Das Barock in europäischer musikhistorischer Bedeutung war eine Zeit von etwa 1600 bis etwa 1750. Von früh an wandte sich die Musik im Barock von der Renaissance ab. Durch die Ersetzung der Polyphonie (mehrere Melodien gleichzeitig) im Lied der Homophonie (einer Hauptstimme), um den Text dominieren zu lassen und Opern, Oratorien, Kantaten und Monodien zu schaffen, entwickelte sich die Vokalmusik scharf. Früh im Barock wurden die modalen Tonleitern meist mit Kirchenmusik verbunden, die mit tonaler Musik ausgetauscht wurde. Dies machte große Unterschiede sowohl im Klang als auch in der Fähigkeit, fortgeschrittenere Stücke zu komponieren.

Nicht-Geistliche Instrumentalstücke waren eine Innovation im Barock. Es gab eine große Variation zwischen ihnen, von Toccata, Fugen, Preludier, Ricercars und Capriccio zu Canzonaer, Suiten, Sonaten und Konzerten. Das Orchester entwickelte sich wesentlich im Barock, und als die Instrumente immer besser wurden, wurden mehr und mehr einbezogen. Zu den Instrumenten des Barock gehören Violine, Cello, Streichquartett, Klarinette, Fagott, Obo, Englischhorn und frühe Versionen von Hörnern, Trompeten und Posaune. Neue Boote in der Gesangs- und Instrumentalmusik waren die Entwicklung des Generalbasses, einer der ersten Fälle, in denen der Rhythmus an ein Instrument weitergegeben wurde. Wo Vokalmusik schwul war, blieb die Instrumentalmusik polyphon und Kontrapunkt wurde oft verwendet.

Ursprünglich wurde die Barockmusik von italienischen Komponisten dominiert; Claudio Monteverdi war einer der berühmtesten von ihnen. Schließlich kamen holländische, deutsche, französische und englische Komponisten auf die Idee. Die Musikkultur in jedem Land variiert von Zeit zu Zeit zwischen der Verwendung von italienischer Musik, inspiriert von ihr oder der Schaffung oder Pflege eigener Musik. So wurde die Oper in Deutschland erstmals vor der Übernahme der italienischen Oper durch Singen von Spielen versucht. Englische Oper war eine Mischung aus italienischen Opern- und Maskenaufführungen, und die französische Oper zeichnete sich durch viel Ballett und eigene Techniken aus, die lange Zeit von Jean-Baptiste Lully regiert wurden. Die italienische Oper wurde jedoch durch die Entwicklung in Venedig und Neapel populärer und öffentlichkeitsfreundlicher.

Instrumentalmusik entwickelte sich auch anders. In Italien wurde die Violine sehr populär, und die Sonate wurde genau erfunden, um die Eigenschaften des Instruments zu präsentieren. Arcangelo Corelli war entscheidend für den Erfolg der Sonate. In Frankreich schufen Komponisten wie Marc-Antoine Charpentier französische Messen und Oratorien, während das Wunderkind Élisabeth Jacquet de La Guerre anspruchsvolle Cembalosticks schrieb. In Deutschland führten Heinrich Schütz und Johann Hermann Schein eine Reihe neuer Musikstile ein. Samuel Scheidt und später Johann Pachelbel und Dietrich Buxtehude hatten großen Erfolg mit Orgelmusik, geologischen Messen und weltlichen Toccata und Phantasien.

Die späte Bar hatte eine enorme Entwicklung der besonderen Instrumentalmusik. Unter Johann Sebastian Bach haben sowohl die Toccata, das Gelenk als auch die Phantasie eine bedeutende Entwicklung und Popularität erfahren. Georg Friedrich Händel entwickelte insbesondere die Oper und die Oratorien, Georg Philipp Telemann entwickelte Konzerte, komische Oper und eine Reihe anderer Themen, Antonio Vivaldi und Tomaso Albinoni waren ausschlaggebend für die Weiterentwicklung des Sonaten- und Solokonzerts, das Jean-Philippe Rameau entwickelte Oper in Frankreich und Italien und Domenico Scarlatti und François Couperin, zusammen mit Telemann, halfen den Grundstein für den galanten Stil nach dem Barock zu legen. Der galante Stil und Klassizismus rebellierten gegen den barocken, komplizierten Stil und wollten schwule Musik mit einfachem Bass Walk und einer weltlichen Ausrichtung.

Die Musik in der mittleren Bar (1630-1700)
Zu Beginn des Barock dominierte die italienische Musik stark, aber bald entwickelten sich deutsche, französische und britische Komponisten von selbst. Instrumental entwickelte sich ein Kampf zwischen der breit zerbröckelten Geigenfamilie und der exzentrischen Gamfamily. Die Gebläse entwickelten auch, insbesondere die Holzbläser, mehr in Richtung, wie man sie heute kennt.

Als sich die Musik entwickelte, wurde deutlicher, dass es eine Unterscheidung zwischen weltlicher und kirchlicher Musik gab. Zum Beispiel könnte die weltliche Musik für den Raum („Kamera“) im Haus gedacht sein, und das Wort „Kammermusik“ kommt von dort. Es weitete sich von der Kirchen- und Theatermusik, einschließlich der Oper, ab. Während fuge, preludium und toccata weiterhin populär waren, wurden riccercars und capriccioes zu selteneren Stücken für Streichinstrumente. Die Sonate entwickelte sich besonders unter Arcangelo Corelli stark und wurde zu einem der dominierenden Musikgenres. Instrumentalmusik wurde weitgehend in zwei Gruppen unterteilt: Sonaten und verwandte Genres oder Suiten und verwandte Genres. Die Söhne waren weniger Besatzungsmitglieder, während Suiten – stilisierte Tänze, Konzerte und Sinfonia -, die eng mit Aberglauben verwandt waren, weit größere Orchester hatten.

Die Oper war auch einem größeren Publikum zugänglich, mit der Entwicklung in Venedig und später in Neapel. Der Fokus lag zunehmend auf den Liedern und teilweise auf der Szenografie, meist auf Kosten der Geschichte. In Frankreich war das Ballett schon lange vorherrschend, aber die Oper kam auch durch das Ballett. Die französische Oper wurde stark von Jean Baptiste Lully dominiert, und nach seinem Tod gab es eine Todeszeit in der französischen Oper. England erlebte etwas Ähnliches; Englische Oper kam spät in der Periode, hatte eine kurze aber große Blütezeit, besonders Henry Purcell, und verschwand wieder bei seinem Tod. Die deutsche Oper war bescheidener, aber Reinhard Keiser konnte sich für das Genre begeistern. In der Kirchenmusik kam der Heide auch in protestantische Länder, vor allem mit Schütz als Mitwirkender. Pasie wurde eine Alternative zum Oratorium und den Kantaten, und so entwickelte sich die vokale Kirchenmusik.

Historisch gesehen hatten britische und deutsche Komponisten einen schwierigen Hintergrund. Das zukünftige Deutschland war ein Flickwerk von mehr oder weniger unabhängigen deutschen Staaten, die in protestantische und katholische Gebiete aufgeteilt waren, die während des dreijährigen Krieges schwer beschädigt wurden. Für Großbritannien wurde Oliver Cromwells pietistische Periode und die relativ bescheidene Rückkehr von Kunst und Musik während Karls II. Zu einer ernsthaften Schwächung.

Instrumente
Die Entwicklung der Instrumente wurde mit einer Reihe von Innovationen fortgesetzt. Im Spiel zwischen Gambe und Geige hatte die Vermittlerin Viola d’Amore ihre große Zeit. Es war ein Teil der Gambe-Familie, wurde aber nicht wie traditionelles Gamber zwischen den Beinen gespielt, sondern unter dem Haken wie eine Geige. Es hatte normalerweise sieben Saiten und sieben Saiten. Viola d’amore kämpfte lange mit der Geige um die Aufmerksamkeit, doch der Trend ging zugunsten der Geige. Einer der Gründe, warum die Violine gewann, waren die Innovationen in der italienischen Instrumentenproduktion. Vor allem die Stradivarius-Flinte wurde populär, doch zuvor waren auch Nicolò-Amatistviolinisten sehr gefragt. Die Popularität der Geige führte dazu, dass italienische Komponisten Solosonater, Triosonate und Concerto komponierten, um die Eigenschaften der Geige zu zeigen. Eine weitere Schlacht in der Ironman-Familie bestand zwischen dem Glücksspiel und dem Cello. Nach 1680 war das Cello in Orchestern vorherrschend, obwohl das Spiel bis zum späten 18. Jahrhundert noch als Soloinstrument verwendet wurde. Die Gamfamily gewann jedoch den Kampf um das Bass-Instrument, als der Kontrabass zusammen mit dem Cembalo zu den führenden Instrumenten des Generalbasses wurde.

In Blasinstrumenten gab es auch eine Entwicklung. Die Skalweisen wurden durch einen barocken Bob ersetzt, der eine größere Miete hatte. Außerdem erhielt die Holzbläserfamilie ein neues Instrument, die Chalumeauen. Diese Vorstufe der Klarinette führte im Vergleich zum Oboendoppelrohr einteilig zur Düse. Das Fagott wurde gleichzeitig von den Dulsian in Amsterdam, Paris und Nürnberg entwickelt.

Oper
Die Oper erlebte im 17. Jahrhundert eine enorme Entwicklung. Die Variation der Resi- zenten und Arien einerseits und der Bühnen- und Dramaturgie andererseits führte dazu, dass viele konkurrierende Schulen ihre eigenen Lösungen wählten. Von diesen dominierte die neapolitanische Schule. Italien war führend in der Entwicklung, aber auch die französische und englische Oper wurde anwendbar. Es gab auch einige deutsche Opern gegen Ende des Zeitraums.

Italienische Oper
Im Jahr 1637 eröffnete das erste Opernhaus in Venedig, das San Cassiano Theater. Es folgten mehrere Opernhäuser. Die Oper war somit der Öffentlichkeit zugänglich. Das bedeutete auch, dass die Oper dem Geschmack der Öffentlichkeit entsprechen musste. Eine der Änderungen war deshalb, dass die venezianische Oper sich viel auf Szenografie konzentrierte, mit fliegenden Engeln und Kavallerie, die auf der Bühne ritten. Eine weitere Veränderung war, dass die Widder mehr Aufmerksamkeit auf sich zogen und ins Zentrum kamen. Zum Teil führte dies auch zum Drama der Oper im Hintergrund. Führende Opernkomponisten waren Antonio Cesti und Francesco Cavalli, beide mit besonderer griechischer Mythologie als Hauptthema. Die Oper hatte sich damit in eine klare Richtung vom Ausgangspunkt mit den römischen und venezianischen Schulen entfernt. Ariene war vorne, die Restitutionen wurden wichtig, das Orchester wurde verwendet, um Stimmung zu schaffen, die Szenografie war essentiell und das Thema wurde meist aus der Antike abgeleitet.

Im Jahr 1675 übernahm Neapel die führende Rolle in Italien und blieb lange Zeit dominant, unter anderem wegen Alessandro Scarlatti. In der neapolitanischen Schule wurden Szenografie und szenische Instrumente weniger wichtig, während das Lied weiter entwickelt wurde. Das Lied kam in der Front, aber zusätzlich wurde die Melodie wichtig, so dass die Geschichte der Geschichte überschrieben wurde. So hatte sich die neapolitanische Oper vom zweiten Prinzip von Monte Verde entfernt. Das Drama, das bereits in Venedig im Hintergrund war, wurde noch weniger beachtet, und mehr oder weniger war eine lockere Möglichkeit, von Song-Nummer zu Song-Nummer zu kommen. Jetzt hatten Frauen auch die Möglichkeit zu singen, ohne die Popularität der Kastratenlieder zu überschreiten. Sie haben Primatenmütter und die ersten Uomos, die erwachsen wurden, und oft konnte die dramatische Handlung der Oper durch die Tatsache unterbrochen werden, dass eine Primadonna ein Lied sang, das sie oder er besonders für die Mitte einer anderen Oper berühmt war, was das Drama noch mehr machte schwer zu folgen. Auch hier wurde die Tendenz wiederholt, die Texte zu singen. Die napoleonische Schule wurde Christoph Willibald vollständig ausgezahlt Gluck setzte sich gegen Bruchhandlungen, fremde Arien, das Drama im Hintergrund und die Sonderbehandlung von Primatenmüttern durch.

Französische Oper
In Frankreich war die Oper trotz anhaltender Versuche unter anderem von Kardinal Mazarin kein großer Erfolg. Jean Baptiste Lully machte jedoch einen katastrophalen Eindruck.

Lully stammte ursprünglich aus Florenz, zog aber als kleiner Junge nach Paris. Dort half er beim Aufbau von Ballett und Oper. Lully wurde schließlich von König Ludvig XIV angestellt, nachdem seine Schwester ihn als Geiger benutzt hatte. Lully wuchs mit den Herausforderungen und schrieb viele humorvolle Stücke und Ballette. Schließlich arbeitete Lully mit Molière zusammen, und sie machten komische Ballette, gemischt mit Tanz, Spielen und Gesangspielen, die tragédie lyrique genannt wurden. Da diese im Grunde genommen Intermezzoes – Stücke, die zwischen den Akten in beispielsweise einem Theaterstück platziert wurden – an Popularität gewannen, wurden sie auch größer und ausgearbeiteter. Da Lully mit dem König und auch mit seinem Kammerorchester sehr erfolgreich war, erwarb er das Exklusivrecht für Opern. Somit gab es während des Zeitraums keine Konkurrenten für ihn. Im Jahr 1673 spielte er seine erste Oper.

Lullys französische Oper war geprägt von sorgfältig gedruckten Arien und Resi- zenten, die wenig Improvisation erlaubten. Er schrieb die Oper und kämpfte mit der französischen Alltagssprache. Die einzigen Opern schienen von der neapolitanischen Oper getrennt zu sein, es war klar, dass sie sich auch von ihnen inspirieren ließen. Lully legte auch mehr Wert auf die instrumentale Eröffnung einer Oper, die er von Sinfonia in Ouvertüre umbenannte. Er hatte eine langsam-schnell-langsame Division, wobei die erste langsame Division ein melodisches, einmütiges Thema hatte, der schnelllebige Part eine schnelle, kontrapunktische Melodie und der letzte, und optional, der Part kehrte oft wieder zum ersten Teil zurück.

Die französische Oper nach Lully machte es schwierig. Trotz der Tatsache, dass Lully tot war, fanden Gruppen heraus, dass seine Opern aufgezeichnet werden sollten. Dies führte zu einer sehr gemischten Rezeption der Oper zu den Nachkommen, wie André Campra, Pascal Collasse, Henri Desmarets, Louis Lully, André Kardinal Destouches, Marin Marais und Élisabeth Jacquet de La Guerre. Es war auch nicht für französische Komponisten, dass Louis XIV von Marquise de Maintenon beeinflusst wurde, und schnitt während dieser Zeit die Oper aus. Darüber hinaus hatte die italienische Musik in der Zeit nach Lullys Tod, als er die Musik, die ins Land kam, nicht mehr kontrollierte.

Englische Oper
In England hat die Oper am Anfang nicht gut angefangen. Erstens hatte das Land bereits ein eigenes Genre namens „Masque“, eine Form des Singens mit Gedichten, in der Tanz, Gesang und Instrumentalmusik zusammenkamen. Dies hatte lange Traditionen in England. Zweitens war die Oper italienisch und katholisch, während England anglikanisch war und pietistische Züge hatte. Drittens wurden alle Formen der öffentlichen Unterhaltung 15 Jahre lang unter Oliver Cromwells Puritanismus geschlossen. Nur 15 Jahre erschienen im großen Kontext bescheiden, nie erwischten die Masquen und viele Komponisten verschwanden. Karl II. Übernahm, aber er verbrachte lange Zeit Theater- und Musikspiele, um niemanden zu beleidigen. Daher gab es auch keine sofortige Rückkehr von Masken oder anderen undurchsichtigen Stilen.

Als neue englische Komponisten kamen, war die Oper das Thema, und John Blow wurde der erste, der eine englische Oper schrieb, als er 1682 Venus und Adonis komponierte. Doch Schlag wurde schnell von seinem Lehrjungen Henry Purcell aufgegeben. Purcells erste Oper, Dido und Aeneas, wurde zu seiner beliebtesten, aber er hatte auch Erfolg mit der Feenkönigin und König Artus.

Purcell hatte einen Teil seines Lehrers Blow gelernt, darunter auch eine begrenzte vierköpfige Crew. Ansonsten ist Purcells erste Oper sowohl von der Masque- als auch von der Lullys-Oper inspiriert, die in England durch Charles II. Im Exil eingeführt wurde. Letzteres konnte in Anwesenheit von Tanz gesehen werden. Im Gegenzug hatte Purcell auch Elemente der italienischen Oper, wie viele Widder. Zur gleichen Zeit wurde er auch von John Blow und früheren englischen Traditionen inspiriert. Dies gilt zum Beispiel für das Vorhandensein von Modestil anstelle der großen diatonischen Skala und für Purcells Resitative, ähnlich wie bei Blows.

Oper in deutschsprachigen Ländern
Während Wien als Opernstadt florierte, galt es lange Zeit als Zweig der venezianischen Oper. Der Rest der deutschsprachigen Gebiete war sowohl vom Dritten Weltkrieg als auch vom religiösen Ernst geprägt. Es gab nur wenige Opern, und diejenigen, die existierten, sangen Spiele religiösen Charakters, oft mit Dialog und nicht mit Rezitativ. Der dominierende Opernkomponist in den norddeutschen Gebieten war Reinhard Keiser. In der nächsten Periode, die auch von Opern von Georg Friedrich Händel und Georg Philipp Telemann dominiert wurde, schrieb Kaiser jedoch den größten Teil seiner Oper. Auch Johann Mattheson schrieb Opern, aber seine theoretischen Schriften sind vertrauter als seine Kompositionen.

Kammermusik und Orchestermusik
Kammermusik war die weltliche Musik, die für einen relativ großen Raum gespielt werden sollte, normalerweise mit einer adligen Familie. In dieser Zeit galt dies besonders für Sonate, Kantate und Konzerttourneen. Um zwischen religiöser und weltlicher Musik zu unterscheiden, werden die Sonaten und die Kantates oft als Kammersonaten und Kammerprotokolle bezeichnet.

In den 1600er Jahren gab es eine klarere Unterscheidung zwischen verschiedenen Sonaten. Zu Beginn des Jahrhunderts wurde eine Sonate nur als „etwas zu spielen“ definiert, im Gegensatz zu Kantaten, die singen. Schließlich wurde es ein Begriff aus einer Gruppe kleiner Teile, oft Tänze, getrennt von Musik, der Textur, der Stimmung, dem Charakter und dem Tempo und Tempo von Zeit zu Zeit. Als die Komponisten das Genre entwickelten, wurden sie in bestimmte Reihen eingeteilt, so dass das Sonate schließlich zu einer vielschichtigen Arbeit wurde, mit klaren Unterschieden im Einklang mit der Lernangelegenheit. Um 1660 gab es auch eine Scheidung zwischen Kammersonate und Kirchensonate.

Arcangelo Corelli war einer der führenden Sonatenkomponisten dieser Zeit. Als wütende Opposition gegen Schütz ließ Corelli keine Vokalmusik, während seine Instrumentalmusik möglicherweise der Höhepunkt der italienischen Kammermusik gegen Ende des 17. Jahrhunderts ist. Corelli war ein sehr begabter Violinist, und er nutzte die Möglichkeiten der Geige voll aus, ohne dass er übermäßig virtuos war. Seine Violinsöhne, Triosonaten und Concerti Grossi waren in ganz Europa verbreitet und beeinflussten spätere Violinkomponisten stark.

Corellis Kammersonaten bestanden im allgemeinen aus Preludium, gefolgt von zwei oder drei Tänzen. Oft wurden die Tänze in binärer Form zusammengebunden, das heißt, der erste Teil geht von Tonika zu Dominant, während der andere von dominant und runter zu Tonika geht. Die Basslinie war fast eine Begleitung und spielt daher im Gegensatz zu seinen Kirchensöhnen keine gleichberechtigte Rolle. Corellis Triosonate wurden hauptsächlich geschrieben, um lyrische Musik statt Virtuosität anzupassen. Er hatte die meisten Songs in der Mittelklasse ohne hohe oder tiefe Töne, schnelle Partys oder andere Herausforderungen. Keine der Violinen spielt eine größere Rolle als die andere. Die Solosonate öffnete sich viel mehr für virtuose Improvisation, folgte aber Corellis Sonatenform. In den Solosonaten gab es einen leichten Unterschied zwischen Kirchen- und Kammersonaten.

Die Kantaten hatten sich zur führenden Kammermusik für das Singen in Italien und insbesondere in Rom entwickelt. Die Kantaten, oft für den Anlass und für ein kritisches Publikum geschrieben, waren für einen relativ kleinen Raum ohne Szenografie konzipiert und wurden so zu einer Intimität, die zu Witz und Eleganz einlädt. Es erhöhte die Nachfrage nach Kantaten, die durch die gesicherte Sendung sowohl für Komponisten als auch für Dichter entstanden waren, besonders weil mehr Kantaten weltlich waren, gewöhnlich mit pastoraler Liebe, die nach dramatischen Techniken durchgeführt wurde. Die Musik war normalerweise für zwei oder mehr Sänger mit Continuo, normalerweise wenn Cembalo. Alessandro Scarlatti schrieb über sechshundert Kantaten und dominierte in diesem Zusammenhang. Insbesondere Marc-Antoine nahm Charpentier an und Jacquet de la Guerre machte sich selbst aus den Kantaten heraus und änderte sie teilweise, um ihnen einen „französischen“ Stil zu geben. Für diese bedeutete es unter anderem, dass sie die Ouvertüre, noch immer einige Orte namens Sinfonia, aus der Oper entlehnt hatte. Mit ihren Opernkantaten hatte sie weit mehr Erfolg als mit ihrer Oper. Jaquet de la Guerre hat auch einige der wenigen Fälle französischer Kirchenkader beigetragen. Ein Schnittpunkt zwischen den Kantaten und der Oper war die halb dramatische Serenade für mehr Sänger und ein kleines Orchester, also zu groß für Kammermusik und zu klein für große Konzertsäle.

Die Konzerte trennten sich von der typischen Kammermusik, da sie für ein größeres Ensemble konzipiert waren, wo mehrere Musiker die gleiche Stimme spielten. Anfänglich war diese Mannschaft bescheiden mit geschriebener Musik, meist umgestürzt, geschrieben von zum Beispiel Lully, aber gegen Ende des 17. Jahrhunderts wurden mehr und mehr Stücke für das geschriebene Orchester geschrieben. Sie erhielten den gemeinsamen Namen Concerto, der früher für Vokalmusik verwendet wurde. Von den drei Haupttypen war das Orchesterkonzert – mit Betonung auf erster fiolin und Basslinie – von geringerer Bedeutung, während die anderen zwei, die den Unterschied im Klang spielten und das Orchester bewusster nutzten, viel populärer wurden. Es umfasste Concerto grosso, bei dem ein kleines Ensemble gegen ein großes Solokonzert mit einem Soloinstrument gegen den Rest des Orchesters aufgestellt wurde. Obwohl Corelli Geiger war, wählte er kein Solokonzert mit Geige und Orchester, sondern Concerto grosso, am besten für den Musikstil in Rom. Seine Technik, in der das große Orchester fast das kleine kopierte, wurde in ganz Europa nachgeahmt. Am wichtigsten für das Konzert war Giuseppe Torelli, der vielleicht die ersten Konzerte schrieb und das schnell-langsame Thema aus Opernkonvertierungen definierte. Sein norditalienischer Stil wurde von Tomaso Albinoni aus Venedig fortgeführt.

Élisabeth-Claude Jacquet de la Guerre war selbst eines der frühesten Kinder, und schon sehr jung trat sie in Paris auf und war von Cembalo umgeben. Sie wurde sowohl als Musiker als auch als Komponist anerkannt. Sie folgte Francesca Caccinis Spuren und wurde die erste weibliche Opernkomponistin in Frankreich – wenn auch weit davon entfernt, erfolgreich zu sein, wurde sie sehr bekannt für ihre Cembalo-Stücke. Sie schrieb auch Sonaten und Kantaten, meist mit religiösem Inhalt. Jacquet de la Guerres Cembalostöcke waren hauptsächlich Suiten, ein neuer Stil stilisierter Tänze, dh Musikstücke, die im Tanztempo geschrieben, aber meist nicht zum Tanzen verwendet wurden. Der Unterschied zwischen Suiten und Sonaten in dieser Zeit war das Fehlen von Joints und der Einführung, sowie die Tatsache, dass Rhythmus- und Tempovariationen größer waren. Allerdings begannen sie la Guerre mit twoccata, die in einigen ihrer Suiten umbenannt wurde, und sie schrieb als erste Toccata für Cembalo.

Kirchenmusik
Die französische Kirchenmusik wurde, ebenso wie in Frankreich, von Ludwig XIV. Beeinflusst. Er war gegen Messen und wollte nicht, dass irgendjemand in seinem Gericht sie schrieb. Marc-Antoine Charpentier gehörte nicht zum Hof ​​und schrieb mit großem Erfolg Messen. Charpentier nutzte eine breite Palette von Instrumenten auf den Messen, und da er nicht viele französische Messen zu kopieren hatte, hatte er auch große Freiheit bei der Entwicklung der von ihm gewünschten. Charpentier entwickelte sich im Laufe der Jahre und schaffte es, ein Gleichgewicht zwischen Polyphonie und Homophonie, Chor und Orchester und introspektivem Gebet und dramatischem Gesang zu schaffen. Charpentier schrieb auch Oratorien, oft inspiriert von italienischer und französischer Musik. Französisch verwendete jedoch nicht den Begriff Oratorium, sondern Motette, Dialog oder Canticum. Dies bedeutete, dass Charpentier große Freiheit bei der Gestaltung von Oratorien hatte. Charpentiers bekanntestes Stück stammt aus einer Motette, die vielleicht ein Oratorium, Te Deum, gewesen sein könnte.

Das deutsche Kirchenamt wurde von den italienischen Kantonesern, aber auch von Heinrich Schütz inspiriert. Es fand seinen Weg über geheime Skeptiker hinaus, die sich in der Kirche gegen opernähnliche Elemente stellten. Die Kirchenkandidaten hatten daher mehr lyrische und weniger dramatische Lieder. Eine besondere Form der Kirchenkantate sind die Korallenkantaten. Es basierte auf einem Lied und verarbeitete alle Verse. Oft war die Korallenmelodie die Grundlage für Variationen.

Im deutschsprachigen Raum variierte die Kirchenmusik zwischen katholischer und protestantischer Musik und innerlich in protestantischen Gebieten. Innerhalb des Katholizismus wurde vieles nicht zum Ruhm Gottes verschont, und für viele Gelegenheiten, als die Heinrich-Ignaz-Biber-Messe zum Salzburger 1100-Jahr-Jubiläum, waren die sechsseitigen Sänger sechzehn Sänger und siebenunddreißig Musiker, jeder mit seiner eigenen Stimme. Im Protestantismus gab es zwei Hauptrichtungen, die Orthodoxen, die Ressourcen wie die Katholiken nutzen wollten, und die Pietisten, die sich solche Ausgaben sparen wollten. Deshalb hatten die orthodoxen Protestanten in protestantischen Kontexten die größte Entwicklung.

Heinrich Schütz war zuvor als talentierter musikalischer Dramatiker aufgetreten und spielte in jüngster Zeit eine wichtige Rolle sowohl in den Oratorien als auch in den Bildern, die er schrieb, eine im Geiste des Evangeliums nach Matthäus, Lukas und Johannes.

Der dänisch-deutsche Komponist Dietrich Buxtehude glänzte auf der Orgel und hinterließ eine große Anzahl von Orgelwerken innerhalb von Twoccata, Preludium, Fugen und mehr. Er hatte Phantasie, Virtuosität und Raffinesse und hatte den Sinn für Improvisation. Buxtehude besuchte Georg Friedrich Händel und Johann Sebastian Bach an ihren älteren Tagen. Die meisten seiner großen Orgelwerke sind in zwei Kaskadenform geschrieben. Eine Tokataform war eine Arbeit von femsatser mit Preludium gefolgt von fuge Nummer 1, gefolgt von intermediate play gefolgt von fuge Nummer 2 und schließlich einer twoccata. Buxtehude profitierte auch von einer Pause als Musikinstrument.

Buxtehude schrieb auch 120 erhaltene Kirchenkader. Diese reichten von Solo und Generalbass bis zu sechsstimmig mit großem Orchester. Die Kantaten zeichnen sich jedoch am ehesten durch einen zu Cavalli und Monteverdi harmonierenden Frühbar-Stil aus. Sie haben nach dem zweiten Prinzip Harmonien und singbare Motive vereinfacht. Scheidt und Schütz hatten auch Einfluss auf Buxtehude.

Der Buxtehude gehörte zur norddeutschen protestantischen Schule, Johann Pachelbel gehörte zum Süddeutschen und Katholiken. Pachelbel war besonders in Nürnberg aktiv. Seine Orgelmusik wurde von italienischer Musik inspiriert, gleichzeitig aber auch der melodiöse süddeutsche Orgelstil mit sanften Harmonien und singbaren Melodien. Der Schwerpunkt von Pachelbel lag auf Toccaten und Phantasien, aber er schrieb auch Kammermusik, einschließlich seines berühmten Kanons in D.