Il Museo Thyssen-Bornemisza (in spagnolo: Museo Nacional Thyssen-Bornemisza), è un museo d’arte a Madrid, in Spagna, situato vicino al Museo del Prado in uno dei viali principali della città. Il Museo Thyssen-Bornemisza offre ai visitatori una panoramica dell’arte dal 13 ° secolo fino alla fine del 20 ° secolo. Nelle quasi mille opere esposte, i visitatori possono contemplare i periodi più importanti e le scuole pittoriche dell’arte occidentale come il Rinascimento, il Manierismo, il Barocco, il Rococò, il Romanticismo e l’arte dell’Ottocento e del Novecento fino alla Pop Art. Il museo include anche opere di alcuni movimenti non rappresentati in collezioni statali, come Impressionismo, Fauvismo, Espressionismo tedesco e movimenti sperimentali d’avanguardia del primo Novecento. Inoltre, vanta un’importante collezione di dipinti americani del XIX secolo che non si trovano in nessun’altra istituzione museale europea.

Con oltre 1.600 dipinti, era una volta la seconda più grande collezione privata al mondo dopo la British Royal Collection. Si è tenuta una competizione per ospitare il nucleo della collezione nel 1987-88, dopo che il barone Thyssen, dopo aver tentato di ingrandire il suo museo a Villa Favorit, ha cercato un luogo in Europa. È noto come parte del “Triangolo d’oro dell’arte”, che comprende anche le gallerie nazionali del Prado e del Reina Sofia. Il Thyssen-Bornemisza colma le lacune storiche delle collezioni delle sue controparti: nel caso del Prado questo include primitivi italiani e opere delle scuole inglese, olandese e tedesca, mentre nel caso del Reina Sofia riguarda impressionisti, espressionisti, europei e Dipinti americani del 20 ° secolo.

A parte la sua prospettiva panoramica, la collezione ospitata nel Museo Thyssen-Bornemisza ci offre anche uno spaccato dei gusti e delle preferenze delle due persone principalmente responsabili della sua esistenza, il barone Heinrich Thyssen-Bornemisza (1875-1947) e il barone Hans Heinrich Thyssen -Bornemisza (1921-2002). Esperti nella tradizione artistica dell’Europa centrale, entrambi gli uomini mostravano una particolare predilezione per ritratti e paesaggi. Ciò è evidente nelle opere del Museo Thyssen-Bornemisza, in contrasto con la predominanza di dipinti religiosi e storici trovati in altri musei spagnoli. Nel 2004, la Collezione Carmen Thyssen-Bornemisza è stata portata al Museo, aggiungendo oltre duecento opere che completano la rappresentazione di stili e generi già presenti nella Collezione Permanente.

La sede del museo è il Palazzo di Villahermosa, nell’angolo del Paseo del Prado con la gara di San Jerónimo. Intorno al 1805, questo edificio del XVIII secolo fu ampliato e rinnovato in stile neo-classico da Antonio López Aguado, su commissione di María Manuela Pignatelli y Gonzaga, vedova dell’XI duca di Villahermosa, Juan Pablo de Aragón-Azlor. Decenni dopo era una delle dimore più prestigiose della città. Nel 1823 servì come residenza del Duca di Angoulême, poi al comando dei Centomila Figli di San Luigi, e anni dopo divenne notorietà per le sue feste e serate culturali: nel 1844 ospitò due recital per pianoforte di Franz Liszt, e ha ospitato un Liceo artistico e letterario nel decennio 1846-56.

Villahermosa ha conservato i suoi sontuosi interni, che comprendevano una sala da ballo e una cappella privata, anche nel XX secolo, come testimoniato in un reportage fotografico del 1966 sulla rivista Blanco y Negro. Tutto ciò andò perduto nel 1973 quando l’edificio divenne la sede di Banca López Quesada: subì una riforma aggressiva, eseguita dall’architetto Fernando Moreno Barberá, che svuotò gli interni sostituendo le grandi sale con gli uffici. La banca si ruppe dopo alcuni anni e nel 1980 il palazzo passò nelle mani dello stato, che lo utilizzò per ospitare diverse mostre temporanee del vicino Museo del Prado, che fu poi guidato dalle esigenze di spazio. Si pensava di attribuire questo edificio al Prado come sito complementare, presumibilmente per esporre i suoi dipinti di Goya e del XVIII secolo.

Tuttavia, come parte dell’accordo tra lo Stato spagnolo e la famiglia Thyssen, Villahermosa è andato al nuovo museo e la sua riabilitazione come galleria è stata progettata da Rafael Moneo. I miglioramenti più elogiati sono stati il ​​riarrangiamento interno in stanze grandi, l’enfasi sulla luce naturale (con lucernari regolati da sensori) e il cambiamento dell’accesso principale, che è tornato dalla Carrera de San Jerónimo alla facciata posteriore come era in origine. Si capì che questo ingresso era più adatto ad accogliere il pubblico perché aveva il suo giardino.

Il marmo dei pavimenti e gli stucchi color mattone delle pareti erano suggeriti dalla baronessa Thyssen, Carmen Cervera; Una soluzione estetica che ha suscitato polemiche partendo dalla solita sobrietà nei musei di nuova costruzione. L’atmosfera colorata e un po ‘ostentata ci ricorda le fondazioni americane di origine privata: piante tropicali e un grande arazzo con lo stemma del Thyssen decorano l’atrio, fiancheggiando la tela colossale El Paraíso de Tintoretto e le sculture di Rodin. A presiedere questa sala ci sono i ritratti a figura intera dei baroni e dei re di Spagna, Juan Carlos I e Sofía (tutti e quattro dipinti da Ricardo Macarrón).

Il museo fu inaugurato l’8 ottobre 1992, con la presenza dei re, e solo otto mesi dopo (giugno 1993) la maggior parte della collezione divenne di proprietà statale attraverso un complesso accordo di acquisto. Nel 2004 il museo è stato ampliato per ospitare il nucleo più prezioso della collezione Carmen Thyssen-Bornemisza, con l’aggiunta di due edifici adiacenti precedentemente appartenenti alla famiglia Goyeneche; Il primo dei quali fu costruito dal conte di Guaqui e il secondo dalla duchessa di Goyeneche. Questi edifici sono stati rinnovati dallo studio BOPBAA (Josep Bohigas, Francesc Pla e Iñaki Baquero) e sono collegati da un angolo al Palazzo di Villahermosa. La sua nuova facciata di fronte al giardino è in stile avant-garde anche se gli interni si armonizzano, nei colori e nei materiali, con quelli del primo edificio. Dopo cinque anni di esibizioni separate, nel dicembre 2009 è stato annunciato che entrambe le collezioni (di proprietà statale e Carmen Cervera) sarebbero state unite in un’esposizione unitaria nel 2010, anche se questo è in ritardo e la seconda raccolta rimane in attesa di risoluzione.

Il Palazzo di Villahermosa era stato completamente demolito all’interno (tranne la culla nord, che dà al giardino) e ricostruito durante il suo palco come banca, motivo per cui i suoi interni mancavano di valore storico-artistico e potevano essere riformati in profondità, incorporando la tecnologia più moderno. Non così quelli dei due palazzi Goyeneche, che avevano anche elementi protetti, come una scala, e che il Municipio ha interrotto perché altrimenti la riforma non avrebbe potuto essere fatta. L’attuale facciata del blocco di Goyeneche era in passato un modesto retro in mattoni, in seguito all’ampliamento ha aggiunto un rivestimento di linea bianca minimalista.

Il background artistico cominciò a formarsi a L’Aia intorno al 1928, come collezione privata del primo barone Thyssen-Bornemisza, Heinrich (1875-1947). In precedenza, intorno al 1906-11, suo padre August Thyssen (1842-1926) aveva commissionato sette sculture in marmo ad Auguste Rodin. Dopo diversi avatar, il secondo barone Hans Heinrich ne acquistò sei nel 1956: attualmente quattro appartengono alla sua vedova Carmen Cervera (che li tiene esposti nell’atrio del museo) e gli altri due furono ricevuti dalla figlia Francesca.

In soli dieci anni (1928-1938) il Thyssen aggiunse molti dei suoi migliori vecchi dipinti: Dürer, Holbein, Baldung Grien, Jan van Eyck, Beato Angelico, Carpaccio, Sebastiano del Piombo, Caravaggio, Frans Hals, Tiepolo … È Detto che l’acquisto di così tanti capolavori è stato possibile grazie alla grande attività del mercato dell’arte, a causa del crollo del 29 e della difficile situazione in Europa tra le due guerre mondiali. Molti aristocratici europei (come Barberini e Spencer) e magnati americani (come J. P. Morgan, Jr.) hanno dovuto vendere i loro dipinti più preziosi, e la Thyssen è stata in grado di acquistarli a prezzi ragionevoli. Tuttavia, si deve negare che la collezione abbia beneficiato di una presunta vicinanza al regime nazista. La Thyssen-Bornemisza non risiedeva in Germania ma (successivamente) in Ungheria, Olanda e Svizzera; La confusione è spiegata dall’esistenza di un altro ramo della saga Thyssen (Fritz Thyssen), estraneo al Bornemisza e anche dedicato all’industria, che ha sostenuto Hitler nei suoi inizi.

La collezione crebbe così rapidamente che nel 1930 meritò una mostra alla Neue Pinakothek di Monaco sotto il nome di Sammlung Schloß Rohoncz (alludendo alla vecchia casa di famiglia, un castello ungherese). Questa mostra con oltre 400 pezzi ha stupito i critici d’arte, che non sapevano che tante opere appartenevano a una sola persona. Il Barón comprava tramite intermediari, nascondendo la sua identità. Ma la mostra è stata anche coinvolta in controversie durante la discussione sulla paternità di alcune opere; Polemiche di cui il principale avversario sarebbe stato l’ispanico August L. Mayer, uno degli esperti che aveva consigliato il barone Heinrich nelle sue acquisizioni.

Nel 1932 il Barone Heinrich acquistò Villa Favorita, una dimora seicentesca sulle rive del Lago di Lugano in Svizzera, che divenne la sua solita residenza, e costruì un padiglione o una galleria con 18 stanze per esporre la collezione. Questo museo incipiente (privato) aprì nel 1937, ma dovette chiudere i battenti allo scoppio della seconda guerra mondiale; Riapertura un decennio dopo. Alla sua morte, nel 1947, il Primo Barone aveva raccolto circa 525 opere e sperava che una fondazione ne garantisse l’integrità; Ma tre dei quattro figli sfidarono la volontà paterna e forzarono la distribuzione della collezione.

Il secondo barone, Hans Heinrich Thyssen-Bornemisza (1921-2002), popolare in Spagna grazie al suo matrimonio con Carmen Cervera, continuò l’attività di collezionismo della famiglia, sia con i vecchi maestri europei e soprattutto con la pittura impressionista e moderna, fino ad allora esclusa suo padre, di gusti più conservatori. Il primo obiettivo del nuovo barone era di riunire la collezione paterna, riacquistando opere ai suoi fratelli; Perseverò per decenni e nel 1986-88 riacquistò la Madonna dell’umiltà di Fra Angelico (MNAC di Barcellona), The Fountain Nymph di Lucas Cranach e Il giardino dell’Eden di Jan Brueghel il Vecchio. Altri pezzi della famiglia si dispersero: Madero Haller di Dürer finì alla National Gallery di Washington, Tobias e Anne di Rembrandt entrarono nel Rijksmuseum di Amsterdam nel 1979 e nel 1995 più di 50 opere del cosiddetto Bentinck-Thyssen. Tra questi c’era un altro dipinto di Rembrandt, Cupido che faceva le bolle di sapone, attualmente nel Liechtenstein Museum di Vienna.

Alle opere ereditate e recuperate il barone riunì molte del 1956, antico e moderno, da Petrus Christus, Antonello da Messina, Palma il Vecchio ed El Greco, fino a Van Gogh, Pablo Picasso, Jackson Pollock e Tom Wesselmann. Questa intensa attività d’acquisto ha raggiunto cento pezzi in un solo anno; (Comprese statuine di balletto), sculture, sculture in avorio, oggetti d’argento, mobili, arazzi e tappeti … La Collezione Thyssen-Bornemisza è stata forse la più preziosa privata del mondo e senza dubbio la più varia e completa nella pittura occidentale, ma è proprio le dimensioni e le questioni legate all’eredità hanno reso difficile garantirne la continuità. Lo stesso barone ha confessato che dai primi anni ’80 era preoccupato per il futuro della collezione.

Nel 1985 Hans Heinrich Thyssen-Bornemisza sposò la spagnola Carmen Cervera, con la quale condivideva il suo amore per l’arte. Andarono insieme ad aste e mostre, e l’influenza di Carmen sarebbe stata decisiva per il futuro della collezione, perché fino a quel momento la Thyssen aveva un’immagine diffusa della Spagna. Così, quando il magnate ha iniziato a deliberare sulla destinazione finale dei suoi tesori, ha incluso Madrid tra le possibili opzioni.

Tuttavia, il barone ha tenuto la sua collezione distribuita nelle sue varie residenze, situate in vari paesi. Fu proposto di riunificarlo e renderlo un’istituzione stabile espandendo la galleria di Villa Favorita, che esibiva “solo” circa 300 vecchie opere. Si inchinò a un progetto dell’architetto James Stirling; Ma era molto costoso e le autorità svizzere non hanno fornito l’aiuto finanziario previsto. Inoltre, un museo su larga scala, con costi fissi molto alti, sembrava a Belgrado non praticabile; Una città scarsamente popolata, lontana dalle principali rotte culturali, con pochi hotel e strade così cattive che molti turisti preferivano spostarsi attraverso il lago in barca. Il barone finì di scartare l’allargamento e decise di spostare la collezione in un altro luogo, motivo per cui iniziò una campagna sagace di “seduzione” per catturare le offerte e scegliere quella più favorevole.

La collezione Thyssen-Bornemisza godeva già di un notevole prestigio tra gli esperti, perché i loro capolavori erano citati in più libri e partecipavano a mostre; Infatti nel 1961 aveva meritato un’antologia nella National Gallery di Londra. Inoltre il barone esaltava il valore dei suoi tesori pubblicando lussuosi cataloghi ragionati. Negli anni ’80 Hans Heinrich Thyssen raddoppiò la diffusione della collezione dando selezioni di opere a musei sia europei che del Nord America, e persino collaborò con l’Unione Sovietica negli anni della Perestrojka, scambiando mostre con l’Hermitage e il Puskin. Un campione del Thyssen vagava in sette città degli Stati Uniti; Una selezione di dipinti antichi arrivò a Parigi nel 1982 ea San Pietroburgo nel 1987; Un altro dei maestri moderni passò per la Royal Academy of London, il Metropolitan Museum di New York e il Palazzo Pitti di Firenze; E in Spagna l’Accademia di San Fernando e la Biblioteca Nazionale hanno mostrato 50 opere antiche e 117 opere moderne (rispettivamente) nel 1986-87.

La notizia che il barone ha “ceduto” i suoi dipinti è balzata ai media e ha incoraggiato offerte e contatti più o meno pubblicizzati. Bonn e Londra hanno mostrato interesse, Parigi ha suggerito il Petit Palais come sede, una voce su un’offerta giapponese, e si è detto che la Getty Foundation di Los Angeles ha offerto una favolosa somma: 300 miliardi di pesetas per Villa Favorita e il suo contenuto, che sarebbe diventare la filiale europea del J. Paul Getty Museum. Anche il parco divertimenti Disneyworld di Orlando (Florida) si interessò alla collezione. Gli esperti hanno commentato che era la più grande rimasta in mani private con la British Royal Collection, e inaspettata ricerca di nuove sedi. Il suo valore e la sua bellezza erano indubbi: copriva sei secoli di pittura europea con vecchi maestri che raramente andavano in vendita, da primitivi italiani e fiamminghi come Paolo Uccello, Van der Weyden e Memling al rococò e romantici come Fragonard, Chardin, Goya e Delacroix. E non solo quello; La collezione aveva anche un repertorio quasi completo di pittori impressionisti (Manet, Monet, Degas, Renoir, Van Gogh), esagerati negli anni ’80 dal boom delle aste, seguito da un’altra esibizione della migliore arte moderna: Picasso, Dalì, Kandinsky, Pollock, Rothko, Mondrian … Per le città interessate ad arricchire il proprio patrimonio, questa occasione è stata unica: ha coinvolto l’aggiunta di più geni dell’arte in un’unica operazione, risparmiando tempo e denaro. Per la Spagna la collezione era doppiamente importante perché molti degli artisti inclusi non erano presenti nelle collezioni nazionali e di molti (come Jan van Eyck e Holbein) non c’erano più opere sul mercato.

Tuttavia, il Barone stabilì condizioni molto particolari che non furono solo risolte con denaro: la Collezione Thyssen-Bornemisza doveva essere conservata come tale, in un museo a sé stante e mantenendo il suo nome e il suo profilo di collezione di famiglia. Ciò ha impedito un’ipotetica fusione con il Prado e ha anche escluso l’offerta milionaria del J. Paul Getty Museum, che intendeva semplicemente aggiungere le immagini al proprio repertorio. Inoltre, il barone Thyssen respinse ogni accordo con il museo californiano perché era stato rivale nelle aste, quando si presentavano per le stesse opere. Capì che rinunciare ai suoi tesori per i Gettys significava assumere una sconfitta.

Grazie al suo matrimonio con Carmen Cervera, il barone Thyssen ha iniziato a rafforzare i legami con la Spagna. Questo aiuta a spiegare perché il governo di Felipe González si rivolse a lui nel 1986. Paradossalmente questo primo contatto fu propiziato da un dipinto diverso dalla sua collezione, La marquesa de Santa Cruz de Goya. Era stato esportato illegalmente e il Ministero della Cultura stava cercando sponsor per comprarlo. Il barone ricevette diversi intermediari spagnoli nella sua casa di Daylesford (Inghilterra), che ricevette una risposta inaspettata: non avrebbe dato denaro al goya, ma – incoraggiato dalla moglie – propose che la Spagna ospitasse l’arte Thyssen-Bornemisza di proprietà familiare galleria.

Dopo un anno di negoziati discreti, il governo spagnolo ottenne la cessione della collezione offrendo condizioni difficili da migliorare: accettò quelli stabiliti dal barone e offrì come sede del museo il Palazzo di Villahermosa, un edificio centrale di valore storico , Museo del Prado e con vista sulla Plaza de Neptuno. Ciò garantiva un importante flusso di pubblico e una proiezione internazionale. L’accordo prevedeva che un gruppo di opere fosse depositato nel Monastero di Pedralbes di Barcellona, ​​in risposta ad un accordo chiuso tra il barone e il sindaco Pasqual Maragall due anni prima.

Il “Protocollo delle intenzioni” firmato tra Baron Thyssen-Bornemisza e il governo spagnolo nell’aprile del 1988, confermato a dicembre dello stesso anno da un “Contratto di locazione”, era così atipico da innescare un dibattito sulla stampa internazionale. Questo accordo prevedeva il prestito di una vasta selezione della collezione, in affitto pagato (cinque milioni di dollari all’anno), per una durata massima di nove anni e mezzo. Questo periodo non è casuale: in Spagna, importanti opere d’arte sono registrate come beni di interesse culturale (BIC) se rimangono dieci anni nel paese, il che impedisce la loro esportazione. La Thyssen ha stabilito un periodo un po ‘più breve che avrebbe consentito un eventuale ritorno dei quadri in Svizzera. Fortunatamente questo non è accaduto, poiché il vero obiettivo di entrambe le parti era che la collezione sarebbe rimasta come un museo pubblico. La premier britannica Margaret Thatcher ha lamentato l’accordo spagnolo come il suo più grande fallimento culturale, desiderando installare la collezione nell’area di Canary Wharf (Londra), una vecchia area portuale in costruzione. Dicono che il barone ha rifiutato la sua offerta perché non gli piaceva quel posto.

Il museo Thyssen-Bornemisza di Madrid aprì le sue porte al pubblico nell’ottobre 1992, mentre la mostra per Barcellona doveva essere inaugurata nel settembre 1993, in due sale del Monastero di Pedralbes. Il contratto di locazione era inteso come una formula transitoria per verificare l’idoneità del museo, in modo che dopo soli otto mesi di funzionamento la Thyssen ha accettato di firmare con il governo spagnolo (giugno 1993) la vendita della parte sostanziale della collezione: 775 pezzi, compresi tutti i più importanti (il cosiddetto nucleo indivisibile) per un prezzo di 350 milioni di dollari (circa 43. milioni di pesetas del tempo). Da quella cifra sono state sottratte le somme già pagate in affitto. La somma elevata ha causato discrepanze nel Congresso dei Deputati, anche se la valutazione della collezione è stata molto superiore: secondo la casa d’aste Sotheby’s ha raggiunto i 2000 milioni di dollari. L’accordo di vendita è stato notizia in mezzo mondo ed è apparso sulla copertina del The New York Times 6, essendo generalmente elogiato come trattamento economicamente vantaggioso per la Spagna, dato l’alto valore di mercato delle opere. Contrariamente a quanto supponevano alcuni critici, lo scopo del barone non era quello di realizzare un profitto perché vendendo le opere insieme e non vendendole all’asta una per una, perse denaro. Come egli spiegò, il suo desiderio era di assicurare la sopravvivenza della collezione unita, e in effetti il ​​denaro percepito fu immediatamente distribuito tra i suoi eredi come compenso; Così eliminando possibili affermazioni come quelle avvenute alla morte di suo padre. Insieme alla collezione acquisita, sia il museo di Madrid che la sottozona di Barcellona hanno esposto altri pezzi ancora di proprietà della famiglia, ceduti in deposito; Tra loro si trova una statua in marmo del Bernini: San Sebastián (1615).

Nell’anno 2002, il Museo, scommettendo sul valore educativo della collezione, rafforza la funzione educativa del Museo con la creazione di EducaThyssen.org, 7 marchio che raccoglie tutte le azioni educative dell’istituzione e che dipende, con grande autonomia del resto dell’istituzione, dell’area educativa.

Nel 2004 è stata inaugurata un’estensione del Museo, in parte destinata ad esporre una selezione di circa 250 opere della Collezione Carmen Thyssen-Bornemisza. Questo repertorio non fa parte della collezione permanente acquisita dallo Stato ed è esposto come deposito, attraverso un contratto di prestito che deve essere rinnovato periodicamente. Paralelamente, anche nel 2004 il set artistico depositato a Pedralbes è stato trasferito al MNAC di Barcellona, ​​che ha attirato più pubblico e ha rafforzato questo museo nelle sue sezioni più deboli.

Archivio fotografico –
Aggiungendo al proprio repertorio le opere date in deposito da Carmen Cervera, il Museo Thyssen-Bornemisza di Madrid mostra mille pezzi. Sono esposti cronologicamente in tre piante, in ordine decrescente; Dal gotico italiano del XIII secolo al 2 ° piano all’arte degli anni ’80, sia astratto che figurativo al piano terra. Offrono una vista ininterrotta dei vecchi maestri e praticamente tutte le avanguardie tra l’impressionismo e la pop art, cosa insolita nei musei europei.

Di profilo quasi enciclopedico, questo museo può illustrare da sé l’evoluzione della pittura europea e americana, e assume anche una particolare rilevanza nel contesto artistico di Madrid per le sezioni che integrano il Museo del Prado e del Reina Sofía, specialmente nella pittura medievale italiana , Rinascimento tedesco, barocco olandese e correnti internazionali dal realismo. Le sezioni di impressionismo, espressionismo tedesco, costruttivismo russo e altri movimenti d’avanguardia sono unici nell’offerta museale di Madrid. Infatti, molti degli artisti stranieri del Thyssen, sia antichi che moderni, erano assenti dai musei spagnoli, proprio come la pittura spagnola prima del XX secolo ha una breve presenza in questo museo.

Il repertorio permanente del museo è completato da un variegato programma di mostre temporanee; Entrambi campioni di grandi dimensioni con prestiti dall’estero e mostre fotografiche (chiamati Contesti) che sottolineano le opere del museo stesso. Tra le antologie più ambiziose ci sono: El Greco (1999), Braque (2002), Gauguin (2004 e 2012), Durero e Cranach (2007-08), Ghirlandaio e il Rinascimento a Firenze Pissarro (2013), Zurbarán (2015) ) o Caravaggio e i pittori del nord (2016).

Rinascimento italiano, secoli XIII-XVI:
Nelle prime sale del 2 ° piano, ci sono Cristo e il Samaritano di Duccio, un’Adorazione dei Magi di Luca di Tommè, due tavole di Bernardo Daddi (una Vergine con il Bambino e una piccola Crocifissione) e il San Pedro di Simone Martini (Fornito da Carmen Cervera). Altri pezzi importanti di questo periodo sono depositati nel MNAC di Barcellona; Sono dovuti ad autori come Taddeo Gaddi, Lorenzo Monaco e Fra Angelico (La Madonna dell’Umiltà).

Il Quattrocento italiano ha esempi di numerosi maestri che non esistono nel Prado, come Domenico Ghirlandaio con il Ritratto di Giovanna Tornabuoni, dal 1489 al 1990. Vi sono dipinti (di solito di piccole dimensioni) di Benozzo Gozzoli, Piero della Francesca (Ritratto di Guidobaldo de Montefeltro), Paolo Uccello (Crocifissione tra i santi), Cosimo Tura, Ercole de’Roberti, Marco Zoppo, Bramantino (Cristo risorto) Antonello da Messina, Alvise Vivarini, Francesco Botticini, Andrea Solario … L’imponente Giovane gentiluomo in un paesaggio (1510) di Vittore Carpaccio è un gioiello chiave ed è considerato il primo ritratto a grandezza naturale e a grandezza naturale dipinto in Europa. Presenta una sala con opere memorabili di Gentile e Giovanni Bellini, Palma il Vecchio, Fra Bartolommeo, Bernardino Luini, Piero di Cosimo, Bartolommeo Veneto, Domenico Beccafumi, Bronzino (San Sebastián), Sebastiano del Piombo (Ferry Carondelet e suoi segretari), Tiziano (The dux Francesco Venier) …

Rinascimento tedesco: Dürer, Holbein …:
Il Rinascimento tedesco ha più di 40 pezzi, un set più ricco del Prado che include Durer (Gesù tra i dottori), Lucas Cranach il Vecchio (Hans) e il famoso Ritratto di Enrico VIII di Hans Holbein Il giovane, l’unico ritratto di Il monarca autografo rimasto di Holbein e di cui la National Gallery di Londra era particolarmente interessata. A loro aggiungono un tavolino con La sepoltura di Cristo di Hans Burgkmair e due importanti esempi di Hans Baldung Grien: Adamo ed Eva e un ritratto di donna rara nella sua produzione.

Questa sezione comprende anche una vasta gamma di ritratti dipinti da altri artisti: Albrecht Altdorfer, Hans Holbein il Vecchio, Christoph Amberger, Michael Wolgemut, Bernhard Strigel, Barthel Beham, Hans Cranach, ecc.

Paesi Bassi, XV e XVI secolo: Van Eyck, Memling …:
I primitivi fiamminghi non eguagliano la ricchezza del Prado, sebbene qui sia conservato l’unico esempio di Jan Van Eyck in Spagna: Dittico dell’Annunciazione. Esse sottolineano anche una piccola Vergine con il Bambino e un Ritratto di uomo attribuito a Rogier van der Weyden, La Vergine dell’albero secco di Petrus Christus, una delle pochissime opere documentate di Jacques Daret (L’adorazione dei Magi), Ritratto di Robert Of Masmines attribuito a Robert Campin, una crocifissione giovanile di Gerard David e un superbo ritratto di Hans Memling, il cui rovescio mostra un vaso di fiori con l’anagramma di Cristo, che costituisce un insolito e primo esempio di natura morta. Già nel sedicesimo secolo, si può citare Giovanni di Fiandra (ritratto supposto di Caterina d’Aragona), Jan Gossaert (Adamo ed Eva), Ambrosius Benson, Joachim Patinir, Joos van Cleve (Autoritratto con garofano), Jan van Scorel, Jan Mostaert, Marinus van Reymerswaele, Martin van Heemskerck (Donna che gira), Bernard van Orley, Lucas van Leyden (Il gioco di carte) e Antonio Moro (Ritratto di Giovanni Battista Castaldo).

Da Giulio Romano a Caravaggio e Rubens:
Una galleria che si affaccia sul Paseo del Prado è dedicata ai ritratti: Giulio Romano, Bronzino, Ridolfo Ghirlandaio, Parigi Bordone, Veronese, Correggio, Lorenzo Lotto, François Clouet (La lettera) … Espone anche The Rapture of Europe, grande tela di Simon Vouet. Le sale vicine ospitano opere straordinarie come San Girolamo di Tiziano, Scena pastorale di Jacopo Bassano, quattro tele di El Greco (Cristo con la croce sulle spalle, L’Immacolata Concezione e due Annunciazioni) e la famosa Santa Caterina di Caravaggio , tra gli altri. Tintoretto espone qui un paio di tele bibliche, alle quali si aggiunge il monumentale Paradiso appeso nell’atrio, che il barone acquistò nel 1980. Del barocco spagnolo, due dipinti di José de Ribera (una pietà del 1633 e di San Girolamo penitente), altri due di Zurbarán (un Cristo crocifisso e una Santa Casilda), uno molto importante di Murillo (La Vergine e il Bambino con Santa Rosa di Viterbo) e una natura morta di Juan van der Hamen. Sono in concorrenza con autori stranieri come Valentin de Boulogne, Tommaso Salini, Guercino, Sebastiano Ricci, Mattia Preti, Carlo Maratta, Giulio Carpioni, Francesco Maffei, Antoine Le Nain, Claudio de Lorena, Sébastien Bourdon, Jacques Linard. Figlie e Santa Cecilia, catalogate rispettivamente come opere di Orazio Gentileschi e Bernardo Strozzi quando la collezione arrivò in Spagna, ma oggi consideravano opere di laboratorio.

Per la collezione di pittura barocca italiana vedi anche allegato: pittura italiana del barocco nelle collezioni pubbliche di Madrid.

Lo sfondo fiammingo del XVII è relativamente piccolo, sebbene includa esempi di Rubens come un Ritratto di giovane donna con il rosario e una Venere davanti allo specchio copiato di Tiziano. Anche il ritratto di Jacques Le Roy di Van Dyck è rilevante, e ci sono opere di Jacob Jordaens (La Sacra Famiglia), Cornelis de Vos (Ritratto di Antonia Canis), Jan Fyt (Natura morta con mazzo di asparagi), Jan Brueghel il Vecchio ( Tempesta sul mare di Galilea), David Teniers the Younger …

Barocco olandese: Rembrandt, Frans Hals …:
Nelle ultime sale del 2 ° piano, con una piccola Adorazione dei pastori di Joachim Wtewael, inizia la mostra della ricca collezione di pittura olandese, guidata da Frans Hals e Rembrandt. Un autoritratto di quest’ultimo, acquisito nel 1976 e sottovalutato in copia, è stato autenticato come suo originale. È circondato da autori vicini al suo stile, come Ferdinand Bol e Govert Flinck, così come una coppia di ritratti di Gerard Ter Borch. In una sala adiacente sono riuniti autori tenebristi olandesi e fiamminghi: Mathias Stomer, Hendrick Terbrugghen (Esau che vende il suo diritto di nascita), Michael Sweerts …

La sezione olandese continua al 1 ° piano, con il gruppo familiare e il nero allevati in un paesaggio, grande e molto rilevante dipinto di Frans Hals. Seguono Gerrit van Honthorst (violinista con il vetro) e specialisti di scena di genere come Adriaen van Ostade e Jan Steen (Autoritratto), tre nature morte di Willem Kalf, diversi paesaggi di Jacob Ruysdael e altri nomi come Ambrosius Bosschaert , Pieter de Hooch La Camera del Comune di Amsterdam), Jan Lievens, Meindert Hobbema, Philips Koninck, Albert Cuyp, Pieter Jansz Saenredam (La chiesa di S. Maria di Utrecht), Jan Jansz van de Velde, Arent de Gelder, Nicolaes Maes (The Drummer disobedient) …

Dal rococò al realismo:
I piani 2 e 1 ospitano le opere del XVIII secolo con Watteau (Pierrot contento ed El descanso), Boucher (Il gabinetto), Nicolas Lancret (Allegoria della Terra), Fragonard (una versione giovanile di Lo swing), Jean-François de Troy, Hubert Robert (Il tempio di Diana a Nimes), Jean-Marc Nattier, Chardin (Natura morta con gatto e striscia e altre due opere), Pietro Longhi (I solletici), Piazzetta (Ritratto del pittore Giulia Lama), Pittoni Riposo in volo per l’Egitto, Il sacrificio di Polixena) e il Tiepolo: Giambattista, con la monumentale morte di Jacinto, e suo figlio Domenico.

I grandi maestri del vedutismo veneziano, privi della presenza nel Museo del Prado, hanno qui un ricco repertorio: tre opere del Canaletto, due delle quali sono molto importanti nel loro periodo migliore; Altre due visioni di Francesco Guardi e esempi di Bernardo Bellotto e Michele Marieschi. Vale anche la pena ricordare la pittura inglese dello stesso secolo XVIII, tradizionalmente ignorata nei musei spagnoli: Gainsborough (Ritratto di Sarah Buxton), Thomas Lawrence, Johann Zoffany (L’attrice Ann Brown nel giornale di Miranda) …

Tre ritratti di Goya segnano la transizione al Romanticismo, con piccoli dipinti di Delacroix (Cavaliere arabo), Géricault e Caspar David Friedrich (Mattino di Pasqua), Realismo con Corot e Courbet (Il Broème Brème) …

Impressionismo: Manet, Monet, Degas …:
Il panorama del XIX secolo culmina con l’impressionismo, che comprende quasi tutti i maestri eccezionali: Manet (Amazon fronte), Renoir (Donna con ombrello in un giardino, 1875), Monet (Il disgelo a Vétheuil, 1881), Degas ( Ladies at the millinery, Green Dancer), Camille Pissarro (paesaggi Marly Forest e Saint-Honoré Street, effetto pioggia), Alfred Sisley (The Flood at Port-Marly, 1876), Pierre Bonnard Misia Godebska), Berthe Morisot (Lo specchio medicazione ) …

Post-impressionismo e la fine del secolo: Van Gogh, Cézanne, Munch …:
Van Gogh ha quattro opere di diverse fasi, come il petrolio Il villaggio di Les Vessenots in Auvers e l’incisione Le mangiatori di patate, mentre Paul Gauguin è presente solo con un paesaggio dei suoi primi anni, anche se il prestito della Collezione Carmen Thyssen-Bornemisza porta un set molto rilevante di questo artista, con altri otto dipinti e una curiosa scultura in gres. Toulouse-Lautrec è presente con due gouaches e un olio raro, la rossa con la camicia bianca; Lo rivaleggia con Paul Cézanne con l’importante tela precubista Seated peasant (1905-06) e una natura morta ad acquerello.

Il museo presenta anche esempi di altri artisti del secolo scorso: Edouard Vuillard, il simbolista Gustave Moreau, Ferdinand Hodler, Lovis Corinth, James Ensor e Kees van Dongen. Forse li eclissa (almeno per la fama attuale) Munch con la tela Sunset. Laura, la sorella dell’artista (1888).

Pittura americana del XVIII e XIX:
Colpisce l’insieme della pittura americana del diciottesimo e diciannovesimo secolo, un’area di storia dell’arte poco conosciuta in Europa. Include esempi di Gilbert Stuart, John Singleton Copley, Winslow Homer (tre dipinti e due acquerelli), Maurice Prendergast e John Singer Sargent (Ritratto della duchessa di Sutherland). Il barone Thyssen assemblò queste opere in pochi anni, prima che il loro valore fosse aumentato; Si dice che ora è difficile aggiungere esempi simili.

Fauvismo: Matisse e Derain:
La sezione del ventesimo secolo ha un ruolo di primo piano nel Museo Thyssen; Copre ampie lacune del panorama artistico di Madrid e bisogna ribadire che è stato interamente conformato dal barone Hans Heinrich.

Il campione di Fauvismo è molto piccolo; Henri Matisse ha appena un piccolo esempio (I fiori gialli), anche se è necessario enfatizzare un paesaggio londinese citato del miglior palcoscenico di André Derain (Il ponte di Waterloo, 1906).

Germania: espressionismo e nuova obiettività:
L’imperatrice Nolde, Max Beckmann (Autoritratto con la mano alzata e Quappi vestito di rosa), Franz Marc, Ludwig Meidner e l’imperatrice Nolde, furono i più importanti esempi di espressionisti tedeschi come Ernst Ludwig Kirchner (otto opere tra cui Buscona Street vestita in rosso) Karl Schmidt-Rottluff, Erich Heckel, ecc.

Una menzione speciale dovrebbe essere fatta di artisti atipici come Wassily Kandinsky, Lyonel Feininger e Egon Schiele. Tutti e tre hanno un repertorio vario, in particolare Kandinsky con vari dipinti e acquerelli che vanno dal suo palcoscenico figurativo dall’inizio del secolo fino all’astrazione totale degli anni ’20. Anche il dadaista Kurt Schwitters ha un buon repertorio: tre assemblee, un collage e un dipinto.

La nuova oggettività è presente con un importante ritratto di Otto Dix (Hugo Erfurth con un cane), due di Christian Schad e un ricco repertorio di George Grosz, con vari acquerelli e disegni insieme a due dipinti. Il suo gioiello è Metropolis, capolavoro che fu defenestrada dal regime nazista come arte degenerata. Fortunatamente non fu distrutto e Grosz lo recuperò. Può anche essere incluso in questo flusso per Oskar Kokoschka, presente con un ritratto.

Cubismo e Futurismo:
Il piano terra del museo cambia il colore salmone delle pareti con il bianco, per dedicarsi interamente al ventesimo secolo, dal cubismo alla pop art e all’iperrealismo.

Gli esempi del cubismo analitico di Picasso (Man with clarinet, 1911-12) e Georges Braque (Woman with mandolin, 1910) sono molto citati, così come The Smoking Man di Juan Gris. Il repertorio di Picasso non è limitato al cubismo poiché copre diverse fasi dell’artista, dal suo palcoscenico blu agli anni 30; Basti menzionare il maestro Arlecchino con uno specchio, la famosa incisione giovanile Il cibo frugale e uno schizzo precubista accanto a Las señoritas de Avignon. Il successivo esempio di Picassian è una corrida del 1934. Anche Juan Gris e Braque hanno altri pezzi: di Gray è esposta Bottle and fruit bowl (1919) e di Braque un paesaggio del 1908-09 e la grande natura morta La tovaglia rosa del 1938.

Altri artisti più o meno fedeli al cubismo sono Robert Delaunay, Sonia Delaunay-Terk, Albert Gleizes, František Kupka, Auguste Herbin, Francis Picabia e Léger, di cui è esposta l’opera La escalera (secondo stato). Dei tentativi cubisti di Dalí, Pierrot e chitarra sono esibiti (1924); Questo autore ha anche due importanti oli surrealistici.

Il Futurismo italiano è rappresentato dalle opere di Gino Severini, Giacomo Balla, Fortunato Depero, Umberto Boccioni … Il Vorticismo inglese, movimento che non sussiste in molte opere, è illustrato da Percy Wyndham Lewis, David Bomberg e Edward Wadsworth.

L’avanguardia russa:
Il Museo Thyssen-Bornemisza ha più di venti opere che rappresentano varie fasi dell’avanguardia russa: neoprimitivismo, rayonismo, costruttivismo … Puoi citare (in ordine alfabetico): Yuri Annekov, Ylia Chashnik, Alexandra Exter, Natalia Goncharova, Mikhail Larionov Four opere), The Lissitzky, Malevich, Liubov Popova (tre oli), Olga Rozanova …

Astrazione tra le guerre:
Dal gruppo De Stijl, in questo museo sono rappresentati sia Mondrian che Theo van Doesburg. Mondrian espone tre dipinti (per evidenziare New York City, New York) e i secondi altri due oli e una tempera. Anche Vilmos Huszár e Bart van der Leck hanno due lavori ciascuno.

Dal Bauhaus tedesco sono presenti sia Oskar Schlemmer che Moholy-Nagy; Del secondo, la grande pittura della ferrovia è considerata una parte fondamentale del suo approccio al costruttivismo russo.

Chagall, Paul Klee:
Oltre agli ultimi lavori di maestri già citati, come Kandinsky, Léger e Braque, il Museo Thyssen-Bornemisza esibisce una generosa rappresentazione di due artisti inclassificabili, o almeno non si adattano a nessuna delle correnti dominanti del loro tempo: Marc Chagall e Paul Klee. Di Chagall ci sono quattro opere: una tempera, Nudo Maschile, abbastanza rara per il suo tema e per il suo stile tra Fauvismo e Cubismo; L’olio Il gallo (1929) e due importanti opere della sua produzione, oli La casa grigia (1917) e La Vergine del villaggio (1938-42). Anche Klee ha quattro esempi: Veduta di una piazza (1912), House revolving (1921), Still life with dice (1923) e Omega 5 (1927). Il museo possiede anche un ritratto appena abbozzato di Kiki de Montparnasse di Modigliani.

Surrealismo:
Il surrealismo ha una forte presenza in questo museo; Sono solo una quindicina di opere, ma per la loro importanza e varietà costituiscono una delle basi del background moderno. Salvador Dalí è forse il protagonista di questo set grazie alla tela iconica Dream causata dal volo di un’ape intorno a una granata un secondo prima del risveglio (1944). È accompagnato da un altro dipinto dell’artista diametralmente opposto dal suo colore scuro: Gradiva trova le rovine di Anthropomorphs (1931).

Altri autori surrealisti con opere importanti sono: Paul Delvaux (Donna prima dello specchio, 1936), René Magritte (La chiave dei campi, 1936) e Joan Miró (Il contadino catalano della chitarra, 1924). Miró conta su altri due esempi: Pittura su sfondo bianco (1927) e L’uccello del fulmine accecato dal fuoco della Luna (1955).

Max Ernst si distingue con quattro opere: Untitled. Dadá (1922), Flor-Concha (1927), decalcomania Albero solitario e alberi coniugali (1940) e tela 33 ragazze in cerca di una farfalla bianca (1958). Yves Tanguy è presente con tre: Dead stalking his family (1927), Still and always (1942) e Imaginary Numbers (1954).

EE. Dal cubismo all’iperrealismo:
Per la pittura americana, il Thyssen Museum è una sorta di ambasciata in Europa, poiché questa galleria è probabilmente l’unica del continente che ha un repertorio abbastanza completo dell’evoluzione artistica degli Stati Uniti, dal tempo dell’indipendenza nel secolo XVIII per astrarre l’espressionismo, la pop art e il primo iperrealismo degli anni ’60.

Nel ventesimo secolo, il repertorio americano ebbe inizio con Stuart Davis, Charles Demuth, Arthur Dove, Marsden Hartley, John Marin, Charles Sheeler, Max Weber e uno dei più grandi pittori del paese, Georgia O ‘Keeffe; Il museo ha quattro sue opere, disparate come l’oscura Abstraction (1920) e la luminosa White Lily No. 7 (1957). Il lato figurativo della metà del secolo è forse più popolare, grazie ad autori come Milton Avery, Ben Shahn, Andrew Wyeth e soprattutto Edward Hopper. Il museo ha esempi di tutti loro, e Hopper possiede la famosa camera d’albergo (1931). Insieme ad un’altra piccola tela e un acquerello, forma un campione di questo artista possibilmente unico in Europa.

Il panorama degli ultimi decenni spazia dalla pittura astratta, sia di tipo geometrico che action painting (Jackson Pollock), al pop e al primo iperrealismo di Richard Estes. Tra gli autori pop figurano Richard Lindner (Moon on Alabama), Tom Wesselmann (Grand Nude No. 1), Roy Lichtenstein (Woman Bathing), Robert Rauschenberg (Express) e James Rosenquist (Smoked Glass, 1962). Altri artisti sono (in ordine alfabetico): Josef Albers, Romare Bearden, Joseph Cornell, Arshile Gorky, Hans Hofmann, Willem de Kooning, Morris Louis, Mark Rothko, Frank Stella, Clyfford Still, Mark Tobey …

L’Europa dalla seconda guerra mondiale:
Un ritratto del barone Thyssen dipinto da Lucian Freud nel 1981-82 è l’opera più recente appesa nel museo; È uno dei quattro esposti da questo autore di tutto rispetto. Sono una delle principali attrazioni di un repertorio europeo del dopoguerra, per lo più figurativo.

Tra i coautori possiamo citare: Michael Andrews, Karel Appel (Wild Horses, 1954), Frank Auerbach, Francis Bacon (Ritratto di George Dyer in a Mirror, 1968), Balthus (The Card Game, 1948-50), Willi Baumeister, Lucio Fontana, Alberto Giacometti, Domenico Gnoli, Renato Guttuso, David Hockney (in memoria di Cecchino Bracci, 1962), Ronald Kitaj (greco di Izmir (Nicos), 1976-77), Roberto Matta, Henry Moore e Nicolas de Staël .

Deposito a Barcellona:
Sin dalla sua fondazione, il Museo Thyssen-Bornemisza ha conservato a Barcellona una selezione di opere, vicine ai sessanta, che sono completate da altri pezzi (come le incisioni religiose) ancora appartenenti alla famiglia Thyssen. Nel 1993 questo set è stato presentato al pubblico installato in due sale del Monastero di Pedralbes, monumento di grande valore storico e anche artistico dai murales medievali che conserva. Si capì che questo luogo era il luogo ideale per questa collezione, ricca di pittura di primitivi italiani, e allo stesso tempo si sperava che il monastero avrebbe guadagnato flusso turistico. Ma le aspettative non sono state soddisfatte e nel 2004 il magazzino Thyssen-Bornemisza si è trasferito nel centro di Barcellona, ​​il Museo Nazionale dell’Arte della Catalogna (MNAC), dove contribuisce a offrire una panoramica più completa della pittura europea.

Il repertorio è molto vario: inizia nell’arte medievale italiana e raggiunge il diciottesimo secolo. Particolarmente prezioso è l’insieme dei primitivi italiani, con tavole di Taddeo Gaddi (La Natividad), Barnaba da Modena, Andrea di Bartolo Cini (La via del Cristo al Calvario), Bicci di Lorenzo, Lorenzo Monaco (La Vergine e il bambino tra gli angeli), Francesco del Cossa, Lorenzo Costa e la celebre Madonna dell’umiltà di Beato Angelico.

Il Cinquecento comprende esempi di grandi maestri italiani come Tiziano (La Vergine col Bambino, Ritratto di Antonio Anselmi), Tintoretto (Ritratto di un senatore veneziano), Veronese (L’Annunciazione), Dosso Dossi e Lorenzo Lotto. La scuola tedesca ha quattro tavole di Lucas Cranach il Vecchio, i ritratti di Wolf Huber e Hans Müelich e una curiosa scena religiosa di Ulrich Apt.

Il barocco del XVII e XVIII secolo è rappresentato da autori italiani come Ludovico Carracci (Sebastiano Ricci (Francesco Maffei, Canaletto a Venezia), Francesco Guardi, Pietro Longhi, Piazzetta, Gaspare Traversi, Giandomenico Tiepolo (Cristo espelle i mercanti dal tempio) e Giacomo Ceruti (gruppo di Mendicante).

Il repertorio depositato nel MNAC comprende anche un’importante tela di Rubens (La Vergine e il bambino con Sant’Anna e San Giovanni), un paesaggio dell’olandese Salomon van Ruysdael e altri esempi discreti di Zurbarán (Cristo crocifisso) e Velázquez (ritratto di La regina Mariana d’Austria che potrebbe essere una replica di officina).