중간 바로크 음악

유럽의 음악 역사적 의미에서 바로크 시대는 약 1600 년에서 약 1750 년 사이의시기였습니다. 초기부터 바로크 음악은 르네상스 음악에서 벗어났습니다. 동음 이의어 (주요 보컬)의 노래에서 폴리포니 (동시에 여러 멜로디)를 대체하여 텍스트를 지배하고 오페라, 오르토, 캔터, 모노 등을 만들어 보컬 음악이 크게 발전했습니다. 초기에 바로크 양식의 모달 스케일은 주로 음악과 교환되는 교회 음악과 관련이있었습니다. 이것은 소리와 더 발전된 부분을 구성하는 능력 모두에서 큰 차이를 만들었습니다.

비 성직자 기악 작품은 바로크 양식의 혁신이었습니다. toccata, 관절, preludier, ricercars 및 capriccio에서 canzonaer, suites, sonatas 및 concertos에 이르기까지 그들 사이에 큰 차이가있었습니다. 오케스트라는 바로크 시대에 크게 발전했으며 악기가 더 좋아지면서 점점 더 많이 포함되었습니다. 바로크를 치는 악기에는 바이올린, 첼로, 크로스 피, 클라리넷, 바순, 오보, 잉글리시 호른과 초기 버전의 뿔, 트럼펫, 트롬본이 있습니다. 보컬과 악기 음악의 새로운 보트는 리듬 홀딩을 악기에 건네주는 최초의 사례 중 하나 인 일반베이스의 개발이었습니다. 보컬 음악이 게이 인 경우, 기악은 대위법을 유지하고 대위법이 자주 사용되었습니다.

처음에는 바로크 음악이 이탈리아 작곡가들에 의해 지배되었다. 클라우디오 몬테 베르디 (Claudio Monteverdi)는 그들 중 가장 유명합니다. 결국 네덜란드어, 독일어, 프랑스어 및 영어 작곡가가 더 많이 등장했습니다. 각 나라의 음악 문화는 이탈리아 음악을 사용하거나 음악에서 영감을 얻거나 자신의 음악을 만들고 사용하는 것 사이에서 수시로 다양합니다. 예를 들어, 오페라는 이탈리아 오페라가 자리를 잡기 전에 게임을 노래함으로써 독일에서 처음 시도되었습니다. 영어 오페라는 이탈리아 오페라와 가면극 공연이 혼합 된 것으로, 프랑스 오페라는 장 발티스트 뤼리 (Jean-Baptiste Lully)가 오랫동안 통치해온 많은 발레와 자신의 기법으로 특징 지어졌습니다. 그러나 이탈리아 오페라는 베니스와 나폴리에서의 개발을 통해 대중적이며 대중적으로 친숙 해졌습니다.

기악도 다르게 발전했다. 이탈리아에서는 바이올린이 인기를 얻었고 소나타는 악기의 특성을 보여주기 위해 밀접하게 발명되었습니다. Arcangelo Corelli는 소나타의 성공에 결정적인 역할을했습니다. 프랑스에서는 Marc-Antoine Charpentier와 같은 작곡가가 프랑스 박람회 및 오라토리올을 작곡했으며, Élisabeth Jacquet de La Guerre는 까다로운 셈플 로스 스틱을 작곡했습니다. 독일에서는 Heinrich Schütz와 Johann Hermann Schein이 새로운 음악 스타일을 도입했습니다. 사무엘 Scheidt, 나중에 요한 파헬벨과 디트리히 Buxtehude는 오르간 음악, 지질 박람회와 세속 toccata과 환상 모두에서 큰 성공을 거두었습니다.

늦은 바는 특별한 악기 음악을 크게 발전 시켰습니다. 요하네스 세바스찬 바흐 (Johann Sebastian Bach)에서 토카타와 조인트 그리고 부분적으로 상상력은 중요한 발전과 인기를 낳았습니다. 게오르그 프리드리히 헨델은 특히 오페라와 오페라를 개발했으며, 게오르그 필립 텔레만은 콘서트, 코믹 오페라 등 다양한 주제를 개발했으며, Antonio Vivaldi와 Tomaso Albinoni는 Sonate와 솔로 콘서트의 발전에 결정적이었다. Jean-Philippe Rameau는 프랑스와 이탈리아의 오페라, 도메니코 스카를 라티와 프랑수와 쿠페 린은 텔레만과 함께 바로크 양식을 따르는 갈란트 스타일의 기초를 마련했습니다. 갈란트 스타일과 고전주의는 바로크 한 복잡한 스타일에 반항했고, 단순한베이스 워크와보다 세속적 인 포커스로 게이 음악을 원했습니다.

가운데 막대의 음악 (1630-1700)
이탈리아 음악은 바로크 시대 초기에 강하게 지배되었지만 곧 독일, 프랑스, ​​영국 작곡가가 독자적으로 개발했습니다. Instrumentally, 그것은 넓게 부서지는 바이올린 가족과 편심한 gamfamily 사이에서 투쟁을 개발하고 있었다. 송풍기는 또한 나무 송풍기를 개발하여 오늘날 사람들이 알고있는 방향으로 나아갔습니다.

음악이 진화함에 따라, 세속적 인 음악과 교회 음악의 구분이 명확 해졌습니다. 예를 들어, 세속적 인 음악은 집안의 방 ( “카메라”)을위한 것이고, “실내악”이라는 단어는 거기에서옵니다. 그것은 오페라를 포함하여 교회와 연극 음악과는 다르게 성장했습니다. fuge, preludium 및 toccata가 계속 인기를 얻었지만, riccercars와 capriccioes는 현악기의 일반적인 요소가되었습니다. 소나타는 특히 Arcangelo Corelli에서 강하게 발전하여 지배적 인 음악 장르 중 하나가되었습니다. 기악은 크게 Sonates와 관련 장르 또는 스위트 및 관련 장르의 두 그룹으로 구분됩니다. 그 아들들은 덜 승무원이었고, 미신과 밀접한 관련이있는 스타일의 춤, 협주곡, 신포 (sinfonia) -은 훨씬 더 큰 오케스트라를 가지고있었습니다.

오페라는 베니스와 나폴리에서의 개발로 더 많은 관중들에게 더 쉽게 접근 할 수있었습니다. 초점은 노래와 부분적으로 장면화에 대한 것이 었습니다. 보통 역사를 희생했습니다. 프랑스에서는 발레가 오랫동안 지배적 이었지만 오페라도 발레를 통해 들어 왔습니다. 프랑스 오페라는 Jean Baptiste Lully의 영향을 많이 받았다. 그의 죽음 이후 프랑스 오페라에서 죽음의시기가 도래했다. 영국은 같은 것을 경험했다. 영어 오페라는이시기 말 늦게 왔고 짧은 기간이지만 특히 헨리 퍼셀 (Henry Purcell)이었으며 그의 죽음으로 다시 사라졌습니다. 독일 오페라는 더 겸손했지만 Reinhard Keizer는 장르에 대한 열정을 키웠습니다. 교회 음악에서 이교도들은 개신교 국가들, 특히 Schütz와 함께 기여했다. Pasie는 오케스트라와 Kantates의 대안이되었고, 따라서 보컬 교회 음악이 발전했습니다.

역사적으로 영국과 독일 작곡가는 어려운 배경을 가지고있었습니다. 미래의 독일은 개신교와 카톨릭으로 나뉘어 다소 독립적 인 독일 국가의 패치 워크였습니다.이 두 국가는 3 년 전쟁 동안 심하게 손상되었습니다. 영국의 경우 올리버 크롬웰 (Oliver Cromwell)의 경건주의 시대와 찰스 2 세 시대의 미술과 음악의 상대적으로 완만 한 복귀는 심각한 약화가되었습니다.

악기
도구의 개발은 많은 혁신으로 계속되었습니다. gambe와 바이올린 사이의 게임에서 중개자 인 비올라 다 모어는 즐거운 시간을 보냈습니다. 그것은 gambefamily의 일부 였지만 다리 사이에서 연주되지는 않았습니다. 전통적인 gamber와 같지만 바이올린처럼 연결됩니다. 대개 7 개의 현과 7 개의 현을 가지고 있습니다. 비올라 다 모어는 오랫동안 바이올린에 관심을 기울 였지만 바이올린에 찬성했다. 바이올린이이긴 이유 중 하나는 이탈리아 악기 제작의 혁신이었습니다. 특히 Stradivarius fiolin은 인기를 얻었지만 그 전에는 Nicolò Amatisviolinists가 많이 요구되었습니다. 바이올린의 인기는 이탈리아 작곡가가 바이올린의 특성을 보여주기 위해 솔로 존 테이터, 트리 오소 네이트 및 협주곡을 만들었다는 것을 의미했습니다. Ironman 가족의 또 다른 전투는 도박과 첼로 사이에있었습니다. 1680 년 이후, 첼로는 주로 18 세기 후반까지 솔로 악기로 사용되었지만 오케스트라에서 우세했다. 그러나 더블베이스가 cembalo와 함께 일반 저음의 주요 악기 중 하나가되었을 때, 계기는베이스 악기의 전투에서 승리했습니다.

불어내는기구 안에는 개발도있었습니다. skalmeien는 더 큰 집세를 가지고 바로크 밥으로 대체되었습니다. 또한, woodblower 가족은 새로운 악기 chalumeauen있어. 클라리넷의이 전구체는 오보에 이중 파이프와는 반대로 단일면 대 노즐을 도입했습니다. 바순은 암스테르담, 파리, 뉘른베르크의 달심에서 동시에 개발되었습니다.

오페라
오페라는 17 세기에 거대한 발전을했습니다. 한편으로는 호소력과 아리아, 다른 한편으로는 연극과 드라마의 다양성으로 인해 많은 경쟁 학교가 자체 솔루션을 선택했습니다. 이 중 지배적 인 나폴리 학교였습니다. 이탈리아는 개발의 선두 주자 였지만 프랑스어와 영어 오페라도 적용 가능하게되었습니다. 또한 기간의 끝으로 독일 오페라가있었습니다.

이탈리아 오페라
1637 년 베니스의 첫 번째 오페라 하우스 인 San Cassiano Theatre가 오픈했습니다. 그 뒤 몇몇 오페라 하우스가 뒤 따랐다. 따라서 오페라는 대중에게 접근 가능했습니다. 이것은 또한 오페라가 대중의 취향에 맞게 만들어 져야 함을 의미했습니다. 그 결과 베네치아 오페라는 천사와 기병이 무대에 타고있는 장면에 많은 관심을 쏟았습니다. 또 다른 변화는 양자리가 더 많은 관심을 얻었고 센터에 왔습니다. 어느 정도까지, 이것은 또한 백그라운드에서 오페라의 드라마를 가져왔다. 주요 오페라 작곡가는 Antonio Cesti와 Francesco Cavalli였으며 둘 다 주요 그리스 신화를 주제로 삼았습니다. 오페라는 이렇게 로마와 베네치아 학교와 출발점에서 명확한 방향으로 움직였다. 아리네가 전면에 있었고 복원이 중요하게되었고, 오케스트라는 분위기를 조성하기 위해 사용되었고, scenography는 필수적이었고 테마는 고대부터 유래되었습니다.

1675 년 나폴리는 이탈리아의 주요 요원으로 취임하여 오랫동안 지배적 인 위치를 유지했으며 일부는 알레 산드로 스카를 라티 (Alessandro Scarlatti) 때문이기도합니다. 나폴리의 학교에서, 노래가 더 발전되는 동안 scenography와 풍경의 도구는 덜 중요하게되었다. 노래가 앞에 왔지만, 멜로디가 중요 해져서 이야기의 이야기가 무시되었습니다. 따라서, 나폴리의 오페라는 몬테 베르데의 두 번째 원칙에서 벗어났습니다. 이미 베니스의 배경에 있던 드라마는 더 무시되었고, 노래 번호에서 노래 번호로 갈 수있는 느슨한 방법이었습니다. 이제 여성들은 캐스 트라 노래의 인기를 뛰어 넘지 않고 노래 부를 기회를 갖게되었습니다. 당신은 영장류의 어머니와 재배 된 최초의 우먼들을 얻었고 종종 드라마틱 한 행동은 오페라의 노래를 부르거나 혹은 다른 오페라의 중간에 특히 유명했기 때문에 오페라의 극적인 움직임이 중단 될 수있었습니다. 따라하기가 어렵다. 가사를 부르는 경향이 반복적으로 확립 된 것도 여기에 있습니다. Christoph Willibald Gluck에 완전히 영향을받은 나폴레옹 학교는 부러진 행동, 낯선 아리아, 배경에있는 드라마 및 영장류 어머니의 특별한 대우에 맞서 정착했다.

프랑스 오페라
프랑스에서는 오페라가 마자린 추기경의 지속적인 재판에도 불구하고 큰 성공을 거두지 못했습니다. 그렇지만, Jean Baptiste Lully 선수는 오늘 경기에서 최악의 활약을 보였습니다.

Lully는 원래 Florence에서 왔지만, 어린 소년으로 파리로 이사했습니다. 거기서 그는 발레와 오페라 모두를 구축하는 것을 도왔습니다. 뤼리는 그의 여동생이 바이올리니스트로 그를 고용 한 후 루드비히 14 세에 의해 결국 고용되었습니다. 쿨리는 어려움을 겪으며 자랐고 많은 유머러스 한 작품과 발레를 썼습니다. 결국 Lully는 Molière와 협력했고, 만화 발레를 만들었고, 춤, 연극 및 tragédie lyrique로 알려진 노래 게임과 섞었다. 이러한 기본적 intermezzoes – 작품 조각 사이에 배치 조각 – 예를 들어, 극장 조각 – 인기가 증가, 그들은 또한 더 큰되었다. 뤼리가 왕과 함께 그리고 챔버 오케스트라와 함께 성공했을 때, 그는 오페라에 대한 독점권을 샀다. 따라서이 기간 동안 경쟁자는 없었습니다. 1673 년에 그는 첫 번째 오페라를 연주했다.

Lullys 프랑스 오페라는 많은 즉흥 연주를 허용하지 않는 신중하게 인쇄 된 아리아와 레지스탕스가 특징이었습니다. 그는 오페라를 썼지 만 프랑스의 일상 언어로 싸웠습니다. 유일한 오페라는 나폴리 오페라와 별개의 것으로 보였습니다. 그들은 또한 그들로부터 영감을받은 것이 분명했습니다. 헐리는 또한 오페라의 기악적인 개방에 더 중점을 두었고, 오페라는 죄악에서 오바마로 전향했다. 그는 느린 속도로 느린 속도로 나뉘는 구간에서 첫 번째 느린 구간은 멜로디하고 만장일치의 주제를, 빠른 속도의 부분은 빠른 속도, 대위법의 멜로디와 마지막, 선택적으로 종종 첫 번째 부분으로 다시 돌아 왔습니다.

Lully 이후의 프랑스 오페라는 그것을 어렵게 만들었다. Lully가 죽었다는 사실에도 불구하고, 그룹은 그의 오페라가 녹음되어야한다는 것을 알게되었습니다. André Campra, Pascal Collasse, Henri Desmarets, Louis Lully, André Cardinal Destouches, Marin Marais, Jacquet de La Guerre와 같은 오페라는 오페라와 매우 흡사합니다. 루이 14 세는 후작 마테논 (Marquise de Maintenon)의 영향을받은 프랑스 작곡가도 아니었고이 기간 동안 오페라를 잘라 냈습니다. 또한, 이탈리아 음악은 더 이상 그 나라에 들어온 음악을 통제하지 않을 때 뤼리가 죽은 후 더 많은 시간을 소비했다.

영어 오페라
영국에서는 오페라가 처음부터 훌륭한 출발을하지 못했습니다. 첫째,이 나라는 이미 춤, 노래 및 악기 음악이 함께 모인시를 가진 노래 형식의 가면 (masque)이라는 자체 장르를 이미 가지고있었습니다. 영국에서는 오랜 전통이있었습니다. 둘째, 오페라는 이탈리아와 카톨릭이었고 영국은 성공회 였고 경건 주의적 특징을 지녔습니다. 셋째, 올리버 크롬웰 (Oliver Cromwell)의 청교도 (Puritanism)에서 공공 연예의 모든 형태가 15 년간 폐쇄되었습니다. 큰 문맥에서 15 년 밖에 걸리지 않았고, 마스켄을 붙잡고, 많은 작곡가가 사라졌습니다. 칼 II가 이어졌지만 오랜 시간 동안 극장과 음악 게임을 되찾아 다른 사람을 괴롭히지 않았습니다. 따라서 마스 크 또는 다른 불투명 한 스타일이 즉시 반환되지 않았습니다.

새로운 영국 작곡가가 도착하자 오페라가 주제 였고 1682 년에 John Blow가 금성과 아도니스를 작곡 한 최초의 영어 오페라 작곡이되었습니다. 그러나, 불은 그의 가르침 소년 Henry Purcell에 의해 빨리 포기되었다. Purcell의 첫 번째 오페라 인 Dido와 Aeneas가 가장 인기가 있었지만 The Fairy-Queen과 Arthur 왕과도 성공했습니다.

Purcell은 선생님 Blow의 일부를 배웠습니다. 제한된 승무원 4 명을 사용했습니다. 그렇지 않으면 Purcell의 첫 오페라는 Masque와 Lullys의 오페라에서 영감을 얻었으며, 망명 생활을하면서 Charles II를 통해 영국에서 소개되었습니다. 후자는 춤이있는 곳에서도 볼 수 있습니다. 그 대가로 퍼셀은 많은 양자리처럼 이탈리아 오페라의 요소도 가지고있었습니다. 동시에 그는 John Blow와 초기 영국 전통에 영감을 얻었습니다. 예를 들어 주요 온음계 대신에 모드 스타일의 존재, 블로우 (Blows)와 비슷한 퍼셀 (Purcell)의 권위있는 (resitative) 존재에 적용됩니다.

독일어권 국가의 오페라
비엔나는 오페라 센터로 번영했지만 베네치아 오페라의 한 지점으로 간주되는 것은 오랜 시간이었습니다. 나머지 독일어권 지역은 제 3 차 세계 대전과 종교적 심각성을 특징으로합니다. 오페라는 거의 없었고 존재했던 사람들은 종교적 성격의 게임을 노래했습니다. 북 독일 영토에있는 지배적 인 오페라 작곡자는이었다 Reinhard Keizer. 그러나 황제는 게오르그 프리드리히 헨델 (Georg Friedrich Händel)과 게오르그 필립 텔레만 (Georg Philipp Telemann)의 오페라가 지배했던 다음시기에 대부분의 오페라를 썼다. 또한 Johann Mattheson은 오페라를 썼지 만 그의 이론적 저작은 그의 작곡보다 익숙합니다.

실내악 및 오케스트라 음악
상공 회의소 음악은 고풍스러운 가족과 함께 상대적으로 넓은 방에서 연주 할 수있는 세상 음악이었습니다. 이 기간 동안 이것은 특히 소나, 음악 및 콘서트 투어에서 그러했습니다. 종교 음악과 세속 음악을 구별하기 위해 Sonatas와 Kantates는 종종 실내 소논과 실내악 기록으로 불립니다.

1600 년대에는 다른 sonates 사이에 명확한 차이가있었습니다. 세기 초반에, 노래는 찬송가와 달리 “연주 될 대상”으로 정의되었습니다. 결국 음악, 질감, 기분, 성격, 템포 및 시간과 시간에서 분리 된 작은 부분의 그룹으로, 종종 춤이되었습니다. 작곡가가 장르를 개발하자마자, 그들은 특정 배치로 나뉘어져서, 결국 소네트는 결국 학습 사건에 따라 명확한 차이가있는 다수의 작업이되었습니다. 1660 년경에는 소나 베이트 (sonate)와 교회의 영장 (sonate) 사이에 이혼이있었습니다.

Arcangelo Corelli는 당시 최고의 소나타 작곡가 중 한 명입니다. Schütz에 대한 격렬한 야당 인 Corelli는 보컬 음악을 남기지 않았지만 그의 기악은 1600 년대 후반에 이탈리아 실내악의 하이라이트였습니다. Corelli는 매우 숙련 된 바이올리니스트였으며, 바이올린의 가능성을 극도로 거추장스럽게 생각하지 않고 바이올린의 가능성을 최대한 활용했습니다. 그의 바이올린 아들, triosonates 및 concerti grossi 유럽 전역에 퍼졌고, 그는 나중에 바이올린 작곡가에 큰 영향을 미쳤다.

일반적으로 Corelli의 챔버 sonates는 preludium 다음에 2 ~ 3 개의 춤으로 구성됩니다. 종종 춤은 2 진 형태로 묶여 있었고, 첫 번째 부분은 tonica에서 dominant로 이어지는 반면, 다른 부분은 dominant에서 tonika로 다시 이동했습니다. 베이스 라인은 거의 반주 였고, 따라서 그의 교회 아들 들과는 달리 평등하게 행동하지는 않습니다. Corellis triosonates는 주로 기교보다 서정적 인 음악에 적응하도록 작성되었습니다. 그는 높거나 낮은 노트, 빠른 파티 또는 다른 도전없이 중산층에서 가장 많은 노래를 가지고있었습니다. 어떤 바이올린도 다른 바이올린보다 큰 역할을하지 않습니다. 솔로 소나타는 즉흥 연주에 훨씬 더 많은 것을 열었지만 Corelli의 sonate 형식을 따랐습니다. 솔로몬테의 교회 소아과와 챔버 소나 틱스 사이에는 약간의 차이가있었습니다.

칸타타르는 이탈리아, 특히 로마에서 노래 부르기를위한 최고의 실내악으로 발전했다. 행사와 비평가를 위해 작성된 칸타타는 시나리오가없는 상대적으로 작은 공간을 위해 설계되었으므로 농담과 우아함을 요구하는 친밀감을 갖게됩니다. 그것은 작곡가와 시인 모두의 확실한 사명감으로 인해 주어진 칸툰에 대한 요구를 증가 시켰는데, 특히 더 많은 캔턴은 세속적 인 것이었고, 대개 극적인 기법을 사용한 목가적 인 사랑이 있었기 때문입니다. 음악은 일반적으로 continuo가있는 2 명 이상의 가수를위한 것이 었으며 대개 cembalo 때였습니다. Alessandro Scarlatti는 600 개가 넘는 제목을 썼으며 그 맥락에서 지배적이었다. 특히 Marc-Antoine은 Charpentierand Jacquet de la Guerre를 캐툰으로 만들었으며 부분적으로 그들을 “프랑스어”스타일로 바꾸어 놓았습니다. 후자의 경우, 그것은 무엇보다도 그녀가 오페라에서 Sinfonia라고 불리는 여러 장소를 빌렸다는 것을 의미했습니다. 그녀는 오페라보다는 오페라 칸트로 훨씬 더 큰 성공을 거두었습니다. 자케 드 라 게레르 (Jaquet de la Guerre)도 프랑스 교회 간부 중 극소수의 사례에 기여했다. 칸타타와 오페라의 교차점은 세레나데로 중반에는 극적이었고, 가수와 작은 오케스트라가 많았고, 실내에는 너무 크고 대형 콘서트 홀에는 너무 작았습니다.

이 콘서트는 전형적인 실내악에서 분리되어 큰 앙상블을 위해 디자인 되었기 때문에 여러 명의 뮤지션이 같은 목소리로 연주했습니다. 처음에는이 승무원이 작곡 된 음악으로 겸손했으며 대부분은 랠리 (Lully)가 썼다. 그러나 17 세기 말에는 점점 더 많은 곡들이 오케스트라를 위해 쓰여졌다. 그들은 이전에 보컬 음악에 사용 된 공통 이름 콘체르토를 받았다. 세 가지 주요 유형 중 첫 번째 바이올린과베이스 라인을 중시 한 오케스트라 협주곡은 중요성이 낮았으며 사운드의 차이를 연주하고 오케스트라를 의식적으로 사용하는 다른 두 명은 훨씬 인기가있었습니다. 협주곡 그로소 (Concerto Grosso)는 작은 오케스트라가 커다란 솔로 협주곡에 맞춰 연주되었고 나머지 오케스트라와 솔로 악기가 연주되었습니다. 코렐리는 바이올리니스트 였지만 바이올린과 오케스트라와 솔로 협주곡을 선택하지 않고 로마의 음악 스타일에 가장 적합한 협주곡 그로소를 선택했습니다. 빅 오케스트라가 거의 복사하지 않은 그의 테크닉은 유럽 곳곳에서 많이 모방되었습니다. 가장 중요한 협주곡은 주체페 토렐리 (Giuseppe Torelli)였으며, 아마도 첫 번째 콘체르토를 작곡했으며, 오페라 전환에서 가져온 느린 속도로 느껴지는 주제를 정의했습니다. 그의 북부 이탈리아 작풍은 베니스에서 Tomaso Albinoni에 의해 계속되었다.

엘리자베스 – 클로드 Jacquet de la Guerre는 초기 아동 중 한 명이었고, 이미 아주 젊었습니다. 그녀는 파리에 출현하여 cembalo로 둘러싸여있었습니다. 그녀는 음악가이자 작곡가로 인정 받았다. Francesca Caccini의 발자취를 따르고 프랑스에서 최초의 여성 오페라 작곡가가 된 것은 물론 성공과는 거리가 멀지 만 그녀는 그녀의 코발로 조각으로 유명해졌습니다. 그녀는 또한 소나와 카툰을 주로 종교적인 내용으로 썼다. Jacquet de la Guerre의 cembalostocks는 주로 스위트 룸이었습니다. 스타일 댄스의 새로운 스타일, 즉 댄스 템포로 작곡 된 음악 작품 이었지만 가장 자주 춤을 추지 않았습니다. 이시기에 스위트 룸과 소 네이트의 차이점은 관절과 소개가 없었으며 리듬과 템포의 변화가 더 컸다는 사실이었습니다. 그러나, 그들은 그들의 스위트 룸 중 일부에서 이름이 바뀐 이름의 twoccata로 la Guerre를 시작했으며, 그녀는 cembalo에 대한 toccata를 처음 작성했습니다.

교회 음악
프랑스 교회 음악은 루이 14 세의 영향을 많이 받았다. 그는 박람회에 반대했고, 그의 법정에있는 누군가가 그들을 쓰는 것을 원하지 않았다. Marc-Antoine Charpentier는 법원에 소속하지 않았으며 큰 성공을 거둔 전시회를 썼습니다. 샤펜 티에 (Charpentier)는 박람회에서 다양한 악기를 사용했으며, 복사 할 프랑스 박람회가 많지 않았기 때문에 그가 원하는 것을 개발할 수있는 큰 자유가있었습니다. Charpentier는 수년에 걸쳐 진화하여 동시 발음과 동음, 합창과 오케스트라 그리고 내성적 인기도와 극적인 노래 사이의 균형을 만드는 데 성공했습니다. Charpentier는 또한 종종 이탈리아와 프랑스 음악에서 영감을받은 첼로를 썼습니다. 그러나 불어는 오투 토륨이라는 용어를 사용하지 않고 대신 motet, dialogue 또는 canticum을 사용했습니다. 이것은 Charpentier가 oratores의 디자인에서 큰 자유를 가졌다는 것을 의미했습니다. Charpentier의 가장 유명한 작품은 오케스트레이션 인 Te Deum 이었을지 모토입니다.

독일 교회 사무실은 이탈리아 광동어로부터 영감을 받았지만 Heinrich Schütz의 작품에서도 영감을 받았습니다. 교회에서 오페라와 같은 요소에 반대하는 은밀한 회의론자를 뛰어 넘는 길을 발견했습니다. 그러므로 교회 후보자들은 서정적이고 덜 드라마틱 한 노래를 가지고있었습니다. 교회 칸타타의 독특한 형태는 산호 칸타타스입니다. 그것은 찬송가를 기초로하고 모든 구절을 처리했습니다. 종종 산호 멜로디가 변형의 기초가되었습니다.

독일어권 지역에서는 교회 음악이 카톨릭과 프로테스탄트 음악, 개신교 지역 내에서 다양했습니다. 천주교에서 많은 것은 하나님의 영광을 간직하지 못했으며, 하인리히 Ignaz Bibers가 잘츠부르크의 1100 주년 기념일 인 때로 여겨지는 여섯 명의 가수는 16 명의 가수와 37 명의 뮤지션이 각각 목소리를 냈습니다. 개신교에서는 정통파와 같은 가톨릭 신자와 같은 자원을 사용하고자하는 두 가지 주요 지침과 경비를 절약 할 수있는 경건 주의자가있었습니다. 그래서 개신교 상황에서 정교회 개신교가 가장 큰 발전을 이뤘습니다.

하인리히 쉬츠 (Heinrich Schütz)는 재능있는 음악 극작가로 등장한 바 있으며 최근에는 매튜, 루크, 존 이후 복음의 정신을 바탕으로 한 오아 토리와 사진에서 중요한 역할을 담당했습니다.

덴마크 – 독일 작곡가 인 Dietrich Buxtehude는 오르간에 빛을 비췄다. 두꺼운 조각, 연꽃, 관절 등에서 많은 양의 오르간 작품을 남겼다. 그는 상상력, 기교와 세련미가 있으며 즉흥적 인 감각을 가지고있었습니다. Buxtehude는 옛날 Georg Friedrich Händel과 Johann Sebastian Bach를 방문했다. 그의 위대한 장기 작업의 대부분은 2 계단식으로 작성됩니다. toccataform은 preludium과 fug number 1이 뒤 따르는 femsatser의 작업이었고이어서 중간 play와 fuge number 2 그리고 마지막으로 twoccata가 뒤 따랐다. Buxtehude는 악기로서의 휴식으로도 이익을 얻었습니다.

Buxtehude는 또한 120 명의 보존 된 교회 간부들을 썼다. 이들은 솔로 및 일반베이스에서부터 빅 오케스트라에 이르는 6 보이스에 이르기까지 다양했습니다. 그러나, cantats는 Cavalli와 Monteverdi와 조화되는 early-bar 스타일의 특징을 가장 잘 나타냅니다. 두 번째 원칙에 따라 고조파 및 노래 가능 모티프를 간소화했습니다. Scheidt와 Schütz는 또한 Buxtehude에 영향을 미쳤다.

Der Buxtehude는 북 독일 개신교 학교에 속해 있었고, Johann Pachelbel은 남부 독일과 카톨릭에 속해있었습니다. 파헬벨은 특히 뉘른베르크에서 활동했다. 그의 오르간 음악은 이탈리아 음악에서 영감을 얻었지만, 동시에 부드러운 하모니와 선율이 가미 된 멜로디 남부 독일의 오르간 스타일입니다. 파헬벨의 강조는 토카타와 환상에 달렸지 만, D에 그의 유명한 캐논을 포함하여 실내악을 썼다.