Prima musica barocca

Il barocco nel significato storico della musica europea fu un periodo che va dal 1600 circa al 1750. Sin dall’inizio, la musica nel barocco si allontanò dalla musica del Rinascimento. Sostituendo la polifonia (più melodie simultaneamente) nella canzone dell’omofonia (una voce principale) per permettere al testo di dominare, creando opere, oratori, cantati e monodie, la musica vocale si sviluppava in modo acuto. All’inizio del barocco, le scale modali erano per lo più associate alla musica sacra scambiata con la musica tonale. Ciò ha fatto grandi differenze sia nel suono che nella capacità di comporre pezzi più avanzati.

I pezzi strumentali non clericali erano un’innovazione nel barocco. C’era una grande variazione tra loro, da toccata, articolazioni, preludier, ricercari e capriccio a canzonettisti, suite, sonate e concerti. L’orchestra si sviluppò in modo significativo nel barocco, e man mano che gli strumenti divennero sempre migliori, sempre più furono inclusi. Gli strumenti che colpiscono il barocco includono violino, violoncello, croce, clarinetto, fagotto, obo, corno inglese e prime versioni di trombe, trombe e trombone. Nuove imbarcazioni nella musica vocale e strumentale sono state lo sviluppo del basso generale, uno dei primi esempi di trasmissione del ritmo a uno strumento. Laddove la musica vocale era gay, la musica strumentale rimaneva polifonica e spesso veniva usato il contrappunto.

La musica inizialmente barocca era dominata dai compositori italiani; Claudio Monteverdi era uno dei più famosi di loro. Alla fine i compositori olandesi, tedeschi, francesi e inglesi ne escogitarono altri. La cultura musicale in ogni paese variava di volta in volta tra l’uso della musica italiana, l’ispirazione, la creazione o la cura della propria musica. L’opera, per esempio, fu inizialmente tentata in Germania cantando dei giochi prima che l’opera italiana prendesse il sopravvento. L’opera inglese era un misto di spettacoli di opera e maschere italiane, e l’opera francese era caratterizzata da molto balletto e tecniche proprie, a lungo governate totalmente da Jean-Baptiste Lully. Tuttavia, l’opera italiana è diventata più popolare e accessibile ai cittadini attraverso lo sviluppo a Venezia e Napoli.

Anche la musica strumentale si è sviluppata in modo diverso. In Italia, il violino divenne molto popolare e la sonata fu inventata per mostrare le caratteristiche dello strumento. Arcangelo Corelli è stato fondamentale per il successo della sonata. In Francia, compositori come Marc-Antoine Charpentier hanno creato fiere e oratori francesi, mentre la prodigio Elisabeth Jacquet de La Guerre ha scritto impegnativi cembalostici. In Germania, Heinrich Schütz e Johann Hermann Schein hanno introdotto una serie di nuovi stili musicali. Samuel Scheidt e in seguito Johann Pachelbel e Dietrich Buxtehude hanno avuto un grande successo con la musica d’organo, sia fiere geologiche che toccate e fantasie mondane.

Il bar in ritardo ha avuto un enorme sviluppo di musica strumentale speciale. Sotto Johann Sebastian Bach, sia la toccata, l’articolazione e, in parte, l’immaginazione hanno dato uno sviluppo e una popolarità significativi. Georg Friedrich Händel sviluppò in particolare l’opera e gli oratori, Georg Philipp Telemann sviluppò concerti, opera buffa e una serie di altri temi, Antonio Vivaldi e Tomaso Albinoni furono cruciali per l’ulteriore sviluppo del concerto sonato e solista, Jean-Philippe Rameau sviluppò il l’opera in Francia e in Italia e Domenico Scarlatti e François Couperin, insieme a Telemann, contribuirono a gettare le basi per lo stile galante che seguì il barocco. Lo stile galante e il classicismo si ribellarono allo stile complicato barocco, e volevano la musica gay con una semplice camminata di basso e una messa a fuoco più mondana.

La musica del primo barocco (1600-1630)
Il primo barocco ha subito una serie di cambiamenti musicali. La transizione dal Rinascimento è avvenuta rapidamente concentrandosi su uno stile di canto omofonico in cui si potevano facilmente sentire i testi. Fu anche quando l’opera fu creata, così il canto e il teatro furono prima legati insieme. Durante questo periodo, l’opera era principalmente per la nobiltà, mentre nel successivo periodo barocco veniva eseguita sempre più spesso per la maggior parte delle persone. Poco dopo l’opera venne l’oratorio. Sembrava opera, ma aveva molte meno caratteristiche teatrali. Un terzo stile era la cantata, anche in gran parte una creatura barocca. In origine non conteneva opere teatrali, ma era un coro con solisti e qualche spiegazione tra i pezzi.

Un’altra importante differenza tra le prime caserme e il rinascimento fu anche che il barocco iniziò l’emergere della musica strumentale e l’aumento del numero di musicisti in un ensemble musicale. Ciò ha causato di nuovo importanti cambiamenti nella musica, tra cui la creazione del basso generale, una sala del basso improvvisata con determinati accordi in luoghi speciali e il passaggio dalla musica modale a quella tonale. Anche la musica per organo nei Paesi Bassi e in Germania si è chiaramente evoluta dal Rinascimento. La musica barocca ha quindi posto maggiori esigenze su strumenti, musicisti e orchestre. Era anche più avanzato della musica precedente per quanto riguarda i cromatismi, le armoniche, il contrappunto e una varietà di tecniche diverse dalla musica rinascimentale.

Gli strumenti erano essenzialmente simili durante il Rinascimento, ma molti di loro, come il violino, sono diventati più importanti. Anche il suono distintivo degli strumenti è stato preso in considerazione, in modo che ti piacerebbe scrivere melodie in base a come lo strumento suonava e usato il suono distintivo dello strumento per ritrarre stati d’animo o eventi. Inoltre, la musica è stata anche sempre più scritta in ritmi con tattiche e file, in modo che uno diventasse più prevedibile.

Strumenti per strumenti precoci
Mentre il violino era in circolazione da molto tempo, fu nei primi anni del 1600 che fu usato nella musica “seria” come nelle opere e nei balletti. Questo era il modo in cui gareggiava con il gioco che fino ad allora era stato preferito. Il gioco apparteneva a una famiglia che comprendeva anche il violino basso e il violino contrabbasso. Questi ultimi due potrebbero essere stati il ​​predecessore del contrabbasso di oggi. Altri strumenti della stretta famiglia comprendevano la pochette francese, una sorta di “fiction tascabile” senza forme e dreielire all’inizio.

C’erano diversi strumenti a corda, di solito in variazioni, come arpa, liuto, mandolino e cisterna. Negli strumenti di soffiaggio, Sackbut, un predecessore del trombone, era ampiamente utilizzato. La Lutte era principalmente riservata alla musica francese, mentre la teoria prendeva più spazio in Italia.

Skalmeien, che era stato sviluppato da quando arrivò in Europa nel ‘700, ottenne una versione all-tenore e basso nei successivi novecento anni. Lo Skalmeien era uno strumento a doppia lama, e quindi più legato all’obo che al clarinetto. Era il punto di partenza per il bob barocco che arrivò a metà del 1600. Inoltre, sono stati utilizzati sia il corno di mollica, lo zinco, il crossflow e il flauto a blocchi. Sono stati usati anche strumenti a percussione come pauke e tabù. Uno degli insturamenti più comunemente usati, specialmente nella voce di basso, era l’indizio per le stanze piccole e il cembalo per le stanze di medie dimensioni. Le grandi stanze erano principalmente chiese, usando le condutture.

Sviluppo musicale
Il passaggio dalla musica rinascimentale a quella barocca fu una delle principali violazioni della musica occidentale. Lo stile tradizionale della canzone, prima pratica, era la polifonia vocale del Rinascimento (molte melodie simultaneamente) con linee melodiche intrecciate. Il nuovo stile, la seconda pratica, il solismo enfatizzato, il testo chiaro, distinguono tra la melodia e la linea di basso e l’interesse per l’armonia espressiva. Tuttavia, il passaggio dalla polifonia all’omofonia era significativamente nella canzone, ma non nella musica strumentale, dove la polifonia era importante in tutto il barocco.

La distinzione tra la prima e la seconda pratica fu definita da Claudio Monteverdi e suo fratello Giulio Cesare tra il 1605 e il 1607, in risposta alla critica di Giovanni Maria Artusi del 1600 sulla “inutile” violazione di Monteverdi della regola della consonanza e della dissonanza. La risposta di Monteverdi era che nel primo stile era la musica a dominare il testo, mentre nell’altro era il contrario. Monteverdi era consapevole che la seconda pratica non sostituiva la prima, ma era un’alternativa.

Una delle introduzioni più importanti del primo barocco fu il basso generale. Il basso generale era una voce di basso, spesso suonata da due strumenti, come il cembalo e il violoncello. L’elenco per il basso generale era limitato agli accordi che potevano essere suonati di volta in volta, ma tra gli accordi c’era un’improvvisazione melodica libera. Avendo un basso generale rimasto al suo posto, questo ha fornito anche un’improvvisazione maggiore per gli strumenti per la melodia.

Anche la tonalità era importante. Il Rinascimento era stato ampiamente utilizzato dalla scala modale, basato sulla musica sacra medievale. Tuttavia, lo sviluppo del barocco nella musica divenne così esigente che la scala modale di per sé non era abbastanza buona. Poco dopo il 1600, la transizione arrivò alla musica tonale, che si aprì per una maggiore libertà melodica, compresa la dissonanza.

Un altro degli sviluppi musicali avvenuti nel primo barocco fu la teoria affettiva, l’idea che la musica potesse ricreare emozioni. Qui, alcuni degli affetti erano stilizzati, così che l’audacia, il tono acuto e il ritmo elevato simboleggiavano la gioia, mentre la tristezza era profonda. Ritmi lenti e ottusità, spesso con dissonanze e altre emozioni, erano simboleggiati da combinazioni di melodia, ritmo, strumentazione e tono-voce. Fu soprattutto Monteverdi a svilupparlo nelle sue opere e nei suoi madrigali.

Già a metà del 16 ° secolo la storia d’amore fu utilizzata bene a Venezia, ma fu soprattutto all’inizio del barocco, con Giovanni Gabrieli con diversi che iniziò davvero ad evolversi. Gabrieli scrisse sonate speciali e fu il primo ad usare costantemente il termine sui brani musicali senza canzone. Le uniche sonate erano lontane da come si svilupparono nel classicismo, si aprirono in modo che il compositore potesse determinare il grado di forza degli strumenti. In particolare, Gabrieli ha sperimentato degli strumenti che suonavano in dialogo l’un l’altro, entrambi i gruppi di strumenti l’uno contro l’altro, come corde contro soffiatori di ottone e gruppi di soffianti interni o corde l’una contro l’altra.

Lo sviluppo dell’opera
L’opera è stata scoperta all’inizio del barocco, ma potrebbe essere stata ispirata da pastoraldramas, madrigali e intermedios, tutti e tre un mix di dramma e musica. Inoltre, umanisti come Girolamo Mei, che capivano che i drammi greci erano cantati nella loro interezza, importanti per l’idea alla base dell’opera. Le idee di Meise furono discusse nella cerchia di persone accademicamente interessate attorno al conte Bardi chiamato Camerata Fiorentina.

La discussione riguardava come eseguire poesie, opere teatrali e opere melodiche. Nel Rinascimento, i Madrigali erano stati precedentemente menzionati, ma queste canzoni erano polifoniche, e rendeva difficile per gli ascoltatori seguire l’azione. In Camerata Fiorentina, monodie, le canzoni sono state scritte per una voce cantante con accompagnamento singolo, spesso sul palco, chitarra, cembalo o organo creato. Con una sola canzone, è diventato più facile seguire l’azione. Inoltre, la frase dovrebbe seguire il contenuto del testo in modo che note brevi e toni alti caratterizzassero rivelazione e toni lunghi e guida vocale bassa un umore più calmo. Innanzitutto, furono soprattutto Vincenzo Galilei e Giulio Caccini a scrivere monodie, e quest’ultimo le sviluppò in larga misura. I monod scomparvero alla fine del primo periodo barocco, ma dopo essersi diffusi in molti altri paesi europei e ispirato canzoni simili lì.

Tuttavia, i moni erano cantanti singoli, e la musica interessava i fiorentini a discutere la possibilità di completare un’intera serie di monodie consecutive. Anche dopo che Bardi si trasferì a Roma, la discussione continuò. Jacopo Peri scrisse i primi tentativi di opera con Daphne (non conservato) nel 1598 e L’Euridice nel 1600. Peri inventò anche il resitativo, il canto delle parole che raccontavano la storia e legavano insieme i monodies (alla fine gli “ariani”). Lo sfondo per i resitanti era in una teoria ampiamente accettata che gli antichi greci eseguivano le loro poesie a metà strada.

L’opera cominciò a sperimentare, ma fu con Claudio Monteverdi che l’opera trovò il suo posto. Nella sua opera L’Orfeo, la comprensione di Monteverdi dell’equilibrio tra testo e musica nelle due pratiche presentate nell’opera. Ha messo i musicisti sia dietro che davanti al palco, e anche sulla pagina. Oltre ad avere un’orchestra così grande, con un massimo di 40 musicisti, la musica era caratterizzata in parte da dissonanza, accordi sorprendenti e uso consapevole dei colori del suono. Monteverdi usava usare i tromboni, che erano insoliti nella musica mondiale dell’epoca, per creare la sensazione del sottosuolo, mentre i flauti creavano un tema più pastorale. L’orchestra ha anche svolto un ruolo più attivo durante i resitatives, dove hanno accompagnato l’intera orchestra, spesso in modo drammatico, per migliorare le emozioni.

Monteverdi ha scritto diverse opere. Già l’anno seguente arrivò L’Arianna, che non è quasi mai conservato. Quindi non ci sono opere note da lui prima di Il ritorno d’Ulisse nel 1640. A Firenze non c’erano anche opere del primo barocco, sebbene alcuni pezzi fossero in funzione nella rappresentazione. Francesca Caccinis La liberazione del Roggiero dall’isola d’Alcina, del 1625, ha avuto un certo numero di caratteristiche musicali dell’opera a Monteverdi e ai suoi contemporanei, tra cui arie, resitative, coro e infonia di apertura, ma è stato definito un balletto. Qualche tempo dopo, Roma divenne la capitale dell’opera, dove i recital divennero meno melodici, mentre l’Ariete mantenne il suo stile melodico. Fu anche a Roma che i castratori cantarono le canzoni delle donne. A Roma, tra gli altri, Stefano Landi è stato un attivo compositore d’opera. Scrisse entrambe le opere con temi religiosi e comici, di solito nello stesso periodo di Il Sant ‘Alessio o tema mitologico pastorale e greco come a La Morte d’Orfeo.

Verso la fine del periodo c’era anche una forma di opera in Germania. Proprio come in Italia, la prima opera chiamata Dafne (1627), ma potrebbe essere stata una cantata mondana. Si ritiene che sia stato scritto da Heinrich Schütz, ma solo il libretto è stato curato.

Oratori e cantati
Subito dopo che l’opera ha iniziato a diffondersi, anche gli orientisti si sono diffusi. Gli oratori erano ispirati ai madrigali religiosi e ai testi religiosi laudi sulla lingua quotidiana. Un oratorio (= casa di preghiera) era una presentazione di un testo o di un messaggio cristiano, il più delle volte simile a un’opera in quanto aveva resitativi, croci e danze, ma aveva anche un narratore che leggeva i testi biblici su cui si basava l’azione. Gli oratori erano, tuttavia, influenzati dalla musica mondana, e siccome le opere avevano anche temi religiosi, a volte la differenza diventava che gli oratoriani non avevano scenografia. Emilio de ‘Cavalieri, attivo anche nell’emergere dell’opera, ha scritto quello che è considerato il primo oratorio La rappresentazione di anima e di corpo (“La preparazione dell’anima e del corpo”). Proprio come per l’opera, le varianti degli oratori sono apparse in Germania. Ancora una volta, Heinrich Schütz scrisse il primo caso tedesco, Resurrection History, nel 1623. In Germania, la “storia” era usata per la forma musicale, e il termine “oratorio” non fu trovato fino al 1640.

Anche gli cantati sono arrivati ​​presto. Erano per lo più reati e basati su testi secolari o religiosi. Gli slogan mondani si sono evoluti lontano dai religiosi. I religiosi contenevano un’introduzione strumentale, arie separate e resitative, sezioni di corallo e parti in cui la congregazione avrebbe partecipato alla canzone. Questo cantato divenne quello che in seguito colpì i compositori tedeschi come Johann Sebastian Bach.

Altre musiche di chiesa
Oltre agli cantati, ai madrigali e agli oratori, c’erano anche altri generi melodici religiosi. Uno di loro era la controparte francese. I mottetti erano felici di condividere la prima pratica, e quindi ispirati al Rinascimento, in primis Giovanni Pierluigi da Palestrina, Josquin des Prez e Orlando di Lasso. Hanno quindi avuto la musica come dominante del testo. Alessandro Grandi si servì di opposti ispirati ai monodi, e così i mottetti si avvicinarono al secondo prattico poiché la melodia divenne meno dominante e la voce si fece più avanti. Questo mix ha mostrato Grandi soprattutto quando è stato ispirato da rivolte soliste, arie risitative e liriche.

Girolamo Frescobaldi era dominante nella musica strumentale. Divenne un organista nella chiesa di San Pietro a 25 anni e creò una serie di opere per strumenti di pianoforte, preferibilmente di organo. Ha scritto toccataer, capricciere e ricercaros per cembalo e organo, il più delle volte in ambito ecclesiastico. Frescobaldi era famoso soprattutto per il suo linguaggio dei toni, che era caratterizzato dalla tensione tra la modalità e i principali / moll-toni che prendevano il sopravvento. Ciò significava, tra le altre cose, che suonava un sacco di colori, ma si occupava anche di strumenti armoniosi.

Anche in Germania ci fu uno sviluppo musicale e, tra le altre cose, Michael Praetorius aveva definito una transizione musicale con i suoi coralli e in particolare con la sua teoria musicale Syntagma Musicum. C’erano soprattutto tre dei suoi discendenti, Heinrich Schütze, Johann Hermann Schein e Samuel Scheidt, che in gran parte introdussero la musica barocca in Germania. I tre, spesso chiamati “i tre S-er” conosciuti l’un l’altro e per Praetorius.

Di questi, è stato soprattutto Samuel Scheidt a scrivere musica d’organo. Scheidt ha studiato la tecnologia degli organi sotto l’affermato campione d’organi Jan Pieterszoon Sweelinck. Scheidts Tabulatura nova del 1624 è considerata la prima importante collezione di organi tedesca. Scheidt si servì del basso generale e dello sviluppo del suono, e in aggiunta scrisse in contrasto nella melodia. Scheidt era particolarmente attivo nei pezzi di fantasia, e la sua musica d’organo era di grande importanza per lo sviluppo della musica d’organo della Germania settentrionale in quel momento.

Johann Hermann Schein è riuscito a mescolare il moderno e l’italiano con la tradizione corallina tedesca. Tra le altre cose, ha aggiunto una canzone decorativa alle voci cantanti e alle frasi divise nelle diverse voci in modo che la musica della chiesa luterana si sviluppasse. Ha anche aggiunto in seguito lavori con strumenti solisti e in contrasto tra parti soliste e parti con tutti i. Queste opere, entrambe chiamate Opella nova, hanno stabilito per molto tempo lo standard per la musica sacra tra i compositori protestanti.

Heinrich Schütz era probabilmente il più influente dei tre. Come studente di Giovanni Gabrieli e in visita a Monteverdi, aveva imparato molto sull’uso del suono e della voce per ottenere il miglior messaggio. Prese in prestito le principali orchestrazioni di Gabrieli, ad esempio nel sacramento del Salmo David e della Canzone, rispettivamente in entrambe le canzoni religiose in tedesco e in latino. Schütz scrisse anche opere e oratori, ma rimase lontano dalla pura musica strumentale. Schütz continuò a sviluppare musica sacra ben oltre questo periodo. Schütz divenne particolarmente famoso per la sua capacità di usare diverse mucche, come fece Gabrielli, e per mettere le mucche l’una contro l’altra o solisti contro il coro. Ciò significa che ha creato esperienze drammatiche per evidenziare il testo. Pertanto, Schütz può essere collocato in sicurezza nella seconda sessione.