都灵现当代艺术市民画廊为雷诺阿这位法国伟大的艺术家献出了精彩的展览，其中包括巴黎奥赛博物馆和橘园博物馆的杰作。
市长皮耶罗·法西诺（Piero Fassino）强烈期望的合作将在都灵市，奥赛博物馆和斯基拉出版商之间继续进行，该合作始于2012年，始于Degas的大型展览。
都灵现代与当代艺术市民画廊举办了一场非凡的新展览，献给主人公艺术家皮埃尔·奥古斯特·雷诺阿（1841-1919），马奈，莫奈，德加，皮萨罗，希思黎和塞尚与十九世纪七十年代之间世纪和20世纪初20世纪，法国印象派的盛况。GAM-都灵现代与当代艺术市民画廊-Torino Musei基金会，Skira出版商和巴黎奥赛博物馆-与GAM主任Danilo Eccher，Skira总裁Massimo Vitta Zelman签署了一项重要协议奥赛博物馆和奥兰治宫校长盖伊·科格瓦（Guy Cogeval）使定义具有重大价值的科学项目成为可能，这为皮埃蒙特的首都带来了精彩的展览，
保存着雷诺阿作品世界上最完整藏品的奥赛博物馆和橘子博物馆同意将自己的六十件杰作剥夺四个月的时间，以赋予这场记录整个活动的非凡展览以生命这位伟大画家的作品，见证了最重要的时刻和转折点，这些转折点从一开始就使画家在职业生涯的最后阶段逐渐脱离印象派。
展览的策展委托给奥赛博物馆首席保护人，雷诺阿的杰出专家西尔维·帕特里（Sylvie Patry）和都灵GAM副总监里卡多·帕索尼（Riccardo Passoni）。斯基拉与都灵博物馆基金会密切合作，制作展览，同时兼顾组织和宣传方面，并出版了目录。
展览将在GAM一层的展览区大厅内，在永久收藏的路径内进行，最近根据四个新的主题行程进行了重新安排。同样从展览的角度来看，展览将具有伟大的国际展览的气息，轻松和愉悦。GAM拥有的作品也将被展出：他的儿子皮埃尔（Pierre）的肖像（1885年），是利昂内洛·文图里（Lionello Venturi）的利益所购。该展览旨在涵盖雷诺阿艺术生涯的复杂演变-活跃了五十多年，制作了五千多幅画作以及大量的素描和水彩画-彰显了他的绘画技术的多样性和品质以及解决的主题。
在他的一生中，雷诺阿是通过与他的朋友和同事莫奈（Menet）并排绘画的实验来测量的，同时在工作室完成作品。此外，他还致力于奉献肖像画，周围是仰慕者和顾客的拥护。作为生活中已经取得成功的证据，请考虑以下事实：他的画作《夏蓬迪夫人和她的孩子们（1907年由纽约大都会艺术博物馆购买），是当年绘画价格最高的一幅画。 。他是印象派的私人朋友，例如莫奈，塞尚，皮萨罗，贝特·莫里索特，西斯利和卡耶博特，与他们讨论绘画并组织展览—并鼓励其他伟大的画家，例如马蒂斯，波纳尔，莫里斯·丹尼斯。
皮埃尔·奥古斯特·雷诺阿
皮埃尔·奥古斯特·雷诺阿（Pierre-Auguste Renoir），通常被称为奥古斯特·雷诺阿（Auguste Renoir，1841年2月25日至1919年12月3日），是一位法国画家，是印象派风格发展的主要画家。作为美，尤其是女性感官的庆祝者，据说“雷诺阿是从鲁本斯到瓦托的直接传统的最终代表。”
他是演员皮埃尔·雷诺阿（Pierre Renoir，1885-1952年），电影制片人让·雷诺阿（Jean Renoir，1894-1979年）和陶瓷艺术家克劳德·雷诺阿（Claude Renoir，1901-1969年）的父亲。他是皮埃尔之子电影制片人克劳德·雷诺阿（Claude Renoir，1913–1993年）的祖父。
风格
画家
雷诺阿是印象派运动最有说服力和最自发的口译者之一。雷诺阿（Renoir）是一位多产的艺术家，他拥有多达五千幅画布以及大量相同的绘画和水彩作品，他的多功能性也使他出类拔萃，以至于我们可以区分他的绘画作品中的许多时期。无论如何，都是雷诺阿自己谈论他的艺术创作方法：
«我按自己的意愿安排主题，然后像小孩子一样开始绘画。我希望红色大声并像铃铛一样响，在我无法获得之前，我不能添加其他红色和其他颜色。没有其他恶意。我没有规则或方法；任何人都可以检查我的用途或查看我的绘画方式，他们会发现我没有秘密。我看着，看到无数的小色调。我需要找出是什么使肉在画布上振动。今天我们要解释一切。但是，如果可以解释一幅画，它将不再是艺术。您要我告诉您两种艺术特质是什么吗？它必须是难以形容和独特的……艺术作品必须抓住你，包裹住你，运送你»
（皮埃尔·奥古斯特·雷诺阿）
从这句话中可以看出，雷诺阿将自己与绘画完全以一种反智主义的方式联系起来，尽管他也对学术传统主义不容忍，但他从未以理论反思或抽象陈述为印象派事业做出贡献。实际上，他否认一切形式的知识分子，并对绘画的具体经验坦率地充满了信心，绘画创作的唯一经验就是反对绘画的具体经验：“做一个好工人”，“绘画工人”， “好的绘画作品实际上是经常出现在他书信中的短语。雷诺阿（Renoir）本人在法国版《艺术之书》（Cennino Cennini，1911年）的序言中重申了这种决定性的具体要求，除了向有抱负的画家提供实用的建议和建议外，他还确认：“似乎我们与Cennino Cennini和绘画都相距甚远，但事实并非如此，因为绘画是木工和铁艺等行业，并且遵守相同的规则»。评论家奥克塔夫·米尔博（Octave Mirbeau）甚至在这种奇特的绘画概念中指出了雷诺阿伟大的原因：
“虽然艺术的理论，学说，美学，形而上学和生理学紧随其后，但雷诺阿的作品逐年，逐月，日复一日地发展着，开着一朵盛开的鲜花，一种使雷诺阿成熟的水果生活并绘画。他完成了自己的工作，而他所有的天才都在其中。这就是为什么他的一生和工作都是幸福的教训”
（米尔博）
雕塑家
从1913年到1918年，他与阿里斯蒂德·梅洛尔（Aristide Maillol）和安布罗斯·沃尔拉德（Ambroise Vollard）赠予的加泰罗尼亚裔年轻雕塑家理查德·吉诺（Richard Guino）合作，创作了一系列主要作品：维努斯·维克特里克斯（Vénus Victrix），勒日格勒·德·佩里斯（Le Jugement de Pâris），拉格兰德·拉韦斯（la Grande Laveuse），勒·福格隆（le Forgeron）。
理查德的儿子，雕塑家本人米歇尔·吉诺（Michel Guino）于1965年发起了一项长期审判，后来他努力宣传他父亲的作品，之后，对这些合作作品的归属进行了修改，修改了60年。经过对作品的细致分析，主持作品创作的过程以及众多艺术家的聆听，Richard Guino于1971年在巴黎法院第三民事庭认可了合著者的素质，并最终由法院确定艺术史学家Paul Haesaerts于1947年在雷诺阿雕塑家的作品中指出：“ Guino从来不是简单地阅读文本的演员，也不是机械地解释乐谱的音乐家。基诺（Guino）参与了创作活动。我们甚至可以肯定地说，如果没有去过那里，雷诺阿的雕塑将看不到白天。基诺至关重要。
几诺的儿子的审判没有“针对”雷诺阿，这在某些文本或报纸文章中提到“婚外情”时有所减少。这是一个有助于揭示这一创作过程的特殊历史的问题，以恢复Guino对雕塑作品的最初贡献，而该作品最初被Vollard所掩盖。雕塑家“从业者”可以复制或放大已经存在的模型。几诺（Guino）则转而运用技巧：我们从雷诺阿（Renoir）的绘画转向吉诺（Guino）的雕塑，绘画的精神体现在雕塑的精神中。经验证的两位艺术家之间的trans变。由于他们的友谊和强烈的共同意见，这一现象得以实现。画家用他的织物和雕刻家在科莱特的粘土上作画。VS’
在中断与Guino的合作后，他与雕刻家路易斯·莫雷尔（Louis Morel，1887-1975）一起工作，他最初来自埃索瓦（Essoyes）。他们一起制作了兵马俑，两个舞者和一个长笛演奏者。
影响力
由于上述原因，雷诺阿从未因莫奈或塞尚的狂热理想主义而动容，相反，他经常求助于古代大师的榜样。与他的同事们相比，雷诺阿感到“世代相传的生命力量的继承人”（贝尼迪蒂），因此他更愿意从过去的遗产中汲取灵感。实际上，即使在高中时期，他也认识到他有能力传授“只有大自然才能给我们的那种绘画品味”，他从未停止将博物馆视为培养艺术家的好地方。
雷诺阿的作品是非常不同的艺术经历之间的交汇点（或冲突）。迪·鲁本斯（Di Rubens）对笔触的活力和身体以及高表现力的肤色的精湛渲染非常着迷，而法国洛可可式画家-Fragonard和Boucher首先-非常赞赏彩色材料的美味和芬芳。巴比松画家在雷诺阿的艺术反思中也起着决定性的作用，他从中借用了巴林风的味道以及评估风景与情绪之间的对应关系的习惯。Jean-Auguste-Dominique Ingres的影响力也很重要，对同事来说，这是真正的“黑野兽”，在其中，它象征着学术实践的不育：相反，雷诺阿对他的风格非常着迷，在其中他相信自己感觉到生命的跳动，并在其中汲取了肉体上的愉悦之情（“我秘密地享受着源头的美丽腹部和里维耶夫人的脖子和手臂”）。Raffaello Sanzio特别是在后期成熟方面具有非常重要的影响力，我们将在aigre style段落中讨论。
因此，在雷诺阿（Renoir）的艺术世界中，古斯塔夫·库尔贝（Gustave Courbet）就是一个突出的特色场所。库尔贝特以坚强的决心和好斗的感召力使他生气勃勃，他不仅主题化了直到那时才被认为不值得用图片来表现的东西，而且还设法将物质转移到画布上。他的画是一幅沉重的画，具有全能的力量：实际上，Ornans大师的画布具有自己强大的物理效果，并且由非常原始的绘画材料组成，其中的色彩丰富并经常用铲刀敲击，以精确地在画布上获得“具体”效果。这种富有表现力的活力向雷诺阿（Renoir）提出了在处理图片材料方面的未知自由，即使在艺术家的创作中
Joie de vivre的画家
雷诺阿的作品基于最真实的生活。实际上，雷诺阿在人生中充满了对生活的热情，他从未停止过在无限创造之奇迹前惊叹不已，充分享受了创造之美，并感受到了转移到画布上的痉挛欲，甜蜜而强烈的情感参与，每一个视觉感知的记忆都打动了他。为了强调雷诺阿与生活的各个方面（无论大小）之间的关系，评论家皮耶罗·阿多诺提出了以下三段论：“存在的一切，生活的一切都是美丽的，一切美丽的东西都应该被描绘成»”（因此存在的所有内容都值得用图片来表示）。
从Gleyre工作室的第一批作品到Cagnes的最新作品，他的所有画作实际上都捕捉到了生活中最甜蜜和最短暂的时光，使它们具有流畅而充满活力的笔触，以及令人愉悦的色彩和发光质感。“我喜欢那些让我想去里面参观的画作”：画家用这些话明确地邀请他的画作的观察者与他互动，就像他自己画这些画的乐趣一样。“乐趣”的概念是雷诺阿诗学的关键概念之一：实际上，他喜欢“让画布上的色彩充满乐趣”，以至于其他画家可能从未感受到过如此强烈的迫切需求来表达他的感受（«刷子[… 他以年轻的诚挚态度向大师格莱尔（Gleyre）给出了答案，格里尔（Gleyre）认为绘画是严格的正式练习，要认真认真地负责，当然也不要松懈。对于一个惊讶的主人，他通过提醒他“绘画有趣”的危险将他撕毁，他实际上会回答：“如果我不开心，请相信我根本不会绘画”。
总而言之，甚至他的画作也显示出他泛滥的快乐和对世界的欢迎，这被看作是生活乐趣的纯粹表达。这也要归功于一系列重要的风格设计：首先，在转弯之前，他的画轻盈蓬松，充满了活泼的脉动光，它们被愉悦的活泼色彩所淹没。雷诺阿然后将光线分成几小块色彩，每片色彩都以极佳的触感沉积在画布上，以至于整个作品似乎都在观众的眼中震动，并变得清晰可见。也要感谢互补色之间的明智协议（根据正确的印象派技术进行分配）。
这种创造性的起泡作用解决了许多绘画风格。他的作品主要指的是查尔斯·鲍德莱尔（Charles Baudelaire）认为这是一门真正的艺术主题，即“现代生活的英雄主义”：因此，雷诺阿（Renoir）和他的同事们都明白，在诺曼底艺术节上要取得出色的成就“历史绘画”一定不能在过去几个世纪的历史中虚伪地躲避，而应以古老的爱德华·马奈特为例，以自发，新鲜但充满活力的方式面对当代时代。这是玛丽亚·特雷莎·贝内代蒂（Maria Teresa Benedetti）的评论，对于更轻松地了解雷诺阿与生活的喜悦之间的关系也具有重要意义：
“在这些年（印象派经验的编辑）。他的感觉以他这一代人的家庭现实主义为特征，绘画主题仍然很有趣：浪漫的主题，在舞蹈或花园中向恋人求婚，流派场景在Chatou的Bougival的Moulin de la Galette上举行令人愉快的会议，描绘出这些作品具有描述性，可爱，受欢迎的杰作；在这些作品中，爱的绘画与对绘画的热爱相吻合，没有像雷诺阿这样的人能够演唱巴黎那种工业化的作品。文明即将毁灭»
（玛丽亚·特蕾莎·贝内蒂蒂）
风格改变
1881年，意大利之行之后，风格发生了巨大变化。事实上，印象派选择的压制使雷诺阿在那一年决定去贝尔帕斯（Bel Paese），以绘画的踪迹仔细研究文艺复兴时期大师的艺术。 topos从受人尊敬的Ingres那里借来的。实际上，意大利人的住所除了进一步扩大了他的形象视野外，对他的绘画方式也产生了重要影响。给他留下深刻印象的是庞贝的壁画，最重要的是壁画的Raphael的Farnesina“令人赞叹的简单和宏伟”，他在印象派的经验中发现了他无法实现的美学完美。她会以忧郁的热情向她的朋友玛格丽特·夏蓬蒂亚承认：
«拉斐尔（Raphael）不在户外绘画，但他研究了阳光，因为他的壁画充满了阳光。另一方面，由于单是往外看，我最终不再看到伟大的和谐，我太担心细微的细节使阳光阴云密布，而不是增强阳光»
（皮埃尔·奥古斯特·雷诺阿）
如果拉斐尔（Raphael）的艺术作品因其安静的尺寸，漫射的光线和可塑的体积而使雷诺阿（Renoir）着迷，那么他从庞贝派的绘画中获得了对那些将理想尺寸与真实尺寸巧妙地融合在一起的场景的品味，就像在描绘公司纹章的壁画中那样，神话，多情，酒神鬼徒和幻想的建筑，点缀着维苏威城市的圆顶。他自己说：
«从各个角度来看，庞培画都非常有趣；所以我留在阳光下，而不是为了在全日照下做肖像，而是因为热身并仔细观察，我相信我将获得古代画家的宏伟和朴实»
（皮埃尔·奥古斯特·雷诺阿）
在看到文艺复兴时期的模特时，雷诺阿（Renoir）经历了强烈的精神不适，他发现自己被剥夺了确定性，更糟糕的是，他发现自己在艺术上无知。实际上，在接受拉斐尔的壁画和庞培画作之后，他实际上确信自己从未真正拥有过绘画和图形技术，并且到现在为止，他已经用尽了印象派技术所提供的资源，尤其是关于自然光的入射： “我已经达到了印象派的极限，我不得不发现我不再知道如何绘画”，他在1883年悲哀地观察到。
为了解决这一僵局，雷诺阿脱离了印象派，开始了他的“爱格”或“怪异”阶段。通过将Raphaelesque模型与Ingresian模型（自成立以来就广为人知和喜爱）进行调和，雷诺阿决定克服印象派矩阵视觉感知的那种充满活力的不稳定性，并获得一幅更加扎实和敏锐的绘画。为了强调形式的结构性，特别是，他恢复了清晰，精确的设计，“对体积，轮廓的坚固性，图像的纪念性以及对颜色的渐进性的关注”（StileArte ），以减少绘画作品的情节性和系统性的综合。
他也放弃了平淡无奇的气氛，回到了剧院，继续他的创作，然而这次他得到了丰富的形象背景的协助。在他的作品中，以相同的过程，越来越多地偶尔看到风景，并且对人物的喜好逐渐发展，尤其是女性。这是一个真正的意象常量，既出现在印象派实验的开始阶段，也出现在印象派实验中；但是在aigre阶段，它以鲜明的笔触和精致的手法表现出了更大的活力，以人物的绝对优势为标志。 ，能够准确捕捉对象的愉悦心情和肤色。
艺术品
雷诺阿的画作因其鲜明的光线和饱和的色彩而著称，通常集中于亲密而坦率的构图人物。女性是他的主要对象之一。然而，在1876年，费加罗报（Le Figaro）的一位评论者写道：“试图向雷诺阿（Monnoeur Renoir）先生解释说，女性的躯干并不是大量的肉体被紫色的绿色污渍分解，这些绿色的污渍表明身体已经完全腐烂了”。雷诺阿（Renoir）通过随意刷上色彩来建议场景的细节，以便他的人物彼此之间以及周围环境之间融为一体。
他的最初绘画展示了欧仁·德拉克鲁瓦（EugèneDelacroix）的色彩主义和卡米尔·柯罗（Camille Corot）的光度的影响。他还钦佩古斯塔夫·库尔贝（Gustave Courbet）和爱德华·马奈（ÉdouardManet）的现实主义，他的早期作品与他使用黑色作为颜色时的作品相似。雷诺阿赞赏埃德加·德加斯的动感。雷诺阿（Renoir）受到其他画家的钦佩是18世纪的大师弗朗索瓦·布歇（FrançoisBoucher）和让·霍诺雷·弗拉戈纳（Jean-HonoréFragonard）。
雷诺阿早期作品的一个很好的例子和库尔贝特现实主义影响的证据是狩猎女神戴安娜，1867年。表面上是神话题材，这幅画是一幅自然主义的工作室作品。该图经过仔细观察，扎实地建模并叠加在人为设计的景观上。如果作品是“学生”作品，那么雷诺阿对女性感性的个人反应就更高。模特是LiseTréhot，她当时的情妇，也是许多画作的灵感来源。
在1860年代后期，他和他的朋友克洛德·莫奈（Claude Monet）通过实践在室外空气和水上绘画光和水的方法，发现阴影的颜色不是棕色或黑色，而是周围物体反射的颜色，产生了一种效果。今天被称为漫反射。雷诺阿和莫奈并存的几对画作，描绘了相同的场景（LaGrenouillère，1869年）。
雷诺阿1876年在勒穆兰·德·加莱特（Bal du moulin de la Galette）的舞蹈是最著名的印象派作品之一。这幅画描绘了一个露天场景，人们在他居住的蒙马特山上一个受欢迎的舞蹈花园里挤满了人。他早期成熟的作品通常是印象派现实生活中的快照，充满了波光粼粼的色彩和光线。然而，到了1880年代中期，他打破了运动，将更严格的形式技巧应用于肖像和人物画，尤其是女性。那是1881年的一次意大利之行，他看到拉斐尔（Raphael）和其他文艺复兴时期的大师的作品，这使他确信自己走错了路，在接下来的几年中，他以更加严谨的风格绘画，试图重返古典主义。 。专注于他的绘画并强调人物的轮廓，
1890年后，他再次改变了方向。为了消除轮廓，就像在他早期的作品中一样，他恢复了略微刷过的颜色。从这一时期开始，他专注于巨大的裸照和家庭场景，例如1892年的钢琴女郎和1887年的Grandes Baigneuses就是很好的例子。后一幅画是雷诺阿晚期丰富肉体中最典型，最成功的作品。
他是一位多产的艺术家，创作了数千幅画作。雷诺阿（Renoir）风格的热情洋溢，使他的画成为艺术史上最著名，最经常复制的作品。他的作品最大的一笔收藏（总共181幅画）是在费城的巴恩斯基金会。
展览
都灵展览分为九个部分。LaBohème的年龄Renoir在1862年被法国美术学院录取后，相识并参加了Alfred Sisley，FrédéricBazille和Claude Monet，与他大部分时间在巴黎附近的枫丹白露或格林纳屈埃共享绘画作品。他的一些相识和朋友肖像都来自这一时期：威廉·西斯利（1864），弗雷德里克·巴齐耶（1867），克劳德·莫奈（1875），在本节中展出了巴齐勒本人的两幅作品，他的工作室（1870）和一幅肖像雷诺阿本人（1867年）和莫奈（一幅翁弗勒尔的冬季风景）（约1867年）。雷诺阿（Renoir）的第一个作品是艺术家最喜欢的两个主题：“有猫的男孩”（1868）和“黛米·德米德·奈埃”沙发：《玫瑰》（约1872年）。
“我们崇拜雷诺阿画中的妇女”（普鲁斯特）
您将进入拥有精美女肖像画廊的展览中心，在这里，很难在Darras夫人（1868年左右），La liseuse（1874-1876年），带面纱的年轻女子（约1870年）之间进行选择。乔治·夏蓬蒂（Georges Charpentier，1876-1877年），女权主义者Femme au jabot blanc（1880年），坐着的年轻女子（1909年），直至罗马柱肖像（1913年）。雷诺阿从各种社会背景中选择主角：资产阶级，工人，舞者，都穿着特殊的服装，并拥有无可挑剔的美丽，唤起了18世纪女性的艺术典范。可以说雷诺阿发明了十九世纪的女人，以至于普鲁斯特写道：“ Des femmes Passent dans la rue，ce sont des Renoir”。
“园丁的工作”（雷诺阿）
奥赛博物馆（Muséed’Orsay）的雷诺阿（Renoir）收集的风景作品可能是世界上最美丽的。本部分介绍了其中的十个，它们追溯了一个广泛的时间序列，包括该画家在1881年进行的前往阿尔及尔的旅程。相对于此次展出的北非之旅，我们看到的是香蕉田，阿尔及利亚的风景和清真寺，雷诺阿在这里晒太阳。吻的棕榈树，私家花园和异国情调的花园。
其他画作代表了大师的巨大吸引力，这些大师被认为是水，绿地和花园的主要吸引力，是不断灵感的源泉，是植物多年生生长的源泉，并且定义了植物固有的“不规则性”，他认为这是神圣不可侵犯的。人为驯服的：塞纳河上的驳船（1869），英格兰梨子（1870年左右），阿根特伊勒省的塞纳河（1873），高草丛中的小径（1876-1877），尚普罗赛（1876）的塞纳河， Chatou（1881）的铁路桥，直到Paesaggio a Cagnes（大约于1915年），由法国里维埃拉的著名“ Les Collettes”庄园绘制，雷诺阿在他生命的尽头躲避以寻找可以治愈他的温和气候来自困扰他的严重的类风湿病理。”
童年
在雷诺阿的作品中，孩子们，经常是他的孩子们或朋友的孩子们，非常重要。展出的这九幅作品与女性肖像竞争，为我们提供了充满诗意的幼稚面孔的快照：从纸上美丽的粉彩画成《坐着的黑发女孩双手交叉的肖像》（1879年）到油画《 Fernand Halphen child》（1880年）。一幅严肃的装扮成水手的肖像，从令人愉悦的朱莉·马奈（1887）到温柔的孕妇装（1885），从儿子皮埃尔肖像（1885）（如GAM系列所称）到另一幅精美的粉彩Portrait de娇小的圆角coifféed’une夏洛特（1900前后），在著名的Il小丑（可可肖像）（1909）上，儿子克劳德（Claude）亲自饰演了他的儿子，他会记得折磨的成因，
“为现代的一面寻找快乐”（左拉）
在这里，我们发现了五幅作品，这些作品致力于现代社会的各个方面以及巴黎人的新娱乐活动，从舞蹈到乡村郊游：Labalançoire（1876）或秋千，其中有女性，园丁和秋千旁边的小女孩在色彩鲜艳的花园中脱颖而出。小斑点散布的色彩触感使阳光透过树叶过滤的效果，营造出彩色和发光振动的气氛，这使其成为印象派绘画中最大的表现形式之一。从这部杰作中，伟大的作家埃米尔·佐拉（Emile Zola）在其春天出版的小说《爱的一页》中受到启发，他在发行人的妻子查彭捷夫人的客厅里遇到了雷诺阿。展出的另一幅迷人的女性肖像是Alphonsine Fournaise（1879），而著名的Campagna的Ballo和Città的Ballo（1883）在闲暇时光中刻画了两对夫妇。Le Jeunes钢琴演奏
雷诺阿（Renoir）的第一幅画作是著名的《朱尼斯·菲勒斯钢琴》（Jeunes filles au piano，1892年），这幅画进入了法国博物馆的收藏。在它旁边有另一幅出色的画布：钢琴上的伊冯（Yvonne）和克里斯蒂娜·罗洛尔（Christine Lerolle）（大约在1897年至1898年），以及两个与音乐有关的主题：著名的理查德·瓦格纳（Richard Wagner）肖像，在雷诺阿与德国作曲家难忘的一次会面中在巴勒莫拍摄，以及Théodorede Banville（均为1882年）。
“美丽如花”（雷诺阿）
一小部分非凡的作品：雷诺阿的花束精湛的技术和色彩，是艺术家实验最多的主题之一。他宣称：“当我画花时，我大胆地体验了阴影和价值，而不必担心会破坏整个画布。我不敢对一个数字做同样的事情。“颜色中的各种阴影确实令人印象深刻：雷诺阿（Renoir）运用调色板，柔和而细腻的笔触，唤起花朵的香气，而花朵的香气反过来又代表了感觉和记忆。
“戴尔艺术的基本形式”（雷诺阿）
这是展览的主要部分，其中有雷诺阿职业生涯中的基础作品，他对意大利文艺复兴时期的艺术一直表现出浓厚的兴趣，欣赏拉斐尔，提香和鲁本斯的北欧巴洛克风格的作品，并以此融合了柔和的懒形式和完整的色彩感，这是他关于治疗女性形象的方式代码中的一部分。“我看到无数的小色调。我需要找出是什么使肉在画布上存活并振动”-画家说。展出的五幅壮观的画作都是在他的生命的最后阶段，即1906年至1917年间绘制的：Femme nuecouchée（Gabrielle） （1906年），大怒（1907年），洗发水（梳头的女人）（1907-1908年），从背后看女人（1909年），Odalisque休眠（1915年至1917年）以及气势磅bronze的青铜雕塑，
泳客的遗产展览的“闭幕”是专门的
雷诺阿的最后一部基本杰作《沐浴者》（The Bathers，1918-1919年）。这幅画象征着艺术家在生命的尽头进行的研究。他在这里庆祝永恒的本性，从中禁止提及当代。泳客应被视为雷诺阿的绘画遗嘱。正是本着这种精神，他的三个孩子在1923年将这幅画捐赠给了法国国家。两个模型躺在前景中，三个沐浴者则以“莱斯科利特”中橄榄树大花园所构成的构图为背景，画家在法国南部滨海卡纳河畔的庄园。当“地球是众神的天堂”时，地中海景观又回到了意大利和希腊的古典传统。“这就是我要绘画的东西，” 雷诺阿说。模型的感性，色彩的丰富性和形式的丰满度凸显了这种田园风光。这些数字还应归功于雷诺阿（Tino）和鲁本斯（Rubens）的，这受到雷诺阿（Renoir）的赞赏。他们传达了绘画的乐趣，即画家生命中的疾病和苦难尚未克服。
艺术家的工作工具也在展出：调色板，颜色框，画笔，大师的密不可分的工具。直到最后一次他在泳客上工作，但由于风湿性关节炎，他的刷子被手指绑住了。雷诺阿于1919年12月3日去世，死于肺部感染；临终前的晚上，他说出了这些话：“也许现在我开始了解一些东西了”。不到两个月后，莫迪利亚尼也去世了，雷诺阿经常在他的工作室里接待他。因此，艺术界失去了两位非凡的口译员。
展览的同时，还有斯基拉（Skira）出版的出版物，该出版物除了展出作品的复制品外，还提出了一些重要的贡献。特别是，西尔维·帕特里（Sylvie Patry）探索了法国博物馆机构随着时间的流逝接受和获得雷诺阿作品的方式。里卡多·帕索尼（Riccardo Passoni）的贡献是献给雷诺阿（Renoir）参加1910年威尼斯双年展-在那里展出了他的作品中的37件-以及这种参与对一些伟大的意大利艺术家的影响，如Boccioni，Carrà，Soffici，Morandi和De基里科（Chirico），大约在1930年被造型上与法国伟大大师的诗歌联系在一起。
奥古斯丁·德·巴特勒（Augustin De Butler）编辑的另一则文字旨在还原这位艺术家到我们国家旅行期间对意大利艺术的兴趣，特别是提及他在1881年在威尼斯的逗留。代表着美丽，光与彩令人惊讶，描绘了生活雷诺阿的绘画哲学的关键要素是他自己时代的精致现实主义，这仍然使它成为公众最喜爱的画家之一。都灵展览旨在向他的艺术致敬，并为他回顾其艺术和人类历史提供无与伦比的机会，并让您欣赏非凡的作品，其中大部分从未在意大利展出。
都灵近现代艺术博物馆
都灵现代与当代艺术市民画廊位于意大利都灵的Magenta 31大街。它成立于1891年-95年。它收藏着19世纪和20世纪的永久性艺术收藏。它是都灵Musei基金会的一部分，该基金会还包括MAO（东方艺术博物馆），Madama宫和Casaforte degli Acaja（古代艺术博物馆），中世纪村庄和堡垒。
GAM –现代和当代艺术市民画廊–是意大利最古老的现代艺术博物馆。自1863年向公众开放以来，随着时间的推移，其收藏中增加了许多杰作。目前，GAM的收藏包括从绘画和雕塑到装置和摄影艺术的超过47,000件作品，以及丰富的素描和版画收藏，并且是欧洲最大的艺术家电影和视频收藏之一。
GAM秉承这一传统，通过将历史作品与当今的文化辩论不断联系在一起，并确保展览计划与藏品紧密相关，继续履行其对当代研究的最初承诺。这些收藏的作品将按主题分组展示，这些主题会随时间而变化，从而确保参观者始终能从一个新的角度看到这些收藏，并能对画廊的杰作进行全新的分析。
Fontanesi，Fattori，Pellizza da Volpedo和Medardo Rosso等19世纪意大利顶尖艺术家的作品，以及Morandi，Casorati，Martini和De Pisis等20世纪的大师，都重新获得了当下说话的能力，并与历史悠久的国际前卫作品相提并论，以展示其所有复杂性，其中包括杰出的例子：从马克斯·恩斯特（Max Ernst）到保罗·克莱（Paul Klee）和皮卡比亚（Picabia），以及战后新前卫的作品前卫的机芯，其中包括Paolini，Boetti，Anselmo，Zorio，Penone和Pistoletto的作品中，Arte Povera的最大藏品之一，同时也是GAM致力于扩大展览空间的当前艺术成果。