Il manierismo, noto anche come tardo Rinascimento, è uno stile dell’arte europea emerso negli ultimi anni del Rinascimento italiano intorno al 1520 e durò fino alla fine del XVI secolo in Italia, quando lo stile barocco cominciò a sostituirlo. Il manierismo settentrionale continuò all’inizio del XVII secolo.

Nome attribuito alla fase stilistica nell’arte dell’Europa tra l’Alto Rinascimento e il barocco, che copre il periodo dal 1510 al 2000-1600. Viene anche indicato come tardo Rinascimento e il passaggio dal classicismo dell’Alto Rinascimento è già evidente nelle opere tarde di Leonardo da Vinci e Raffaello, e nell’arte di Michelangelo dal bel mezzo della sua carriera creativa. Sebbene gli artisti del XVI secolo prendessero il loro vocabolario formale dell’Alto Rinascimento come punto di partenza, lo usarono in modi che erano diametralmente opposto all’ideale armonioso che originariamente serviva Ci sono quindi buoni motivi per considerare il manierismo come una fase stilistica valida e autonoma, uno status che gli storici dell’arte del primo Novecento rivendicavano prima. Il termine si applica anche a uno stile di pittura e disegno praticato da artisti che lavorano ad Anversa poco prima, dal 1500 al 1530

Stilisticamente, il manierismo comprende una varietà di approcci influenzati da, e reagendo, agli ideali armoniosi associati ad artisti come Leonardo da Vinci, Raffaello e Michelangelo. Dove l’arte del Rinascimento sottolinea la proporzione, l’equilibrio e la bellezza ideale, il manierismo esagera tali qualità, spesso dando luogo a composizioni asimmetriche o innaturalmente eleganti. Lo stile è notevole per la sua raffinatezza intellettuale e per le sue qualità artificiali (al contrario di quelle naturalistiche). Favorisce la tensione compositiva e l’instabilità piuttosto che l’equilibrio e la chiarezza della precedente pittura rinascimentale. Il manierismo nella letteratura e nella musica è notevole per il suo stile estremamente florido e la sua raffinatezza intellettuale.

La definizione di Manierismo e le sue fasi continuano ad essere oggetto di dibattito tra gli storici dell’arte. Ad esempio, alcuni studiosi hanno applicato l’etichetta a certe forme della letteratura moderna (in particolare la poesia) e alla musica del XVI e XVII secolo. Il termine è anche usato per riferirsi ad alcuni pittori tardo gotici che lavoravano nell’Europa settentrionale dal 1500 al 1530 circa, in particolare i manieristi di Anversa, un gruppo non correlato al movimento italiano. Anche il manierismo è stato applicato per analogia all’età d’argento della letteratura latina.

Nomenclatura
La parola manierismo deriva dalla maniera italiana, che significa “stile” o “modo”. Come la parola inglese “style”, la strada può indicare un tipo specifico di stile (uno stile bello, uno stile abrasivo) o indicare un assoluto che non ha bisogno di qualificazione (qualcuno ha “stile”). Nella seconda edizione delle sue Vite dei più eccellenti pittori, scultori e architetti (1568), Giorgio Vasari usava modo in tre diversi contesti: per discutere il modo o il metodo di lavoro di un artista; per descrivere uno stile personale o di gruppo, come il termine alla maniera greca per riferirsi allo stile bizantino o semplicemente alla maniera di Michelangelo; e affermare un giudizio positivo sulla qualità artistica. Vasari fu anche un artista manierista e descrisse il periodo in cui lavorò come “la maniera moderna”, o “stile moderno”. James V. Mirollo descrive come i poeti “bella maniera” tentarono di superare in virtuosismo i sonetti del Petrarca. Questa nozione di “bella maniera” suggerisce che gli artisti che erano così ispirati guardavano a copiare e migliorare i loro predecessori, piuttosto che affrontare direttamente la natura. In sostanza, “bella maniera” utilizzava il meglio da una serie di materiali sorgente, sintetizzandoli in qualcosa di nuovo.

Come etichetta stilistica, “Manierismo” non è facilmente definibile. Fu utilizzato dallo storico svizzero Jacob Burckhardt e reso popolare dagli storici dell’arte tedesca all’inizio del XX secolo per classificare l’arte apparentemente non classificabile del Cinquecento italiano, un’arte che non era più in grado di mostrare gli approcci armoniosi e razionali associati al Rinascimento. “Alto Rinascimento” connotava un periodo caratterizzato da armonia, grandezza e rinascita dell’antichità classica. Il termine manierista fu ridefinito nel 1967 da John Shearman in seguito alla mostra di dipinti manieristi organizzata da Fritz Grossmann alla Manchester City Art Gallery nel 1965. L’etichetta “Manierismo” fu usata nel XVI secolo per commentare il comportamento sociale e per trasmettere un raffinato virtuoso qualità o per indicare una certa tecnica. Tuttavia, per scrittori successivi, come il XVII secolo Gian Pietro Bellori, “la maniera” era un termine spregiativo per il declino percepito dell’arte dopo Raffaello, specialmente negli anni Trenta e Quaranta. A partire dalla fine del XIX secolo, gli storici dell’arte hanno comunemente usato il termine per descrivere l’arte che segue il classicismo rinascimentale e precede il barocco.

Tuttavia gli storici differiscono sul fatto che il manierismo sia uno stile, un movimento o un periodo; e mentre il termine rimane controverso, è ancora comunemente usato per identificare l’arte e la cultura europea del 16 ° secolo.

Origine e sviluppo
Alla fine del Rinascimento, i giovani artisti hanno vissuto una crisi: sembrava che tutto ciò che si poteva ottenere fosse già raggiunto. Non ci sono più difficoltà, tecniche o di altro genere, da risolvere. La conoscenza dettagliata dell’anatomia, della luce, della fisiognomia e del modo in cui gli esseri umani registrano l’emozione nell’espressione e nel gesto, l’uso innovativo della forma umana nella composizione figurativa, l’uso della sottile gradazione di tono, tutti avevano raggiunto quasi la perfezione. I giovani artisti dovevano trovare un nuovo obiettivo e cercavano nuovi approcci. A questo punto il manierismo ha iniziato a emergere. Il nuovo stile si sviluppò tra il 1510 e il 1520 a Firenze, oa Roma, o in entrambe le città contemporaneamente.

Origini e modelli di ruolo
Questo periodo è stato descritto come “estensione naturale” dell’arte di Andrea del Sarto, Michelangelo e Raffaello. Michelangelo ha sviluppato il suo stile in tenera età, un modo profondamente originale che inizialmente era molto ammirato, poi spesso copiato e imitato da altri artisti dell’epoca. Una delle qualità più ammirate dai suoi contemporanei era la sua terribilità, un senso di imponente grandezza, e gli artisti successivi tentarono di imitarla. Altri artisti hanno imparato lo stile appassionato e molto personale di Michelangelo copiando le opere del maestro, un modo standard in cui gli studenti hanno imparato a dipingere e scolpire. Il soffitto della Cappella Sistina forniva esempi da seguire, in particolare la sua rappresentazione di figure raccolte spesso chiamate ignudi e della Sibilla libica, il suo vestibolo alla Biblioteca Laurenziana, le figure sulle sue tombe medicee e soprattutto il suo Giudizio Universale. Il successivo Michelangelo fu uno dei grandi modelli del manierismo. Giovani artisti irruppero nella sua casa e rubarono i suoi disegni. Nel suo libro Le vite dei più eminenti pittori, scultori e architetti, Giorgio Vasari notò che Michelangelo dichiarò una volta: “Coloro che sono seguaci non possono mai passare da chi seguono”.

Lo spirito competitivo
Lo spirito competitivo era coltivato dai mecenati che incoraggiavano gli artisti sponsorizzati a enfatizzare la tecnica virtuosistica ea competere l’uno con l’altro per le commissioni. Ha spinto gli artisti a cercare nuovi approcci e scene drammaticamente illuminate, abiti e composizioni elaborate, proporzioni allungate, pose altamente stilizzate e una mancanza di chiarezza di prospettiva. Leonardo da Vinci e Michelangelo furono entrambi incaricati dal Gonfaloniere Piero Soderini di decorare un muro nella Sala dei Cinquecento a Firenze. Questi due artisti dovevano dipingere fianco a fianco e competere l’uno contro l’altro, alimentando l’incentivo ad essere il più innovativi possibile.

Manierismo anticipato
I primi manieristi a Firenze – in particolare gli studenti di Andrea del Sarto come Jacopo da Pontormo e Rosso Fiorentino che si distinguono per le forme allungate, le pose precariamente equilibrate, la prospettiva crollata, le ambientazioni irrazionali e l’illuminazione teatrale. Parmigianino (studente del Correggio) e Giulio Romano (assistente alla testa di Raffaello) si muovevano in direzioni estetiche stilisticamente stilizzate a Roma. Questi artisti erano maturati sotto l’influenza del Rinascimento e il loro stile è stato caratterizzato come una reazione o un’estensione esagerata di esso. Invece di studiare direttamente la natura, i giovani artisti iniziarono a studiare scultura ellenistica e dipinti di maestri del passato. Pertanto, questo stile è spesso identificato come “anti-classico”, ma all’epoca era considerato una progressione naturale dal Rinascimento superiore.La prima fase sperimentale del Manierismo, noto per le sue forme “anti-classiche”, durò fino al 1540 circa. o 1550. Marcia B. Hall, professore di storia dell’arte presso la Temple University, nota nel suo libro After Raphael che la morte prematura di Raffaello segnò l’inizio del Manierismo a Roma.

Nelle passate analisi, è stato notato che il manierismo nacque all’inizio del XVI secolo contemporaneamente a una serie di altri movimenti sociali, scientifici, religiosi e politici come il modello copernicano, il Sacco di Roma, e la crescente sfida della Riforma protestante al potere della Chiesa cattolica. A causa di ciò, le forme allungate dello stile e le forme distorte venivano interpretate una volta come reazione alle composizioni idealizzate prevalenti nell’arte del Rinascimento. Questa spiegazione per lo spostamento stilistico radicale c. Il 1520 è caduto dal favore degli studiosi, sebbene l’arte manierista precoce sia ancora nettamente in contrasto con le convenzioni dell’Alto Rinascimento; l’accessibilità e l’equilibrio raggiunti dalla Scuola di Raphael di Atene non sembravano più interessare i giovani artisti.

Alta velocità
Il secondo periodo del Manierismo è comunemente differenziato dalla precedente, cosiddetta fase “anti-classica”. I successivi manieristi hanno sottolineato le concezioni intellettuali e il virtuosismo artistico, caratteristiche che hanno portato i critici successivi ad accusarli di lavorare in modo “naturale” innaturale e influenzato. Gli artisti di Maniera guardavano al loro vecchio Michelangelo contemporaneo come il loro modello principale; la loro era un’arte che imitava l’arte, piuttosto che un’arte che imitava la natura. Lo storico dell’arte Sydney Joseph Freedberg sostiene che l’aspetto intellettualizzante dell’arte alla moda implica che il suo pubblico si accorga e apprezzi questo riferimento visivo, una figura familiare in un contesto non familiare racchiuso tra “non viste, ma sentite, virgolette”. L’altezza dell’artificio è l’inclinazione del pittore di Maniera a deliberatamente appropriazione indebita di una citazione. Agnolo Bronzino e Giorgio Vasari esemplificano questo ceppo di Maniera che durò dal 1530 al 1580. Basato in gran parte nelle corti e negli ambienti intellettuali europei, l’arte di Maniera accosta l’eleganza esagerata con la squisita attenzione alla superficie e ai dettagli: le figure dalla pelle di porcellana si , luce temperata, che riconosce lo spettatore con uno sguardo freddo, se riescono a scorgere il contatto visivo. Il soggetto Maniera mostra raramente molta emozione, e per questo motivo le opere esemplificative di questa tendenza sono spesso definite “fredde” o “distaccate”. Questo è tipico del cosiddetto “stile elegante” o Maniera nella sua maturità.

Diffusione di manierismo
Le città di Roma, Firenze e Mantova erano centri manieristi in Italia. La pittura veneziana ha seguito un corso diverso, rappresentato da Tiziano nella sua lunga carriera. Alcuni dei primi artisti manieristi che avevano lavorato a Roma negli anni ’20 del secolo scorso fuggirono dalla città dopo il Sacco di Roma nel 1527. Mentre si spandevano in tutto il continente in cerca di occupazione, il loro stile fu diffuso in tutta Italia e nel Nord Europa. Il risultato è stato il primo stile artistico internazionale sin dal gotico. Altre parti del Nord Europa non hanno avuto il vantaggio di un contatto così diretto con artisti italiani, ma lo stile manierista ha fatto sentire la sua presenza attraverso stampe e libri illustrati. I governanti europei, tra gli altri, acquistarono opere italiane, mentre gli artisti del nord Europa continuarono a viaggiare in Italia, contribuendo a diffondere lo stile manierista. Singoli artisti italiani che lavoravano nel Nord diedero vita a un movimento noto come Manierismo del Nord. Francesco I di Francia, ad esempio, è stato presentato con Bronzino Venere, Cupido, follia e tempo. Lo stile svanì in Italia dopo il 1580, quando una nuova generazione di artisti, tra cui i fratelli Carracci, Caravaggio e Cigoli, resuscitò il naturalismo. Walter Friedlaender identificò questo periodo come “anti-manierismo”, proprio come i primi manieristi erano “anti-classici” nella loro reazione lontano dai valori estetici del Rinascimento.

Fuori dall’Italia, tuttavia, il manierismo continuò nel XVII secolo. In Francia, dove Rosso ha viaggiato per lavorare per la corte di Fontainebleau, è noto come “stile Henry II” e ha avuto un impatto particolare sull’architettura. Altri importanti centri continentali del Manierismo settentrionale includono la corte di Rodolfo II a Praga, così come Haarlem e Anversa. Il manierismo come categoria stilistica è applicato meno frequentemente alle arti visive e decorative inglesi, dove le etichette native come “elisabettiano” e “giacobino” sono più comunemente applicate. L’Artisan Mannerism del XVII secolo è un’eccezione, applicata all’architettura che si basa su libri di modelli piuttosto che su precedenti esistenti nell’Europa continentale.

Di particolare rilievo è l’influenza fiamminga a Fontainebleau che combina l’erotismo dello stile francese con una prima versione della tradizione vanitas che avrebbe dominato la pittura olandese e fiamminga del Seicento. Prevalente in questo momento era il “pittore vago”, una descrizione di pittori del nord che entrarono nei laboratori in Francia e in Italia per creare uno stile veramente internazionale.

Scultura
Come nella pittura, la scultura del primo manierista italiano era in gran parte un tentativo di trovare uno stile originale che potesse raggiungere il successo dell’Alto Rinascimento, che in scultura significava essenzialmente Michelangelo, e gran parte della lotta per ottenerlo si è svolto in commissioni da riempire altri posti in Piazza della Signoria a Firenze, accanto al David di Michelangelo. Baccio Bandinelli rilevò il progetto di Ercole e Caco dal maestro stesso, ma era poco più popolare di quanto lo sia ora, e malevolmente paragonato da Benvenuto Cellini a “un sacco di meloni”, sebbene avesse un effetto duraturo nel tempo. apparentemente introducendo pannelli in rilievo sul piedistallo delle statue. Come altre opere dei suoi e altri manieristi, rimuove molto più del blocco originale di quanto avrebbe fatto Michelangelo. Il Perseo in bronzo di Cellini con la testa di Medusa è certamente un capolavoro, disegnato con otto angoli di vista, un’altra caratteristica manierista, stilizzata artificialmente in confronto alle Davids di Michelangelo e Donatello. Originariamente un orafo, la sua famosa Salt Cellar in oro e smalto (1543) è stata la sua prima scultura e mostra il suo talento al suo meglio.

Piccole figure in bronzo per armadietti da collezione, spesso soggetti mitologici con nudi, erano una forma popolare rinascimentale in cui il Giambologna, in origine fiammingo ma con sede a Firenze, eccelleva nella seconda parte del secolo. Ha anche creato sculture a grandezza naturale, di cui due sono entrate nella collezione in Piazza della Signoria. Lui ei suoi seguaci escogitarono eleganti esempi allungati della figura serpentinata, spesso di due figure intrecciate, che erano interessanti da tutti gli angoli.

I primi teorici
Giorgio Vasari
Le opinioni di Giorgio Vasari sull’arte della pittura emergono nella lode che conferisce agli altri artisti nelle sue multi-volume Lives of the Artists: credeva che l’eccellenza nella pittura richiedesse la raffinatezza, la ricchezza dell’invenzione (invenzione), espressa attraverso la tecnica del virtuoso (maniera) e l’intelligenza e lo studio che apparivano nel lavoro finito, tutti i criteri che enfatizzavano l’intelletto dell’artista e la sensibilità del committente. L’artista non era più solo un membro addestrato di una Gilda locale di San Luca. Ora prendeva il suo posto a corte al fianco di studiosi, poeti e umanisti, in un clima che favoriva l’apprezzamento per l’eleganza e la complessità. Lo stemma dei mecenati di Vasari appare in cima al suo ritratto, proprio come se fosse quello dell’artista. L’incorniciatura dell’immagine in legno di Vasari’s Lives of the Artists sarebbe stata chiamata “giacobiana” in un ambiente di lingua inglese. In esso, le tombe medicee di Michelangelo ispirano le caratteristiche “architettoniche” anti-architettoniche nella parte superiore, la cornice di carta perforata, i nudi satiri alla base. Come una semplice cornice è stravagante: manierista, insomma.

Gian Paolo Lomazzo
Un’altra figura letteraria del periodo è Gian Paolo Lomazzo, che ha prodotto due opere – una pratica e una metafisica – che hanno contribuito a definire la relazione autocosciente dell’artista manierista con la sua arte. Il suo Trattato dell’arte della pittura, scoltura et architettura (Milano, 1584) è in parte una guida ai concetti contemporanei del decoro, che il Rinascimento ha ereditato in parte dall’antichità ma elaborato dal Manierismo. La codificazione sistematica dell’estetica di Lomazzo, che caratterizza gli approcci più formalizzati e accademici tipici del tardo XVI secolo, sottolineava una consonanza tra le funzioni degli interni e i tipi di decori dipinti e scolpiti che sarebbero adatti. L’iconografia, spesso contorta e astrusa, è un elemento più importante negli stili manieristi. La sua idea meno pratica e più metafisica del tempio della pittura (Il tempio ideale della pittura, Milano, 1590) offre una descrizione sulla falsariga della teoria dei “quattro temperamenti” della natura umana e della personalità, definendo il ruolo dell’individualità nel giudizio e nell’arte invenzione.

Alcuni artisti manieristi

Jacopo da Pontormo
Il Joseph in Egitto di Jacopo da Pontormo mostra ciò che nel Rinascimento sarebbe stato considerato un colore incongruo e una manipolazione incoerente di tempo e spazio.

Rosso Fiorentino e la scuola di Fontainebleau
Rosso Fiorentino, che fu allievo del Pontormo nello studio di Andrea del Sarto, nel 1530 portò il manierismo fiorentino a Fontainebleau, dove divenne uno dei fondatori del manierismo francese del XVI secolo, popolarmente conosciuta come la “Scuola di Fontainebleau” .

Gli esempi di uno stile decorativo ricco e frenetico a Fontainebleau hanno ulteriormente diffuso lo stile italiano attraverso il mezzo delle incisioni, ad Anversa e da lì in tutto il Nord Europa, da Londra alla Polonia. Il design manierista è stato esteso a beni di lusso come mobili in argento e intagliato. Un senso di tensione, emozione controllata espressa in elaborato simbolismo e allegoria, e un ideale di bellezza femminile caratterizzato da proporzioni allungate sono le caratteristiche di questo stile.

Agnolo Bronzino
I ritratti manieristi di Agnolo Bronzino si distinguono per l’eleganza serena e la meticolosa attenzione ai dettagli. Di conseguenza, è stato detto che le sitter di Bronzino proiettano un distacco e una distanza emotiva marcata dallo spettatore. C’è anche una concentrazione virtuosistica nel catturare il modello preciso e la lucentezza dei tessuti ricchi.

Alessandro Allori
Susanna and the Elders (sotto) di Alessandro Allori (1535-1607) si distingue per l’erotismo latente e il dettaglio di natura morta coscientemente brillante, in una composizione affollata e contorta.

Tintoretto
L’Ultima Cena del Tintoretto (sotto) si concentra sulla luce e sul movimento, portando l’immagine alla vita drammatica. A differenza delle più tradizionali vedute dell’Ultima Cena, Tintoretto dipinge il Cielo che si apre nella stanza, e gli angeli guardano con timore reverenziale, in linea con la vecchia massima cattolica che “Se gli angeli fossero capaci di invidia, invidieranno l’Eucaristia”.

El Greco
El Greco ha tentato di esprimere l’emozione religiosa con tratti esagerati. Dopo la rappresentazione realistica della forma umana e la padronanza della prospettiva raggiunta nell’Alto classicismo rinascimentale, alcuni artisti hanno iniziato a distorcere deliberatamente le proporzioni in uno spazio disgiunto e irrazionale per effetto emotivo e artistico. El Greco è ancora un artista profondamente originale. El Greco è stato caratterizzato da studiosi moderni come un artista così individuale che non appartiene a nessuna scuola convenzionale. Aspetti chiave del Manierismo in El Greco comprendono la tavolozza “acid”, l’anatomia allungata e torturata, la prospettiva e la luce irrazionale e l’iconografia oscura e inquietante.

Benvenuto Cellini
Benvenuto Cellini ha creato la Cellini Salt Cellar in oro e smalto nel 1540 con Poseidon e Anfitrite (acqua e terra) poste in posizioni scomode e con proporzioni allungate. È considerato un capolavoro della scultura manierista.

Joachim Wtewael
Joachim Wtewael (1566-1638) continuò a dipingere in uno stile manierista del nord fino alla fine della sua vita, ignorando l’arrivo del barocco e rendendolo forse l’ultimo artista significativo manierista ancora a lavorare. I suoi soggetti includevano grandi scene con nature morte alla maniera di Pieter Aertsen e scene mitologiche, molti piccoli quadri di armadietti splendidamente eseguiti su rame e la maggior parte con scene di nudo.

Giuseppe Arcimboldo
Giuseppe Arcimboldo (scritto anche Arcimboldi) è noto per i suoi ritratti creati da una composizione di natura morta

Architettura manierista
L’architettura manierista era caratterizzata da trucchi visivi e elementi inaspettati che sfidavano le norme del Rinascimento. Gli artisti fiamminghi, molti dei quali avevano viaggiato in Italia e subirono l’influenza degli sviluppi manieristi, erano responsabili della diffusione delle tendenze manieriste in Europa a nord delle Alpi, anche nel regno dell’architettura. Durante il periodo, gli architetti hanno sperimentato l’uso di forme architettoniche per enfatizzare le relazioni solide e spaziali. L’ideale rinascimentale dell’armonia ha lasciato il posto a ritmi più liberi e più fantasiosi. L’architetto più noto associato allo stile manierista e pioniere della Biblioteca Laurenziana fu Michelangelo (1475-1564). È accreditato inventando l’ordine gigante, un grande pilastro che si estende dal basso verso l’alto di una facciata. Ha usato questo nel suo progetto per il Campidoglio a Roma.

Prima del XX secolo, il termine Manierismo aveva connotazioni negative, ma è ora usato per descrivere il periodo storico in termini più generali non giudicanti. L’architettura manierista è stata anche usata per descrivere una tendenza negli anni ’60 e ’70 che implicava infrangere le norme dell’architettura modernista e allo stesso tempo riconoscere la loro esistenza. Definendo manierista in questo contesto, l’architetto e scrittore Robert Venturi ha scritto “Manierismo per l’architettura del nostro tempo che riconosce l’ordine convenzionale piuttosto che l’espressione originale, ma rompe l’ordine convenzionale per adattarsi alla complessità e alla contraddizione e quindi impegna ambiguità in modo inequivocabile”.

Esempi rinascimentali
Un esempio di architettura manierista è la Villa Farnese a Caprarola. nella campagna aspra fuori Roma. La proliferazione degli incisori durante il XVI secolo diffuse stili manieristi più rapidamente di qualsiasi altro stile precedente.

Denso con ornamenti di dettagli “romani”, la porta del display del castello di Colditz esemplifica questo stile nordico, tipicamente applicato come un “pezzo fisso” isolato contro un muro vernacolare senza pretese.

Dalla fine del 1560 in poi, molti edifici a La Valletta, la nuova capitale di Malta, furono progettati dall’architetto Girolamo Cassar in stile manierista. Tali edifici includono la Cattedrale di San Giovanni, il Palazzo del Gran Maestro e i sette originali auberges. Molti degli edifici di Cassar sono stati modificati nel corso degli anni, soprattutto nel periodo barocco. Tuttavia, alcuni edifici, come l’Auberge d’Aragon e l’esterno della Concattedrale di San Giovanni, conservano ancora la maggior parte del design manierista originale di Cassar.

Manierismo in letteratura e musica
Nella letteratura inglese, il manierismo è comunemente identificato con le qualità dei poeti “metafisici” dei quali il più famoso è John Donne. L’arguta battuta di uno scrittore barocco, John Dryden, contro il versetto di Donne nella generazione precedente, offre un contrasto conciso tra gli obiettivi barocchi e manieristi nelle arti:

Colpisce la metafisica, non solo nelle sue satire, ma nei suoi versi amorosi, dove la natura dovrebbe regnare; e lascia perplessi le menti del gentil sesso con belle speculazioni filosofiche quando dovrebbe impegnare i loro cuori e intrattenerli con le dolcezze dell’amore.:15 (corsivo aggiunto)

Le ricche possibilità musicali nella poesia del tardo XVI secolo e dell’inizio del XVII secolo fornirono una base attraente per il madrigale, che divenne rapidamente prominente come la forma musicale preminente nella cultura musicale italiana, come discusso da Tim Carter:

Il madrigale, in particolare nella sua veste aristocratica, era ovviamente un veicolo per lo ‘stile elegante’ del manierismo, con poeti e musicisti che si godevano arguzia e altri trucchi visivi, verbali e musicali per deliziare l’intenditore.

La parola manierismo è stata anche usata per descrivere lo stile di musica polifonica altamente florida e contrappuntistica, prodotta in Francia alla fine del XIV secolo. Questo periodo viene ora di solito definito subtilior ars.

Manierismo e teatro
The Early Commedia dell’Arte (1550-1621): The Manierist Context di Paul Castagno discute l’effetto del manierismo sul teatro professionale contemporaneo. Castagno è stato il primo studio a definire una forma teatrale come manierista, impiegando il vocabolario del manierismo e della maniera per discutere la tipizzazione, l’esagerazione e l’effetto meraviglioso del comici dell’arte. Vedere la Parte II del libro sopra per una discussione completa delle caratteristiche manieriste nella commedia dell’arte. Lo studio è in gran parte iconografico, presentando una prova pittorica che in effetti molti degli artisti che dipingevano o stampavano le immagini della commedia provenivano dagli atelier del tempo, fortemente sistemati nella tradizionale tradizione.

La precisione delle minute incisioni di Jacques Callot sembra smentire una scala d’azione molto più ampia. Callli Balli di Sfessania (letteralmente, danza dei glutei) celebra il palese erotismo della commedia, con phalli sporgenti, lance poste con l’anticipazione di una risma comica, e maschere grossolanamente esagerate che mescolano il bestiale con l’umano. L’erotismo degli innamorati (amanti) tra cui il nudo dei seni, o il velo eccessivo, era molto in voga nei dipinti e nelle incisioni della seconda scuola di Fontainebleau, in particolare quelli che rilevano un’influenza franco-fiamminga. Castagno dimostra i collegamenti iconografici tra la pittura di genere e le figure della commedia dell’arte che dimostrano come questa forma teatrale fosse inserita nelle tradizioni culturali del tardo Cinquecento.

Commedia dell’arte, disegno interno, e la discordia concors
Esistono importanti corollari tra il disegno interno, che sostituì il disegno esterno (disegno esterno) nella pittura manierista. Questa idea di proiettare una visione profondamente soggettiva come superamento della natura o principi stabiliti (prospettiva, per esempio), in sostanza, l’enfasi dall’oggetto al suo soggetto, ora sottolineando l’esecuzione, esibizioni di virtuosismo o tecniche uniche. Questa visione interiore è al centro della performance di commedia. Per esempio, nel momento dell’improvvisazione l’attore esprime il suo virtuosismo senza prestare attenzione ai confini formali, al decoro, all’unità o al testo. Arlecchino divenne emblematico della manierista discordia concors (l’unione degli opposti), in un momento sarebbe stato gentile e gentile, poi, in una monetina, divenne un ladro che agiva violentemente con la sua bilia. Arlecchino potrebbe essere aggraziato in movimento, solo nel prossimo battito, per goffamente inciampare sui suoi piedi. Liberato dalle regole esterne, l’attore ha celebrato l’evanescenza del momento; il modo in cui Cellini abbagliava i suoi clienti drappeggiando le sue sculture, svelandole con effetti luminosi e un senso di meraviglioso. La presentazione dell’oggetto è diventata importante quanto l’oggetto stesso.

Neo-manierismo
Secondo il critico d’arte Jerry Saltz, “Neo-Mannerismo” (nuovo Manierismo) è tra i molti cliché che stanno “spremendo la vita dal mondo dell’arte”. Il neo-mannerismo descrive l’arte del 21 ° secolo che viene prodotta da studenti i cui insegnanti accademici “hanno spaventato [loro] l’essere piacevolmente mansueti, imitativi e ordinari”.