토리노시, 토리노 현대 및 현대 미술의 GAM-시빅 갤러리 및 Skira 출판사는 파리의 Musée d’ Orsay 및 Musée de l’ Orangerie 컬렉션의 걸작과 함께 훌륭한 프랑스 예술가를위한 훌륭한 전시회를 개최합니다.

Piero Fassino 시장이 강하게 원하는 협력은 2012 년 Degas 전용 전시회로 시작된 토리노시, Musée d ‘Orsay 및 Skira 출판사 사이에서 계속되고 있습니다.

토리노 근현대 미술 갤러리는 19 세기 중 70 년대 사이에 Manet, Monet, Degas, Pissarro, Sisley, Cézanne과 함께 주인공 들인 Pierre-Auguste Renoir (1841-1919)를위한 특별한 새 전시회를 선보입니다. 프랑스 인상주의의 위대한 계절의 20 세기와 20 세기의 첫 20 년. 토리노 현대 미술 및 현대 미술 갤러리-토리노 무세이 재단, skira 출판사 및 파리의 미술관-GAM 이사, Dania Eccher, GAM 이사, Massimo Vitta Zelman, Skira 회장, Musée d’ Orsay와 Orangerie의 사장 인 Guy Cogeval은 위대한 가치를 가진 과학 프로젝트를 정의 할 수있게함으로써 피에몬테 수도에 화려한 전시회를 가져 왔습니다.

르느와르의 작품 세계에서 가장 완벽한 컬렉션을 보존하는 Musée d’ Orsay와 Musée de l’ Orangerie는 4 개월 동안 60 개의 걸작을 빼앗아 모든 활동을 기록하는 특별한 전시회에 생명을 주기로 동의했습니다. 이 위대한 화가의 작품은 가장 중요한 순간과 시작부터 시작하여 작가가 커리어가 끝날 때 인상주의에서 점진적으로 벗어나는 전환점을 목격했습니다.

전시회의 큐 레이션은 Musée d’ Orsay의 수석 콘서 베이터이자 Renoir의 위대한 전문가 인 Sylvie Patry와 토리노 GAM의 부사장 인 Riccardo Passoni에게 맡겨졌습니다. Skira는 Turin Museums Foundation과의 긴밀한 협력을 통해 조직 및 홍보 측면을 관리하면서 전시회를 열고 카탈로그를 게시합니다.

전시회는 GAM 1 층 전시장 홀에서 영구 소장품 경로 안에 있으며 최근 4 개의 새로운 주제별 여정에 따라 재정렬 될 예정입니다. 또한 전시회의 관점에서 볼 때 전시회는 위대한 국제 전시회의 숨결, 편안함 및 즐거움을 가질 것입니다. Lionello Venturi의 이익을 위해 구입 한 그의 아들 Pierre의 초상 (1885)도 GAM이 소유 한 작품이 전시됩니다. 이 전시회는 50여 년 동안 활동 해 온 5 천여 점의 그림과 매우 많은 수의 그림과 수채화를 만들어내는 르느와르 예술 경력의 복잡한 진화를 다루고, 그의 회화 기법의 다양성과 품질을 강조합니다. 다루는 주제.

그의 삶의 과정에서 르누아르는 친구와 동료 인 모네와 함께 공기를 채운 그림을 실험하면서 동시에 공방에서 작품을 완성함으로써 측정됩니다. 또한 커미션을 통해 인물화에 전념하는 그는 존경하는 사람들과 후원자들로 둘러싸여 있습니다. 인생에서 이미 성공을 거둔 증거로서, 그의 그림 마담 샤펜 티어와 그녀의 아이들 (1907 년 뉴욕 ​​메트로폴리탄 미술관에서 구입)에 대해 그 해에 그림으로 지불 한 최고 가격이 지불되었다는 사실을 생각해보십시오. . 그는 모네, 세잔, 피사로, 베르테 모리 소트, 시슬리, 카일 보트와 같은 인상파의 개인적인 친구이며 그림을 토론하고 전시회를 조직하며 마티스, 보나드, 모리스 데니스와 같은 다른 위대한 예술가들을 격려합니다.

피에르 오귀스트 르느와르
Auguste Renoir (1841 년 2 월 25 일 – 1919 년 12 월 3 일)로 알려진 피에르 오귀스트 르누아르는 인상파 스타일의 발전을 이끌었던 프랑스 화가였습니다. 아름다움과 특히 여성의 관능을 기리기 위해 “르누아르는 루벤스에서 왓또까지 직접 이어지는 전통의 마지막 대표자입니다.”

배우 피에르 르누아르 (1885-1952), 영화 제작자 장 르누아르 (1894-1979), 세라믹 아티스트 클로드 르누아르 (1901-1969)의 아버지였습니다. 그는 피에르의 아들 인 영화 제작자 클로드 르누아르 (1913 ~ 1993)의 할아버지였다.

스타일

화가
르누아르는 인상파 운동의 가장 확신과 자발적인 해석가 중 한 사람이었습니다. 5 천 개의 캔버스와 똑같이 많은 수의 그림과 수채화로 꾸며진 풍부하고 풍부한 예술가 인 Renoir는 그의 다목적 성으로 유명 해져서 우리는 그의 그림 제작에서 여러 시대를 구별 할 수 있습니다. 어쨌든 예술을 만드는 방법에 대해 이야기하는 것은 르누아르 자신입니다.

«내가 원하는대로 주제를 정한 다음 어린 아이처럼 그림을 그립니다. 나는 내가 얻을 때까지 다른 붉은 색과 다른 색을 추가 할 수 없을 때, 붉은 색이 종처럼 울리고 울리기를 원합니다. 다른 악의는 없습니다. 규칙이나 방법이 없습니다. 누구나 내가 사용하는 것을 조사하거나 페인트 칠하는 방법을 볼 수 있으며 비밀이 없다는 것을 알게 될 것입니다. 나는 누드를보고 수많은 작은 색조를 본다. 살이 캔버스에서 진동하게 만드는 원인을 찾아야합니다. 오늘 우리는 모든 것을 설명하고 싶습니다. 그러나 그림을 설명 할 수 있다면 더 이상 예술이 될 수 없습니다. 두 가지 예술의 특성이 무엇인지 말 해주길 원하십니까? 설명 할 수없고 흉내낼 수없는 것이어야합니다 … 예술 작품은 당신을 사로 잡고 당신을 감싸 야합니다»
(피에르 오귀스트 르누아르)

이 인용에서 나온 바와 같이, 르느와르는 자신을 절대적으로 반 지능적인 방식으로 회화와 관련 시켰으며, 비록 학문적 전통주의에도 견딜 수 없었지만 이론적 성찰이나 추상적 진술로 인상주의 원인에 결코 기여하지 않았다. 사실, 그는 모든 형태의 지적을 거부하고 붓과 팔레트 표현의 유일한 수단 인 “좋은 일꾼으로서의 일”, “그림의 일꾼”과 같은 회화 제작의 구체적인 경험에 대한 생생한 자신감을 고백한다. “좋은 그림을 만든다”는 사실 그의 서신에서 종종 반복되는 구절이다. 구체성에 대한이 결정적인 요청은 Renoir 자신이 프랑스 서한의 예술 작가 Cennino Cennini (1911)에 대한 서문에서 반복적으로 언급했다. 그는 화가를 불러 일으키는 화가들에 대한 실질적인 조언과 제안을 제공 할뿐만 아니라«우리는 Cennino Cennini와 회화에서 멀리 떨어져있는 것처럼 보일지 모르지만 회화는 목공 및 철 작업과 같은 직업이기 때문에 그렇지 않습니다. 동일한 규칙에 따릅니다». 비평가 옥타브 미르 보 (Octave Mirbeau)는이 독특한 회화 개념에서 르누아르의 위대함의 원인을 정확하게 지적합니다.

“예술의 이론, 교리, 미학, 형이상학 및 생리학이 서로 뒤 따르는 동안, 르누아르의 작품은 개화 꽃의 단순함, 르누아르가 익히고 익힌 과일의 단순함을 가지고 해마다, 매년마다 발전해 왔습니다. 그는 자신의 직무를 수행했으며 그 안에 모든 천재가 놓여 있습니다. 이것이 그의 전 생애와 일이 행복의 교훈이되는 이유입니다.
(옥타브 미르 보)

조각가
1913 년부터 1918 년까지 Aristide Maillol과 Ambroise Vollard가 카탈로니아 출신의 젊은 조각가 인 Richard Guino와 협력하여 Vénus Victrix, le Jugement de Pâris, la Grande Laveuse, le Forgeron과 같은 주요 작품을 만들었습니다.

이 공동 작업의 기여는 그의 아버지의 작품을 홍보하기 위해 일했던 Richard와 조각가 자신의 아들 인 Michel Guino에 의해 1965 년에 시작된 긴 재판 이후, 그들의 창작 후 60 년 후에 수정되었습니다. 작품에 대한 세심한 분석, 작품 제작 및 수많은 예술가의 청취를 주재 한 과정을 거쳐 공동 저자의 질은 1971 년 파리 법원의 세 번째 민 사실에서 Richard Guino에 의해 인정되었으며 법원이 결정한 것입니다. 예술가 인 Paul Haesaerts는 1947 년 르누아르 조각가에서 다음과 같이 명시하고 있습니다.“Guino는 단순히 문자를 읽는 배우 나 기계적으로 악보를 해석하는 음악가가 아니 었습니다. 귀 노는 창조적 행위에 육체와 영혼이 관여했습니다. 우리는 그것이 없었다면 확실하게 말할 수 있습니다. 르누아르의 조각품들은 오늘의 빛을 보지 못했을 것입니다. 귀 노는 필수적이었다 “.

Guino의 아들에 의한 재판은 “외도”를 언급하는 특정 텍스트 나 신문 기사에서 줄어든 “Renoir”에 대한 것이 아닙니다. 처음에는 Vollard에 의해 가려진 조각 작품에 대한 Guino의 원래 기여를 복원하기 위해이 창의적인 과정의 예외적 인 역사를 밝히는 데 도움이되는 문제였습니다. 조각가 “연습 자”는 기존 모델을 재현하거나 확대합니다. 귀 노는 자신의 기술을 바꾼다. 우리는 르누아르의 그림에서 귀노의 조각품으로 옮겨 가며, 그림의 정신은 조각의 정신에 반영된다. 두 아티스트 간의 입증 된 변형. 이 현상은 우정과 강렬한 견해 덕분에 달성 될 수 있습니다. 그의 천을 가진 화가와 조각가는 콜레트의 찰흙을 사용했습니다. VS ‘

Guino와의 공동 작업을 중단 한 후 원래 Essoyes 출신의 조각가 Louis Morel (1887-1975)과 함께 작업했습니다. 그들은 함께 테라코타, 두 명의 댄서 및 플루트 플레이어를 만듭니다.

영향
앞서 언급 한 이유들로 인해 르누아르는 모네 나 세잔의 열렬한 이상주의에 의해 생기가 생기지 않았으며, 종종 고대의 주인의 모범에 의지했습니다. Renoir는 동료들과 비교했을 때 “세대에 축적 된 생명력의 상속자”(Benedetti)를 느꼈으 며, 이로 인해 과거의 유산에서 더 많은 영감을 얻고 자했습니다. 사실 그는 고등학교에서도 “자연 만이 우리에게 줄 수없는 그림의 맛”을 가르 칠 수있는 능력을 인정하면서 박물관을 예술가 훈련의 선구적인 장소로 간주하지 않았다.

르누아르의 작품은 매우 이질적인 예술적 경험 사이의 만남 (또는 충돌)의 역할을합니다. Di Rubens는 붓놀림의 활력과 몸매와 표현력이 뛰어난 안색의 마스터 링에 매우 매료되었으며, 프랑스 로코코 화가-Fragonard and Boucher는-크로마 틱 재료의 섬세함과 향기에 크게 감사했습니다. 르누아르의 예술적 성찰에서 결정적인 역할은 또한 바비 존 화가들로부터 흘린 공기의 맛과 풍경과 분위기 사이의 일치 성을 평가하는 습관을 빌려 왔습니다. Jean-Auguste-Dominique Ingres의 영향은 동료들에게 진정한 “검은 짐승”이라는 중요한 영향을 미쳤으며, 이는 학업 관행의 불임의 상징을 보았습니다. 반대로 Renoir는 그의 스타일에 매우 매료되었습니다. 그는 자신이 삶의 비트를 감지했다고 믿었고 거의 육체적 인 즐거움을 얻었습니다 ( “나는 비밀리에 소스와 마담 리비에르의 목과 팔을 아름답게 즐겼습니다”). 특히 후기 만기에 매우 중요한 영향을 미치는 라파엘로 산지 오 (Raffaello Sanzio)는 Aigre 스타일 단락에서 이야기 할 것입니다.

르느와르의 예술적 우주에서 특징적인 저명한 장소는 구스타브 쿠르베 트에 속합니다. 강력한 결단력과 격렬한 카리스마에 의해 애니메이션 된 남자, 쿠르베 트는 그때까지 그림으로 표현할 가치가없는 것으로 여겨졌을뿐만 아니라 캔버스 위에 물건을 옮기는 데 성공했다. 그의 작품은 전 지구력을 지닌 무겁고 무거운 그림입니다. Ornans의 주인의 캔버스는 실제로 자신의 강력한 물리적 특성을 가지고 있으며 색상이 두꺼운 매우 생생한 그림 자료로 구성됩니다. 캔버스에 “콘크리트 (concreteness)”효과를 얻기 위해 종종 주걱 스트로크로 적용됩니다. 이 표현적인 활력은 르네 아르에게 그림 자료를 처리 할 때 알 수없는 자유를 제안했으며, 작가가

Joie de vivre의 화가
르누아르의 작품은 가장 확실한 joie de vivre를 기반으로합니다. 그의 삶에서 실제로 르누아르는 인생에 대한 진정한 열정에 의해 생기를 얻었으며, 무한한 창조 불가사의 앞에서 자신을 놀라게하지 않았습니다. 달콤하고 강렬한 감정적 참여, 모든 시각적 인식의 기억이 그를 강타했습니다. 비평가 피에로 아도르노 (Pierro Adorno)는 르 누아가 삶의 모든 측면과 관련하여 어떻게 크든 작든 밑줄을 긋기 위해 다음과 같은 표현론을 제안했습니다.«인생은 존재하는 모든 것, 아름다운 것, 아름다운 것은 모두 그려야 할 것입니다»( 존재하는 모든 것은 그림 표현에 합당합니다).

글레어 스튜디오의 첫 작품부터 카 뉴스의 최신 작품에 이르기까지 그의 모든 그림은 실제로 가장 달콤하고 생생한 삶의 모습을 포착하여 부드럽고 활기 넘치는 붓놀림과 차분하고 유쾌한 반음계 및 광채를냅니다. “내가 여행을 가기 위해 들어가고 싶은 그림이 마음에 듭니다.”이 그림을 통해 화가는 자신의 그림 관찰자들이 자신이 그림을 그린 경험과 비슷한 재미를 가지고 그들과 상호 작용하도록 명시 적으로 초대합니다. “재미”의 개념은 르누아르의 시학의 핵심 개념 중 하나입니다. 사실, 그는 “캔버스에 색을 입히는 재미”를 좋아했습니다. 아마도 다른 화가는 그 누구도 표현하기 위해 페인트 칠할 수없는 절박감을 느꼈을 것입니다. 그의 감정 («브러쉬 [… 예를 들어 엄격한 공식 운동으로 그림을 고안 한 마스터 Gleyre에게 젊고 성실하게 대답 한 답변은 진지하고 책임감있게 수행되며 캐주얼 인물을 놓치지 않습니다. “재미를 위해 페인트 칠”의 위험을 상기 시켜서 그를 놀라게하는 놀란 주인에게 실제로 그는 “내가 즐겁지 않다면 전혀 페인트 칠하지 않을 것이라고 믿어 라”고 대답했을 것입니다.

요약하자면 그의 그림조차도 넘쳐나는 명랑 함과 삶에 대한 기쁨의 순수한 표현으로 인식 된 세상에 대한 환영을 보여준다. 이것은 또한 일련의 중요한 문체 적 장치 덕분에 일어납니다. 무엇보다 턴에이 저가되기 전에 그의 그림은 밝고 푹신하며, 활기차고 펄럭이는 빛이 가득하며, 활기차고 생동감 넘치는 색상으로 압도됩니다. 르누아르는 빛을 작은 색의 조각으로 나눕니다. 각각의 조각은 매우 섬세한 터치로 캔버스에 쌓여서 전체 작품이 보는 사람의 눈에서 진동하여 명확하고 확실한 것으로 보입니다. 또한 보완적인 색상들 사이의 현명한 계약 (적절한 인상파 기술에 따라 배포) 덕분입니다.

이 창의적인 발포는 많은 그림 장르를 해결합니다. 그의 작품은 주로 Charles Baudelaire가 정통이라고 할 수있는 예술의 주제로 식별 한 “현대 생활의 영웅주의”를 언급합니다. 이러한 이유로 Renoir와 그의 동료들은 뛰어난 결과를 달성하기 위해 “역사 그림”은 지난 세기의 역사에서 위선적으로 피난처를 취하지 말고, 오래된 에두아르 마네 (Edouard Manet)의 예에 따라 자발적이고 신선하지만 활기찬 방식으로 현대를 대면해야합니다. 다음은 마리아 테레사 베네 데티 (Maria Teresa Benedetti)의 의견입니다.

“[이 인상파 경험의 사람들, ed.] 그의 느낌은 그의 세대의 국내 현실에 의해 표시됩니다, 그림의 주제는 여전히 재미 있습니다 : 춤이나 정원에서 연인을 제안하는 낭만적 인 테마, 장르 장면 Bougival의 Moulin de la Galette에서 Chatou의 유쾌한 만남을 보여주는 것은 그 작품을 묘사적이고 사랑스럽고 인기있는 걸작으로 만듭니다. 사랑의 그림은 그림의 사랑과 일치하며 르느와르와 같은 사람은 아무도 파리의 노래를 부르지 못합니다. 문명은 파괴하려고합니다»
(마리아 테레사 베네 데티)

스타일의 분위기
1881 년 이탈리아를 방문한 후 극적으로 문체가 바뀌 었습니다. 인상파의 선택에 압제 된 느낌, 사실 르누아르는 그해 벨 페 제로 가서 르네상스 예술가들의 예술을 자세히 연구하기 위해 벨 파제로 가기로 결정했습니다. 존경받는 Ingres에서 빌린 topos. 사실 이탈리아 체류는 그의 비 유적 지평을 넓히는 것 외에도 그림을 그리는 방식에 중요한 영향을 미쳤습니다. 그를 공격하는 것은 폼페이의 벽화와 무엇보다도 라파엘의 파네시 나의 “단순함과 웅장 함을위한 훌륭한 벽화”로, 인상파 경험으로는 달성 할 수 없었던 미적 완벽 함을 발견했습니다. 우울한 열정으로 그녀는 친구 인 마거리트 샤펜 티어에게 고백합니다.

«야외에서 페인트를하지 않은 라파엘은 그의 벽화가 가득하기 때문에 햇빛을 연구했습니다. 다른 한편으로, 밖을 내다 보면서 나는 더 이상 위대한 조화를 보지 못하게되었고, 태양을 흐릿하게 만드는 대신 작은 구름의 세부 사항에 대해 너무 걱정하면서
(피에르 오귀스트 르누아르)

라파엘의 예술이 조용한 크기, 산란 된 빛, 그리고 소 성적으로 정의 된 음량, 폼페이우스 그림에서 르누아르를 매료 시켰다면 그는 전례가없는 회사를 묘사 한 프레스코 화에서와 같이 이상적인 크기와 실제 크기를 전문적으로 혼합하는 장면에 대한 맛을 얻었습니다. Vesuvian 도시의 domus를 장식 한 신화, 사랑, Dionysian 및 환상 건축. 그는 스스로 말한다 :

«Pompeian 그림은 모든 관점에서 매우 흥미 롭습니다. 그래서 나는 햇볕에 초상화를 만들기 위해 햇볕을 쬐지 않습니다. 그러나 워밍업과 강렬한 관찰을 통해 고대 화가들의 위엄과 단순함을 얻습니다.»
(피에르 오귀스트 르누아르)

르네상스 모델을 보았을 때 르누아르는 강한 영적 불안을 겪었고, 자신의 확신이 사라지는 것을 보았고, 더 나빠 예술적으로 무지한 것을 발견했습니다. 라파엘의 프레스코 화와 폼페이의 그림을받은 후 그는 실제로 그림과 그래픽 기법을 결코 소유하지 않았으며 지금까지 인상주의 기법이 제공하는 자원, 특히 자연에 대한 빛의 발생률에 관한 자원을 소진했다는 것을 확신했습니다. “나는 인상주의의 극한 점에 이르렀고 나는 더 이상 그림을 그리거나 그리는 법을 알지 못했다”고 그는 1883 년에 슬프게도 관찰했을 것이다.

이 장애를 해결하기 위해 르느와르는 인상파로부터 자신을 분리시키고 그의 “아이 그레”또는 “독점적”단계를 시작했다. Ranoelesque 모델을 처음부터 알려지고 사랑했던 Ingresian 모델과 조정함으로써 Renoir는 인상주의 매트릭스의 시각적 인식의 생생한 불안정성을 극복하고보다 견고하고 예리한 그림에 도달하기로 결정합니다. 특히 양식의 구성 성을 강조하기 위해 “볼륨, 윤곽선의 견고성, 이미지의 기념비, 점진적인 순결의 색에주의를 기울이는 명확하고 정확한 디자인”을 찾아 냈습니다 (StileArte ), 그림 자료의 덜 에피소드적이고 체계적인 합성의 표시.

그는 또한 흘린 공기를 버리고 다시 자신의 창조물을 더 화려하게 만들려고 돌아 왔지만 이번에는 풍부한 비 유적 배경이 도움이되었습니다. 그의 작품에서 같은 과정을 위해 풍경이 점점 산발적으로 보이고 인간의 인물, 특히 여성 누드에 대한 취향이 발전합니다. 이것은 초기 단계와 인상파 실험 모두에 존재하는 oeuvre의 실제 아이콘 상수였습니다. 그러나 aigre 단계에서 그림의 절대적 우위의 표시로 생생한 붓과 섬세함으로 렌더링 된 격렬한 힘을 발휘했습니다. , 피사체의 즐거운 분위기와 그의 안색의 풍부함을 정확하게 포착 할 수 있습니다.

삽화
르누아르의 그림은 생생한 빛과 채색으로 유명하며, 친밀하고 솔직한 구도를 가진 사람들에게 주로 초점을 맞추고 있습니다. 여성 누드는 그의 주요 주제 중 하나였습니다. 그러나 1876 년 르 피가로 (Le Figaro)의 한 리뷰어는 “여성의 몸통은 시체의 완전한 부패 상태를 나타내는 자 green 빛 녹색 얼룩으로 살해되는 덩어리가 아니라는 것을 Monsieur Renoir에게 설명하려고 노력한다”(Imtrait of Impressionist style) Renoir는 자유롭게 솔질 한 색상 터치를 통해 장면의 세부 사항을 제안하여 그의 인물이 서로 및 주변 환경과 부드럽게 융합되도록했습니다.

그의 초기 그림은 Eugène Delacroix의 색채와 Camille Corot의 광도의 영향을 보여줍니다. 그는 또한 Gustave Courbet과 Édouard Manet의 사실주의에 감탄했으며 그의 초기 작품은 색상을 검정색으로 사용하는 것과 유사합니다. 르느와르는 Edgar Degas의 운동 감각에 감탄했습니다. 르누아르는 18 세기의 주인 인 프랑수아 부셰 르와 장 호노 레 프라 고 나르 (Jean-Honoré Fragonard)가 크게 존경했다.

르누아르의 초기 작업과 쿠르베의 사실주의의 영향에 대한 증거의 좋은 예는 1867 년 다이아나입니다. 표면적으로 신화적인 주제 인 그림은 자연 주의적 스튜디오 작업입니다. 이 그림은 신중하게 관찰되고 견고하게 모델링되어 고안된 풍경에 겹쳐집니다. 작품이 “학생”작품이라면 여성의 관능에 대한 르누아르의 개인 반응이 높아진다. 모델은 당시 작가의 여주인 인 Lise Tréhot이었으며 많은 그림에 영감을주었습니다.

1860 년대 후반, 빛과 물이 가득 찬 공기 (옥외)를 페인트 칠하는 연습을 통해 그와 그의 친구 인 클로드 모네 (Claude Monet)는 그림자의 색이 갈색이나 검은 색이 아니라 주변 물체의 반사 된 색인 효과를 발견했습니다. 오늘날 확산 반사로 알려져 있습니다. 르누아르와 모네가 나란히 일하면서 같은 장면을 묘사 한 여러 쌍의 그림이 존재한다 (La Grenouillère, 1869).

가장 유명한 인상파 작품 중 하나는 Le Moulin de la Galette (Bal du moulin de la Galette)에서 Renoir의 1876 Dance입니다. 이 그림은 버트 몽마르트르 (Butte Montmartre)의 유명한 댄스 가든에서 사람들이 붐비는 야외 장면을 묘사합니다. 그의 초기 성숙 작품은 일반적으로 반짝이는 색상과 빛으로 가득 찬 실생활의 인상파 사진이었습니다. 그러나 1880 년대 중반까지, 그는 특히 여성의 초상화와 그림에 더 잘 훈련 된 형식적 기법을 적용하려는 움직임을 겪었다. 1881 년에 라파엘과 다른 르네상스 스승의 작품을보고 이탈리아로 향한 여행은 그가 잘못된 길을 가고 있다는 확신을 갖게했으며, 앞으로 몇 년 동안 고전주의로 돌아 가기 위해 더 심한 스타일을 그렸습니다. . 그의 그림에 집중하고 인물의 윤곽을 강조하며,

1890 년 이후 그는 방향을 다시 바꾸었다. 초기 작업에서와 같이 윤곽선을 녹이기 위해 옅은 브러시 색상으로 돌아 왔습니다. 이시기부터 그는 기념비적 인 누드와 가정 장면에 집중했습니다. 1892 년 피아노의 소녀와 1887 년 Grandes Baigneuses가 그 예입니다. 후자의 그림은 르누아르의 늦고 풍성한 누드의 가장 전형적이며 성공적인 작품입니다.

많은 예술가 인 그는 수천 점의 그림을 만들었습니다. 르누아르 스타일의 따뜻한 관능은 그의 그림을 예술사에서 가장 유명하고 자주 재현되는 작품으로 만들었습니다. 필라델피아의 반스 재단 (Barnes Foundation)에는 그의 작품 중 가장 큰 컬렉션 인 181 개의 그림이 있습니다.

전시회
토리노 전시회는 9 개의 섹션으로 나뉩니다. La Bohème의 시대 1862 년 Ecole des Beaux-Arts에 입학 한 후, Renoir는 Alfred Sisley, Frédéric Bazille 및 Claude Monet을 만나서 파리 주변의 Fontainebleau 또는 Grenouillère의 회화 세션을 주로 공유했습니다. 그의 지인들과 친구들의 초상화 중 일부는 윌리엄 시슬리 (1864), 프레데릭 바질 (1867), 클로드 모네 (1875),이 섹션에서 바질 자신의 스튜디오 (1870)와 두 작품으로 전시되었습니다. 르누아르 자신 (1867), 옹플 뢰르 (1867 년경)의 겨울 풍경 인 모네 (Monet). 또한 르네와 르의 첫 누드 중 2 개는 아티스트에게 가장 사랑받는 테마 중 하나이며, 고양이를 가진 소년 (1868)과 팜므 데미 누 (Femme demi-nue) 소파 : 라 로즈 (1872 년경).

“우리는 르느와르의 여자를 좋아한다”(Proust)
당신은 멋진 여성 초상화 갤러리로 전시회의 중심에 들어갑니다. 여기서 Madame Darras (1868 년경), La liseuse (1874-1876), 베일이있는 젊은 여성 (C. 1870), Madame 중에서 선택하기가 정말로 어렵습니다. Georges Charpentier (1876-1877), Femme au jabot blanc (1880), 앉은 젊은 여성 (1909), Roman Column (1913)의 초상화까지. 르느와르는 부르주아, 노동자, 무용수, 18 세기 예술의 여성 모델을 불러 일으키는 특별한 우아함과 타의 추종을 불허하는 아름다움을 입은 모든 사회적 배경에서 주인공을 선택합니다. 르누아르는 19 세기 여자를 발명했다고해서 Proust가 다음과 같이 썼다 : “Des femmes passent dans la rue, ce sont des Renoir”.

“조경사 일”(르누아르)
Musée d ‘Orsay의 Renoir가 조경 작품을 모은 것은 아마도 세계에서 가장 아름답습니다. 이 섹션에서는 1081 개를 제시하며 1881 년 예술가가 만든 알 제로의 여행을 포함하여 광범위한 연대기를 되돌아 봅니다.이 북아프리카 숙박과 관련하여 바나나 필드, 알제리 풍경 및 르누아르가 태양을 그리는 모스크 -키스 한 야자수, 개인 정원 및 이국적인 맛의 정원.

다른 그림은 물, 녹지 및 정원, 지속적인 영감의 원천, 식물의 다년생 성장에 대한 주인의 큰 매력이 인식되는 자연 경관과 자연에 대한 성례를 고려한 본질적인 “불규칙성”을 정의한 훌륭한 견해를 나타냅니다. 사람에 의해 길 들여진 것 : 세느 강의 바지선 (1869 년), 영국의 배 (1870 년경), 아르헨티나의 세느 강 (1873 년), 키 큰 잔디의 길 (1876-1877), 캄 프로 세이의 세느 강 (1876), 프랑스 리비에라의 유명한 “레 콜레트 (Les Collettes)”건물에 의해 그려진 샤우 (1891 년)까지의 샤토 (Chatou)의 철도 교량 (1881 년), 르누아르는 그의 삶의 끝에서 그를 치료할 온화한 기후를 찾기 위해 피난했다 그를 괴롭힌 심각한 류마티스 병리에서. ”

어린 시절
종종 그의 자녀 나 친구의 자녀 인 아이들은 르누아르의 일에 매우 많이 참여합니다. 이 9 가지 작품은 여성의 초상화와 경쟁하여 시로 가득 찬 유치한 얼굴의 스냅 샷을 제공합니다. 종이에 아름다운 파스텔에서 교차 손으로 앉아있는 갈색 머리 소녀의 초상화 (1879), 그림 Fernand Halphen의 어린이 (1880) 유쾌한 Julie Manet (1887)에서 부드러운 모성 (1885)까지, 아들 Pierre의 초상화 (1885)에서 GAM 컬렉션에서 말한 것처럼 섬세한 파스텔 초상화에 이르기까지 선원 복장을 한 진지한 초상화 몸집이 작은 fille coiffée d ‘une charlotte (1900 년경), 유명한 Il 광대 (Coco의 초상화) (1909 년)에서 아들 클로드 자신이 고통스런 기원을 기억할 것입니다.

“현대면을위한 행복한 검색”(졸라)
여기서 우리는 현대 사회의 단면과 파리의 새로운 오락을위한 시골에서 춤에서 시골까지의 여행에 이르기까지 다섯 가지 작품을 발견합니다. 그네 옆에있는 어린 소녀는 밝은 색의 정원에서 눈에.니다. 작은 반점에 의해 퍼지는 색의 접촉은 나뭇잎을 통해 필터링 된 햇빛의 효과를 만들어 색채와 광채의 진동 분위기를 만들어 공기를 가득 채우는 인상적인 그림의 최대 표현 중 하나가됩니다. 이 걸작에서 출판사 아내 마담 샤펜 티어의 거실에서 르누아르를 만난 위대한 작가 에밀 졸라 (Emilie Zola)는 봄 정원에 세워진 소설 ‘사랑의 페이지’에서 영감을 받았습니다. 또 다른 매혹적인 여성 초상화는 Alphonsine Fournaise (1879)이며, 유명한 Ballo는 Campagna의 Ballo와 Città의 Ballo (1883)는 자유 시간의 평온한 순간에 두 커플을 훌륭하게 묘사합니다. Le Jeunes, Au 피아노 연주
유명한 Jeunes filles au 피아노 (1892 년)는 르누아르가 프랑스 박물관 소장품에 들어간 최초의 그림이었습니다. 그 옆에는 피아노 (1897-1898 년경)의 이본과 크리스틴 레 롤레 (Christian Lerolle), 음악과 관련된 두 가지 주제가있다 : 유명한 리차드 바그너 (Richard Wagner)의 초상화는 르누아르와 독일 작곡가 사이의 기억에 남는 회의에서 팔레르모에서 테오도르 드 밴빌 (Teodore de Banville) (1882 년).

“꽃꽂이로 아름답다”(르누아르)
특별한 작품의 작은 부분 : 르누아르의 꽃다발은 기술과 색상에 능통하며, 작가가 가장 많이 실험하는 테마 중 하나입니다. “꽃을 칠할 때 캔버스 전체를 망칠 염려없이 그늘과 가치를 과감하게 경험합니다. 나는 그림으로 똑같이하지 않을 것입니다. “다양한 색상의 색조가 정말 인상적입니다. 르느와르는 팔레트와 함께 부드럽고 섬세한 획을 사용하여 센세이션과 기억을 나타내는 꽃의 향기를 불러옵니다.

“델 아르테의 필수 형태”(르누아르)
이탈리아 르네상스 예술에 항상 깊은 관심을 보인 르누아르 커리어의 기본 작품이 전시의 주요 부분으로, 라파엘, 티티 안, 루벤스의 북유럽 바로크 작품에 감탄하여 부드럽고 노른자를 동화시킵니다. 형태와 완전한 색채는 여성의 모습을 다루는 방법에 대한 그의 스타일 코드의 일부입니다. “나는 누드를보고 수많은 작은 색조를 봅니다. 나는 육체가 캔버스에 살게하고 진동하게 만드는 것을 찾아야한다. “화가는 말했다. 전시에서, 그의 마지막 생에 1906 년에서 1917 년 사이에 그려진 5 개의 장엄한 그림들 : Femme nue couchée (Gabrielle) (1906 년), 그랜드 누 (1907), 라 화장실 (여자의 머리 빗질) (1907-1908), 뒤에서 본 누드 여자 (1909 년), 오달리스크 휴면 (1915-1917).

Bathers의 유산 전시회의 “폐쇄”는
르누아르의 마지막 기본 작품 인 The Bathers (1918-1919)에게. 이 그림은 작가의 삶이 끝날 때 수행 한 연구를 상징합니다. 여기서 그는 현대에 대한 모든 언급이 금지되는 영원한 자연을 축하합니다. 욕탕은 르느와르의 그림 증거로 간주됩니다. 그의 세 자녀는 1923 년에 프랑스 국가에 그림을 기증 한 것이이 정신에있다. “Les Collettes”에있는 올리브 나무의 큰 정원에 배치 된 구도의 배경에 대해 전경에 누워있는 두 가지 모델과 세 명의 욕탕, 프랑스 남부의 Cagnes-sur-Mer에있는 화가의 재산. 지중해의 풍경은 “지구가 신들의 천국”이었던 고전적인 이탈리아와 그리스 전통으로 돌아옵니다. “내가 페인트 칠하고 싶은 것이있다” 르느와르가 말했다. 이 목가적 인 비전은 모델의 관능 성, 풍부한 색상과 풍부한 양식으로 강조됩니다. 이 수치는 또한 르누아르에게 많은 존경을받는 티티 안과 루벤스의 누드들에게 많은 빚을지고 있습니다. 그들은 화가의 병과 그의 인생의 끝에서 고통이 패배하지 않았다는 그림의 즐거움을 전합니다.

아티스트의 작업 도구는 팔레트, 색상 상자, 브러쉬, 훌륭한 마스터의 분리 할 수없는 도구에도 전시되어 있습니다. 마지막까지 그는 그의 Bathers에서 일했고, 그의 브러쉬가 그의 류마티스 관절염에 의해 변형 된 그의 손가락에 묶여있었습니다. 르네와 르는 1919 년 12 월 3 일에 폐 감염으로 사망했다. 그는 죽기 전 저녁에 다음과 같은 단어를 발음합니다. 두 달도 채 지나지 않아 모딜리 아니도 죽었다. 르누아르는 종종 그의 스튜디오에서 받았다. 예술의 세계는 따라서 2 명의 특별한 통역사를 잃는다.

이 전시회에는 Skira가 발행 한 간행물이 수여되며, 전시 된 작품의 재현 외에도 몇 가지 중요한 공헌이 있습니다. 특히 Sylvie Patry는 프랑스 박물관 기관이 Renoir의 작업을 시간이 지남에 따라 수용하고 획득 한 방식을 탐구합니다. 리카르도 파 소니의 기여는 1910 년 베니스 비엔날레에서 르누아르의 존재를 위해 헌정되었으며, 그의 작품 중 31 개가 전시 된이 작품은 Boccioni, Carrà, Soffici, Morandi 및 De와 같은 훌륭한 이탈리아 예술가들에게 미치는 영향 Chirico는 1930 년경 프랑스의 위대한 주인의시와 문학적으로 연결되었습니다.

Augustin De Butler가 편집 한 또 다른 텍스트는 1881 년 베니스에 머무르는 동안 이탈리아를 방문하는 동안 이탈리아 예술에 대한 예술가의 관심을 되찾기위한 것입니다. 아름답고 빛과 색으로 놀랍고 인생을 묘사합니다. 섬세한 사실주의를 가진 자신의 시대에, 르누아르의 그림 철학의 핵심 요소는 여전히 대중에게 가장 사랑받는 화가 중 하나입니다. 토리노 전시회는 그의 예술에 대한 찬사와 예술과 인간의 역사를 되 찾을 수없는 반복적 인 기회를 목표로하며, 이탈리아에서 전시 된 적이없는 특별한 작품에 감탄할 수 있도록합니다.

토리노 근현대 미술관
토리노 근대와 현대 예술의 시민 갤러리는 이탈리아 토리노의 마젠타 31을 경유하여 있습니다. 그것은 1891 년에서 95 년 사이에 설립되었습니다. 그것은 19 세기와 20 세기의 영구 예술 컬렉션을 보유하고 있습니다. 토리노 무세이 재단의 일부로 MAO (오리엔탈 미술관), 팔라 초마다 마 및 카사 포르테 데 글리 아카카 자 (고대 미술관, 중세 마을 및 요새)가 있습니다.

현대와 현대 예술의 시민 갤러리 인 GAM은 이탈리아에서 가장 오래된 현대 미술관입니다. 1863 년에 대중에게 공개 된 이래로 수많은 걸작품이 컬렉션에 추가되었습니다. 현재 GAM의 컬렉션은 그림, 조각, 설치 및 사진 예술, 풍부한 그림 및 조각 컬렉션, 유럽에서 가장 큰 예술가의 영화 및 비디오 컬렉션 중 47,000 개가 넘는 작품으로 구성됩니다.

이 유산의 강점에 힘 입어 GAM은 역사적 작품을 오늘날의 문화 토론과 지속적으로 연결하고 전시 프로그램이 소장품과 밀접한 관련을 갖도록함으로써 현대 연구에 대한 독창적 인 노력을 계속하고 있습니다. 컬렉션의 작품은 시간이 지남에 따라 변경되는 주제별 그룹으로 전시되어 방문자가 항상 새로운 각도에서 컬렉션을 볼 수 있도록하며 갤러리의 걸작을 새롭게 분석 할 수 있습니다.

Fontanesi, Fattori, Pellizza da Volpedo 및 Medardo Rosso와 같은 이탈리아의 주요 19 세기 예술가와 Morandi, Casorati, Martini 및 De Pisis를 포함한 20 세기의 마스터가 저술 한 작품은 현재와 대화 할 수있는 능력을 다시 얻었습니다. Max Ernst에서 Paul Klee와 Picabia에 이르기까지 유서 깊은 국제 아방가르드 작품의 작품과 동등한 수준으로 모든 복잡성을 보여줍니다. Paolini, Boetti, Anselmo, Zorio, Penone 및 Pistoletto의 작품을 포함하여 Arte Povera 컬렉션 중 가장 큰 컬렉션 중 하나를 사용하여 -Garde 운동뿐만 아니라 GAM이 광범위한 전시 공간을 바치는 현재의 예술적 결과물.