Le baroque dans la signification historique de la musique européenne était une période d’environ 1600 à environ 1750. Dès le début, la musique dans le baroque s’est détournée de la musique de la Renaissance. En remplaçant la polyphonie (plusieurs mélodies simultanément) dans la chanson de l’homophonie (une voix principale) pour laisser le texte dominer, créant des opéras, des oratoires, des cantates et des monodies, la musique vocale s’est développée brusquement. Au début du baroque, les échelles modales étaient principalement associées à la musique d’église échangée avec de la musique tonale. Cela a fait de grandes différences à la fois dans le son et dans la capacité de composer des pièces plus avancées.

Les pièces instrumentales non-clergé étaient une innovation dans le baroque. Il y avait une grande variation entre eux, de toccata, joints, préludier, ricercars et capriccio à canzonaer, suites, sonates et concertos. L’orchestre s’est développé de manière significative dans le baroque, et au fur et à mesure que les instruments devenaient de plus en plus performants, de plus en plus étaient inclus. Les instruments qui frappent le baroque incluent le violon, le violoncelle, le crosspie, la clarinette, le basson, l’obo, le cor anglais et les premières versions des cors, des trompettes et du trombone. Les nouveaux bateaux dans la musique vocale et instrumentale ont été le développement de la basse générale, l’un des premiers exemples de transmission du rythme tenant à un instrument. Là où la musique vocale était gaie, la musique instrumentale restait polyphonique et le contrepoint était souvent utilisé.

Au début, la musique baroque était dominée par les compositeurs italiens; Claudio Monteverdi était l’un des plus célèbres d’entre eux. Finalement, les compositeurs néerlandais, allemands, français et anglais en ont eu plus. La culture musicale de chaque pays variait de temps en temps entre l’utilisation de la musique italienne, l’inspiration ou la création ou la prise en charge de sa propre musique. L’opéra, par exemple, a été d’abord tenté en Allemagne en chantant des jeux avant que l’opéra italien ne prenne le relais. L’opéra anglais était un mélange d’opéra italien et de représentations de masques, et l’opéra français était caractérisé par beaucoup de ballet et de techniques propres, pendant longtemps gouverné totalement par Jean-Baptiste Lully. Cependant, l’opéra italien est devenu plus populaire et public-amical par le développement à Venise et à Naples.

La musique instrumentale s’est également développée différemment. En Italie, le violon est devenu très populaire, et la sonate a été étroitement inventée pour présenter les caractéristiques de l’instrument. Arcangelo Corelli était crucial pour le succès de sonata. En France, des compositeurs comme Marc-Antoine Charpentier ont créé des foires et des oratoires français, tandis que l’enfant prodige Élisabeth Jacquet de La Guerre a écrit des cembalosticks difficiles. En Allemagne, Heinrich Schütz et Johann Hermann Schein ont introduit un certain nombre de nouveaux styles musicaux. Samuel Scheidt, et plus tard Johann Pachelbel et Dietrich Buxtehude ont eu beaucoup de succès avec la musique d’orgue, à la fois les foires géologiques et les toccata et les fantaisies mondaines.

Le dernier bar a connu un énorme développement de musique instrumentale spéciale. Sous Johann Sebastian Bach, la toccata, l’articulation et, en partie, l’imagination ont donné un développement et une popularité significatifs. Georg Friedrich Händel a développé spécialement l’opéra et les oratoires, Georg Philipp Telemann a développé des concerts, opéra comique et un certain nombre d’autres thèmes, Antonio Vivaldi et Tomaso Albinoni ont été cruciaux pour le développement du concert sonate et solo, Jean-Philippe Rameau a développé le opéra en France et en Italie et Domenico Scarlatti et François Couperin, avec Telemann, ont contribué à jeter les bases du style galant qui a suivi le baroque. Le style galant et le classicisme se sont rebellés contre le style baroque compliqué, et voulaient de la musique gay avec une simple basse et un accent plus mondain.

La musique au milieu du bar (1630-1700)
La musique italienne a dominé fortement au début du baroque, mais bientôt les compositeurs allemands, français et britanniques se sont développés seuls. Sur le plan instrumental, il se développait une lutte entre la famille du violon à larges émiettés et la gamfamily excentrique. Les souffleurs se sont aussi développés, surtout les souffleurs de bois, plus vers la façon dont on les connaît aujourd’hui.

Au fur et à mesure que la musique évoluait, il devint plus clair qu’il y avait une distinction entre la musique mondaine et la musique ecclésiastique. Par exemple, la musique mondaine pourrait être destinée à la pièce (« caméra ») dans la maison, et le mot « musique de chambre » vient de là. Il s’est développé différent de la musique d’église et de théâtre, en incluant l’opéra. Alors que le fuge, le preludium et les toccata continuent d’être populaires, les riccercars et les capriccioes deviennent des pièces moins courantes pour les instruments à cordes. Sonata se développa fortement, en particulier sous Arcangelo Corelli, et devint l’un des genres musicaux dominants. La musique instrumentale était en grande partie divisée en deux groupes: les sonates et les genres ou suites connexes et genres apparentés. Les fils étaient moins d’équipage, tandis que les suites – danses stylisées, concertos et sinfonia – étroitement liées aux superstitions, avaient des orchestres beaucoup plus grands.

L’opéra était également plus accessible à un public plus large, avec le développement à Venise et plus tard à Naples. L’accent était de plus en plus sur les chansons et en partie sur la scénographie, généralement au détriment de l’histoire. En France, le ballet a longtemps dominé, mais l’opéra est également passé par le ballet. L’opéra français était fortement dominé par Jean Baptiste Lully, et après sa mort il y avait une période de la mort dans l’opéra français. L’Angleterre a éprouvé quelque chose de la même chose; L’opéra anglais est arrivé en retard dans la période, a eu une courte mais grande période de floraison, en particulier Henry Purcell, et a disparu à nouveau à sa mort. L’opéra allemand était plus modeste, mais Reinhard Keizer a réussi à créer un peu d’enthousiasme pour le genre. Dans la musique d’église, les païens sont également venus dans les pays protestants, en particulier avec Schütz comme contributeur. Pasie est devenue une alternative à l’oratorium et aux kantates, et ainsi la musique de l’église vocale a évolué.

Historiquement, les compositeurs britanniques et allemands avaient des antécédents difficiles. L’Allemagne de l’avenir était une mosaïque d’États allemands plus ou moins indépendants, divisés en régions protestantes et catholiques, qui ont été gravement endommagés pendant la guerre de trois ans. Pour la Grande-Bretagne, la période piétiste d’Oliver Cromwell et le retour relativement modeste de l’art et de la musique sous Charles II devinrent un sérieux affaiblissement.

Instruments
Le développement des instruments s’est poursuivi avec un certain nombre d’innovations. Dans le jeu entre gambe et violon, l’intermédiaire viole d’amour a passé un bon moment. Il faisait partie de la gambefamily, mais n’était pas joué entre les jambes, comme le gamber traditionnel, mais sous le crochet, comme un violon. Il avait généralement sept cordes et sept cordes. Viola d’amore s’est longtemps disputée avec le violon, mais la tendance était au violon. L’une des raisons pour lesquelles le violon a gagné était les innovations dans la production d’instruments italiens. En particulier, le Strolivarius fiolin est devenu populaire, mais avant il était aussi Nicolò Amatisviolinistes en grande demande. La popularité du violon a fait que les compositeurs italiens ont créé des solosonater, des triosonates et des concertos, le tout pour montrer les caractéristiques du violon. Une autre bataille dans la famille Ironman était entre le pari et le violoncelle. Après 1680, le violoncelle prédominait dans les orchestres, bien que le jeu fût encore utilisé comme instrument solo jusqu’à la fin du 18ème siècle. Cependant, la gamfamily a gagné la bataille pour l’instrument de basse, quand la contrebasse est devenue parmi les instruments principaux de la basse générale avec le cembalo.

Dans les instruments de soufflage il y avait aussi un développement. Le skalmeien a été remplacé par un bob baroque, qui a eu une plus grande rente. De plus, la famille des souffleurs de bois s’est dotée d’un nouvel instrument, le chalumeauen. Ce précurseur de la clarinette introduit une seule face à la buse par opposition au double tube hautbois. Le basson a également été développé à la fois du Dulsian à Amsterdam, à Paris et à Nuremberg.

Opéra
L’Opéra a eu un développement énorme au cours du 17ème siècle. La variation des résitatifs et des arias d’une part, et la mise en scène et l’art dramatique d’autre part, ont fait que beaucoup d’écoles concurrentes ont choisi leurs propres solutions. Parmi ceux-ci, c’était l’école napolitaine qui dominait. L’Italie était un leader dans le développement, mais aussi l’opéra français et anglais est devenu applicable. Il y avait aussi quelques opéras allemands vers la fin de la période.

Opéra italien
En 1637 s’ouvre le premier opéra de Venise, le théâtre San Cassiano. Il a été suivi par plusieurs maisons d’opéra. L’opéra était ainsi accessible au grand public. Cela signifiait aussi que l’opéra devait convenir au goût du public. L’un des changements était donc que l’opéra vénitien se concentrait beaucoup sur la scénographie, avec des anges volants et de la cavalerie sur la scène. Un autre changement a été que le Bélier a attiré plus d’attention et est venu au centre. Dans une certaine mesure, cela a également entraîné le drame de l’opéra en arrière-plan. Antonio Cesti et Francesco Cavalli sont les principaux compositeurs d’opéra, tous deux ayant pour thème principal la mythologie grecque. L’Opéra s’était donc éloigné du point de départ avec les écoles romaines et vénitiennes. Ariene était à l’avant, les restitutions devenaient importantes, l’orchestre était utilisé pour créer l’ambiance, la scénographie était essentielle et le thème était le plus souvent dérivé des temps anciens.

En 1675, Naples a pris la tête des opérations en Italie et est restée dominante pendant longtemps, en partie à cause d’Alessandro Scarlatti. Dans l’école napolitaine, la scénographie et les instruments scéniques sont devenus moins importants tandis que la chanson a été développée davantage. La chanson est venue à l’avant, mais en plus la mélodie est devenue importante, de sorte que l’histoire de l’histoire a été annulée. Ainsi, l’opéra napolitain s’était éloigné du second principe de Monte Verde. Le drame, qui était déjà à l’arrière-plan à Venise, était encore plus ignoré, et plus ou moins était une manière lâche de passer du numéro de la chanson au numéro de la chanson. Maintenant, les femmes ont aussi eu l’occasion de chanter sans dépasser la popularité des chansons castrats. Vous avez des mères primates et les premiers uomos qui ont grandi, et souvent l’action dramatique de l’opéra peut être interrompue par le fait qu’une primadonna a chanté une chanson, elle était particulièrement célèbre pour le milieu d’un autre opéra, ce qui rendait le drame encore plus difficile à suivre. C’était aussi ici que la tendance à chanter les paroles a été établie à plusieurs reprises. L’école napoléonienne totalement endurée à Christoph Willibald Gluck a pris un règlement contre l’action brisée, les airs d’étranger, le drame en arrière-plan et le traitement spécial des mères primates.

Opéra français
En France, l’opéra n’a pas connu de succès majeur malgré les procès persistants, entre autres, du cardinal Mazarin. Cependant, Jean Baptiste Lully a fait une apparition désastreuse.

Lully était originaire de Florence, mais a déménagé comme un jeune garçon à Paris. Là, il a aidé à construire à la fois le ballet et l’opéra. Lully fut finalement employé par le roi Ludvig XIV après que sa sœur l’eut utilisé comme violoniste. Lully a grandi avec les défis, et a écrit de nombreuses pièces et ballets humoristiques. Finalement, Lully a collaboré avec Molière, et ils ont fait des ballets comiques, mélangés à de la danse, des pièces de théâtre et des jeux de chant connus sous le nom de tragédie lyrique. Comme ces intermezzo – pièces placées entre les actes dans, par exemple, une pièce de théâtre – ont gagné en popularité, ils sont aussi devenus plus grands et plus élaborés. Comme Lully a eu beaucoup de succès avec le roi et aussi seul avec son orchestre de chambre, il a acheté le droit exclusif aux opéras. Ainsi, il n’y avait pas de concurrents à lui pendant la période. En 1673, il a joué son premier opéra.

Lullys opéra français a été caractérisé par des arias soigneusement imprimés et resitatives, ce qui n’a pas permis beaucoup d’improvisation. Il a écrit l’opéra de sorte qu’ils se sont battus avec la langue française quotidienne. Les seuls opéras semblaient séparés de l’opéra napolitain, il était clair qu’ils étaient aussi inspirés par eux. Lully mit également l’accent sur l’ouverture instrumentale d’un opéra qu’il rebaptisa de sinfonia à overture. Il avait une division lente-rapide-lente où la première division lente avait un thème mélodique et unanime, la partie rapide une mélodie rapide de contrepoint et la dernière, et facultative, la partie revenait souvent à la première partie encore.

L’opéra français après Lully a rendu difficile. Malgré le fait que Lully était mort, les groupes ont trouvé que ses opéras devaient être enregistrés. Il en résulta une réception très mitigée de l’opéra aux descendants, comme André Campra, Pascal Collasse, Henri Desmarets, Louis Lully, André Cardinal Destouches, Marin Marais et Élisabeth Jacquet de La Guerre. Ce n’est pas non plus pour les compositeurs français que Louis XIV a été influencé par la Marquise de Maintenon, et a découpé l’opéra pendant cette période. En outre, la musique italienne avait pris plus d’importance dans la période après la mort de Lully quand il ne contrôlait plus la musique qui est entrée dans le pays.

Opéra anglais
En Angleterre, l’opéra n’a pas fait un excellent début au début. D’abord, le pays avait déjà son propre genre appelé masque, une forme de chant avec des poèmes, où la danse, le chant et la musique instrumentale se rencontraient. Cela avait de longues traditions en Angleterre. Deuxièmement, l’opéra était italien et catholique, tandis que l’Angleterre était anglicane et avait des caractéristiques piétistes. Troisièmement, toutes les formes de divertissement public ont été fermées pendant 15 ans sous le puritanisme d’Oliver Cromwell. Seulement 15 ans ont semblé modestes dans le grand contexte, n’ont jamais attrapé le masquen, et beaucoup de compositeurs ont disparu. Karl II prit le relais, mais il resta longtemps à récupérer des pièces de théâtre et de musique pour ne blesser personne. Par conséquent, il n’y avait pas de retour instantané de masque ou d’autres styles opaques non plus.

Quand de nouveaux compositeurs anglais sont arrivés, l’opéra était le thème, et John Blow est devenu le premier à écrire un opéra anglais quand il a composé Venus et Adonis en 1682. Cependant, Blow a été rapidement rendu par son professeur Henry Purcell. Le premier opéra de Purcell, Dido and Aeneas, devint son plus populaire, mais il réussit aussi avec The Fairy-Queen et King Arthur.

Purcell avait appris une partie de son professeur Blow, y compris en faisant appel à un équipage limité de quatre personnes. Sinon, le premier opéra de Purcell s’inspire à la fois de l’opéra Masque et Lullys, introduit en Angleterre par Charles II en exil. Ce dernier pourrait être vu en présence de la danse. En retour, Purcell avait aussi des éléments d’opéra italien, comme beaucoup de Bélier. Dans le même temps, il a également été inspiré par John Blow et les traditions anglaises antérieures. Ceci s’applique, par exemple, à la présence de style de mode au lieu de l’échelle diatonique majeure, et au resitatif de Purcell, semblable à des coups.

Opéra dans les pays germanophones
Alors que Vienne s’épanouit en tant que centre d’opéra, il a longtemps été considéré comme une branche de l’opéra vénitien. Le reste des régions germanophones étaient caractérisées à la fois par la troisième guerre mondiale et le sérieux religieux. Il y avait peu d’opéras, et ceux qui existaient chantaient des jeux de nature religieuse, souvent avec le dialogue plutôt que le resitatif. Reinhard Keizer est le compositeur d’opéra dominant dans les territoires de l’Allemagne du Nord. Empereur, cependant, a écrit la plupart de son opéra dans la période suivante, qui a également été dominée par des opéras de Georg Friedrich Händel et Georg Philipp Telemann. Johann Matthes a également écrit des opéras, mais ses écrits théoriques sont plus familiers que ses compositions.

Musique de chambre et musique d’orchestre
La musique de chambre était la musique mondaine destinée à être jouée pour une pièce relativement grande, généralement avec une famille noble. Pendant cette période, cela était particulièrement vrai pour les sonas, les cantates et les tournées de concerts. Pour distinguer entre la musique religieuse et la musique mondaine, les Sonates et les Kantates sont souvent appelés des sonates de chambre et des enregistrements de chambre.

Dans les années 1600, il y avait une distinction plus claire entre les différentes sonates. Au début du siècle, une sonate n’était définie que comme «quelque chose à jouer», contrairement aux cantates qui chantent. Finalement, il est devenu un terme d’un groupe de petites parties, souvent des danses, séparés de la musique, la texture, l’humeur, le caractère et le tempo et le tempo de temps en temps. Comme les compositeurs ont développé le genre, ils ont été divisés en lots spécifiques, de sorte que le sonate est finalement devenu un travail de multitudes avec des différences claires en ligne avec l’affaire de l’apprentissage. Vers 1660, il y eut aussi un divorce entre la sonate de la chambre et la sonate de l’église.

Arcangelo Corelli était l’un des principaux compositeurs de sonates de la période. En tant qu’opposition furieuse contre Schütz, Corelli n’a laissé aucune musique vocale, alors que sa musique instrumentale est probablement le point culminant de la musique de chambre italienne vers la fin des années 1600. Corelli était un violoniste très habile, et il utilisait pleinement les possibilités du violon sans pour autant être trop virtuose. Ses fils de violon, triosonates et concerti grossi se sont répandus dans toute l’Europe et il a eu une grande influence sur les compositeurs de violon plus tard.

En général, les sonates de Corelli se composaient de préludes, suivis de deux ou trois danses. Souvent, les danses étaient liées ensemble sous forme binaire, c’est-à-dire que la première partie allait de tonica à dominante, tandis que l’autre passait de dominante à basique. La ligne de basse était presque un accompagnement, et par conséquent ne joue pas un rôle égal, contrairement à ses fils d’église. Les triosonates de Corellis étaient principalement écrits pour adapter la musique lyrique plutôt que la virtuosité. Il a eu le plus de chansons dans la classe moyenne sans notes hautes ou basses, des parties rapides ou d’autres défis. Aucun des violons n’a un plus grand rôle que l’autre. La sonate solo s’ouvrait beaucoup plus à l’improvisation virtuose, mais suivait la forme sonore de Corelli. Il y avait une légère différence entre les sonates de l’église et de la chambre dans les solosonates.

Les cantates sont devenues la principale musique de chambre pour le chant en Italie et surtout à Rome. Les cantates, souvent écrites pour l’occasion et pour un public critique, ont été conçues pour une pièce relativement petite sans scénographie, devenant ainsi une intimité qui invitait à la plaisanterie et à l’élégance. Il a augmenté la demande pour les cantates qui sont venus à la suite de la mission sécurisée pour les compositeurs et les poètes, en particulier parce que plus de cantats étaient mondains, généralement avec un amour pastoral exécuté après des techniques dramatiques. La musique était généralement pour deux ou plusieurs chanteurs avec continuo, généralement quand cembalo. Alessandro Scarlatti a écrit plus de six cents cantates et dominé dans ce contexte. En particulier, Marc-Antoine a pris Charpentier et Jacquet de la Guerre se sont sortis des cantates, et les a changés en partie pour leur donner un style plus «français». Pour le dernier, cela signifiait, entre autres choses, qu’elle empruntait l’ouverture, encore plusieurs endroits appelés Sinfonia, de l’opéra. Elle a eu beaucoup plus de succès avec ses cantates d’opéra qu’avec son opéra. Jaquet de la Guerre a également contribué à quelques-uns des très rares cas de cadres de l’église française. Une intersection entre les cantates et l’opéra était la sérénade, qui était à moitié dramatique, pour plus de chanteurs et un petit orchestre, et donc trop grande pour la chambre et trop petite pour les grandes salles de concert.

Les concertos se sont séparés de la musique de chambre typique car ils ont été conçus pour un ensemble plus grand, où plusieurs musiciens ont joué la même voix. Initialement, cet équipage était modeste avec une musique écrite, la plupart du temps renversée, écrite par, par exemple, Lully, mais vers la fin du 17ème siècle de plus en plus de pièces étaient écrites pour l’orchestre écrit. Ils ont reçu le nom de concerto, qui était auparavant utilisé pour la musique vocale. Parmi les trois types principaux, le concerto d’orchestre – mettant l’accent sur la première ligne de fiolin et de basse – était moins important, tandis que les deux autres, qui faisaient la différence de son et utilisaient l’orchestre plus consciemment, devenaient beaucoup plus populaires. Il comprenait concerto grosso, où un petit ensemble a été mis en place contre un grand concerto solo, avec un instrument solo contre le reste de l’orchestre. Bien que Corelli fût un violoniste, il n’a pas choisi le concerto solo avec violon et orchestre, mais plutôt le concerto grosso, le mieux adapté au style musical de Rome. Sa technique où le grand orchestre copiait presque le petit était très imitée dans toute l’Europe. Le plus important pour le concerto était Giuseppe Torelli, qui a peut-être écrit les premiers concertos, et a défini le thème rapide-lent-entraîné pris des conversions d’opéra. Son style nord-italien a été poursuivi par Tomaso Albinoni de Venise.

Élisabeth-Claude Jacquet de la Guerre était elle-même l’un des premiers enfants, et déjà très jeune elle est apparue à Paris et entourée de cembalo. Elle a été reconnue à la fois comme musicienne et compositrice. En plus de suivre les traces de Francesca Caccini et de devenir la première compositrice d’opéra féminine en France – bien que loin d’être un succès, elle est devenue très connue pour ses morceaux de cembalo. Elle a également écrit des sonas et des cantats, principalement avec un contenu religieux. Les cembalostocks de Jacquet de la Guerre étaient principalement des suites, un nouveau style de danses stylisées, c’est-à-dire des morceaux de musique écrits en rythme de danse, mais le plus souvent pas utilisés pour danser. La différence entre les suites et les sonates à cette époque était l’absence de joints et d’introduction, ainsi que le fait que les variations de rythme et de tempo étaient plus grandes. Cependant, ils ont commencé la guerre avec twoccata, rebaptisé tocade dans certaines de leurs suites, et elle a été le premier à écrire toccata pour cembalo.

Musique d’église
La musique d’église française a été influencée, autant en France, par Louis XIV. Il était contre les foires, et ne voulait pas que quelqu’un dans sa cour les écrive. Marc-Antoine Charpentier n’appartient pas à la cour et écrit des foires avec beaucoup de succès. Charpentier utilisait un large éventail d’instruments dans les foires, et comme il n’avait pas beaucoup de foires françaises à copier, il avait aussi une grande liberté dans le développement de ceux qu’il voulait. Charpentier a également évolué au fil des années et a réussi à créer un équilibre entre la polyphonie et l’homophonie, la chorale et l’orchestre et la prière introspective et la chanson dramatique. Charpentier a également écrit des oratoires, souvent inspirés par la musique italienne et française. Cependant, le français n’a pas employé le terme oratorium, mais plutôt motet, dialogue ou canticum. Cela signifiait que Charpentier avait une grande liberté dans la conception des oratoires. La pièce la plus célèbre de Charpentier provient d’un motet qui aurait bien pu être un oratorium, Te Deum.

Le bureau de l’église allemande a été inspiré par le cantonais italien, mais aussi par le travail de Heinrich Schütz. Il a trouvé son chemin au-delà des sceptiques secrets qui s’opposaient aux éléments semblables à l’opéra dans l’église. Les candidats de l’église avaient donc des chansons plus lyriques et moins dramatiques. Une forme particulière de cantate d’église est les cantates de corail. Il était basé sur un hymne et a traité tous les versets. Souvent, la mélodie du corail était la base des variations.

Dans les régions germanophones, la musique d’église variait entre musique catholique et protestante et à l’intérieur dans les régions protestantes. Dans le catholicisme, beaucoup de choses n’ont pas été épargnées à la gloire de Dieu et, à de nombreuses occasions, comme le Heinrich Bibers a fêté le 1100e anniversaire de Salzbourg, les six chanteurs étaient au nombre de seize chanteurs et trente-sept musiciens. Dans le protestantisme, il y avait deux directions principales, les orthodoxes, qui voulaient utiliser des ressources telles que les catholiques, et le piétiste qui économiserait sur de telles dépenses. C’est pourquoi, dans les contextes protestants, les protestants orthodoxes ont eu le plus grand développement.

Heinrich Schütz était auparavant un dramaturge musical talentueux et, ces derniers temps, il a joué un rôle important dans les oratoires et dans les photos qu’il a écrites, un dans l’esprit de l’évangile après Matthieu, Luc et Jean.

Le compositeur danois-allemand Dietrich Buxtehude a brillé sur l’orgue, laissant derrière lui une grande quantité d’œuvres d’orgue au sein de la twoccata, du preludium, des articulations et plus encore. Il avait de l’imagination, de la virtuosité et de la sophistication, et avait le sens de l’improvisation. Buxtehude a visité à la fois Georg Friedrich Händel et Johann Sebastian Bach sur leurs vieux jours. La plupart de ses grandes œuvres d’orgue sont écrites en deux cascades. Une toccataform était un travail de femsatser avec preludium suivi de fuge numéro 1 suivi d’un jeu intermédiaire suivi d’un fuge numéro 2 et finalement d’une twoccata. Buxtehude a également bénéficié d’une pause en tant qu’instrument de musique.

Buxtehude a également écrit 120 cadres d’église préservés. Celles-ci vont de la basse solo et générale à six voix avec grand orchestre. Cependant, les cantats sont caractérisés par un style de début de bar en accord avec Cavalli et Monteverdi. Ils ont des harmoniques simplifiées et des motifs chantables conformes au second principe. Scheidt et Schütz ont également eu une influence sur Buxtehude.

Der Buxtehude appartenait à l’école protestante d’Allemagne du Nord, Johann Pachelbel appartenait à l’Allemagne du Sud et catholique. Pachelbel était particulièrement actif à Nuremberg. Sa musique d’orgue a été inspirée par la musique italienne, mais en même temps le style d’orgue mélodieux sud-allemand avec des harmonies douces et des mélodies chantables. Pachelbel mettait l’accent sur les toccatas et les fantaisies, mais il écrivit aussi de la musique de chambre, y compris son fameux canon en ré.