintado» ( entonces todo lo que existe es digno de representación pictórica).

Todas sus pinturas, desde los primeros trabajos en el estudio de Gleyre hasta los últimos trabajos de Cagnes, en realidad capturan los aspectos más dulces y efímeros de la vida, haciéndolos con pinceladas fluidas y vibrantes y con una textura cromática y luminística relajante y alegre. «Me gustan esas pinturas que me dan ganas de entrar para hacer un recorrido»: con estas palabras, el pintor invita explícitamente a los observadores de sus pinturas a interactuar con ellas con una diversión similar a la que él mismo había experimentado al pintarlas. El de «diversión» es uno de los conceptos clave de la poética de Renoir: de hecho, le encantaba «poner colores en el lienzo para divertirse», hasta el punto de que probablemente ningún otro pintor había sentido una urgencia tan inalienable para pintar para expresar sus sentimientos («el pincel [… A modo de ejemplo, la respuesta que dio con juvenil sinceridad al maestro Gleyre, quien concibió la pintura como un ejercicio formal riguroso, para ser realizada con seriedad y responsabilidad y, ciertamente, sin dejar de lado a las figuras casuales. Al asombrado maestro, que lo destrozó recordándole los peligros de «pintar por diversión», de hecho habría respondido: «Si no me divierte, por favor crea que no pintaría en absoluto».

En resumen, incluso sus pinturas muestran su alegría desbordante y su bienvenida al mundo percibida como una expresión pura de la alegría de vivir. Esto también es gracias a una serie consistente de importantes dispositivos estilísticos: sobre todo antes del turno aigre, sus pinturas son ligeras y esponjosas, imbuidas de una luz viva y pulsante, y están abrumados por los colores con alegre vivacidad. Renoir luego fragmenta la luz en pequeños parches de color, cada uno de los cuales se deposita en el lienzo con una gran delicadeza táctil, tanto que todo el trabajo parece vibrar a los ojos del espectador y convertirse en algo claro y tangible. También gracias a los sabios acuerdos entre colores complementarios (distribuidos según una técnica propiamente impresionista).

Esta efervescencia creativa aborda muchos géneros pictóricos. Su trabajo se refiere principalmente al «heroísmo de la vida moderna» que Charles Baudelaire había identificado como el tema de un arte que se puede decir que es auténtico: por esta razón, Renoir, al igual que sus colegas, entienden que para lograr excelentes resultados en La «pintura de la historia» no debe refugiarse hipócritamente en la historia de los siglos pasados, sino confrontar la era contemporánea de una manera espontánea, fresca pero vigorosa, siguiendo el ejemplo del viejo Édouard Manet. Aquí está el comentario de Maria Teresa Benedetti, significativo también para una comprensión más fácil de la relación entre Renoir y la alegría de vivir:

«En estos años [los de la experiencia impresionista, ed.] Su sentimiento está marcado por el realismo doméstico de su generación, el tema de una pintura sigue siendo divertido: temas románticos que proponen amantes en un baile o en el jardín, escenas de género que ilustran reuniones agradables en el Moulin de la Galette, en Bougival, en Chatou, hacen que esas obras sean obras maestras descriptivas, adorables y populares; en ellas, la pintura del amor coincide con el amor por la pintura y nadie como Renoir puede cantar un París que industrial la civilización está a punto de destruir »
(Maria Teresa Benedetti)

El estilo aigre
Un cambio estilístico drástico ocurrió después del viaje a Italia en 1881. Sintiéndose oprimido por la elección impresionista, de hecho, Renoir en ese año decidió ir a Bel Paese para estudiar cuidadosamente el arte de los maestros del Renacimiento, sobre las huellas de una sesión pictórica. topos prestados del venerado Ingres. La estancia italiana, de hecho, además de ampliar aún más sus horizontes figurativos, tuvo importantes consecuencias en su forma de pintar. Para golpearlo fueron los murales de Pompeya y, sobre todo, los frescos «admirables por la simplicidad y la grandeza» de la Farnesina de Rafael, en los que descubrió esa perfección estética que con la experiencia impresionista no había podido lograr. Con melancólico entusiasmo, le confesaría a su amiga Marguerite Charpentier:

«Rafael, que no pintaba al aire libre, sin embargo, había estudiado la luz del sol, porque sus frescos están llenos de ella. Por otro lado, a fuerza de mirar hacia afuera, terminé sin ver las grandes armonías, preocupándome demasiado por los pequeños detalles que nublan el sol en lugar de mejorarlo »
(Pierre-Auguste Renoir)

Si el arte de Raphael fascinó a Renoir por su tamaño tranquilo, por la luz difusa y por los volúmenes plásticamente definidos, de las pinturas de Pompeya derivó el gusto por esas escenas que mezclan expertamente la dimensión ideal con la real, como sucede en los frescos que representan compañías heráldicas , arquitectura mitológica, amorosa y dionisíaca e ilusionista que embelleció la domus de la ciudad vesuviana. Él mismo lo dice:

«Las pinturas pompeyanas son muy interesantes desde todos los puntos de vista; así que me quedo al sol, no tanto para hacer retratos a pleno sol, sino porque, calentándome y observando intensamente, adquiriré, creo, la grandeza y la simplicidad de los pintores antiguos »
(Pierre-Auguste Renoir)

Al ver a los modelos renacentistas, Renoir experimentó una fuerte inquietud espiritual, se vio despojado de sus certezas, y lo que es peor, se descubrió artísticamente ignorante. Después de la recepción de los frescos de Rafael y las pinturas pompeyanas, de hecho, estaba convencido de que nunca había poseído realmente la técnica pictórica y gráfica, y que ahora ya había agotado los recursos ofrecidos por la técnica impresionista, especialmente con respecto a la incidencia de la luz en la naturaleza: «Había llegado al extremo del impresionismo y tenía que encontrar que ya no sabía cómo pintar o dibujar», habría observado tristemente en 1883.

Para resolver este impase, Renoir se separó del impresionismo e inauguró su fase de «aigre» o «ingresque». Al reconciliar el modelo raphaelesque con el modelo Ingresian, conocido y amado desde su inicio, Renoir decide superar esa inestabilidad vibrante de la percepción visual de una matriz impresionista y llegar a una pintura más sólida e incisiva. Para subrayar la constructividad de las formas, en particular, recuperó un diseño claro y preciso, un «gusto atento a los volúmenes, a la solidez de los contornos, a la monumentalidad de las imágenes, a una castidad progresiva del color» (StileArte ), en el signo de una síntesis menos episódica y más sistemática del material pictórico.

También abandona el plein air y vuelve a elaborar sus creaciones en el taller, esta vez sin embargo asistido por un rico fondo figurativo. Para el mismo proceso en su trabajo, los paisajes se ven cada vez más esporádicamente y se desarrolla un gusto por las figuras humanas, especialmente los desnudos femeninos. Esta fue una constante iconográfica real en su obra, presente tanto en el comienzo como durante los experimentos impresionistas, pero que durante la fase aigre se afirmó con mayor vigor, en el signo de una primacía absoluta de la figura, representada con pinceladas vívidas y delicadas , capaz de capturar con precisión el estado de ánimo alegre del sujeto y la opulencia de su tez.

Obras de arte
Las pinturas de Renoir son notables por su luz vibrante y color saturado, centrándose con mayor frecuencia en personas en composiciones íntimas y sinceras. El desnudo femenino era uno de sus temas principales. Sin embargo, en 1876, un crítico en Le Figaro escribió «Intenta explicarle a Monsieur Renoir que el torso de una mujer no es una masa de carne en descomposición con esas manchas verdes violáceas que denotan un estado de putrefacción completa en un cadáver» Sin embargo, en un estilo impresionista característico Renoir sugirió los detalles de una escena a través de toques de color libremente cepillados, para que sus figuras se fusionen suavemente entre sí y con su entorno.

Sus pinturas iniciales muestran la influencia del colorismo de Eugène Delacroix y la luminosidad de Camille Corot. También admiraba el realismo de Gustave Courbet y Édouard Manet, y sus primeros trabajos se asemejan a los de ellos en su uso del negro como color. Renoir admiraba la sensación de movimiento de Edgar Degas. Otros pintores que Renoir admiraba mucho eran los maestros del siglo XVIII François Boucher y Jean-Honoré Fragonard.

Un buen ejemplo de los primeros trabajos de Renoir y la evidencia de la influencia del realismo de Courbet es Diana, 1867. Aparentemente un tema mitológico, la pintura es un trabajo de estudio naturalista; La figura cuidadosamente observada, sólidamente modelada y superpuesta sobre un paisaje artificial. Si el trabajo es una pieza «estudiantil», la respuesta personal de Renoir a la sensualidad femenina está presente. La modelo era Lise Tréhot, la amante del artista en ese momento, e inspiración para una serie de pinturas.

A fines de la década de 1860, a través de la práctica de pintar luz y agua en aire libre (al aire libre), él y su amigo Claude Monet descubrieron que el color de las sombras no es marrón o negro, sino el color reflejado de los objetos que las rodean, un efecto hoy conocido como reflejo difuso. Existen varios pares de pinturas en las que Renoir y Monet trabajaron codo con codo, representando las mismas escenas (La Grenouillère, 1869).

Una de las obras impresionistas más conocidas es la Danza de Renoir de 1876 en Le Moulin de la Galette (Bal du Moulin de la Galette). La pintura representa una escena al aire libre, llena de gente en un popular jardín de baile en Butte Montmartre, cerca de donde vivía. Las obras de su temprana madurez eran típicamente instantáneas impresionistas de la vida real, llenas de colores brillantes y luz. A mediados de la década de 1880, sin embargo, había roto con el movimiento para aplicar una técnica formal más disciplinada a los retratos y pinturas de figuras, particularmente de mujeres. Fue un viaje a Italia en 1881 cuando vio obras de Rafael y otros maestros del Renacimiento, que lo convencieron de que estaba en el camino equivocado, y durante los siguientes años pintó con un estilo más severo en un intento por volver al clasicismo. . Concentrándose en su dibujo y enfatizando los contornos de las figuras,

Después de 1890 cambió de dirección nuevamente. Para disolver los contornos, como en su trabajo anterior, volvió al color ligeramente cepillado. A partir de este período, se concentró en desnudos monumentales y escenas domésticas, entre los que se encuentran Girls at the Piano, 1892 y Grandes Baigneuses, 1887. La última pintura es la más típica y exitosa de los últimos desnudos abundantes y carnosos de Renoir.

Artista prolífico, creó varios miles de pinturas. La cálida sensualidad del estilo de Renoir hizo de sus pinturas algunas de las obras más conocidas y reproducidas con frecuencia en la historia del arte. La colección más grande de sus obras, 181 pinturas en total, se encuentra en la Fundación Barnes, en Filadelfia.

La exibición
La exposición de Turín se divide en nueve secciones. La edad de La Bohème Después de la admisión a la Ecole des Beaux-Arts en 1862, Renoir conoció y asistió a Alfred Sisley, Frédéric Bazille y Claude Monet, con quienes compartió principalmente sesiones de pintura al aire libre en Fontainebleau o Grenouillère en los alrededores de París. Algunos de sus retratos de conocidos y amigos son de este período: William Sisley (1864), Frédéric Bazille (1867), Claude Monet (1875), exhibidos en esta sección con dos obras del propio Bazille, su estudio (1870) y un retrato. por el propio Renoir (1867), y uno por Monet, un paisaje invernal de Honfleur (alrededor de 1867). Aquí también dos de los primeros desnudos de Renoir, entre los temas más queridos por el artista, El niño con el gato (1868) y Femme demi-nue couchée: la rose (alrededor de 1872).

«Adoramos a las mujeres de Renoir» (Proust)
Entras en el corazón de la exposición con una galería de maravillosos retratos femeninos, donde es realmente difícil elegir entre Madame Darras (alrededor de 1868), La liseuse (1874-1876), Mujer joven con velo (C. 1870), Madame Georges Charpentier (1876-1877), Femme au jabot blanc (1880), mujer joven sentada (1909), hasta el retrato de la columna romana (1913). Renoir elige a sus protagonistas de todos los ámbitos sociales: burgueses, trabajadores, bailarines, todos vestidos con una gracia especial y una belleza impalpable que evoca las modelos femeninas del arte del siglo XVIII. Se puede decir que Renoir inventó la mujer del siglo XIX, tanto que Proust escribió: «Des femmes passent dans la rue, ce sont des Renoir».

«El trabajo de paisajista» (Renoir)
La colección de obras de paisaje de Renoir del Musée d’Orsay es probablemente la más bella del mundo. Esta sección presenta diez de ellos, que remontan un extenso período cronológico, incluido el viaje a Argel realizado por el artista en 1881. En relación con esta estadía en el norte de África, encontramos en exhibición: campo de plátanos, paisaje argelino y la mezquita, donde Renoir pinta el sol. palmeras besadas, jardines privados y jardines con un sabor exótico.

Las otras pinturas representan vistas espléndidas donde se percibe la gran atracción del maestro por el agua, la vegetación y los jardines, una fuente continua de inspiración, por el crecimiento perenne de las plantas y lo que definió su «irregularidad» intrínseca, que consideró sacrosanta con respecto a la naturaleza. domesticado por el hombre: Barcazas en el Sena (1869), La pera de Inglaterra (alrededor de 1870), El Sena en Argenteuil (1873), El camino en la hierba alta (1876-1877), El Sena en Champrosay (1876), El puente ferroviario en Chatou (1881) hasta Paesaggio a Cagnes (circa 1915), pintado por la famosa finca «Les Collettes» en la Riviera francesa, donde Renoir se refugió al final de su vida para encontrar un clima templado que lo curara de la grave patología reumatoide que lo afligió. »

Infancia
Los niños, a menudo sus hijos o los hijos de sus amigos, están muy presentes en el trabajo de Renoir. Estas nueve obras en exhibición compiten con retratos femeninos al darnos instantáneas de rostros infantiles llenos de poesía: desde el hermoso pastel sobre papel Retrato de una niña morena sentada, con las manos cruzadas (1879), hasta la pintura Niño de Fernand Halphen (1880) en un retrato serio vestido de marinero, desde la encantadora Julie Manet (1887) hasta una tierna Maternidad (1885), desde el Retrato del hijo Pierre (1885), como se decía de la colección GAM, hasta otro delicado retrato en colores pastel de petite fille coiffée d ‘une charlotte (Alrededor de 1900), en el famoso Il clown (Retrato de Coco) (1909), del cual Claude, el hijo retratado, recordará la génesis atormentada,

La «feliz búsqueda del lado moderno» (Zola)
Aquí encontramos cinco obras dedicadas a una muestra representativa de la sociedad moderna y al nuevo entretenimiento de los parisinos, desde el baile hasta las excursiones en el campo: La balançoire (1876) o el swing, donde las magníficas figuras de la mujer, el jardinero y La niña al lado del columpio se destaca en un jardín de colores brillantes. Los toques de color que se extienden por pequeñas manchas hacen que el efecto de la luz solar se filtre a través de las hojas, creando una atmósfera de vibración cromática y luminosa, lo que la convierte en una de las máximas expresiones de la pintura impresionista en plein air. De esta obra maestra, el gran escritor Emile Zola, que conoció a Renoir en la sala de estar de Madame Charpentier, esposa de su editor, se inspiró en una pieza de la novela Una página de amor, ambientada en un jardín de primavera. Otro retrato femenino encantador en exhibición es Alphonsine Fournaise (1879), mientras que el famoso Ballo in Campagna y Ballo in Città (1883) retratan admirablemente a dos parejas en momentos despreocupados de su tiempo libre. Le Jeunes filles au piano
El famoso Jeunes filles au piano (1892) fue la primera pintura de Renoir en ingresar a las colecciones de un museo francés. Junto a él hay otro lienzo espléndido: Yvonne y Christine Lerolle en el piano (alrededor de 1897-1898) y dos temas relacionados con la música: el famoso retrato de Richard Wagner, retratado en Palermo durante una reunión memorable entre Renoir y el compositor alemán, y el de Théodore de Banville (ambos de 1882).

«Hermoso como una gran variedad de flores» (Renoir)
Pequeña sección de obras extraordinarias: los ramos de Renoir son magistrales en técnica y colores, es uno de los temas donde más experimenta el artista. “Cuando pinto flores, declaró, audazmente experimento sombras y valores sin preocuparme por arruinar todo el lienzo; No me atrevería a hacer lo mismo con una figura. «La variedad de tonos en los colores es realmente impresionante: Renoir juega con la paleta, con trazos suaves y delicados, evocando los aromas de las flores que a su vez se refieren a sensaciones y recuerdos.

«Una forma esencial de dell’arte» (Renoir)
Es una sección capital de la exposición, con obras fundamentales en la carrera de Renoir, que siempre ha mostrado un profundo interés en el arte renacentista italiano, admirando las obras de Rafael, Tiziano y el barroco nórdico de Rubens, desde el cual asimila el suave y lánguido formas y un cromatismo completo, que forman parte de su código estilístico sobre la forma de tratar la figura femenina. “Miro a un desnudo y veo miles de pequeños matices. Necesito descubrir qué hará que la carne viva y vibre en el lienzo «- dijo el pintor. En exhibición, cinco pinturas espectaculares, todas pintadas en el último período de su vida, entre 1906 y 1917: Femme nue couchée (Gabrielle) (1906), Grand nu (1907), La toilette (Mujer peinándose) (1907-1908), Mujer desnuda vista desde atrás (1909), Odalisca latente (1915-1917). Y una imponente escultura de bronce,

El legado de los bañistas El «cierre» de la exposición está dedicado
a la última obra maestra fundamental de Renoir, The Bathers (1918-1919). La pintura es emblemática de la investigación realizada por el artista al final de su vida. Aquí celebra una naturaleza intemporal, desde la cual se prohíbe toda referencia a lo contemporáneo. Los bañistas deben considerarse el testamento pictórico de Renoir. Es en este espíritu que sus tres hijos donaron la pintura al estado francés en 1923. Los dos modelos que yacen en primer plano y los tres bañistas en el contexto de la composición posada en el gran jardín de olivos en «Les Collettes», La finca del pintor en Cagnes-sur-Mer, en el sur de Francia. El paisaje mediterráneo se remonta a la tradición clásica italiana y griega, cuando «la Tierra era el paraíso de los dioses». «Esto es lo que quiero pintar» dijo Renoir. Esta visión idílica está subrayada por la sensualidad de los modelos, por la riqueza de los colores y la plenitud de las formas. Estas figuras también deben mucho a los desnudos de Tiziano y Rubens, muy admirados por Renoir. Transmiten un placer de pintar que la enfermedad y el sufrimiento del pintor al final de su vida no han vencido.

Las herramientas de trabajo del artista también se exhiben: paleta, caja de colores, pinceles, herramientas inseparables del gran maestro. Hasta el último había trabajado en sus Bañistas, con los cepillos atados a los dedos ahora deformados por la artritis reumatoide. Renoir murió el 3 de diciembre de 1919, muerto por una infección pulmonar; la noche antes de morir, pronuncia estas palabras: «Quizás ahora empiezo a entender algo». Después de menos de dos meses, Modigliani también muere, a quien Renoir recibió a menudo en su estudio. El mundo del arte pierde así dos extraordinarios intérpretes.

La exposición se acompaña de una publicación publicada por Skira que presenta, además de las reproducciones de las obras expuestas, varias contribuciones críticas. En particular, Sylvie Patry explora las formas en que las instituciones museísticas francesas han aceptado y adquirido el trabajo de Renoir con el tiempo. La contribución de Riccardo Passoni está dedicada a la presencia de Renoir en la Bienal de Venecia de 1910, donde se exhibieron treinta y siete de sus obras, y la influencia que esta participación tuvo en algunos grandes artistas italianos como Boccioni, Carrà, Soffici, Morandi y De Chirico, que alrededor de 1930 estilísticamente vinculado a la poesía del gran maestro francés.

Otro texto, editado por Augustin De Butler, pretende retratar el interés del artista en el arte italiano durante su viaje a nuestro país, con referencia particular a su estancia en Venecia en 1881. Representando la belleza, sorprendente con luz y color, retratando la vida. de su propia época con un delicado realismo, son elementos clave de la filosofía pictórica de Renoir, que aún lo convierten en uno de los pintores más queridos por el público. La exposición de Turín pretende ser un homenaje a su arte y una oportunidad irrepetible para volver sobre su historia artística y humana, y le permite admirar obras extraordinarias, la mayoría de las cuales nunca se han exhibido en Italia.

Galería Cívica de Arte Moderno y Contemporáneo de Turín
La Galería Cívica de Arte Moderno y Contemporáneo de Turín se encuentra en via Magenta 31 en Turín, Italia. Fue fundada alrededor de 1891 – 95. Alberga las colecciones artísticas permanentes de los siglos XIX y XX. Es parte de la Fundación Torino Musei, que también incluye el MAO (Museo de Arte Oriental), el Palacio Madama y Casaforte degli Acaja (Museo Cívico de Arte Antiguo), el pueblo medieval y la fortaleza.

GAM, la Galería Cívica de Arte Moderno y Contemporáneo, es el museo de arte moderno más antiguo de Italia. Desde su apertura al público en 1863, se han agregado numerosas obras maestras a sus colecciones a lo largo del tiempo. En la actualidad, las colecciones de GAM comprenden más de 47,000 obras, que van desde pinturas y esculturas hasta instalaciones y arte fotográfico, así como una rica colección de dibujos y grabados, y una de las colecciones de películas y videos de artistas más grandes de Europa.

Sobre la base de esta herencia, GAM continúa implementando su compromiso original con la investigación contemporánea al vincular constantemente sus obras históricas con el debate cultural de hoy y garantizar que el programa de exhibición esté estrechamente relacionado con las colecciones. Las obras de las colecciones se exhiben en agrupaciones temáticas que cambian con el tiempo, asegurando que los visitantes siempre vean las colecciones desde un nuevo ángulo y puedan hacer un nuevo análisis de las obras maestras de la Galería.

Las obras de los principales artistas italianos del siglo XIX, como Fontanesi, Fattori, Pellizza da Volpedo y Medardo Rosso, y los maestros del siglo XX, incluidos Morandi, Casorati, Martini y De Pisis, han vuelto a adquirir su capacidad para hablar al presente. y para mostrar toda su complejidad a la par con obras de las vanguardias históricas internacionales, cuyos ejemplos destacados también se encuentran en la colección: desde Max Ernst hasta Paul Klee y Picabia, así como obras de la nueva vanguardia de posguerra movimientos de jardín, con una de las mayores colecciones de Arte Povera, incluidas las obras de Paolini, Boetti, Anselmo, Zorio, Penone y Pistoletto, pero también la producción artística actual a la que GAM dedica un amplio espacio de exhibición.