Il barocco nel significato storico della musica europea fu un periodo che va dal 1600 circa al 1750. Sin dall’inizio, la musica nel barocco si allontanò dalla musica del Rinascimento. Sostituendo la polifonia (più melodie simultaneamente) nella canzone dell’omofonia (una voce principale) per permettere al testo di dominare, creando opere, oratori, cantati e monodie, la musica vocale si sviluppava in modo acuto. All’inizio del barocco, le scale modali erano per lo più associate alla musica sacra scambiata con la musica tonale. Ciò ha fatto grandi differenze sia nel suono che nella capacità di comporre pezzi più avanzati.

I pezzi strumentali non clericali erano un’innovazione nel barocco. C’era una grande variazione tra loro, da toccata, articolazioni, preludier, ricercari e capriccio a canzonettisti, suite, sonate e concerti. L’orchestra si sviluppò in modo significativo nel barocco, e man mano che gli strumenti divennero sempre migliori, sempre più furono inclusi. Gli strumenti che colpiscono il barocco includono violino, violoncello, croce, clarinetto, fagotto, obo, corno inglese e prime versioni di trombe, trombe e trombone. Nuove imbarcazioni nella musica vocale e strumentale sono state lo sviluppo del basso generale, uno dei primi esempi di trasmissione del ritmo a uno strumento. Laddove la musica vocale era gay, la musica strumentale rimaneva polifonica e spesso veniva usato il contrappunto.

La musica inizialmente barocca era dominata dai compositori italiani; Claudio Monteverdi era uno dei più famosi di loro. Alla fine i compositori olandesi, tedeschi, francesi e inglesi ne escogitarono altri. La cultura musicale in ogni paese variava di volta in volta tra l’uso della musica italiana, l’ispirazione, la creazione o la cura della propria musica. L’opera, per esempio, fu inizialmente tentata in Germania cantando dei giochi prima che l’opera italiana prendesse il sopravvento. L’opera inglese era un misto di spettacoli di opera e maschere italiane, e l’opera francese era caratterizzata da molto balletto e tecniche proprie, a lungo governate totalmente da Jean-Baptiste Lully. Tuttavia, l’opera italiana è diventata più popolare e accessibile ai cittadini attraverso lo sviluppo a Venezia e Napoli.

Anche la musica strumentale si è sviluppata in modo diverso. In Italia, il violino divenne molto popolare e la sonata fu inventata per mostrare le caratteristiche dello strumento. Arcangelo Corelli è stato fondamentale per il successo della sonata. In Francia, compositori come Marc-Antoine Charpentier hanno creato fiere e oratori francesi, mentre la prodigio Elisabeth Jacquet de La Guerre ha scritto impegnativi cembalostici. In Germania, Heinrich Schütz e Johann Hermann Schein hanno introdotto una serie di nuovi stili musicali. Samuel Scheidt e in seguito Johann Pachelbel e Dietrich Buxtehude hanno avuto un grande successo con la musica d’organo, sia fiere geologiche che toccate e fantasie mondane.

Il bar in ritardo ha avuto un enorme sviluppo di musica strumentale speciale. Sotto Johann Sebastian Bach, sia la toccata, l’articolazione e, in parte, l’immaginazione hanno dato uno sviluppo e una popolarità significativi. Georg Friedrich Händel sviluppò in particolare l’opera e gli oratori, Georg Philipp Telemann sviluppò concerti, opera buffa e una serie di altri temi, Antonio Vivaldi e Tomaso Albinoni furono cruciali per l’ulteriore sviluppo del concerto sonato e solista, Jean-Philippe Rameau sviluppò il l’opera in Francia e in Italia e Domenico Scarlatti e François Couperin, insieme a Telemann, contribuirono a gettare le basi per lo stile galante che seguì il barocco. Lo stile galante e il classicismo si ribellarono allo stile complicato barocco, e volevano la musica gay con una semplice camminata di basso e una messa a fuoco più mondana.

La musica nella barra centrale (1630-1700)
La musica italiana ha dominato fortemente all’inizio del barocco, ma ben presto compositori tedeschi, francesi e inglesi si sono sviluppati da soli. Strumentalmente, si stava sviluppando una lotta tra la famiglia del violino a larga scala e l’eccentrica gamfamily. Anche i soffiatori si sono sviluppati, specialmente i soffiatori di legno, più verso il modo in cui li conosciamo oggi.

Con l’evolversi della musica, divenne più chiaro che esisteva una distinzione tra musica mondana ed ecclesiastica. Ad esempio, la musica del mondo potrebbe essere intesa per stanza (“camera”) in casa, e la parola “musica da camera” viene da lì. È diventato diverso dalla musica per la chiesa e per il teatro, inclusa l’opera. Mentre fuge, preludium e toccata continuavano ad essere popolari, riccercars e capriccio diventavano pezzi meno comuni per gli strumenti ad arco. La sonata si sviluppò fortemente, specialmente sotto Arcangelo Corelli, e divenne uno dei generi musicali dominanti. La musica strumentale era in gran parte divisa in due gruppi: Sonate e generi o suite correlati e generi correlati. I figli erano meno membri dell’equipaggio, mentre le suite – danze stilizzate, concerti e sinfonia – strettamente legate alle superstizioni, avevano orchestre molto più grandi.

L’opera era anche più accessibile ad un pubblico più ampio, con lo sviluppo a Venezia e successivamente a Napoli. L’attenzione si è concentrata sempre più sulle canzoni e in parte sulla scenografia, di solito a spese della storia. In Francia, il balletto era stato a lungo dominante, ma l’opera è arrivata anche attraverso il balletto. L’opera francese fu pesantemente dominata da Jean Baptiste Lully, e dopo la sua morte ci fu un periodo di morte nell’opera francese. L’Inghilterra sperimentò qualcosa dello stesso; L’opera inglese arrivò tardi nel periodo, ebbe un breve ma grande periodo di fioritura, specialmente Henry Purcell, e scomparve di nuovo alla sua morte. L’opera tedesca era più modesta, ma Reinhard Keizer riuscì a creare un certo entusiasmo per il genere. All’interno della musica sacra, i pagani arrivarono anche nei paesi protestanti, specialmente con Schütz come contributore. Pasie divenne un’alternativa all’oratorio e ai Kantate, e così la musica vocale della chiesa si evolse.

Storicamente, i compositori inglesi e tedeschi avevano uno sfondo difficile. La futura Germania era un mosaico di stati tedeschi più o meno indipendenti, divisi in aree protestanti e cattoliche, entrambi gravemente danneggiati durante la guerra dei tre anni. Per la Gran Bretagna, il periodo pietistico di Oliver Cromwell e il relativamente modesto ritorno dell’arte e della musica durante Carlo II si indebolirono gravemente.

strumenti
Lo sviluppo degli strumenti è proseguito con una serie di innovazioni. Nel gioco tra le gambe e il violino, la viola d’amore intermedia ha avuto il suo bel tempo. Faceva parte del gioco d’azzardo, ma non veniva giocato tra le gambe, come il tradizionale gamber, ma sotto il gancio, come un violino. Di solito aveva sette stringhe e sette corde. Viola d’amore ha combattuto a lungo con il violino sull’attenzione, ma la tendenza era a favore del violino. Uno dei motivi per cui il violino ha vinto sono state le innovazioni nella produzione di strumenti italiani. In particolare, il violino Stradivari divenne popolare, ma prima era anche Nicolò Amatisviolinista molto richiesto. La popolarità del violino significava che i compositori italiani creavano solosonater, triosonate e concerti, tutti per mostrare le caratteristiche del violino. Un’altra battaglia nella famiglia Ironman era tra il gioco d’azzardo e il violoncello. Dopo il 1680 il violoncello era predominante nelle orchestre, sebbene il gioco fosse ancora usato come strumento solista fino alla fine del XVIII secolo. Tuttavia, la gamfamily vinse la battaglia per lo strumento basso, quando il contrabbasso divenne uno degli strumenti principali del basso generale insieme al cembalo.

All’interno degli strumenti di soffiaggio c’era anche uno sviluppo. Lo skalmeien fu sostituito da un bob barocco, che aveva un affitto più grande. Inoltre, la famiglia dei boscaioli ha un nuovo strumento, il chalumeauen. Questo precursore del clarinetto ha introdotto la faccia singola all’ugello rispetto al doppio tubo dell’oboe. Il fagotto è stato sviluppato allo stesso tempo dai Dulsian di Amsterdam, Parigi e Norimberga.

musica lirica
L’opera ha avuto un enorme sviluppo nel corso del 17 ° secolo. La variazione dei resitativi e delle arie da un lato e la scenografia e il dramma dall’altro hanno fatto sì che molte scuole in competizione scegliessero le proprie soluzioni. Di questi, era la scuola napoletana che dominava. L’Italia era leader nello sviluppo, ma anche l’opera francese e inglese divenne applicabile. C’erano anche alcune opere tedesche verso la fine del periodo.

Opera italiana
Nel 1637 aprì il primo teatro d’opera a Venezia, il Teatro San Cassiano. E ‘stato seguito da diversi teatri d’opera. L’opera era quindi accessibile al pubblico in generale. Ciò significava anche che l’opera doveva adattarsi al gusto del pubblico. Uno dei cambiamenti fu quindi che l’opera veneziana si concentrò molto sulla scenografia, con gli angeli volanti e la cavalleria che cavalcava sul palcoscenico. Un altro cambiamento fu che l’Ariete guadagnò più attenzione e venne al centro. In una certa misura, questo ha portato anche al dramma dell’opera in sottofondo. I principali compositori d’opera furono Antonio Cesti e Francesco Cavalli, entrambi con una particolare mitologia greca come tema principale. L’Opera si era quindi mossa in una chiara direzione lontana dal punto di partenza con le scuole romane e veneziane. Ariène era in prima linea, le restitutività divennero importanti, l’orchestra fu usata per creare l’umore, la scenografia era essenziale e il tema era più spesso derivato dai tempi antichi.

Nel 1675, Napoli subentrò come principale operatore in Italia, e rimase dominante per lungo tempo, in parte a causa di Alessandro Scarlatti. Nella scuola napoletana, la scenografia e gli strumenti scenici sono diventati meno importanti mentre la canzone è stata ulteriormente sviluppata. La canzone è arrivata in prima fila, ma in aggiunta la melodia è diventata importante, così che la storia della storia è stata superata. Così, l’opera napoletana si era allontanata dal secondo principio di Monte Verde. Il dramma, che era già in sottofondo a Venezia, era ancora più disinteressato, e più o meno era un modo libero per passare dal numero della canzone al numero della canzone. Ora anche le donne hanno avuto l’opportunità di cantare senza eccedere la popolarità delle canzoni di Castrat. Hai avuto madri primate e il primo uomos che è cresciuto, e spesso l’azione drammatica dell’opera potrebbe essere interrotta dal fatto che una primadonna ha cantato una canzone che era particolarmente famosa nel bel mezzo di un’altra opera, il che ha reso il dramma ancora più difficile da seguire. Fu anche qui che la tendenza a cantare i testi fu ripetutamente stabilita. La scuola napoleonica Totally Endured to Christoph Willibald Gluck prese un accordo contro l’azione interrotta, le arie straniere, il dramma sullo sfondo e il trattamento speciale delle madri primate.

Opera francese
In Francia, l’opera non fu un grande successo nonostante i costanti processi, tra gli altri, del cardinale Mazzarino. Tuttavia, Jean Baptiste Lully ha fatto un’apparizione disastrosa.

Lully era originario di Firenze, ma si trasferì da ragazzo a Parigi. Lì ha contribuito a costruire sia il balletto che l’opera. Lully fu infine assunto dal re Ludvig XIV dopo che sua sorella lo aveva usato come violinista. Lully crebbe con le sfide e scrisse molti pezzi umoristici e balletti. Alla fine Lully collaborò con Molière, e realizzarono balletti comici, mescolati a danze, giochi e giochi di canto noti come tragédie lyrique. Essendo questi intermezzi – i pezzi collocati tra gli attori, ad esempio un pezzo teatrale – aumentati di popolarità, sono diventati anche più grandi e più elaborati. Poiché Lully ebbe molto successo con il re e anche da solo con la sua orchestra da camera, acquistò il diritto esclusivo alle opere. Quindi, non c’erano concorrenti per lui durante il periodo. Nel 1673 ha eseguito la sua prima opera.

L’opera francese di Lullys era caratterizzata da arie e resitativi accuratamente stampati, che non permettevano molta improvvisazione. Ha scritto l’opera così hanno combattuto con il linguaggio quotidiano francese. Le uniche opere sembravano separate dall’opera napoletana, era chiaro che erano anche ispirate da loro. Lully mise anche più enfasi sull’apertura strumentale di un’opera, che ribattezzò da sinfonia a ouverture. Aveva una divisione lento-veloce-lenta in cui la prima divisione lenta aveva un tema melodico, unanime, la parte dal ritmo veloce una melodia veloce, contrappuntistica e l’ultima, e facoltativa, la parte spesso ritornava alla prima parte di nuovo.

L’opera francese dopo Lully ha reso difficile. Nonostante il fatto che Lully fosse morto, i gruppi hanno scoperto che le sue opere dovevano essere registrate. Ciò ha comportato una ricezione molto varia dell’opera ai discendenti, come André Campra, Pascal Collasse, Henri Desmarets, Louis Lully, André Cardinal Destouches, Marin Marais ed Élisabeth Jacquet de La Guerre. Non è stato anche per i compositori francesi che Luigi XIV fu influenzato dal marchese di Maintenon, e tagliare l’opera durante questo periodo. Inoltre, la musica italiana aveva preso più spazio nel periodo successivo alla morte di Lully quando non controllava più la musica che arrivava nel paese.

Opera inglese
In Inghilterra, l’opera non ha avuto un inizio eccellente all’inizio. Innanzitutto, il paese aveva già un suo genere chiamato masque, una forma di canto con poesie, in cui danza, canto e musica strumentale si univano. Questo ha avuto lunghe tradizioni in Inghilterra. In secondo luogo, l’opera era italiana e cattolica, mentre l’Inghilterra era anglicana e aveva caratteristiche pietistiche. Terzo, tutte le forme di intrattenimento pubblico sono state chiuse per 15 anni sotto il puritanesimo di Oliver Cromwell. Solo 15 anni sembravano modesti nel grande contesto, non hanno mai catturato il masquen e molti compositori sono scomparsi. Karl II prese il sopravvento, ma passò molto tempo a riprendere teatro e giochi musicali per non offendere nessuno. Pertanto, non vi è stato alcun ritorno immediato di maschere o altri stili opachi.

Quando arrivarono nuovi compositori inglesi, l’opera era il tema, e John Blow divenne il primo a scrivere un’opera inglese quando compose Venere e Adone nel 1682. Tuttavia, Blow è stato rapidamente consegnato dal suo insegnante Henry Purcell. La prima opera di Purcell, Didone e Aeneas, divenne la sua più popolare, ma ebbe anche successo con The Fairy-Queen e King Arthur.

Purcell aveva imparato una parte del suo insegnante Blow, compreso l’uso di un equipaggio limitato di quattro persone. Altrimenti, la prima opera di Purcell è ispirata sia all’opera Masque che a Lullys, introdotta in Inghilterra da Carlo II in esilio. Quest’ultimo potrebbe essere visto in presenza di danza. In cambio, Purcell aveva anche elementi dell’opera italiana, come molti altri. Allo stesso tempo, è stato anche ispirato da John Blow e dalle precedenti tradizioni inglesi. Ciò si applica, ad esempio, alla presenza di uno stile di modalità al posto della scala diatonica maggiore e al resitativo di Purcell, simile a Blows.

Opera in paesi di lingua tedesca
Mentre Vienna fiorì come centro per l’opera, fu per molto tempo considerata una branca dell’opera veneziana. Il resto delle aree di lingua tedesca sono state caratterizzate sia dalla terza guerra mondiale che dalla serietà religiosa. C’erano poche opere, e quelli che esistevano stavano cantando giochi di natura religiosa, spesso con dialoghi piuttosto che con misure. Il compositore d’opera dominante nei territori della Germania settentrionale era Reinhard Keizer. L’imperatore, tuttavia, scrisse la maggior parte della sua opera nel periodo successivo, che fu anche dominato dalle opere di Georg Friedrich Händel e Georg Philipp Telemann. Anche Johann Mattheson ha scritto opere, ma i suoi scritti teorici sono più familiari delle sue composizioni.

Musica da camera e musica per orchestra
La musica da camera era la musica mondana che doveva essere suonata per una stanza relativamente grande, di solito con una famiglia nobile. Durante questo periodo questo era particolarmente vero per i sonas, i cantati e i tour dei concerti. Per distinguere tra musica religiosa e mondana, le Sonate e le Kantate sono spesso indicate come sonate da camera e registrazioni da camera.

Nel 1600, c’era una distinzione più chiara tra diversi sonate. All’inizio del secolo, un sonate era definito come “qualcosa da suonare”, a differenza degli cantati che cantano. Alla fine, divenne un termine di un gruppo di piccole parti, spesso danze, separate dalla musica, dalla trama, dallo stato d’animo, dal carattere e dal tempo e tempo di volta in volta. Quando i compositori svilupparono il genere, furono divisi in gruppi specifici, così che il sonate divenne alla fine una moltitudine di lavoro con chiare differenze in linea con l’affare dell’apprendimento. Intorno al 1660 vi fu anche il divorzio tra il sonato da camera e il sonato della chiesa.

Arcangelo Corelli fu uno dei principali compositori di sonate del periodo. Come l’infuria opposizione a Schütz, Corelli non ha lasciato alcuna musica vocale, mentre la sua musica strumentale è forse il momento culminante della musica da camera italiana verso la fine del 1600. Corelli era un violinista molto abile e sfrutta al massimo le possibilità del violino senza il fatto che fosse eccessivamente virtuoso. I suoi figli violinisti, triosonati e concerti grossi furono diffusi in tutta Europa, e ebbe una grande influenza sui compositori successivi del violino.

In generale, i sonate da camera di Corelli consistevano in preludium, seguiti da due o tre danze. Spesso le danze erano legate insieme in forma binaria, cioè la prima parte va da tonica a dominante, mentre l’altra passava da dominante a giù a tonika. La linea di basso era quasi un accompagnamento, e quindi non gioca una parte uguale, a differenza dei suoi figli di chiesa. I triosonati di Corellis furono principalmente scritti per adattare la musica lirica piuttosto che il virtuosismo. Aveva il maggior numero di canzoni nella classe media senza note alte o basse, feste veloci o altre sfide. Nessuno dei violini ha un ruolo più grande dell’altro. La sonata solista ha aperto molto di più alla virtuosa improvvisazione, ma per il resto ha seguito la forma sonata di Corelli. C’era una leggera differenza tra la chiesa e le sonerie da camera nei solosonati.

Le cantate si sono sviluppate nella musica da camera principale per il canto in Italia, e specialmente a Roma. Le cantate, spesso scritte per l’occasione e per un pubblico critico, sono state progettate per una stanza relativamente piccola senza scenografia, diventando così un’intimità che invitava a scherzare ed eleganza. Aumentò la domanda di cantate che derivò dalla missione assicurata sia per compositori che poeti, soprattutto perché più cantati erano mondani, di solito con amore pastorale eseguito dopo tecniche drammatiche. La musica era solitamente per due o più cantanti con continuo, di solito quando cembalo. Alessandro Scarlatti scrisse oltre seicento cantati e dominò in quel contesto. In particolare, Marc-Antoine ha preso Charpentier e Jacquet de la Guerre si è fatto fuori dalle cantate, e le ha cambiate in parte per dar loro uno stile più “francese”. Per quest’ultimo, significava, tra le altre cose, che aveva preso in prestito l’ouverture, ancora diversi luoghi chiamati Sinfonia, dall’opera. Ha avuto un successo molto maggiore con i suoi cantats operistici che con la sua opera. Jaquet de la Guerre ha anche contribuito con alcuni dei pochissimi casi di quadri di chiesa francesi. Un incrocio tra le cantate e l’opera era la serenata, che era a metà strada drammatica, per più cantanti e una piccola orchestra, e quindi troppo grande per camera e troppo piccola per le grandi sale da concerto.

I concerti si separarono dalla musica da camera tipica poiché erano progettati per un ensemble più grande, in cui diversi musicisti suonavano la stessa voce. Inizialmente, questa troupe era modesta con la musica scritta, in gran parte capovolgendo scritta, per esempio, Lully, ma verso la fine del 17 ° secolo sempre più pezzi furono scritti per l’orchestra scritta. Gli è stato dato il nome comune “concerto”, che in precedenza era usato per la musica vocale. Dei tre tipi principali, il concerto per orchestra – con enfasi sulla prima linea di fiolin e basso – era di minore importanza, mentre gli altri due, che suonavano la differenza nel suono e usavano l’orchestra in modo più consapevole, diventavano molto più popolari. Comprendeva il concerto grosso, dove un piccolo ensemble era allestito su un grande concerto per solista, con uno strumento solista contro il resto dell’orchestra. Sebbene Corelli fosse violinista, non ha scelto il concerto solista con violino e orchestra, ma piuttosto con il concerto grosso, più adatto allo stile musicale di Roma. La sua tecnica in cui la grande orchestra quasi copiava il piccolo era molto imitata in tutta Europa. La cosa più importante per il concerto è stata Giuseppe Torelli, che forse ha scritto i primi concerti, e ha definito il tema a ritmo lento preso dalle conversioni dell’opera. Il suo stile nord italiano fu continuato da Tomaso Albinoni di Venezia.

Élisabeth-Claude Jacquet de la Guerre fu lei stessa una dei primi figli, e già molto giovane apparve a Parigi e circondata da cembalo. È stata riconosciuta sia come musicista che come compositrice. Oltre a seguire le orme di Francesca Caccini e diventare la prima compositrice di opere liriche in Francia – anche se lungi dal successo, divenne molto famosa per i suoi pezzi di cembalo. Ha anche scritto sonas e cantati, per lo più con contenuti religiosi. I cembalostock di Jacquet de la Guerre erano principalmente suite, un nuovo stile di danze stilizzate, cioè brani musicali scritti in tempo di danza, ma spesso non usati per ballare. La differenza tra suite e sonate in questo momento era l’assenza di articolazioni e introduzione, oltre al fatto che le variazioni di ritmo e tempo erano maggiori. Tuttavia, hanno iniziato la Guerre con twoccata, ribattezzato in tocade in alcune delle loro suite, e lei è stata la prima a scrivere la toccata per il cembalo.

Musica sacra
La musica da chiesa francese è stata influenzata, così tanto in Francia, da Luigi XIV. Era contro le fiere e non voleva che qualcuno nella sua corte le scrivesse. Marc-Antoine Charpentier non apparteneva alla corte e scrisse fiere con grande successo. Charpentier ha utilizzato una vasta gamma di strumenti nelle fiere, e dal momento che non ha avuto molte fiere francesi da copiare, ha anche avuto grande libertà nello sviluppare quelle che voleva. Charpentier si è evoluto nel corso degli anni ed è riuscito a creare un equilibrio tra polifonia e omofonia, coro e orchestra, preghiera introspettiva e canto drammatico. Charpentier scrisse anche oratori, spesso ispirati alla musica italiana e francese. Tuttavia, il francese non ha usato il termine oratorio, ma piuttosto mottetto, dialogo o canticum. Ciò significava che Charpentier aveva una grande libertà nella progettazione degli oratori. Il pezzo più famoso di Charpentier viene da un mottetto che potrebbe essere stato un oratorio, Te Deum.

L’ufficio della chiesa tedesca è stato ispirato dal cantonese italiano, ma anche dalle opere di Heinrich Schütz. Trovò la sua strada al di là degli scettici segreti che si opponevano agli elementi dell’opera nella chiesa. I candidati alla chiesa avevano quindi canzoni più liriche e meno drammatiche. Una forma particolare di cantata della chiesa sono le cantate di corallo. Era basato su un inno e elaborato tutti i versi. Spesso la melodia del corallo era alla base delle variazioni.

Nelle aree di lingua tedesca, la musica sacra variava tra musica cattolica e protestante e internamente nelle aree protestanti. All’interno del cattolicesimo, molto non è stato risparmiato alla gloria di Dio, e per molte occasioni, come la fiera di Heinrich Ignaz Bibers al 1100 ° anniversario di Salisburgo, i cantanti di sei membri erano sedici cantanti e trentasette musicisti, ognuno con la propria voce. Nel protestantesimo, c’erano due direzioni principali, quella ortodossa, che volevano usare risorse come i cattolici, e il pietista che avrebbe risparmiato su tali spese. Ecco perché, nei contesti protestanti, i protestanti ortodossi hanno avuto il più grande sviluppo.

In passato, Heinrich Schütz era apparso come talentuoso drammaturgo musicale, e negli ultimi tempi ha svolto un ruolo importante sia negli oratori che nelle foto che ha scritto, uno nello spirito del Vangelo dopo Matteo, Luca e Giovanni.

Il compositore danese-tedesco Dietrich Buxtehude brillava sull’organo, lasciando dietro di sé una grande quantità di opere d’organo all’interno di twoccata, preludium, articolazioni e altro ancora. Aveva immaginazione, virtuosismo e raffinatezza e aveva il senso dell’improvvisazione. Buxtehude visitò sia Georg Friedrich Händel che Johann Sebastian Bach nei loro vecchi giorni. La maggior parte delle sue grandi opere d’organo sono scritte in forma a due cascate. Un toccataform è stato un lavoro di femsatser con preludium seguito da fuge numero 1 seguito da gioco intermedio seguito da fuge numero 2 e infine un twoccata. Buxtehude ha anche beneficiato di una pausa come strumento musicale.

Buxtehude scrisse anche 120 quadri di chiesa conservati. Questi spaziavano da solisti e bassi generali a sei voci con grande orchestra. Tuttavia, le cantate sono più caratterizzate da uno stile precoce in linea con Cavalli e Monteverdi. Hanno semplificato le armoniche e i motivi cantabili in linea con il secondo principio. Anche Scheidt e Schütz hanno avuto un’influenza su Buxtehude.

Der Buxtehude apparteneva alla scuola protestante della Germania settentrionale, Johann Pachelbel apparteneva al sud tedesco e cattolico. Pachelbel era particolarmente attivo a Norimberga. La sua musica d’organo è stata ispirata dalla musica italiana, ma allo stesso tempo anche il melodioso stile degli organi della Germania del Sud con armonie morbide e melodie singolari. L’enfasi di Pachelbel si basava su toccate e fantasie, ma scriveva anche musica da camera, incluso il suo famoso canone in D.