Il barocco nel significato storico della musica europea fu un periodo che va dal 1600 circa al 1750. Sin dall’inizio, la musica nel barocco si allontanò dalla musica del Rinascimento. Sostituendo la polifonia (più melodie simultaneamente) nella canzone dell’omofonia (una voce principale) per permettere al testo di dominare, creando opere, oratori, cantati e monodie, la musica vocale si sviluppava in modo acuto. All’inizio del barocco, le scale modali erano per lo più associate alla musica sacra scambiata con la musica tonale. Ciò ha fatto grandi differenze sia nel suono che nella capacità di comporre pezzi più avanzati.
La musica del bar in ritardo (1700-1750)
Anche se non è lo stesso cambiamento di generazioni nella transizione dalla barra centrale a quella in ritardo, come in altre sezioni, come nel romanzo, ci sono buone ragioni musicali per impostare la distinzione tra i due periodi fino al 1700. Musica strumentale, che si era sviluppato nel corso del XVI secolo, era così sofisticato verso la fine del secolo che ha avuto una grande influenza sul futuro della musica. Albinoni e Vivaldi hanno sviluppato il concerto, in particolare il concerto solista, così potente che è diventato uno stile musicale dominante. La sonata è stata introdotta nei paesi di lingua tedesca verso la fine del secolo. All’incirca nel tempo, la musica vocale della chiesa tedesca cominciò a diventare sempre più simile all’opera, poiché si era trasferita molti anni prima in Italia.
L’opera è andata più verso temi seri, spesso tragici, e con meno danze. L’azione è arrivata nel centro dell’opera. Mentre il pubblico d’opera inglese viveva per lo più sull’opera scritta da italiani, l’opera francese era ancora più interessata a Lully e ad alcuni dei suoi eredi, per lo più a quelli che copiavano il suo stile. Nel 1711 l’Inghilterra ottenne la sua prima opera per la scena inglese scritta da Händel, e continuò a dominare lì per i successivi 20 anni. La Francia ha ricevuto il suo prossimo grande compositore d’opera nel 1730 con Rameau.
L’Italia iniziò con concerti e sonate, e la Francia aveva dominato a lungo nelle suite, ma durante quel periodo la musica tedesca, sia in Germania che in Inghilterra, divenne dominante nella maggior parte della musica strumentale. Uno dei motivi per cui la musica tedesca ha dominato il bar era che aveva avuto una lunga tradizione di ispirazione dai paesi limitrofi e lo sviluppo di uno stile che era noto in Italia, Inghilterra, Francia e Paesi Bassi. Inoltre, la musica tedesca si sviluppò anche creando proprie e nuove versioni di musica olandese e britannica, musica polifonica fiamminga, concerto italiano, opera e madrigale e opera francese, cembalomusica, motette e orchestra. I compositori che hanno influenzato e influenzato in seguito la musica nel paese vicino sono stati Georg Philipp Telemann, Georg Friedrich Händel e, non ultimo, Johann Sebastian Bach.
Allo stesso tempo, anche la musica completa di Händel e Bach era l’inizio della fine. Con l’emergere di concerti pubblici e cartucce borghesi, la polifonia complicata fu sostituita dalla semplice omofonia. Il migliore possibile sia per adattarsi alle altre culture sia per i sapori della musica contemporanea è stato Georg Philipp Telemann, che preferiva la musica più semplice di Bach, ed è stato uno dei compositori che ha contribuito a dare il via allo stile galante e al classicismo.
strumenti
Lo sviluppo musicale è proseguito nel tardo bar, specialmente nella famiglia dei tre soffiatori. Il periodo vide due nuovi strumenti. Chalmeauen fu sostituito dal clarinetto. Gran parte del vantaggio del clarinetto erano le possibilità con l’ugello, che aiutava con il suono, la precisione e il controllo del volume. Il tenorobo (in seguito “corno inglese”), che era stato in costante cambiamento, ottenne la sua forma più definitiva nel 1720. Tuttavia, fu solo alla fine del barocco che il tenorobo ebbe luogo nell’orchestra. Tra gli strumenti esistenti, si sono verificati anche cambiamenti. L’oboe ha acquisito un suono espanso e un registro, il che potrebbe averlo portato ad essere usato più frequentemente come strumento solista durante il periodo. Il phagote stava anche espandendo il suo registro all’inizio di questo periodo. Anche il crocevia ebbe un grande sviluppo dal 1660 al 1720.
C’era anche sviluppo in strumenti chiave, e un precursore del pianoforte fu creato intorno al 1700, ma questo era troppo costoso e incompiuto per essere messo in produzione. Il corno era un corno naturale senza buchi e lembi, ma nei primi anni del 1700 fu espanso con più raggi, quindi il suono variava di più. Ciò significava anche che il corno veniva usato più spesso nella musica, incluso Händel e Bach.
La famiglia Stryker era in una fase di transizione, dove il gioco ha iniziato a perdere il tetto. Mentre le gambe e il violoncello vivevano allo stesso tempo, il violoncello nel 1710 fu definito in dimensioni da Stradivarius, e poco dopo, altri disegnatori di strumenti seguirono. Ciò ha portato alla popolarità della cellula. L’unico strumento della famiglia che sopravvisse, il contrabbasso, ebbe luogo nell’orchestra intorno al volgere del secolo. Il violino, da parte sua, ha avuto solo piccoli aggiustamenti, specialmente al violino di Guarnieri, che era buono sui toni persistenti.
musica lirica
Mentre l’opera inglese e quella francese si sono bloccate dopo la morte di Purcell e Lully, l’opera italiana ha nuovamente dominato. Tuttavia, l’opera italiana era in costante evoluzione, ad esempio, l’azione, i personaggi e il conflitto tra i personaggi erano enfatizzati in misura maggiore, il che rendeva drammaticamente più spazio. Un altro aspetto dello sviluppo dell’opera nel 1700 fu che gli strumenti giocarono un ruolo sempre più importante. Mentre in precedenza avevano la funzione di suonare tra i resitatives e l’arie, ora partecipavano anche a entrambi, di solito verso il solista. A volte portava ad una competizione, in quanto cadeva tra il castrator Farinelli e un virtuoso di tromba, una competizione che il pubblico aveva lanciato.
Anche in Germania c’è stato uno sviluppo basato sull’opera italiana. In particolare, i compositori di Amburgo e Lipsia erano attivi nella creazione di opere, e ancor più di questi erano probabilmente ispirati all’opera italiana, avevano messo i loro sentimenti sul genere in anticipo. Alcuni, e specialmente quelli di Telemann, avevano un aspetto umoristico, e molti di loro erano cantati in tedesco, ispirati al gioco del canto.
Opera italiana
L’opera italiana dominava non solo l’Italia, ma anche in molti altri paesi. Sia Vienna che Londra erano state fortemente ispirate dall’opera italiana, in particolare da Napoli.
Dopo che la scuola napoletana aveva preso il sopravvento, Napoli era anche sulla strada dominante nella produzione dell’opera. La città aveva anche chiare opere classiche. Per la nobiltà, l’opera è stata associata a celebrazioni, come ad esempio i nomi, i matrimoni o altre circostanze. L’opera era spesso usata dai libretti veneziani. In passato i libretti avevano spesso un misto di romanticismo, dramma e commedia, ma all’inizio del secolo la parte della commedia fu rimossa e collocata come un numero tra gli atti della serie più tragica dell’opera. La serie operistica napoletana fu definita da Apostolo Zenone e Pietro Metastasio (vedi Vienna), e l’enfasi sulla narrativa drammatica divenne più importante. Musicalmente ci sono state importanti variazioni nella strumentazione, tra le altre cose, il basso generale potrebbe essere suonato da erkelutt, lutt, contrabbasso e gambe oltre al cembalo. A volte, strumenti a fiato come tromba, obo e corno, di solito due di ciascuno, si univano con le corde. Inoltre, lo stile musicale era anche diverso dalla musica barocca tradizionale, invece di ripetere piccoli motivi, la musica napoletana era entusiasta di non ripeterli, ma piuttosto di estendere i motivi ripetuti per gli stroboscopi. Usare le interruzioni come effetto drammatico ha aiutato a creare melodie più leggere e più commoventi. Inoltre, c’erano spesso parti vocali molto virtuose.
L’opera più popolare aveva afferrato l’opera buffa ridotta per mettere in pausa la musica alla nobiltà e concentrarsi su di essa. C’era una lunga tradizione a Napoli per l’umorismo nella musica, e diverse opere erano elencate sia in dialetto napoletano che con umorismo. Laddove l’opera seria scelse di scegliere mondi soprannaturali e complessi, le opere comiche venivano di solito aggiunte a temi quotidiani e eventi storici, e scherzavano a spese dell’opera seria. A partire dal 1710, i compositori più seri erano più desiderosi di offrire buone opere comiche, in parte a causa della libertà artistica. Le opere comiche furono fatte per la maggior parte delle persone e anche per Intermezzo per la nobiltà. Oltre a utilizzare i temi di tutti i giorni, le commedie latine sono state sostituite con commedie commedia dell’arte con le relative prevedibili figure e contraddizioni: da giovani a vecchi, da maschio a femmina, ricchezza in povertà e gay da esperto. La popolarità aumentò e nel 1733 Giovanni Battista Pergolesis La Serva Padrona raggiunse l’attenzione internazionale.
Dopo Napoli, probabilmente Vienna fu uno dei maggiori centri dell’opera italiana. Molte delle opere furono composte dal maestro cappella Antonio Caldara e con il libretto di Pietro Metastasio, sia pure con altri. A Vienna, i bibliotecari Metastasio e il suo predecessore Apostolo Zenone furono i responsabili di una riforma dell’opera in modo che la storia, la trama e i personaggi si acuissero di più. Così il dramma ha ottenuto un effetto migliore, e in aggiunta, le arie sono diventate l’attenzione emotiva mentre i resitativi hanno detto all’azione. Un’altra caratteristica dell’opera di Vienna è stata l’attenzione alla musica strumentale, e in particolare al suono, il che significa che gli assolo strumentali sono stati scritti sia in capovolgimenti, balletti e occasionalmente anche nelle arie. Tutto questo da solo era comune nelle opere altrove, specialmente l’uso del contrappunto nel canto melodico, in linea con il gusto degli imperatori austriaci, e perché erano fortemente ispirati da Händel.
A Roma, la tradizione operistica era storta a causa delle opinioni del padiglione seduto e del suo capriccio. Inoltre, conflitti come la guerra dell’eredità spagnola imposero restrizioni all’opera in modo che Roma fosse senza opera tra il 1698 e il 1711. A loro volta, tra gli altri, vennero opere di Alessandro Scarlatti, Antonio Caldara e Antonio Vivaldi. Fu anche qui che le biblioteche di Metastasio debuttarono nel 1724. Questo fu l’anno prima della morte di Scarlatti, che inizialmente significava che Leonardo Vinci collaborò con Metastasio fino alla morte di Vinci nel 1730. Vinci era di Napoli e anche la scuola napoletana fu ben accolta a l’opera a Roma – quando è stato permesso. In Venicethere era meno l’innovazione locale durante il periodo. Prima ci furono compositori di opere affermati come Francesco Gasparini e Carlo Francesco Pollarolo, e in seguito ci furono compositori neopolitici come Leonardo Vinci. L’eccezione a questa regola fu Antonio Vivaldi, che scrisse diverse opere e oratori e probabilmente fu il compositore d’opera più popolare della città.
Opera tedesca
L’opera aveva colpito la Germania, e nell’ultima parte del barocco sono state eseguite più opere in vari teatri d’opera in tutto il paese. A Lipsia esisteva già un teatro dell’opera, e c’erano più contributi. L’opera tedesca aveva spesso mosse comiche, quindi anche qui. Tranne che Telemann ha scritto e inviato insieme 20 opere, nessuno dei compositori è stato creato che è diventato famoso per i posteri.
C’era anche un’opera a Hamurg, composta principalmente da imperatore. L’abilità dell’imperatore di scrivere belle melodie e di comprendere la voce e le sue capacità è stata una fonte d’ispirazione diretta per Händel. Ai suoi tempi, l’Imperatore fu anche considerato il principale compositore all’inizio del secolo. Händel arrivò in città nel 1704, e anche lui rimase lì per un po ‘, imparando più cose sulla composizione dell’opera in città. L’imperatore dominò fino al 1721 quando Telemann arrivò in città. La sua opera era ancora comica e seria. L’opera comica di Telemann fu così scritta molti anni prima che l’opera buffa venisse colpita da La Serva Padrona.
Opera francese
L’opera francese ha avuto difficoltà a uscire dall’ombra di Lully. Il primo candidato principale, Pascal Collasse, scrisse opere che assomigliavano troppo a Lullys e ottenne il maggior successo scrivendo opere incomplete e spesso rifiutate. La famiglia Lully lo ha citato in giudizio e la sua reputazione si era già indebolita verso la fine del secolo. Henri Desmarets è stato collegato a uno scandalo inverso, ha scritto una serie di motori rilasciati dalla stella del coro Nicolas Goupillet. Poi fuggì con una giovane donna a Bruxelles e fu condannato a morte in contumacia. Poi è andato in Spagna, ma è tornato quando la condanna a morte è stata revocata. Le sue opere hanno avuto solo un modesto successo. Il cardinale André Destouches ebbe un certo successo con l’opera, ma divenne troppo modesto dopo aver ricevuto il nuovo titolo come ispettore generale dell’Académie Royale de Musique.
La grande rivoluzione dell’opera francese è arrivata solo verso la fine del barocco, con Jean-Philippe Rameau. Nonostante fosse un suonatore di organi di grande talento, Rameau divenne noto come teorico musicale all’età di 39 anni. Le sue idee sulla musica agirono, tra le altre cose, sull’acustica e gli accordi, dove preferiva gli accordi di treble e septime, introdussero le basi e si preoccuparono della dissonanza che si propaga della musica e degli effetti degli accordi. Fu anche Rameau a definire i termini tonico (tono fondamentale), dominante (il tono e l’accordo – un quintetto di tonici) e il sottodominante (il tono e l’accordo – un quintetto sotto i tonici).
Come compositore, Rameau fu scoperto per la prima volta nel 1730 quando era negli anni Cinquanta. La sua prima opera, Hippolyte et Aricie, fu registrata nel 1733 quando aveva 50 anni. Rameau si è spostato tra le tragedia di Lully, un’opera musicale per il balletto dell’Opéra, ad esempio Les Indes galantes, che era più libero nella forma. Poi si è trasferito in opere più tradizionali e ha avuto un successo speciale con Castor et Pollux, che era molto più libero dallo stile di Lully. Il nuovo stile musicale di Rameau, basato sulla sua teoria musicale, ha provocato così tanto i seguaci di Lully che è diventato una forma di battaglia all’interno dell’intelligenza di Parigi tra Lullis e Ramis. Indipendentemente dalla lotta e dall’accusa che la musica di Rameau fosse difficile, grottesca, meccanica e innaturale, Rameau divenne popolare e riprese l’opera francese. Fu anche il primo compositore francese che ebbe maggior successo con l’opera.
Inghilterra e Händel
In assenza dei suoi compositori d’opera dopo la morte di Purcell, l’Inghilterra si interessò di più all’opera italiana. L’opera era in gran parte pubblica e già nel 1705, il primo esempio di opera di ispirazione italiana, anche se in inglese. Arsinoe, Regina di Cipro, era un aggiornamento di un vecchio pezzo italiano. Proprio la tendenza a prestare l’opera italiana, volentieri ad Alessandro Scarlatti, e la traduzione in inglese, ha colpito e diverse opere di varia qualità sono state create. Fu anche in quel momento che vennero lanciati i castratori per un pubblico britannico. Un esperimento di breve durata con parti in inglese e parti in italiano è stato interrotto quando il pubblico si è stancato di comprendere solo metà dell’opera, e la maggior parte è stata poi cantata in italiano. In particolare, Hydaspes divenne di Francesco Mancini un successo relativamente grande nel 1710.
Il 1710 fu anche il periodo in cui Händel iniziò la sua carriera musicale a Halle, ma si trasferì in città tedesche, italiane e di lingua inglese e prese molto dalle diverse culture. La sua prima opera, Almira, Königin von Castilien arrivò nel 1705, quando era ad Amburgo, ed era chiaramente ispirata da Reinhard Emperor, e con melodie di danza secondo i modi francesi, ariani dopo contrapposizioni e orchestrazioni italiane e tedesche. La sesta, Agrippina, del 1709, fu ispirata da Alessandro Scarlatti, e mostrò la capacità di avere melodie eleganti con parti lunghe senza pause respiratorie e con variazioni ritmiche nelle melodie. La sua prima opera quotata a Londra, Rinaldo, fu un grande successo e fu elencato quasi ogni opera di quel decennio.
Dopo che Händel ottenne una posizione permanente e denaro per trovare cantanti di talento come Faustina Bordoni, le sue opere divennero più eroiche e più impegnative. Soprattutto Giulio Cesare in Egitto (1724), ma anche Tamerlano (lo stesso anno) e Rodelinda (1725) sono buoni esempi della nuova opera. Händel ha approfittato dell’importanza trasferita, ad esempio, che ha creato la sensazione di furtivamente e di caccia per sottolineare il tradimento di Tolomeo. A quel tempo, di solito c’erano due tipi principali di resitatives, il “dry” con un basso quasi generale e una conversazione, e “accompagnato” i resitatives con molti più strumenti. Händel ha approfittato di quest’ultimo. Anche le arie erano speciali per Händel. Li ha scritti ai singoli cantanti, e quindi alcuni arieti potrebbero essere ornamentali e andare in alto mentre altri potrebbero essere lenti e sottolineare i sentimenti. Allo stesso tempo, Händel era desideroso di usare le arie in misura maggiore di quanto precedentemente comunicato all’atto, e così ruppe qualcosa con la scuola napoletana. Punto di contrasto e musica maestosa potrebbero essere valutati con semplici inni pastorali. Händel usava più orchestra, e usava anche più attivamente gli strumenti a fiato di altri suoi contemporanei.
Musica vocale religiosa
Verso la fine del secolo, la musica vocale della chiesa luterana divenne sempre più simile all’opera. Parte di questo era dovuto a Erdmann Neumeister, un poeta e teologo che combinava l’opera e la musica sacra luterana. Ispirato da lui, Bach cominciò anche a usare le tecniche dell’opera, come il resitativo e l’ariano, ma anche il coro, la musica corale e l’accompagnamento dell’orchestra. Dalla sua nomina a Thomaskantor, più o meno musicalmente responsabile di tutte le chiese, fino a quando non perse interesse per la musica sacra, Bach sviluppò molto la musica sacra. Questo è stato particolarmente notato nei suoi due pations. Bach non ha avuto esperienza come compositore d’opera oltre a qualche dramma per musica senza un notevole successo, ma soprattutto l’opera Johannespeceliel, compresi i tratti drammatici tra Pontus Pilate e il coro che insiste sul fatto che Gesù dovrebbe essere crocifisso. Inoltre, Bach ha anche usato il coro come commenti sull’atto come nel dramma greco. Matthew Path è più completo e gli accordi hanno un ruolo maggiore nella performance.
Bach perse interesse per la musica sacra intorno al 1730, ma durante il suo ultimo anno completò Messe in H-Moll, che era un’antologia dello sviluppo della musica sacra. Il lavoro è diventato più di 20 anni e ha assunto il riutilizzo (chiamato parodie) di opere precedenti o lavori incompleti. Il mix rende la fiera varia da vecchio bar a galante in corso. Bach aveva preso in prestito dall’opera, ma c’era anche una grande variazione tra loro. Le cantate erano, come Matteo, riflettenti e complete, e quindi eseguite con voci senza il verificarsi di alcun dramma, e possono anche essere intese come un sermone musicale. Le cantate si diffusero anche oltre il 1730, ma diminuirono bruscamente.
Intorno a Bach lasciò la musica vocale per la chiesa, Händel iniziò davvero a prendersi cura di loro. Intorno al 1730 cominciò anche a scrivere oratori. Tuttavia, ha cambiato i tradizionali oratori italiani inserendo cori di grandi dimensioni, ispirati alla musica corale sia tedesca che inglese. Ha dato loro ruoli diversi, dal raccontare la storia per commentarla, ispirata anche al dramma greco. Anche il Papa tedesco e la Masque inglese hanno avuto un ruolo nei nuovi oratori di Händel. Ciò sosteneva che la chiesa fosse un’esperienza comune e non individuale. Händel era altamente utilizzato dalla tecnica operativa, e quindi poteva prendere in prestito tecniche recitative dall’opera e seguirle, non da un’arie, ma da un coro. Tuttavia, appaiono anche arie e scene drammatiche negli oratori. Inoltre, Händel fece anche oratori che non erano cristiani, ma appartenevano alla mitologia greca, tra cui Semele ed Ercole.
Concerti e suite
Il concerto è stato un vero affare italiano prima del volgere del secolo, e ha continuato per un po ‘. Tomaso Albinoni pubblicò i suoi primi concerti già nell’anno 1700. Essendo Albinoni un mediatore, era libero dai sostenitori dei benefattori. Ha rapidamente definito i suoi concerti come tre set, e ha usato diligentemente per contrappunto. Inoltre, ha sperimentato la forma della seconda velocità lenta. Fu anche Albinoni che introdusse l’obo come strumento solista per un pubblico italiano.
Nel 1702, due anni dopo che Albinoni pubblicò il suo primo concerto, Antonio Vivaldi divenne il concerto definito. Era un insegnante alla Christian School of Orphans, Hot Children e Incredible Daughters, e li ha insegnati ai giochi musicali con grande successo. Sia i giochi di lui che quelli delle ragazze hanno ricevuto sufficiente attenzione per diventare un’attrazione a Venezia. Dei 500 concerti di Vivaldi che sono sopravvissuti erano 350, circa tre quarti, per strumenti solisti, e 230 di loro per violino. Il violino non era solo lo strumento di Vivaldi, ma anche lo strumento che la maggior parte delle studentesse aveva imparato. Inoltre, ha scritto 37 per fagotto, e per flauto, obo, blockwriter, viola d’amore, violoncello e mandolino.
I concerti dei concerti di Vivaldi sono risuonati a causa di nuove melodie, un ritmo vivace, un’adeguata cura e formalità da solista. Inoltre, Vivaldi ha avuto musicisti di talento negli studenti, e gli è stata data l’opportunità di sperimentare il concerto. Solo perché aveva una semplice ricetta di base con cui poteva essere flessibile, ebbe un grande successo con lo sviluppo del concerto. Tra le altre cose, Vivaldi aveva pezzi in cui diversi solisti suonavano contro il resto dell’orchestra, ma a differenza del concerto grosso di Corelli, la grande orchestra non copiava il piccolo, ma suonava contro di loro proprio come in un concerto da solista. Vivaldi ha anche deliberatamente usato sia la pizza che la sordin per effetto. Vivaldi ha usato un concerto a tre velocità quasi costante nella forma veloce-lenta introdotta da Tomaso Albononi. Tra le più famose ci sono quattro stagioni. Qui, come la maggior parte degli altri concerti, Vivaldi ha scelto uno stile più gay, ovvero con una voce melodica di primo piano, mentre le altre voci lo supportano.
Ha anche usato il ritornello quasi coerente, ovvero un refreng, e ha anche progettato la propria forma di ritornello. Raffinato viene già all’inizio, in parte per confermare la struttura del tono, quale tono viene usato. L’intera orchestra è inclusa, con parti per lo strumento solista. Questo di solito consiste in piccole parti che vengono ripetute o variate. Quando il ritornello viene ripetuto, di solito è solo parziale. Il reengengene è diviso da episodi solisti, per lo più virtuosi e caratteristici. Parti del ritornello possono essere ripetute e modificate con, ma Vivaldi ha usato più scale, arpeggi e altre espressioni musicali. I toni potrebbero essere scambiati tramite modulazione. Questo ha creato una forma di ritornello che era molto varia dal ritornello standard. Inoltre, Vivaldi è stato cruciale nel sollevare la parte lenta tanto importante quanto più veloce, comprese le melodie espressive e singinabili (esempio di ascolto). Inoltre, la virtuosi vorrebbe aggiungere degli ornamenti extra. La capacità di Vivaldi di dare al solista la propria voce e la propria personalità divenne cruciale per il concerto.
Bach è stato ispirato da Vivaldi sia nel concerto che nella musica per pianoforte. Ha imparato dal rendere più chiari i temi e il piano armonico, lavorando su strutture formali basate sull’effetto ritornello. In concerto, Bach, come tutto il resto, era vario e influenzato da altra musica. Questo è visto nei concerti di Brandeburgo, che variano molto, dal concerto grosso (1, 2, 4) ai concerti (3, 6) e 5, che ricordano più un concerto da solista per il cembalo e l’orchestra. Forse ispirato da Vivaldi, ha avuto diversi strumenti solisti nel concerto. Ha anche scritto due concerti per violino solo per violino e un totale di 13 per uno e fino a quattro strumenti chiave – per lo più cembalo nel tempo presente. Bach ha spesso inserito le articolazioni nei concerti. Händel ha anche scritto concerti, ma molto meno. Ha scritto obo concerti e dodici concerti grossi oltre a 14 concerti d’organo.
I semi dell’orchestra erano diventati sempre più popolari dalla metà del 1600. Dal 1690 al 1740, tuttavia, le valigie in Germania erano diverse dal francese tradizionale, in parte perché rompevano l’idea di un ordine fisso, quindi le danze potevano venire quando si adattava al compositore. I due pezzi più famosi di Händel – Water Music e Music for the Royal Fireworks – erano entrambi abiti orchestrali tedeschi, composti da circa 30 anni di distanza. François Couperin ha anche scritto i costumi per orchestra – ha chiamato il royaux royaux, ma sembra più una collezione di danze solubili legate suonate da un ensemble relativamente piccolo. Anche la sua tuta era fortemente ispirata alla musica italiana.
Musica per pianoforte e sonata
La musica per pianoforte, quindi principalmente organo o cembalomusica, consisteva principalmente in suite, toccata o preludi con fiati o sonate. Toccata o Preludio con successivi combattenti furono usati da diversi compositori, ma Johann Sebastian Bach dominò la categoria. Nella sonata la tastiera suonava il ruolo principale come strumento solista o un ruolo più retratto come strumento di basso generale. Chi seguiva lo stile di Corelli, in particolare caratterizzato dalla sonata per violino, usava la musica per pianoforte principalmente come strumenti di basso generale, mentre chi si staccava – e soprattutto Johann Sebastian Bach – poneva la tastiera in un ruolo molto più dominante.
Oltre agli abiti per orchestra, c’erano anche diversi compositori che scrissero suite per equipaggi più modesti, che sarebbero poi stati collocati insieme alle sonate. Di questi, in particolare i cembalo erano popolari. François Couperin scrisse cembalosuites speciali destinati alla nobiltà di cui era l’insegnante. Erano francesi nella costruzione e quindi si occupavano maggiormente della divisione tradizionale delle canzoni. Il cembalosuiter di Bach non era solo ispirato all’italiano ma anche alla musica francese e tedesca. Bach scelse di seguire la tradizione di allemande, courante, sarabande e gigue, e con un preludio dove organizzò un’orchestra d’ensemble italiana a cembalo. Händel, a sua volta, si servì di un’influenza italiana più diretta sui suoi cembalosuites.
Più pezzi di piano sciolti erano in genere tipici preluder o twoccata seguiti da giunture. Questo era soprattutto l’area di Bach. Un esempio della variazione di Bach è Toccata & Fuge d-Moll BWV 565, dove i due gatti iniziano e finiscono e finiscono e appaiono. Hans Preludium e Fuge in A-mole BWV 543 ha una grande varietà di stili musicali, sequenze, progressioni dominanti, una struttura chiara del tono e una forma di ritornello, che ricorda le idee per concerti di Vivaldi. Entrambi gli esempi sono anche tipici perché sono virtuosi e il ritmo riguarda la parte più veloce di un concerto, ovvero la prima o la terza puntata. Una delle collezioni più famose di Bach è stata Das Wohltemperierte Klavier, una raccolta di preludi e articolazioni di tutti i toni destinati ai bambini o ai principianti sulle tastiere. Uno degli scopi era mostrare la gamma di cembalo in relazione al suonare sia le nuove note – cioè, grandi e piccole – e la vecchia scala modale. Il primo volume venne nel 1724, l’altro 20 anni dopo.
La sonata in Italia è stata a lungo caratterizzata da Corelli. Il primo compositore che scoppiò nello stile di Corelli fu Tomaso Albinoni, che era abbastanza ricco da viaggiare, ispirato, tra le altre cose, da Napoli, usando la scala cromatica ei grandi salti, oltre allo stile molto ornamentale. A differenza dei tour dei concerti di Albinoni, che erano più progressisti, i suoi sonetti erano più conservatori, nonostante la corruzione con Corelli. Vivaldi scrisse 73 sonate, di cui quasi tre quarti erano solosonati, molti altri sono triosonati e una coppia sono troppe voci. Vivaldi si staccò dall’attenzione di Corelli e Albinoni per il violino e gli archi e, per esempio, scrisse anche per flauti e altri strumenti a fiato. Laddove Albinoni era più tradizionale, Vivaldi sperimentò tanto nelle sonate quanto nei concerti, anche in unità ritmiche e unità di forma, oltre alle buone melodie che erano il suo marchio di fabbrica. Vivaldi aveva una mente simile nel suo conterraneo Domenico Scarlatti, figlio di Alessandro. I sonate di Scarlatti, per lo più per cembalo, erano raramente così simili da sembrare un tipico sonato di Scarlatti. Ha suonato con le cerniere tono, con variazione della cadenza, una varietà di arpeggio, scalatura cromatica, movimenti delle mani difficili, sincronizzazione, dissonanza e una grande varietà di altri. Tuttavia, Scarlatti era per lo più a Madrid e fu in gran parte scoperto dopo la fine del barocco.
Tra i paesi di lingua tedesca, fu prima Johann Joseph Fux che introdusse le sonate all’inizio del secolo, poi a Vienna. Come maestro cappella dello Stephansdom, Fux era attivo in una varietà di generi, compresi i sonate. I suoi sonate, tuttavia, erano più polifonici dei tipici sonate italiani, ma in cambio, la forma di fuge era ben rappresentata. C’erano anche molti altri compositori tedeschi che presero la forma di sonate. Tuttavia, i Sonatiani non rappresentavano una vasta selezione di composizioni per Händel o Bach. Dai tempi di Corelli a Bach e Händel ha iniziato a scrivere la sonata, la sonata per pianoforte è entrata come terza forma sonata in aggiunta a quella solista e triosintonata. Ciò indicava anche che il violino non aveva più lo stesso dominio nelle sonate.
Proprio come Albinoni, i sonate di Bach erano principalmente figli di chiesa e, come Albinoni, Bach era relativamente conservatore nello sviluppo della musica all’interno di questi numeri. Sistemò, di ciò che è disponibile, solo tre figli di flauto e tre gambesonate oltre al sonar per pianoforte o violino, quest’ultimo di altissima difficoltà. I sonate di Event, tuttavia, sono così vari e fantasiosi che spesso si muovono molto lontano dallo sviluppo di sonate più tradizionale, compresa la sperimentazione dell’ordine e del contenuto. Georg Philipp Telemann ha anche scritto un certo numero di sonate e per un certo numero di strumenti. Il suo lavoro è molto più vicino a Bach e Corelli in quanto ha seguito ampiamente le regole del sonate senza rinominare questo evento, ma l’abilità di Telemann nel comporre melodie orecchiabili e l’esecuzione di opere ben scritte, se non originali, erano particolarmente evidenti nella sonata.
Transizione allo stile galante
Il barocco non fu improvvisamente sostituito da un nuovo stile, in quanto esso stesso aveva sostituito la musica rinascimentale in tempi relativamente brevi. Si può vedere il 18 ° secolo come un lungo dibattito sullo stile della musica e il sapore della musica.
C’erano essenzialmente due ragioni per cui lo stile galante e il successivo classicismo assunsero il barocco. Innanzitutto, sia il pubblico che i locali sono stati cambiati. Già nel 1720, le sedi dei concerti pubblici erano sempre più costruite a Londra e Parigi e si diffusero in tutta Europa nel 1700. Così, la musica divenne sempre più accessibile alla borghesia. Questo era già successo all’opera, ed era stato in grande sviluppo nei primi anni del 1700. In particolare, è stata l’opera comica, e spesso satirica, a strappare le gambe alla serie d’opera. Nel caso di Henderson e di Londra, in particolare l’opera della birra fu un attacco all’opera raffinata e contribuì a portare Händel agli oratori.
Sfortunatamente per lui e per Bach, che scrisse anche molta musica da chiesa, la classe media emergente divenne dominante nella metà del XVIII secolo. La loro visione, caratterizzata dall’illuminazione, sfidava la posizione politica e culturale della chiesa. Ciò ha aiutato a “inventare la musica” in misura maggiore. La musica sacra è diventata conservatrice e arretrata in questo contesto. Allo stesso tempo, l’ottimismo era grande dato che l’intelletto umano poteva dominare tutte le sfide.
Un altro problema era che un certo numero di compositori affermati morì a metà del XVIII secolo. Couperin morì nel 1733, Pergolesi nel 1736, Vivaldi e Fux nel 1741, Bach nel 1750, Albinoni nel 1751, Domenico Scarlatti nel 1757 e Händel nel 1759. Di questi, Scarlatti, Couperin e Pergolesi avevano già spostato la musica rigorosamente barocca. E mentre Bach rimase una figura periferica verso la fine della sua vita, Telemann gestì meglio la transizione. Ha lasciato il contrappunto e lo stile polifonico relativamente presto, diventando sempre più omofonico e galante. Classism is often regarded as a correspondence to the heavier and more complex baroque music, which simplified music expressions took over. New composers clearly distinguished between the baroque polyphonic style with counterpoints and the galant more singable homophonic style. The general bass was replaced by other solutions, such as the alberti bass .
Even the galant style was preferable to the upcoming composers, the art of writing fuge was far from forgotten, which becomes clear in both Haydns, Mozart’s and Beethoven’s later compositions.