यूरोपीय संगीत ऐतिहासिक महत्व में बारोक लगभग 1600 से लेकर 1750 तक की अवधि थी। प्रारंभ से, बारोक में संगीत पुनर्जागरण संगीत से दूर हो गया। होमफोनी (एक मुख्य स्वर) के गीत में पॉलीफोनी (एक साथ कई मेलोडी) को प्रतिस्थापित करने के लिए पाठ को हावी होने, ओपेरा, ऑरेटरीज, कैंटट्स और मोनोडी बनाने के लिए, मुखर संगीत तेजी से विकसित हुआ। बारोक में शुरुआती, मोडल स्केल ज्यादातर चर्च संगीत के साथ जुड़े थे जो टोनल संगीत के साथ आदान-प्रदान करते थे। इससे ध्वनि और अधिक उन्नत टुकड़ों को लिखने की क्षमता में बहुत अंतर आया।

गैर-पादरी वाद्ययंत्र के टुकड़े बारोक में एक नवाचार थे। उनके बीच, टक्काटा, जोड़ों, प्रलोभन, रिक्करर्स और कैप्रिसियो से कैनज़ोनेर, स्वीट्स, सोनाटास और कॉन्सर्टोस के बीच एक बड़ा बदलाव था। ऑर्केस्ट्रा बारोक में महत्वपूर्ण रूप से विकसित हुआ, और जैसे ही उपकरण हमेशा बेहतर हो गए, अधिक से अधिक शामिल किए गए। बैरोक को मारने वाले उपकरण में वायलिन, सेलो, क्रॉस्पी, क्लेरनेट, बेसून, ओबो, अंग्रेजी सींग और सींग, तुरही और ट्रंबोन के शुरुआती संस्करण शामिल हैं। मुखर और वाद्य संगीत में नई नौकाएं सामान्य बास का विकास थीं, एक उपकरण को लय रखने के पहले उदाहरणों में से एक था। जहां मुखर संगीत समलैंगिक था, वाद्य यंत्र संगीत पॉलीफोनिक बना रहा, और अक्सर काउंटरपॉइंट का उपयोग किया जाता था।

प्रारंभ में बारोक संगीत इतालवी संगीतकारों का प्रभुत्व था; क्लाउडियो मोंटेवेरी उनमें से सबसे प्रसिद्ध थे। आखिरकार डच, जर्मन, फ्रेंच और अंग्रेजी संगीतकार अधिक के साथ आए। प्रत्येक देश में संगीत संस्कृति समय-समय पर इतालवी संगीत का उपयोग करने, इसके द्वारा प्रेरित या अपने संगीत की देखभाल या देखभाल के बीच भिन्न होती है। ओपेरा, उदाहरण के लिए, इतालवी ओपेरा के कब्जे से पहले गेम गाकर जर्मनी में पहली बार प्रयास किया गया था। अंग्रेजी ओपेरा इतालवी ओपेरा और मास्क प्रदर्शन का मिश्रण था, और फ्रांसीसी ओपेरा को बैले और अपनी तकनीकों की विशेषता थी, लंबे समय से जीन-बैपटिस्ट लुली द्वारा पूरी तरह शासन किया गया था। हालांकि, वेनिस और नेपल्स में विकास के माध्यम से इतालवी ओपेरा अधिक लोकप्रिय और सार्वजनिक-अनुकूल बन गया।

वाद्य यंत्र भी अलग विकसित किया। इटली में, वायलिन बहुत लोकप्रिय हो गया, और सोनाटा का वाद्य यंत्र की विशेषताओं को प्रदर्शित करने के लिए बारीकी से आविष्कार किया गया था। सोनाटा की सफलता के लिए Arcangelo Corelli महत्वपूर्ण था। फ्रांस में, मार्क-एंटोनी चारपेंटेयर जैसे संगीतकारों ने फ्रेंच मेले और ऑरेटरीज बनाए, जबकि आश्चर्यचकित बच्चे एलिज़ाबेथ जैक्केट डे ला ग्वेरे ने चुनौतीपूर्ण सीम्बलोस्टिक्स लिखे। जर्मनी में, हेनरिक श्त्ज़ और जोहान हरमन Schein ने कई नई संगीत शैलियों की शुरुआत की। सैमुअल Scheidt, और बाद में जोहान Pachelbel और Dietrich Buxtehude अंग संगीत, दोनों भूगर्भीय मेलों और सांसारिक toccata और fantasies के साथ बड़ी सफलता थी।

देर से बार में विशेष वाद्य संगीत का एक बड़ा विकास था। जोहान सेबेस्टियन बाख के तहत, दोनों टोक्का, संयुक्त और, कुछ हद तक, कल्पना ने एक महत्वपूर्ण विकास और लोकप्रियता दी। जॉर्ज फ्रेडरिक हैंडेल ने विशेष रूप से ओपेरा और ऑरेटरीज विकसित किए, जॉर्ज फिलिप टेलीमैन ने कॉन्सर्ट, कॉमिक ओपेरा और कई अन्य विषयों का विकास किया, एंटोनियो विवाल्डी और टॉमसो अल्बिनोनी सोनेट और एकल संगीत कार्यक्रम के आगे के विकास के लिए महत्वपूर्ण थे, जीन-फिलिप रामेउ ने विकसित किया फ्रांस और इटली में ओपेरा और डोमेनिको स्कारलाट्टी और फ्रैंकोइस कूपरिन, टेलीमैन के साथ, बारोक के बाद की गैलेन्ट शैली की नींव रखी। गैलेंट शैली और क्लासिकवाद ने बारोक जटिल शैली के खिलाफ विद्रोह किया, और सरल बास चलने और अधिक सांसारिक फोकस के साथ समलैंगिक संगीत चाहता था।

बीच बार में संगीत (1630-1700)
इतालवी संगीत बारोक की शुरुआत में दृढ़ता से प्रभुत्व था, लेकिन जल्द ही जर्मन, फ्रेंच और ब्रिटिश संगीतकार स्वयं विकसित हुए। औपचारिक रूप से, यह व्यापक-क्रुम्बल वायलिन परिवार और विलक्षण gamfamily के बीच एक संघर्ष विकसित कर रहा था। उड़ने वालों ने भी विकसित किया, खासतौर पर लकड़ी के उड़ने वाले, जिस तरह से आज उन्हें पता है।

जैसे-जैसे संगीत विकसित हुआ, यह स्पष्ट हो गया कि सांसारिक और उपशास्त्रीय संगीत के बीच एक अंतर था। उदाहरण के लिए, सांसारिक संगीत घर में कमरे (“कैमरा”) के लिए बनाया जा सकता है, और शब्द “कक्ष संगीत” वहां से आता है। यह ओपेरा समेत चर्च और रंगमंच संगीत दोनों से अलग हो गया। जबकि फ्यूज, प्रीलुडियम और टोकाटा लोकप्रिय रहे, जबकि स्ट्रिंगकार्स और कैप्रसिओ स्ट्रिंग उपकरणों के लिए कम आम टुकड़े बन गए। सोनाटा ने दृढ़ता से विकसित किया, विशेष रूप से आर्कैंजेलो कोरली के तहत, और प्रमुख संगीत शैलियों में से एक बन गया। वाद्य यंत्र संगीत को बड़े पैमाने पर दो समूहों में विभाजित किया गया था: सोनेट्स और संबंधित शैलियों या सूट और संबंधित शैलियों। बेटे कम क्रू थे, जबकि सुइट्स – स्टाइलिज्ड नृत्य, कॉन्सर्टोस और सिफोनिया – अंधविश्वास से बारीकी से संबंधित, बहुत बड़े ऑर्केस्ट्रस थे।

वेनिस और बाद में नेपल्स में विकास के साथ ओपेरा बड़े दर्शकों के लिए भी अधिक सुलभ था। आमतौर पर इतिहास के खर्च पर, गानों और आंशिक रूप से दृश्यता पर ध्यान केंद्रित किया गया था। फ्रांस में, बैले लंबे समय से प्रभावी थे, लेकिन ओपेरा भी बैले के माध्यम से आया था। फ्रांसीसी ओपेरा का जीन बैपटिस्ट लुली द्वारा अत्यधिक प्रभुत्व था, और उनकी मृत्यु के बाद फ्रांसीसी ओपेरा में मृत्यु अवधि थी। इंग्लैंड ने कुछ ऐसा अनुभव किया; अंग्रेजी ओपेरा इस अवधि में देर से आया, एक छोटी लेकिन महान फूल अवधि थी, विशेष रूप से हेनरी पर्ससेल, और उसकी मृत्यु पर फिर से गायब हो गई। जर्मन ओपेरा अधिक मामूली था, लेकिन रेनहार्ड केइज़र शैली के लिए कुछ उत्साह पैदा करने में कामयाब रहा। चर्च संगीत के भीतर, मूर्तिपूजक प्रोटेस्टेंट देशों में भी आया, खासकर शूट्ज़ के साथ योगदानकर्ता के रूप में। पासी ऑरेटोरियम और कैंटेट्स का विकल्प बन गया, और इस प्रकार मुखर चर्च संगीत विकसित हुआ।

ऐतिहासिक रूप से, ब्रिटिश और जर्मन संगीतकारों की एक कठिन पृष्ठभूमि थी। भविष्य में जर्मनी कम या ज्यादा स्वतंत्र जर्मन राज्यों का एक पैचवर्क था, जो प्रोटेस्टेंट और कैथोलिक क्षेत्रों में विभाजित था, दोनों तीन साल के युद्ध के दौरान गंभीर रूप से क्षतिग्रस्त थे। ब्रिटेन के लिए, ओलिवर क्रॉमवेल की पेशाब अवधि और चार्ल्स द्वितीय के दौरान कला और संगीत की अपेक्षाकृत मामूली वापसी गंभीर कमजोर हो गई।

उपकरण
उपकरणों के विकास ने कई नवाचारों के साथ जारी रखा। गाम्बे और वायलिन के बीच खेल में, मध्यस्थ वायोला डी आमोर का शानदार समय था। यह gambefamily का हिस्सा था, लेकिन पारंपरिक gamber की तरह पैरों के बीच नहीं खेला गया था, लेकिन एक वायलिन की तरह हुक के नीचे। यह आमतौर पर सात तार और सात तार था। व्हायोला डी आमोर ने ध्यान के बारे में वायलिन के साथ लंबे समय तक लड़ा, लेकिन प्रवृत्ति वायलिन के पक्ष में थी। वायलिन जीता कारणों में से एक इतालवी उपकरण उत्पादन में नवाचार था। विशेष रूप से, स्ट्रैडिवायरियस फिओलिन लोकप्रिय हो गया, लेकिन इससे पहले कि यह निकोलो अमातिसिविओलिनिस्ट भी बड़ी मांग में था। वायलिन की लोकप्रियता का मतलब था कि इतालवी संगीतकारों ने वायलोसोनेटर, त्रिकोणीय और समेकित बनाया, सभी वायलिन की विशेषताओं को दिखाने के लिए। आयरनमैन परिवार में एक और लड़ाई जुआ और सेलो के बीच थी। 1680 के बाद सेलो ऑर्केस्ट्रस में मुख्य रूप से प्रभावशाली था, हालांकि 18 वीं शताब्दी के उत्तरार्ध तक गेम को अभी भी एकल उपकरण के रूप में उपयोग किया गया था। हालांकि, gamfamily बास उपकरण के लिए लड़ाई जीती, जब डबल बास आम बास के साथ आम बास के अग्रणी उपकरणों में से एक बन गया।

उड़ाने वाले उपकरणों के भीतर भी एक विकास था। Skalmeien एक baroque बॉब द्वारा प्रतिस्थापित किया गया था, जिसमें एक बड़ा किराया था। इसके अलावा, woodblower परिवार को एक नया उपकरण, chalumeauen मिला। क्लेरनेट के इस अग्रदूत ने ओबो डबल पाइप के विपरीत एकल-चेहरे को नोजल पेश किया। बेससॉन एक ही समय में एम्स्टर्डम, पेरिस और नूर्नबर्ग में डल्सियन से विकसित किया गया था।

ओपेरा
17 वीं शताब्दी में ओपेरा का बड़ा विकास हुआ। एक तरफ रेजीटिवेटिव्स और एरिया में बदलाव और दूसरे पर स्टेजोग्राफी और नाटक ने कई प्रतियोगी स्कूलों को अपना स्वयं का समाधान चुना। इनमें से, यह नीपोलिटन स्कूल था जो प्रभुत्व था। इटली विकास में अग्रणी था, लेकिन फ्रेंच और अंग्रेजी ओपेरा भी लागू हो गया। इस अवधि के अंत में कुछ जर्मन ओपेरा भी थे।

इतालवी ओपेरा
1637 में वेनिस में पहला ओपेरा हाउस सैन कैसियानो थिएटर खोला गया। इसके बाद कई ओपेरा घरों का पालन किया गया। इस प्रकार ओपेरा आम जनता के लिए सुलभ था। इसका मतलब यह भी था कि ओपेरा को जनता के स्वाद के अनुरूप होना था। इसलिए परिवर्तनों में से एक था कि वेनिसियन ओपेरा ने मंच पर सवारी करने वाले उड़ने वाले स्वर्गदूतों और घुड़सवारी के साथ दृश्यता पर बहुत ध्यान केंद्रित किया। एक और परिवर्तन यह था कि मेषों ने अधिक ध्यान दिया और केंद्र में आया। कुछ हद तक, इसके परिणामस्वरूप पृष्ठभूमि में ओपेरा का नाटक भी हुआ। प्रमुख ओपेरा संगीतकार एंटोनियो सेस्ती और फ्रांसेस्को कैवल्ली थे, दोनों विशेष ग्रीक पौराणिक कथाओं के साथ मुख्य विषय के रूप में। इस प्रकार ओपेरा रोमन और वेनिसियन स्कूलों के शुरुआती बिंदु से दूर एक स्पष्ट दिशा में चले गए थे। एरिने सामने था, विश्राम महत्वपूर्ण हो गया, ऑर्केस्ट्रा मूड बनाने के लिए इस्तेमाल किया गया था, दृश्योग्राफी आवश्यक थी और विषय अक्सर प्राचीन काल से लिया गया था।

1675 में, नेपल्स ने इटली में अग्रणी ऑपरेटिव के रूप में पदभार संभाला, और आंशिक रूप से एलेसेंड्रो स्कारलाट्टी के कारण, लंबे समय तक प्रभावशाली रहा। नीपोलिटन स्कूल में, गीत और विकसित होने के दौरान दृश्यता और प्राकृतिक यंत्र कम महत्वपूर्ण हो गए। गीत सामने आया, लेकिन इसके अलावा संगीत महत्वपूर्ण हो गया, ताकि कहानी की कहानी ओवरराइड हो गई। इस प्रकार, नीपोलिटन ओपेरा मोंटे वर्दे के दूसरे सिद्धांत से दूर चले गए थे। नाटक, जो वेनिस में पृष्ठभूमि में पहले से ही था, और भी अधिक अवहेलना था, और गीत संख्या से गीत संख्या तक पहुंचने का एक ढीला तरीका था। अब महिलाओं को भी कलाकारों की लोकप्रियता को पार किए बिना गायन करने का अवसर मिला। आपको प्राइमेट माताओं और उभरने वाले पहले यूमोस मिल गए, और अक्सर ओपेरा की नाटकीय कार्रवाई इस तथ्य से बाधित हो सकती है कि प्राइमाडोना ने एक गीत गाया था या वह विशेष रूप से किसी अन्य ओपेरा के बीच प्रसिद्ध था, जिसने नाटक को और भी बनाया पालन ​​करना मुश्किल है। यह भी यहां था कि गीत गाए जाने की प्रवृत्ति बार-बार स्थापित की गई थी। नेपोलियन स्कूल पूरी तरह से क्रिस्टोफ विलीबाल्ड ग्लेक के लिए सहन किया गया टूटी हुई कार्रवाई, अजनबी एरिया, पृष्ठभूमि में नाटक और प्राइमेट माताओं के विशेष उपचार के खिलाफ एक समझौता किया।

फ्रांसीसी ओपेरा
फ्रांस में, दूसरों के बीच, कार्डिनल माज़ारिन के लगातार परीक्षणों के बावजूद ओपेरा कोई बड़ी सफलता नहीं थी। हालांकि, जीन बैपटिस्ट लुली ने एक विनाशकारी उपस्थिति बनाई।

लुली मूल रूप से फ्लोरेंस से थी, लेकिन पेरिस में एक युवा लड़के के रूप में चले गए। वहां उन्होंने बैले और ओपेरा दोनों बनाने में मदद की। अंततः लूली को किंग लुडविग XIV द्वारा नियोजित किया गया था जब उनकी बहन ने उन्हें वायलिनिस्ट के रूप में इस्तेमाल किया था। चुनौतियों के साथ लूली हुई, और कई विनोदी टुकड़े और बैले लिखे। आखिरकार लुली ने मोलिएरे के साथ सहयोग किया, और उन्होंने हास्य बैले बनाये, नृत्य, नाटकों और गायन खेलों के साथ मिश्रित, जिसे ट्रेगेडी लाइरिक कहा जाता है। इन मूल रूप से intermezzoes के रूप में – कार्यों के बीच रखा टुकड़ा, उदाहरण के लिए, एक रंगमंच टुकड़ा – लोकप्रियता में वृद्धि, वे भी बड़े हो गए और अधिक काम किया। चूंकि लुली को राजा के साथ और अपने कक्ष ऑर्केस्ट्रा के साथ भी बहुत सफलता मिली, उसने ओपेरा के लिए विशेष अधिकार खरीदा। इस प्रकार, इस अवधि के दौरान उनके लिए कोई प्रतिस्पर्धा नहीं थी। 1673 में उन्होंने अपना पहला ओपेरा प्रदर्शन किया।

लुलीज फ्रेंच ओपेरा को सावधानी से मुद्रित एरिया और रेजीटिवेटिव द्वारा विशेषता थी, जिसने बहुत सुधार नहीं किया। उन्होंने ओपेरा लिखा ताकि वे फ्रेंच दैनिक भाषा के साथ लड़े। एकमात्र ओपेरा नीपोलिटन ओपेरा से अलग लग रहा था, यह स्पष्ट था कि वे भी उनके द्वारा प्रेरित थे। लूली ने ओपेरा के वाद्ययंत्र के उद्घाटन पर भी अधिक जोर दिया, जिसका नाम बदलकर पापफोनिया से बदल दिया गया। उनके पास धीमी गति से धीमी गति से विभाजन था जहां पहले धीमी प्रभाग में एक सुन्दर, सर्वसम्मति से थीम थी, तेजी से विकसित भाग एक तेज़, काउंटरपॉइंट मेलोडी और आखिरी और वैकल्पिक था, यह हिस्सा अक्सर पहले भाग में वापस आ गया था।

लुली के बाद फ्रांसीसी ओपेरा ने इसे मुश्किल बना दिया। इस तथ्य के बावजूद कि लुली मर चुके थे, समूहों ने पाया कि उनके ओपेरा रिकॉर्ड किए जाने थे। इसके परिणामस्वरूप ओपेरा कैंपरा, पास्कल कोलासी, हेनरी डेसमेट्स, लुई लुली, एंड्रे कार्डिनल डेस्टोच, मारिन मैरिएस और एलिज़ाबेथ जैक्केट डे ला ग्वेरे जैसे वंशजों के लिए ओपेरा का बहुत मिश्रित स्वागत हुआ। यह फ्रांसीसी संगीतकारों के लिए भी नहीं था कि लुईस XIV Marquise de Maintenon से प्रभावित था, और इस अवधि के दौरान ओपेरा काट दिया। इसके अलावा, लुली की मौत के बाद इतालवी संगीत ने अधिक समय लिया था जब वह अब देश में आने वाले संगीत को नियंत्रित नहीं करता था।

अंग्रेजी ओपेरा
इंग्लैंड में, ओपेरा ने शुरुआत में उत्कृष्ट शुरुआत नहीं की थी। सबसे पहले, देश में पहले से ही मास्क नामक अपनी शैली थी, कविताओं के साथ गायन का एक रूप, जहां नृत्य, गायन और वाद्य संगीत एक साथ आया था। इंग्लैंड में इसकी लंबी परंपराएं थीं। दूसरा, ओपेरा इतालवी और कैथोलिक था, जबकि इंग्लैंड एंग्लिकन था और इसमें विशिष्ट विशेषताएं थीं। तीसरा, ऑलिवर क्रोमवेल के प्यूरिज़्मवाद के तहत 15 वर्षों तक सार्वजनिक मनोरंजन के सभी रूप बंद कर दिए गए थे। बड़े संदर्भ में केवल 15 साल मामूली लग रहा था, कभी भी मास्कन पकड़ा नहीं, और कई संगीतकार गायब हो गए। कार्ल द्वितीय ने कब्जा कर लिया, लेकिन उन्होंने थिएटर और संगीत गेम वापस लेने में काफी समय बिताया, किसी को भी दंडित नहीं किया। इसलिए, मस्क या अन्य अपारदर्शी शैलियों की कोई तत्काल वापसी नहीं हुई थी।

जब नए अंग्रेजी संगीतकार पहुंचे, तो ओपेरा थीम थी, और जॉन ब्लो ने 1682 में वीनस और एडोनिस बनाते समय अंग्रेजी ओपेरा लिखने वाला पहला व्यक्ति बन गया। हालांकि, ब्लो को जल्दी ही अपने सिखाने वाले लड़के हेनरी पर्ससेल ने आत्मसमर्पण कर दिया था। पर्ससेल का पहला ओपेरा, डिडो और एनीस, उनका सबसे लोकप्रिय बन गया, लेकिन उन्हें फेयरी-क्वीन और किंग आर्थर के साथ भी सफलता मिली।

पर्ससेल ने अपने शिक्षक ब्लो का एक हिस्सा सीखा था, जिसमें चार की सीमित चालक दल का उपयोग शामिल था। अन्यथा, पर्ससेल का पहला ओपेरा मास्क और लुलीस ओपेरा दोनों से प्रेरित है, जिसे इंग्लैंड में चार्ल्स द्वितीय के माध्यम से निर्वासन में पेश किया गया था। उत्तरार्द्ध नृत्य की उपस्थिति में देखा जा सकता है। बदले में, पर्ससेल में कई ओरीज़ की तरह इतालवी ओपेरा के तत्व भी थे। साथ ही, वह जॉन ब्लो और पहले की अंग्रेजी परंपराओं से भी प्रेरित थे। यह, उदाहरण के लिए, प्रमुख डायटोनिक स्केल के बजाय मोड-स्टाइल की उपस्थिति और पर्ससेल के अनुवांशिक के लिए, ब्लोज़ के समान लागू होता है।

जर्मन भाषी देशों में ओपेरा
जबकि वियना एक ओपेरा सेंटर के रूप में विकसित हुई, यह लंबे समय तक वेनिस ओपेरा की शाखा के रूप में गिनने के लिए था। शेष जर्मन भाषी क्षेत्रों को तीसरे विश्व युद्ध और धार्मिक गंभीरता दोनों की विशेषता थी। वहां कुछ ओपेरा थे, और जो लोग अस्तित्व में थे, वे धार्मिक प्रकृति के खेल गा रहे थे, अक्सर अनुवांशिक के बजाय संवाद के साथ। उत्तरी जर्मन क्षेत्रों में प्रमुख ओपेरा संगीतकार रेनहार्ड केइज़र था। हालांकि, सम्राट ने अगली अवधि में अपने अधिकांश ओपेरा को लिखा, जिस पर जॉर्ज फ्रेडरिक हैंडेल और जॉर्ज फिलिप टेलीमैन द्वारा ओपेरा का प्रभुत्व था। इसके अलावा जोहान मैथेसनोटेर ओपेरा, लेकिन उनके सैद्धांतिक लेखन उनकी रचनाओं से अधिक परिचित हैं।

चैंबर संगीत और ऑर्केस्ट्रा संगीत
चैम्बर संगीत एक सांसारिक संगीत था जो आमतौर पर एक बड़े परिवार के साथ अपेक्षाकृत बड़े कमरे के लिए खेला जाता था। इस अवधि के दौरान यह विशेष रूप से सोना, कैंटट्स और कॉन्सर्ट टूर के बारे में सच था। धार्मिक और सांसारिक संगीत के बीच अंतर करने के लिए, सोनाटास और कैंटेट्स को अक्सर चैंबर बेटे और चैम्बर रिकॉर्ड के रूप में जाना जाता है।

1600 के दशक में, विभिन्न बेटों के बीच एक स्पष्ट भेद था। शताब्दी की शुरुआत में, एक बेटे को केवल गायन करने वाले कैंटैट के विपरीत “कुछ खेला जाने वाला” के रूप में परिभाषित किया गया था। आखिरकार, यह छोटे हिस्सों के समूह, अक्सर नृत्य, संगीत, बनावट, मनोदशा, चरित्र और समय-समय पर गति और गति से अलग हो गया। चूंकि संगीतकारों ने शैली विकसित की, उन्हें विशिष्ट बैचों में विभाजित किया गया, ताकि अंततः बेटा सीखने के संबंध में स्पष्ट मतभेदों के साथ एक बहुतायत का काम बन गया। लगभग 1660 में कक्ष सोनेट और चर्च के बेटे के बीच तलाक भी था।

Arcangelo Corelli इस अवधि में अग्रणी सोनाटा संगीतकारों में से एक था। शूट्ज़ के उग्र विरोध के रूप में, कोरली ने कोई मुखर संगीत नहीं छोड़ा, जबकि 1600 के दशक के अंत में उनके वाद्य संगीत संभवतः इतालवी चैंबर संगीत की हाइलाइट है। कोरली एक बहुत ही कुशल वायलिनिस्ट थे, और उन्होंने इस तथ्य के बिना पूरी तरह से वायलिन की संभावनाओं का उपयोग किया कि यह अत्यधिक प्रचलित था। उनके वायलिन बेटे, त्रिकोणीय और संगीत कार्यक्रम ग्रोसी पूरे यूरोप में फैले हुए थे, और बाद में वायलिन संगीतकारों पर उनका बहुत बड़ा प्रभाव पड़ा।

आम तौर पर, कोरली के कक्ष के बेटों में प्रीलुडियम होता था, इसके बाद दो या तीन नृत्य होते थे। अक्सर नृत्य बाइनरी रूप में एक साथ बंधे होते थे, यानी, पहला हिस्सा टोनिका से प्रभावी होता है, जबकि दूसरा प्रभावशाली और नीचे टोनिका से चला जाता है। बास लाइन लगभग एक संगत थी, और इसलिए उसके चर्च के बेटों के विपरीत, बराबर हिस्सा नहीं खेलता है। Corellis triosonates ज्यादातर virtuosity के बजाय गीतात्मक संगीत अनुकूलित करने के लिए लिखा गया था। मध्यम वर्ग में उनके पास उच्च या निम्न नोट, त्वरित पार्टियां या अन्य चुनौतियों के बिना सबसे अधिक गीत थे। उल्लंघन करने वालों में से कोई भी दूसरे की तुलना में एक बड़ी भूमिका नहीं है। एकल सोनाटा ने virtuoso सुधार के लिए और अधिक खोला, लेकिन अन्यथा Corelli के sonate रूप का पालन किया। Solosonates में चर्च और कक्ष sonatics के बीच थोड़ा सा अंतर था।

इटली में गायन और विशेष रूप से रोम में कैनटाटा प्रमुख कक्ष संगीत में विकसित हुआ था। इस अवसर के लिए अक्सर और महत्वपूर्ण दर्शकों के लिए लिखे गए कैंटटास को दृश्यता के बिना अपेक्षाकृत छोटे कमरे के लिए डिजाइन किया गया था, इस प्रकार एक अंतरंगता बन गई जो मजाक और लालित्य के लिए आमंत्रित हुई। इसने संगीतकारों और कवियों दोनों के लिए सुरक्षित मिशन के परिणामस्वरूप आने वाले कैंटों की मांग में वृद्धि की, विशेष रूप से क्योंकि अधिकतर कैंट्स सांसारिक थे, आमतौर पर नाटकीय तकनीक के बाद किए गए पादरी प्यार के साथ। संगीत आमतौर पर दो या कुछ और गायकों के लिए जारी रहता था, आमतौर पर जब सेम्बोलो। एलेसेंड्रो स्कारलाट्टी ने छः सौ कैंटट्स लिखे और उस संदर्भ में वर्चस्व लगाया। विशेष रूप से, मार्क-एंटोनी ने चारपेंटेरेंड जैक्केट डे ला ग्वेरे को खुद को कैंटों से बाहर कर लिया, और उन्हें एक और “फ्रेंच” शैली देने के लिए उन्हें बदल दिया। उत्तरार्द्ध के लिए, इसका अर्थ यह था कि, अन्य चीजों के साथ, उसने ओपेरा से सिन्फोनिया नामक कई जगहों को ओवरचर किया था। उसे अपने ओपेरा के मुकाबले अपने ओपेरेटिक कैंटैट्स के साथ बहुत अधिक सफलता मिली थी। जैकेट डे ला ग्वेरे ने फ्रेंच चर्च के कैडरों के कुछ बहुत कम मामलों में भी योगदान दिया। कैंटटास और ओपेरा के बीच एक चौराहे सेरेनेड था, जो अधिक गायक और थोड़ा ऑर्केस्ट्रा के लिए आधा रास्ते नाटकीय था, और इस प्रकार कक्ष के लिए बहुत बड़ा था और बड़े संगीत कार्यक्रमों के लिए बहुत छोटा था।

कॉन्सर्टो सामान्य कक्ष संगीत से अलग होते हैं क्योंकि उन्हें एक बड़े पहने हुए डिजाइन के लिए डिजाइन किया गया था, जहां कई संगीतकारों ने एक ही आवाज बजायी थी। प्रारंभ में, यह दल संगीत के साथ मामूली था, उदाहरण के लिए, लिली ने लिखा, लेकिन 17 वीं शताब्दी के अंत में ऑर्केस्ट्रा लिखित के लिए अधिक से अधिक टुकड़े लिखे गए थे। उन्हें आम नाम कॉन्सर्टो दिया गया था, जिसे पहले मुखर संगीत के लिए इस्तेमाल किया गया था। तीन मुख्य प्रकारों में से, ऑर्केस्ट्रा कंसर्टो – पहली फिओलिन और बास लाइन पर जोर देने के साथ – कम महत्व था, जबकि अन्य दो, जिन्होंने ध्वनि में अंतर खेला और ऑर्केस्ट्रा को अधिक जागरूक रूप से इस्तेमाल किया, अब तक और अधिक लोकप्रिय हो गया। इसमें कॉन्सर्टो ग्रोसो शामिल था, जहां ऑर्केस्ट्रा के बाकी हिस्सों के खिलाफ एकल उपकरण के साथ एक बड़े और एकल संगीत के खिलाफ एक छोटा सा पहनावा स्थापित किया गया था। यद्यपि कोरली वायलिनिस्ट थे, फिर भी उन्होंने वायलिन और ऑर्केस्ट्रा के साथ एकल कॉन्सर्टो नहीं चुना, बल्कि रोम में संगीत शैली के लिए सबसे उपयुक्त, बल्कि कॉन्सर्टो ग्रोसो। उनकी तकनीक जहां बड़े ऑर्केस्ट्रा ने लगभग पूरी तरह से प्रतिलिपि बनाई थी, पूरे यूरोप में बहुत अनुकरण किया गया था। सबसे महत्वपूर्ण बात यह है कि कॉन्सर्टो के लिए जिएसेपे टोरेली थी, जिन्होंने शायद पहले संगीतकारों को लिखा था, और ओपेरा रूपांतरणों से ली गई धीमी धीमी गति वाली थीम को परिभाषित किया था। वेनिस से टॉमसो अल्बिनोनी ने उनकी उत्तरी इतालवी शैली जारी रखी थी।

एलिज़ाबेथ-क्लाउड जैकेट डे ला ग्वेरे खुद को सबसे शुरुआती बच्चों में से एक थे, और पेरिस में पहले से ही बहुत ही युवा दिखाई दे रही थीं और सेम्बोलो से घिरी थीं। उन्हें संगीतकार और संगीतकार दोनों के रूप में पहचाना गया था। फ्रांसेस्का कैक्किनी के कदमों का पालन करने और फ्रांस में पहली महिला ओपेरा संगीतकार बनने के अलावा – सफलता से बहुत दूर तक, वह अपने सेम्बोलो के टुकड़ों के लिए बहुत प्रसिद्ध हो गई। उन्होंने सोना और कैंटैट भी लिखीं, ज्यादातर धार्मिक सामग्री के साथ। जैकेट डे ला ग्वेरे का कंबलस्टॉक्स मुख्य रूप से सुइट्स, स्टाइलिज्ड नृत्य की एक नई शैली थी, यानी नृत्य टेम्पो में लिखे गए संगीत टुकड़े, लेकिन अक्सर नृत्य करने के लिए उपयोग नहीं किया जाता था। इस समय सूट और बेटों के बीच का अंतर जोड़ों और परिचय की अनुपस्थिति थी, साथ ही तथ्य यह भी था कि लय और टेम्पो भिन्नताएं अधिक थीं। हालांकि, उन्होंने ला ग्वेरे को ट्विकोटा के साथ शुरू किया, जिसका नाम बदलकर उनके कुछ सूटों में टकराया गया, और वह पहली बार सेम्बोलो के लिए टोकटा लिखने वाली थीं।

चर्च संगीत
फ्रांसीसी चर्च संगीत लुइस XIV द्वारा फ्रांस में उतना ही प्रभावित था। वह मेले के खिलाफ था, और नहीं चाहता था कि उसकी अदालत में कोई भी उन्हें लिख सके। मार्क-एंटोनी चारपेंटर अदालत से संबंधित नहीं था और बड़ी सफलता के साथ मेले लिखे थे। Charpentier मेले में उपकरणों की एक विस्तृत श्रृंखला का उपयोग किया, और चूंकि उसके पास प्रतिलिपि बनाने के लिए बहुत सारे फ्रांसीसी मेल नहीं थे, इसलिए उन्हें अपने इच्छित लोगों को विकसित करने में भी बड़ी आजादी थी। Charpentier भी वर्षों में विकसित हुआ और पॉलीफोनी और homophony, गाना बजानेवालों और ऑर्केस्ट्रा और आत्मनिर्भर प्रार्थना और नाटकीय गीत के बीच संतुलन बनाने में सफल रहा। चारपेंटर ने ऑरेटरीज भी लिखे, अक्सर इतालवी और फ्रेंच संगीत से प्रेरित थे। हालांकि, फ्रांसीसी शब्द शब्दकोष का उपयोग नहीं किया, बल्कि इसके बजाय गति, संवाद या कैंटिकम। इसका मतलब था कि Charpentier oratories के डिजाइन में महान स्वतंत्रता थी। Charpentier का सबसे मशहूर टुकड़ा एक ऐसे मोटो से आता है जो शायद एक वायुमंडल, ते डीम हो सकता है।

जर्मन चर्च कार्यालय इतालवी कैंटोनीज़ से प्रेरित था, लेकिन हेनरिक श्त्ट्ज़ के काम से भी प्रेरित था। यह गुप्त संदेहियों से परे अपना रास्ता पाया जिसने चर्च में ओपेरा जैसे तत्वों का विरोध किया। इसलिए चर्च के उम्मीदवारों के पास अधिक गाना और कम नाटकीय गीत थे। चर्च कैंटटा का एक विशिष्ट रूप कोरल कैंटटास है। यह एक भजन पर आधारित था और सभी छंदों को संसाधित किया गया था। अक्सर कोरल मेलोडी विविधता का आधार था।

जर्मन भाषी क्षेत्रों में, चर्च संगीत कैथोलिक और प्रोटेस्टेंट संगीत और प्रोटेस्टेंट क्षेत्रों में आंतरिक रूप से भिन्न था। कैथोलिक धर्म के भीतर, भगवान की महिमा से ज्यादा बचा नहीं गया था, और कई अवसरों के लिए, हेनरिक इग्नाज बिब्स साल्ज़बर्ग की 1100 वीं वर्षगांठ के व्यापार मेले के रूप में, छह सदस्यीय गायक सोलह गायक और सात सात संगीतकार थे, जिनमें से प्रत्येक अपनी आवाज के साथ था। विरोधवाद में, दो मुख्य दिशाएं थीं, रूढ़िवादी, जो कैथोलिक जैसे संसाधनों का उपयोग करना चाहते थे, और ऐसे चिकित्सक जो इस तरह के खर्चों पर बचत करेंगे। यही कारण है कि, विरोधियों के संदर्भ में, रूढ़िवादी प्रोटेस्टेंटों का सबसे बड़ा विकास था।

हेनरिक श्त्ज़ पहले एक प्रतिभाशाली संगीत नाटककार के रूप में दिखाई दिए थे, और हाल के दिनों में उन्होंने ऑरेटरीज और चित्रों में दोनों में एक महत्वपूर्ण भूमिका निभाई थी, उन्होंने मैथ्यू, ल्यूक और जॉन के बाद सुसमाचार की भावना में लिखा था।

डेनमार्क-जर्मन संगीतकार डाइट्रिच बक्सटेहुड अंग पर चमकते हैं, जो कि बड़ी मात्रा में अंगों के काम को छोड़कर twoccata, preludium, जोड़ों और अधिक के भीतर काम करता है। उनकी कल्पना, पुण्य और परिष्कार था, और उन्हें सुधार की भावना थी। बक्सटेहुड ने अपने पुराने दिनों में जॉर्ज फ्रेडरिक हैंडल और जोहान सेबेस्टियन बाच दोनों का दौरा किया। उनके अधिकांश महान अंग काम दो-कैस्केड रूप में लिखे गए हैं। एक toccataform preludium के साथ एक femsatser का काम था जिसके बाद फ्यूज नंबर 1 के बाद इंटरमीडिएट प्ले के बाद फ्यूज नंबर 2 और अंत में एक twoccata था। बक्सटेहुड को एक संगीत वाद्य यंत्र के रूप में ब्रेक से भी फायदा हुआ।

बक्सटेहुड ने 120 संरक्षित चर्च कैडर भी लिखे थे। ये एकल ऑर्केस्ट्रा के साथ एकल और सामान्य बास से छः आवाज़ तक थे। हालांकि, कैनट्स को कैवल्ली और मोंटेवर्डी के साथ रखने में प्रारंभिक बार शैली द्वारा सबसे अधिक विशेषता है। उन्होंने दूसरे सिद्धांत के अनुरूप सरल हार्मोनिक्स और गायक रूपों को सरल बनाया है। Scheidt और Schütz भी Buxtehude पर प्रभाव पड़ा था।

डेर बक्सटेहुड उत्तरी जर्मन प्रोटेस्टेंट स्कूल से संबंधित था, जोहान पाचेलबेल दक्षिण जर्मन और कैथोलिक थे। Pachelbel विशेष रूप से Nuremberg में सक्रिय था। उनका अंग संगीत इतालवी संगीत से प्रेरित था, लेकिन साथ ही साथ नरम सामंजस्य और गायन योग्य सुन्दरता के साथ सुन्दर दक्षिण जर्मन अंग शैली भी थी। पचेलबेल पर जोर टक्काटा और कल्पनाओं पर पड़ा, लेकिन उन्होंने डी में अपने प्रसिद्ध कैनन समेत चैंबर संगीत भी लिखा।