Renoir. Das coleções Musée d’Orsay e Orangerie, Galeria Cívica de Arte Moderna e Contemporânea de Turim

A cidade de Turim, a GAM – Galeria Cívica de Arte Moderna e Contemporânea de Turim e Skira, apresenta uma esplêndida exposição dedicada ao grande artista francês, com obras das coleções Musée d’Orsay e Musée de l’Orangerie em Paris.

A colaboração fortemente desejada pelo prefeito, Piero Fassino, continua entre a cidade de Turim, o Musée d’Orsay e a editora Skira, que começou em 2012 com a grande exposição dedicada a Degas.

A Galeria Cívica de Arte Moderna e Contemporânea de Turim apresenta uma extraordinária nova exposição dedicada a Pierre-Auguste Renoir (1841-1919), artista entre os protagonistas, com Manet, Monet, Degas, Pissarro, Sisley, Cézanne, entre os anos setenta do século XIX. século e os primeiros vinte anos do século XX, da grande estação do impressionismo francês. Um importante acordo assinado entre a GAM – Galeria Cívica de Arte Moderna e Contemporânea de Turim – Torino Musei Foundation, editora Skira e o Musée d’Orsay em Paris – com Danilo Eccher, diretor do GAM, Massimo Vitta Zelman, presidente da Skira, e Guy Cogeval, presidente do Musée d’Orsay e da Orangerie – possibilitou definir um projeto científico de grande valor, que traz à capital piemontesa uma esplêndida exposição,

O Musée d’Orsay e o Musée de l’Orangerie, que preservam a coleção mais completa do mundo da obra de Renoir, concordaram em privar-se de sessenta obras-primas por quatro meses, para dar vida a uma exposição extraordinária que documenta todas as atividades deste grande pintor, testemunhando os momentos mais significativos e os momentos decisivos que, a partir do início, levaram o artista no final de sua carreira a uma saída progressiva do impressionismo.

A curadoria da exposição é confiada a Sylvie Patry, conservadora-chefe do Musée d’Orsay e grande especialista de Renoir, e Riccardo Passoni, diretor adjunto do GAM de Turim. A Skira, em estreita colaboração com a Fundação dos Museus de Turim, produz a exposição, cuidando dos aspectos organizacionais e promocionais e publica seu catálogo.

A exposição será montada no primeiro andar do GAM, no salão da Área de Exposições, no caminho das coleções permanentes, reorganizadas recentemente de acordo com quatro novos itinerários temáticos. Também do ponto de vista da exposição, a exposição terá, portanto, o fôlego, a facilidade e o prazer de uma grande exposição internacional. Também será exibida uma obra de propriedade do GAM: o retrato de seu filho Pierre (1885), adquirido por interesse de Lionello Venturi. Esta exposição visa cobrir a complexa evolução da carreira artística de Renoir – ativa há mais de cinquenta anos, para produzir mais de cinco mil pinturas e um grande número de desenhos e aquarelas -, destacando a grande variedade e qualidade de sua técnica de pintura e as diferentes tópicos abordados.

No decorrer de sua vida, Renoir é medido experimentando a pintura ao ar livre, lado a lado com seu amigo e colega Monet, e ao mesmo tempo concluindo trabalhos no ateliê. Dedicando-se também a retratos sob encomenda, ele está cercado por um círculo próximo de admiradores e clientes. Como evidência do sucesso já alcançado na vida, pense no fato de que, por sua pintura, Madame Charpentier e seus filhos (comprados pelo Metropolitan Museum of Art em Nova York em 1907), o preço mais alto pago naqueles anos por uma pintura foi pago . Ele é amigo pessoal dos impressionistas – como Monet, Cézanne, Pissarro, Berthe Morisot, Sisley e Caillebotte, com quem discute pintura e organiza exposições – e incentiva outros grandes artistas como Matisse, Bonnard e Maurice Denis.

Pierre-Auguste Renoir
Pierre-Auguste Renoir, vulgarmente conhecido como Auguste Renoir (25 de fevereiro de 1841 – 3 de dezembro de 1919), foi um artista francês que foi um dos principais pintores no desenvolvimento do estilo impressionista. Como celebradora da beleza e principalmente da sensualidade feminina, foi dito que “Renoir é o representante final de uma tradição que vai diretamente de Rubens a Watteau”.

Ele foi o pai do ator Pierre Renoir (1885–1952), do cineasta Jean Renoir (1894–1979) e do artista de cerâmica Claude Renoir (1901–1969). Ele era o avô do cineasta Claude Renoir (1913-1993), filho de Pierre.

Estilo

Pintor
Renoir foi um dos intérpretes mais convencidos e espontâneos do movimento impressionista. Artista prodigiosamente prolífico, com até cinco mil telas e um número igualmente grande de desenhos e aquarelas, Renoir também se destacou por sua versatilidade, tanto que podemos distinguir inúmeros períodos em sua produção pictórica. De qualquer forma, é o próprio Renoir quem fala sobre seu método de fazer arte:

«Organizo meu assunto como quero, depois começo a pintá-lo como uma criança faria. Quero que o vermelho seja alto e toque como um sino, quando não posso adicionar outros vermelhos e outras cores até conseguir. Não há outra malícia. Eu não tenho regras ou métodos; qualquer um pode examinar o que eu uso ou ver como eu pinto, e eles verão que não tenho segredos. Olho para um nu e vejo uma infinidade de pequenos matizes. Preciso descobrir o que faz a carne vibrar na tela. Hoje queremos explicar tudo. Mas se uma pintura pudesse ser explicada, não seria mais arte. Você quer que eu lhe diga quais são as duas qualidades da arte para mim? Deve ser indescritível e inimitável … A obra de arte deve agarrá-lo, envolvê-lo, transportá-lo »
(Pierre-Auguste Renoir)

Como emerge dessa citação, Renoir se relacionou com a pintura de uma maneira absolutamente antiintelectualista e, embora também fosse intolerante aos convencionalismos acadêmicos, nunca contribuiu para a causa do impressionismo com reflexões teóricas ou com afirmações abstratas. De fato, repudia toda forma de intelectualismo e confessa uma confiança vívida na experiência concreta da criação pictórica, objetada no único meio de expressão de pincéis e paletas: “trabalhe como um bom trabalhador”, “trabalhador da pintura”, “fazer boa pintura” são, na verdade, frases que frequentemente se repetem em sua correspondência. Esse pedido decisivo de concretude é reiterado pelo próprio Renoir em seu prefácio à edição francesa do Livro de Arte de Cennino Cennini (1911), onde, além de fornecer conselhos práticos e sugestões para aspirantes a pintores, ele afirma que «pode parecer que estamos muito longe de Cennino Cennini e da pintura, mas não é assim, pois a pintura é uma profissão como carpintaria e trabalho em ferro, e é sujeitos às mesmas regras ». O crítico Octave Mirbeau até aponta para as causas da grandeza de Renoir precisamente nessa concepção peculiar de pintura:

“Enquanto as teorias, doutrinas, estética, metafísica e fisiologias da arte se sucederam, o trabalho de Renoir se desenvolveu ano a ano, mês a mês, dia a dia com a simplicidade de uma flor desabrochando, de um fruto que amadurece que Renoir viveu e pinta” Ele fez o seu trabalho, e aí reside todo o seu gênio. É por isso que toda a sua vida e obra são uma lição de felicidade ”
(Oitava Mirbeau)

Escultor
De 1913 a 1918, em colaboração com Richard Guino, um jovem escultor de origem catalã que lhe foi apresentado por Aristide Maillol e Ambroise Vollard, criou um conjunto de grandes obras: Vénus Victrix, Jugement de Pâris, Grande Laveuse, Forgeron.

A atribuição desses trabalhos colaborativos foi revisada sessenta anos após sua criação, após um longo julgamento iniciado em 1965 por Michel Guino, filho de Richard e escultor, que trabalhou para divulgar o trabalho de seu pai. Após uma análise minuciosa das peças, dos processos que presidiram à sua criação e da audição de inúmeros artistas, a qualidade do co-autor foi reconhecida por Richard Guino em 1971 pela terceira câmara civil da corte de Paris e definitivamente estabelecida pela Corte. de Cassation em 1973. O historiador de arte Paul Haesaerts especifica, a partir de 1947, no escultor de Renoir: “Guino nunca foi simplesmente um ator lendo um texto ou um músico interpretando mecanicamente uma partitura. Guino envolveu corpo e alma no ato criativo. Podemos até dizer com certeza que, se não estivesse lá, as esculturas de Renoir não teriam visto a luz do dia. Guino foi essencial “.

O julgamento do filho de Guino não foi levado “contra” Renoir, uma redução veiculada em certos textos ou artigos de jornal referentes ao “caso”. Era uma questão de ajudar a revelar a história excepcional desse processo criativo para restaurar a contribuição original de Guino à obra esculpida, inicialmente obscurecida por Vollard. Um escultor “praticante” reproduz ou amplia um modelo já existente. Guino, por sua vez, transpõe técnicas: passamos da pintura de Renoir para a escultura de Guino, o espírito da pintura se reflete no espírito da escultura. Transmutação comprovada entre dois artistas. O fenômeno pode ser realizado graças à amizade e intensa comunidade de visão. O pintor com seus tecidos e o escultor trabalhando a argila de Collettes. VS ‘

Depois de interromper sua colaboração com Guino, ele trabalhou com o escultor Louis Morel (1887-1975), originalmente de Essoyes. Juntos, eles fazem a terracota, dois dançarinos e um flautista.

Influências
Pelas razões mencionadas, Renoir nunca foi animado pelo idealismo ávido de Monet ou Cézanne e, pelo contrário, muitas vezes recorreu ao exemplo dos mestres antigos. Comparado a seus colegas, Renoir sentiu “herdeiro de uma força viva acumulada ao longo das gerações” (Benedetti) e, por esse motivo, estava mais disposto a se inspirar no legado do passado. Mesmo no ensino médio, na verdade, ele nunca deixou de considerar o museu o local adequado para a formação de um artista, reconhecendo sua capacidade de ensinar “aquele gosto de pintar que somente a natureza não pode nos dar”.

O trabalho de Renoir atua como um ponto de encontro (ou um choque) entre experiências artísticas muito heterogêneas. Di Rubens ficou muito atraído pelo vigor e pelo corpo da pincelada e pela reprodução magistral das tezes altamente expressivas, enquanto os pintores rococós franceses – Fragonard e Boucher – antes de tudo – apreciaram muito a delicadeza e a fragrância do material cromático. Um papel decisivo na reflexão artística de Renoir também é desempenhado pelos pintores de Barbizon, de quem emprestou o gosto pelo ar puro e o hábito de avaliar as correspondências entre paisagens e humores. A influência de Jean-Auguste-Dominique Ingres também foi importante, uma autêntica “besta negra” para os colegas, que viram nela um símbolo da esterilidade das práticas acadêmicas: pelo contrário, Renoir ficou muito fascinado por seu estilo, na qual ele acreditava ter percebido o ritmo da vida, e nele sentiu um prazer quase carnal (“desfrutei secretamente do belo ventre da Fonte e do pescoço e dos braços de Madame Rivière”). Por Raffaello Sanzio, uma influência muito importante, especialmente no final da maturidade, falaremos no parágrafo O estilo aigre.

No universo artístico de Renoir, então, um lugar de destaque pertence a Gustave Courbet. Animado por uma forte determinação e por um carisma combativo, Courbet não apenas tematizou o que até então era considerado indigno de representação pictórica, mas também conseguiu transferir pedaços de matéria para a tela. A sua é uma pintura pesada, pesada, com uma força total: as telas do mestre de Ornans, de fato, têm sua própria fisicalidade poderosa e consistem em um material pictórico muito cru, no qual as cores são ricas em espessura e são frequentemente aplicados com pinceladas de espátula, precisamente para obter efeitos de “concretude” na tela. Esse vigor expressivo sugeriu a Renoir uma liberdade desconhecida no tratamento do material pictórico, que emergirá claramente mesmo quando o artista ‘

O pintor de joie de vivre
O trabalho de Renoir é baseado na mais autêntica alegria de viver. De fato, em sua vida, Renoir foi animado por um genuíno entusiasmo pela vida e nunca deixou de se surpreender diante das infinitas maravilhas da criação, desfrutando plenamente de sua beleza e sentindo o desejo espasmódico de se transferir para a tela, com um participação emocional doce e intensa, a memória de toda percepção visual o atingira. Para sublinhar como Renoir se relacionava com todos os aspectos da vida, grandes ou pequenos, o crítico Piero Adorno propôs o seguinte silogismo: «tudo o que existe vive, tudo o que vive é belo, tudo o que é belo merece ser pintado» ( então tudo o que existe é digno de representação pictórica).

Todas as suas pinturas, desde os primeiros trabalhos no estúdio de Gleyre até os mais recentes trabalhos de Cagnes, capturam os aspectos mais doces e efêmeros da vida, tornando-os com pinceladas fluidas e vibrantes e com uma textura cromática e luminística suave e alegre. “Gosto das pinturas que me fazem querer entrar para fazer um tour”: com essas palavras, o pintor convida explicitamente os observadores de suas pinturas a interagir com elas com diversão semelhante à que ele próprio experimentou pintando. O conceito de “diversão” é um dos conceitos-chave da poética de Renoir: na verdade, ele adorava “colocar cores na tela para se divertir”, a tal ponto que provavelmente nenhum outro pintor jamais sentira uma urgência tão inalienável de pintar para expressar os sentimentos dele («o pincel [… Exemplo da resposta que ele deu com sinceridade juvenil ao mestre Gleyre, que concebeu a pintura como um rigoroso exercício formal, a ser realizado com seriedade e responsabilidade, e certamente não deixando de lado figuras casuais. Para o mestre atônito, que o rasgou lembrando-o dos perigos de “pintar por diversão”, ele teria de fato respondido: “Se eu não estiver divertido, acredite que eu não pintaria”.

Em resumo, até suas pinturas mostram sua alegria transbordante e suas boas-vindas ao mundo, percebidas como pura expressão da alegria da vida. Isso também se deve a uma série consistente de importantes recursos estilísticos: acima de tudo, antes da virada, suas pinturas são leves e fofas, imbuídas de uma luz viva e pulsante, e são dominadas pelas cores com vivacidade alegre. Renoir então fragmenta a luz em pequenas manchas de cor, cada uma das quais é depositada na tela com uma grande delicadeza de toque, tanto que todo o trabalho parece vibrar nos olhos do espectador e se tornar algo claro e tangível, também graças aos acordos sábios entre cores complementares (distribuídas de acordo com uma técnica adequadamente impressionista).

Esta efervescência criativa aborda muitos gêneros pictóricos. Seu trabalho refere-se principalmente ao “heroísmo da vida moderna” que Charles Baudelaire identificou como o tema de uma arte que pode ser considerada autêntica: por esse motivo, Renoir – e seus colegas – entendem que, para obter excelentes resultados em A “pintura da história” não se deve refugiar hipocritamente na história dos séculos passados, mas sim confrontar a era contemporânea de maneira espontânea, fresca, mas vigorosa, seguindo o exemplo do mais velho Édouard Manet. Aqui está o comentário de Maria Teresa Benedetti, importante também para uma compreensão mais fácil da relação entre Renoir e a alegria de viver:

“Nestes anos [os da experiência impressionista, ed.] Seu sentimento é marcado pelo realismo doméstico de sua geração, o tema de uma pintura ainda é divertido: temas românticos que propõem amantes em uma dança ou no jardim, cenas de gênero ilustrando reuniões agradáveis ​​no Moulin de la Galette, em Bougival, em Chatou, essas obras são descritivas, adoráveis, obras-primas populares; nelas a pintura do amor coincide com o amor pela pintura e ninguém como Renoir é capaz de cantar uma Paris industrial civilização está prestes a destruir »
(Maria Teresa Benedetti)

O estilo aigre
Uma mudança drástica de estilo ocorreu após a viagem à Itália em 1881. Na verdade, sentindo-se oprimido pela escolha impressionista, Renoir naquele ano decidiu ir a Bel Paese estudar cuidadosamente a arte dos mestres da Renascença, nos traços de uma pintura. topos emprestados do reverenciado Ingres. A permanência italiana, de fato, além de expandir ainda mais seus horizontes figurativos, teve importantes consequências em sua maneira de pintar. Para impressioná-lo, estavam os murais de Pompéia e, acima de tudo, os afrescos “admiráveis ​​pela simplicidade e grandeza” da Farnesina de Rafael, em que ele descobriu aquela perfeição estética que, com a experiência impressionista, ele não era capaz de alcançar. Com entusiasmo melancólico, confessaria à amiga Marguerite Charpentier:

Rafael, que não pintou ao ar livre, estudou a luz do sol, porque seus afrescos estão cheios dela. Por outro lado, ao olhar para fora, acabei não vendo mais as grandes harmonias, preocupando-me demais com os pequenos detalhes que nublam o sol em vez de melhorá-lo »
(Pierre-Auguste Renoir)

Se a arte de Raphael fascinou Renoir por seu tamanho silencioso, pela luz difusa e pelos volumes definidos plasticamente, das pinturas de Pompeia, ele derivou um gosto pelas cenas que misturam habilmente a dimensão ideal com a real, como acontece nos afrescos que representam empresas heráldicas , arquitetura mitológica, amorosa e dionisíaca e ilusionista que embelezaram o domus da cidade vesuviana. Ele mesmo diz:

«As pinturas de Pompeia são muito interessantes sob todos os pontos de vista; então fico no sol, não tanto para fazer retratos a pleno sol, mas porque, aquecendo e observando intensamente, adquirirei, acredito, a grandeza e a simplicidade dos pintores antigos »
(Pierre-Auguste Renoir)

Ao ver os modelos renascentistas, Renoir experimentou um forte mal-estar espiritual, viu-se despojado de suas certezas e, pior ainda, descobriu-se artisticamente ignorante. Após a recepção dos afrescos de Rafael e das pinturas de Pompeia, ele estava de fato convencido de que nunca possuía a técnica pictórica e gráfica, e que já havia esgotado os recursos oferecidos pela técnica impressionista, especialmente com relação à incidência de luz na natureza: “Cheguei ao ponto extremo do impressionismo e descobri que não sabia mais pintar ou desenhar”, ele teria tristemente observado em 1883.

Para resolver esse impasse, Renoir destacou-se do impressionismo e inaugurou sua fase “aigre” ou “ingresca”. Ao conciliar o modelo raphaelesco com o modelo ingresiano, conhecido e amado desde o início, Renoir decide superar essa instabilidade vibrante da percepção visual de uma matriz impressionista e chegar a uma pintura mais sólida e incisiva. Para sublinhar a construtividade das formas, em particular, ele recuperou um design claro e preciso, um “gosto atento aos volumes, à solidez dos contornos, à monumentalidade das imagens, a uma castidade progressiva das cores” (StileArte ), no sinal de uma síntese menos episódica e mais sistemática do material pictórico.

Ele também abandona o ar plein e volta a elaborar suas criações no teatro, desta vez, porém auxiliado por um rico cenário figurativo. Para o mesmo processo em sua obra, as paisagens são vistas cada vez mais esporadicamente e se desenvolve o gosto pelas figuras humanas, especialmente os nus femininos. Essa foi uma constante iconográfica real em sua obra – presente tanto no início quanto durante os experimentos impressionistas – mas que durante a fase da aigre se afirmou com maior vigor, em sinal de uma primazia absoluta da figura, reproduzida com pinceladas vivas e delicadas , capaz de capturar com precisão o humor alegre do sujeito e a opulência de sua tez.

Obras de arte
As pinturas de Renoir são notáveis ​​por sua luz vibrante e cores saturadas, geralmente focadas nas pessoas em composições íntimas e sinceras. O nu feminino era um dos seus principais assuntos. No entanto, em 1876, um crítico de Le Figaro escreveu “Tente explicar ao monsieur Renoir que o torso de uma mulher não é uma massa de carne em decomposição com aquelas manchas verdes arroxeadas que denotam um estado de completa putrefação em um cadáver”. , Renoir sugeriu os detalhes de uma cena através de toques de cor escovados livremente, para que suas figuras se fundissem suavemente umas com as outras e com o ambiente.

Suas pinturas iniciais mostram a influência do colorismo de Eugène Delacroix e a luminosidade de Camille Corot. Ele também admirava o realismo de Gustave Courbet e Édouard Manet, e seus primeiros trabalhos se assemelham aos deles no uso do preto como cor. Renoir admirava o senso de movimento de Edgar Degas. Outros pintores que Renoir admirava muito eram os mestres do século XVIII, François Boucher e Jean-Honoré Fragonard.

Um bom exemplo do trabalho inicial de Renoir e evidência da influência do realismo de Courbet é Diana, 1867. Aparentemente um assunto mitológico, a pintura é um trabalho de estúdio naturalista; a figura cuidadosamente observada, solidamente modelada e sobreposta a uma paisagem artificial. Se o trabalho é uma peça de “estudante”, a resposta pessoal elevada de Renoir à sensualidade feminina está presente. A modelo era Lise Tréhot, a amante do artista na época, e inspiração para várias pinturas.

No final da década de 1860, através da prática de pintar a luz e a água no ar (ao ar livre), ele e seu amigo Claude Monet descobriram que a cor das sombras não é marrom ou preta, mas a cor refletida dos objetos ao seu redor, um efeito conhecido hoje como reflexão difusa. Existem vários pares de pinturas nas quais Renoir e Monet trabalhavam lado a lado, representando as mesmas cenas (La Grenouillère, 1869).

Uma das obras impressionistas mais conhecidas é a Dança de Renoir, de 1876, no Moulin de la Galette (Bal do Moulin de la Galette). A pintura mostra uma cena ao ar livre, lotada de pessoas em um popular jardim de dança no Butte Montmartre, perto de onde ele morava. Os trabalhos de sua maturidade precoce eram tipicamente instantâneos impressionistas da vida real, cheios de cores cintilantes e luz. Em meados da década de 1880, porém, ele havia rompido com o movimento para aplicar uma técnica formal mais disciplinada a retratos e pinturas de figuras, principalmente de mulheres. Foi uma viagem à Itália em 1881, quando ele viu obras de Rafael e outros mestres da Renascença, que o convenceram de que ele estava no caminho errado e, durante os próximos anos, ele pintou em um estilo mais severo, na tentativa de retornar ao classicismo. . Concentrando-se em seu desenho e enfatizando os contornos das figuras,

Depois de 1890, ele mudou de direção novamente. Para dissolver contornos, como em seu trabalho anterior, ele voltou à cor escovada. A partir desse período, concentrou-se em nus monumentais e cenas domésticas, cujos exemplos são Girls in the Piano, 1892, e Grandes Baigneuses, 1887. A última pintura é a mais típica e bem-sucedida dos últimos e abundantes nus de Renoir.

Artista prolífico, ele criou vários milhares de pinturas. A calorosa sensualidade do estilo de Renoir fez de suas pinturas algumas das obras mais conhecidas e frequentemente reproduzidas na história da arte. A maior coleção de suas obras – 181 pinturas ao todo – está na Barnes Foundation, na Filadélfia.

A exibição
A exposição de Turim está dividida em nove seções. A idade de La Bohème Após a admissão na École des Beaux-Arts, em 1862, Renoir conheceu e compareceu a Alfred Sisley, Frédéric Bazille e Claude Monet, com quem ele compartilhou principalmente sessões de pintura ao ar livre em Fontainebleau ou Grenouillère nos arredores de Paris. Alguns de seus retratos de conhecidos e amigos são desse período: William Sisley (1864), Frédéric Bazille (1867), Claude Monet (1875), expostos nesta seção com duas obras do próprio Bazille, seu estúdio (1870) e um retrato pelo próprio Renoir (1867) e um por Monet, uma paisagem de inverno de Honfleur (por volta de 1867). Aqui também dois dos primeiros nus de Renoir, entre os temas mais queridos do artista, O garoto com o gato (1868) e Femme demi-nue couchée: la rose (por volta de 1872).

“Adoramos as mulheres de Renoir” (Proust)
Você entra no coração da exposição com uma galeria de maravilhosos retratos femininos, onde é realmente difícil escolher entre Madame Darras (por volta de 1868), La liseuse (1874-1876), Jovem mulher com véu (C. 1870), Madame Georges Charpentier (1876-1877), Femme au jabot blanc (1880), Jovem sentada (1909), até o retrato da Coluna Romana (1913). Renoir escolhe seus protagonistas de todas as origens sociais: burgueses, trabalhadores, dançarinos, todos vestidos com uma graça especial e uma beleza impalpável que evocam os modelos femininos da arte do século XVIII. Pode-se dizer que Renoir inventou a mulher do século XIX, tanto que Proust escreveu: “Des femmes passant dans la rue, ce sont des Renoir”.

“O trabalho do paisagista” (Renoir)
A coleção de obras de paisagem de Renoir, do Musée d’Orsay, é provavelmente a mais bonita do mundo. Esta seção apresenta dez deles, que remontam a um extenso período cronológico, incluindo a viagem a Argel realizada pelo artista em 1881. Em relação a essa estadia no norte da África, encontramos em exposição: bananeira, paisagem argelina e a mesquita, onde Renoir pinta sol palmeiras beijadas, jardins privados e jardins com um sabor exótico.

As outras pinturas representam vistas esplêndidas, onde a grande atração do mestre é percebida pela água, hortaliças e jardins, uma fonte contínua de inspiração, para o crescimento perene das plantas e o que definiu sua “irregularidade” intrínseca, que ele considerava sacrossanta em relação à natureza. domado pelo homem: Barcaças no Sena (1869), A Pêra da Inglaterra (por volta de 1870), O Sena em Argenteuil (1873), O caminho na grama alta (1876-1877), O Sena em Champrosay (1876), ponte ferroviária em Chatou (1881) até Paesaggio a Cagnes (por volta de 1915), pintada pela famosa propriedade “Les Collettes” na Riviera Francesa, onde Renoir se refugiou no final de sua vida para encontrar um clima ameno que o curasse da séria patologia reumatóide que o afligia. ”

Infância
Os filhos, geralmente os filhos dos seus filhos ou dos amigos, estão muito presentes no trabalho de Renoir. Essas nove obras em exposição competem com os retratos femininos, dando-nos instantâneos de rostos infantis cheios de poesia: do belo pastel no papel Retrato de uma menina morena sentada, com as mãos cruzadas (1879), à pintura Fernand Halphen child (1880) em um retrato sério vestido de marinheiro, da deliciosa Julie Manet (1887) a uma delicada maternidade (1885), do retrato do filho Pierre (1885), como foi dito na coleção GAM, a outro retrato delicado pastel de petite fille coiffée d ‘une charlotte (por volta de 1900), no famoso palhaço Il (Retrato de Coco) (1909), do qual o próprio Claude, o filho retratado, lembrará a gênese atormentada,

A “feliz busca pelo lado moderno” (Zola)
Aqui encontramos cinco obras dedicadas a uma seção transversal da sociedade moderna e ao novo entretenimento dos parisienses, desde a dança a excursões no campo: La balançoire (1876) ou o balanço, onde as magníficas figuras da mulher, o jardineiro e a menina ao lado do balanço se destaca em um jardim de cores vivas. Os toques de cor espalhados por pequenas manchas fazem o efeito da luz solar filtrar através das folhas, criando uma atmosfera de vibração cromática e luminosa, que a torna uma das expressões máximas da pintura impressionista no ar. A partir desta obra-prima, o grande escritor Emile Zola – que conheceu Renoir na sala de estar de Madame Charpentier, esposa de sua editora – foi inspirado por uma peça do romance Uma página de amor, ambientada em um jardim de primavera. Outro retrato feminino encantador em exibição é Alphonsine Fournaise (1879), enquanto o famoso Ballo em Campagna e Ballo em Città (1883) retratam admiravelmente dois casais em momentos despreocupados de seu tempo livre. Le Jeunes toca piano
O famoso Jeunes filles au piano (1892) foi a primeira pintura de Renoir a entrar nas coleções de um museu francês. Ao lado, há outra tela esplêndida: Yvonne e Christine Lerolle no piano (por volta de 1897-1898) e dois assuntos relacionados à música: o famoso retrato de Richard Wagner, retratado em Palermo durante um memorável encontro entre Renoir e o compositor alemão, e o de Théodore de Banville (ambos de 1882).

“Lindo como uma variedade de flores” (Renoir)
Pequena seção de obras extraordinárias: os buquês de Renoir são magistrais em técnica e cores, é um dos temas em que o artista mais experimenta. “Quando pinto flores – ele declarou – experimento ousadamente sombras e valores sem me preocupar em arruinar toda a tela; Eu não ousaria fazer o mesmo com uma figura. “A variedade de tons nas cores é realmente impressionante: Renoir brinca com a paleta, com traços suaves e delicados, evocando os aromas das flores que, por sua vez, se referem a sensações e memórias.

“Uma forma essencial de dell’arte” (Renoir)
É uma seção capital da exposição, com obras fundamentais na carreira de Renoir, que sempre demonstrou um profundo interesse pela arte renascentista italiana, admirando as obras de Rafael, Ticiano e o barroco nórdico de Rubens, do qual ele assimila o suave e lânguido formas e um cromatismo completo, que fazem parte de seu código estilístico sobre a maneira de tratar a figura feminina. “Olho nu e vejo uma infinidade de pequenos matizes. Preciso descobrir o que fará a carne viver e vibrar na tela “- disse o pintor. Em exibição, cinco pinturas espetaculares, todas pintadas no último período de sua vida, entre 1906 e 1917: Femme nue couchée (Gabrielle) (1906), Grand nu (1907), La toilette (Mulher penteando os cabelos) (1907-1908), Mulher nua vista por trás (1909), Odalisca adormecida (1915-1917). E uma imponente escultura de bronze,

O legado dos banhistas O “encerramento” da exposição é dedicado
à última obra-prima fundamental de Renoir, The Bathers (1918-1919). A pintura é emblemática da pesquisa realizada pelo artista no final de sua vida. Aqui ele celebra uma natureza atemporal, da qual todas as referências ao contemporâneo são proibidas. Os banhistas devem ser considerados o testamento pictórico de Renoir. É nesse espírito que seus três filhos doaram a pintura ao estado francês em 1923. Os dois modelos que estavam em primeiro plano e os três banhistas no fundo da composição posavam no grande jardim de oliveiras em “Les Collettes”, a propriedade do pintor em Cagnes-sur-Mer, no sul da França. A paisagem mediterrânea remonta à tradição clássica italiana e grega, quando “a Terra era o paraíso dos deuses”. “Aqui está o que eu quero pintar” disse Renoir. Essa visão idílica é sublinhada pela sensualidade dos modelos, pela riqueza das cores e pela plenitude das formas. Esses números também devem muito aos nus de Ticiano e Rubens, muito admirados por Renoir. Eles transmitem o prazer de pintar que a doença e o sofrimento do pintor no final de sua vida não venceram.

As ferramentas de trabalho do artista também estão em exibição: paleta, caixa de cores, pincéis, ferramentas inseparáveis ​​do grande mestre. Até o último, ele trabalhou em seus banhistas, com os pincéis amarrados nos dedos, agora deformados pela artrite reumatóide. Renoir morreu em 3 de dezembro de 1919, morto por uma infecção pulmonar; Na noite anterior à morte, ele pronuncia as seguintes palavras: “Talvez agora comece a entender alguma coisa”. Depois de menos de dois meses, Modigliani também morre, a quem Renoir costumava receber em seu estúdio. O mundo da arte perde, assim, dois intérpretes extraordinários.

A exposição é acompanhada de uma publicação publicada pela Skira, que apresenta, além das reproduções dos trabalhos em exibição, várias contribuições críticas. Sylvie Patry explora, em particular, as maneiras pelas quais as instituições francesas de museus aceitaram e adquiriram o trabalho de Renoir ao longo do tempo. A contribuição de Riccardo Passoni é dedicada à presença de Renoir na Bienal de Veneza de 1910 – onde trinta e sete de suas obras foram exibidas – e à influência que essa participação teve em alguns grandes artistas italianos como Boccioni, Carrà, Soffici, Morandi e De Chirico, que por volta de 1930 associou estilisticamente à poesia do grande mestre francês.

Outro texto, editado por Augustin De Butler, pretende, em vez disso, refazer o interesse do artista pela arte italiana durante sua viagem a nosso país, com referência particular à sua estadia em Veneza em 1881. Representando a beleza, surpreendente com luz e cor, retratando a vida de sua própria época, com um delicado realismo, são elementos-chave da filosofia pictórica de Renoir, que ainda o tornam um dos pintores mais amados pelo público. A exposição de Turim tem como objetivo ser uma homenagem à sua arte e uma oportunidade irrepetível de refazer sua história artística e humana, e permite admirar obras extraordinárias, a maioria das quais nunca foram exibidas na Itália.

Galeria Cívica de Arte Moderna e Contemporânea de Turim
A Galeria Cívica de Arte Moderna e Contemporânea de Turim está localizada na Via Magenta 31, em Turim, Itália. Foi fundada por volta de 1891 a 95. Abriga as coleções artísticas permanentes dos séculos XIX e XX. Faz parte da Fundação Torino Musei, que também inclui o MAO (Museu de Arte Oriental), o Palazzo Madama e a Casaforte degli Acaja (Museu Cívico de Arte Antiga), a vila e fortaleza medievais.

O GAM – a Galeria Cívica de Artes Modernas e Contemporâneas – é o mais antigo museu de arte moderna da Itália. Desde a abertura ao público em 1863, numerosas obras-primas foram adicionadas às suas coleções ao longo do tempo. Atualmente, as coleções da GAM compreendem mais de 47.000 obras, desde pinturas e esculturas a instalações e arte fotográfica, além de uma rica coleção de desenhos e gravuras, e uma das maiores coleções de filmes e vídeos de artistas da Europa.

Com base nessa herança, a GAM continua a implementar seu compromisso original com a pesquisa contemporânea, vinculando constantemente suas obras históricas ao debate cultural de hoje e garantindo que o programa de exposições esteja intimamente relacionado às coleções. Os trabalhos das coleções são exibidos em agrupamentos temáticos que mudam com o tempo, garantindo que os visitantes sempre vejam as coleções de um novo ângulo e possam fazer uma nova análise das obras-primas da Galeria.

Obras dos principais artistas italianos do século XIX, como Fontanesi, Fattori, Pellizza da Volpedo e Medardo Rosso, e dos mestres do século XX, incluindo Morandi, Casorati, Martini e De Pisis, recuperaram sua capacidade de falar com o presente, e mostrar toda a sua complexidade a par das obras das vanguardas internacionais históricas, exemplos notáveis ​​também estão na coleção: de Max Ernst a Paul Klee e Picabia, além de obras da nova vanguarda do pós-guerra movimentos -garde, com uma das maiores coleções de Arte Povera – incluindo obras de Paolini, Boetti, Anselmo, Zorio, Penone e Pistoletto -, mas também a atual produção artística à qual o GAM dedica amplo espaço expositivo.