Manierismo, también conocido como Renacimiento tardío, es un estilo en el arte europeo que surgió en los últimos años del Alto Renacimiento italiano alrededor de 1520 y duró hasta finales del siglo XVI en Italia, cuando el estilo barroco comenzó a reemplazarlo. Manierismo del norte continuó a principios del siglo XVII.

Nombre dado a la fase estilística en el arte de Europa entre el Alto Renacimiento y el barroco, cubriendo el período comprendido entre c 1510-20 a 1600 También se lo conoce como el Renacimiento tardío, y el alejamiento del clasicismo del Alto Renacimiento es ya evidente en las últimas obras de Leonardo da Vinci y Rafael, y en el arte de Miguel Ángel desde la mitad de su carrera creativa. Aunque los artistas del siglo XVI tomaron el vocabulario formal del Alto Renacimiento como punto de partida, lo usaron de maneras que fueron diametralmente opuesto al ideal armonioso al que sirvió originalmente. Hay, pues, buenas razones para considerar el manierismo como una fase estilística válida y autónoma, un estatus reivindicado por primera vez por los historiadores del arte de principios del siglo XX. El término también se aplica a un estilo de pintura y dibujo practicado por artistas que trabajan en Amberes un poco antes, desde c 1500 hasta c 1530

Estilísticamente, el manierismo abarca una variedad de enfoques influenciados por, y que reaccionan a, los ideales armoniosos asociados con artistas como Leonardo da Vinci, Rafael y el temprano Miguel Ángel. Donde el arte del Alto Renacimiento enfatiza la proporción, el equilibrio y la belleza ideal, el Manierismo exagera tales cualidades, a menudo resultando en composiciones que son asimétricas o antinaturalmente elegantes. El estilo es notable por su sofisticación intelectual así como por sus cualidades artificiales (en oposición a las naturalistas). Favorece la tensión compositiva y la inestabilidad en lugar del equilibrio y la claridad de la pintura renacentista anterior. El manierismo en la literatura y la música es notable por su estilo altamente florido y su sofisticación intelectual.

La definición de Manierismo y las fases dentro de ella continúan siendo un tema de debate entre los historiadores del arte. Por ejemplo, algunos estudiosos han aplicado la etiqueta a ciertas formas modernas de la literatura moderna (especialmente la poesía) y la música de los siglos XVI y XVII. El término también se utiliza para referirse a algunos pintores del gótico tardío que trabajan en el norte de Europa desde aproximadamente 1500 a 1530, especialmente los manieristas de Amberes, un grupo no relacionado con el movimiento italiano. Manierismo también se ha aplicado por analogía a la Edad de Plata de la literatura latina.

Nomenclatura
La palabra manierismo deriva de la maniera italiana, que significa «estilo» o «manera». Al igual que la palabra en inglés «estilo», maniera puede indicar un tipo específico de estilo (un estilo hermoso, un estilo abrasivo) o indicar un absoluto que no necesita calificación (alguien «tiene estilo»). En la segunda edición de Lives of the Most Excellent Painters, Sculptors, and Architects (1568), Giorgio Vasari usó maniera en tres contextos diferentes: para discutir la manera o el método de trabajo de un artista; describir un estilo personal o de grupo, como el término maniera greca para referirse al estilo bizantino o simplemente a la maniera de Miguel Ángel; y afirmar un juicio positivo de calidad artística. Vasari también fue un artista manierista, y describió el período en el que trabajó como «la maniera moderna», o el «estilo moderno». James V. Mirollo describe cómo los poetas de «bella maniera» intentaron superar en virtuosismo los sonetos de Petrarca. Esta noción de «bella maniera» sugiere que los artistas que así se inspiraron buscaban copiar y mejorar a sus predecesores, en lugar de confrontar a la naturaleza directamente. En esencia, «bella maniera» utilizó lo mejor de una cantidad de materiales fuente, sintetizándolo en algo nuevo.

Como etiqueta estilística, «manierismo» no se define fácilmente. Fue utilizado por el historiador suizo Jacob Burckhardt y popularizado por los historiadores del arte alemanes a principios del siglo XX para categorizar el arte aparentemente inclasificable del siglo XVI italiano, un arte que ya no exhibía los enfoques armoniosos y racionales asociados con el Alto Renacimiento. «Alto Renacimiento» connotó un período distinguido por la armonía, la grandeza y el resurgimiento de la antigüedad clásica. El término manierista fue redefinido en 1967 por John Shearman después de la exposición de pinturas manieristas organizada por Fritz Grossmann en Manchester City Art Gallery en 1965. La etiqueta «Manierismo» se usó durante el siglo XVI para comentar el comportamiento social y transmitir un virtuoso refinado calidad o para significar una cierta técnica. Sin embargo, para escritores posteriores, como el siglo XVII Gian Pietro Bellori, «la maniera» era un término despectivo para la declinación percibida del arte después de Rafael, especialmente en las décadas de 1530 y 1540. Desde finales del siglo XIX, los historiadores del arte han usado comúnmente el término para describir el arte que sigue al clasicismo renacentista y precede al Barroco.

Sin embargo, los historiadores difieren en cuanto a si el Manierismo es un estilo, un movimiento o un período; y aunque el término sigue siendo controvertido, todavía se usa comúnmente para identificar el arte y la cultura europea del siglo XVI.

Origen y desarrollo
Hacia el final del Alto Renacimiento, los artistas jóvenes experimentaron una crisis: parecía que todo lo que se podía lograr ya se había logrado. Ya no quedan más dificultades, técnicas o de otro tipo, por resolver. El conocimiento detallado de la anatomía, la luz, la fisonomía y la forma en que los humanos registran la emoción en la expresión y el gesto, el uso innovador de la forma humana en la composición figurativa, el uso de la gradación sutil del tono, todo había llegado a la perfección. Los artistas jóvenes necesitaban encontrar un nuevo objetivo, y buscaban nuevos enfoques. En este punto, el manierismo comenzó a surgir. El nuevo estilo se desarrolló entre 1510 y 1520 ya sea en Florencia, o en Roma, o en ambas ciudades simultáneamente.

Orígenes y modelos a seguir
Este período ha sido descrito como una «extensión natural» del arte de Andrea del Sarto, Michelangelo y Rafael. Miguel Ángel desarrolló su propio estilo a una edad temprana, uno profundamente original que fue muy admirado al principio, y luego fue copiado e imitado por otros artistas de la época. Una de las cualidades más admiradas por sus contemporáneos fue su terribilità, un sentido de imponente grandeza, y los artistas posteriores intentaron imitarlo. Otros artistas aprendieron el estilo apasionado y altamente personal de Miguel Ángel al copiar las obras del maestro, una forma estándar que los estudiantes aprendieron a pintar y esculpir. Su techo de la Capilla Sixtina proporcionaba ejemplos para que siguieran, en particular su representación de figuras recogidas a menudo llamadas ignudi y de la Sibila libia, su vestíbulo a la Biblioteca Laurentian, las figuras en sus tumbas Medici, y sobre todo su Juicio Final. El último Michelangelo fue uno de los grandes modelos de Manierismo. Artistas jóvenes irrumpieron en su casa y le robaron dibujos. En su libro Vidas de los pintores, escultores y arquitectos más eminentes, Giorgio Vasari señaló que Miguel Ángel afirmó una vez: «Aquellos que son seguidores nunca pueden pasar por quienes siguen».

El espíritu competitivo
El espíritu competitivo fue cultivado por patrocinadores que alentaban a los artistas apadrinados a enfatizar la técnica virtuosa y competir entre ellos por comisiones. Condujo a los artistas a buscar nuevos enfoques y escenas dramáticamente iluminadas, elaboradas prendas y composiciones, proporciones alargadas, poses muy estilizadas y una falta de perspectiva clara. A Leonardo da Vinci y Miguel Ángel se les asignó una comisión por parte del gonfaloniero Piero Soderini para decorar una pared en el Salón de los Quinientos en Florencia. Estos dos artistas debían pintar uno al lado del otro y competir entre ellos, alimentando el incentivo para ser lo más innovadores posible.

Manierismo temprano
Los primeros manieristas en Florencia, especialmente los estudiantes de Andrea del Sarto, como Jacopo da Pontormo y Rosso Fiorentino, que destacan por sus formas alargadas, poses precariamente equilibradas, una perspectiva colapsada, escenarios irracionales e iluminación teatral. Parmigianino (un estudiante de Correggio) y Giulio Romano (asistente principal de Rafael) se movían en direcciones estéticas similarmente estilizadas en Roma. Estos artistas habían madurado bajo la influencia del Alto Renacimiento, y su estilo ha sido caracterizado como una reacción o extensión exagerada de la misma. En lugar de estudiar la naturaleza directamente, los artistas más jóvenes comenzaron a estudiar escultura helenística y pinturas de maestros pasados. Por lo tanto, este estilo a menudo se identifica como «anti-clásico», sin embargo, en el momento se consideraba una progresión natural desde el Alto Renacimiento. La primera fase experimental del manierismo, conocida por sus formas «anti-clásico», duró hasta aproximadamente 1540 o 1550. Marcia B. Hall, profesora de historia del arte en la Universidad de Temple, señala en su libro Después de Rafael que la muerte prematura de Raphael marcó el comienzo del Manierismo en Roma.

En análisis anteriores, se ha observado que el manierismo surgió a principios del siglo XVI contemporáneamente con otros movimientos sociales, científicos, religiosos y políticos, como el modelo copernicano, el saqueo de Roma y el creciente desafío de la Reforma Protestante al poder. de la Iglesia Católica. Debido a esto, las formas alargadas del estilo y las formas distorsionadas se interpretaron una vez como una reacción a las composiciones idealizadas que prevalecen en el arte del Alto Renacimiento. Esta explicación para el desplazamiento estilístico radical c. 1520 ha caído en desuso académico, aunque el arte Manierista temprano todavía se contrasta fuertemente con las convenciones del Alto Renacimiento; la accesibilidad y el equilibrio logrado por la Escuela de Atenas de Raphael ya no parecía interesar a los artistas jóvenes.

Alta maniera
El segundo período del manierismo se diferencia comúnmente de la fase anterior, llamada «anticlásica». Los manierismos posteriores enfatizaron los conceptos intelectuales y el virtuosismo artístico, características que han llevado a los críticos posteriores a acusarlos de trabajar de una «manera» antinatural y afectada (maniera). Los artistas de Maniera miraban a su contemporáneo Michelangelo como su modelo principal; el suyo era un arte que imita el arte, más que una naturaleza que imita el arte. El historiador de arte Sydney Joseph Freedberg argumenta que el aspecto intelectual del arte manieraico implica esperar que su audiencia note y aprecie esta referencia visual, una figura familiar en un entorno desconocido encerrado entre «invisibles, pero sentidas, comillas». La altura del artificio es la inclinación del pintor Maniera por apropiarse deliberadamente de una cita. Agnolo Bronzino y Giorgio Vasari ejemplifican esta variedad de Maniera que duró aproximadamente de 1530 a 1580. Basada principalmente en tribunales y en círculos intelectuales de toda Europa, el arte Maniera exagera la elegancia con una atención exquisita a la superficie y al detalle: las figuras de porcelana se reclinan de , luz templada, reconociendo al espectador con una mirada fría, si hacen contacto visual en absoluto. El sujeto de Maniera rara vez muestra mucha emoción, y por esta razón las obras que ejemplifican esta tendencia a menudo se llaman «frías» o «distantes». Esto es típico del llamado «estilo elegante» o Maniera en su madurez.

La propagación del manierismo
Las ciudades Roma, Florencia y Mantua eran centros manieristas en Italia. La pintura veneciana siguió un camino diferente, representado por Tiziano en su larga carrera. Varios de los primeros artistas manieristas que habían trabajado en Roma durante la década de 1520 huyeron de la ciudad después del saqueo de Roma en 1527. A medida que se extendían por el continente en busca de empleo, su estilo se difundió por toda Italia y el norte de Europa. El resultado fue el primer estilo artístico internacional desde el gótico. Otras partes del norte de Europa no tenían la ventaja de ese contacto directo con artistas italianos, pero el estilo manierista se hizo sentir a través de grabados y libros ilustrados. Los gobernantes europeos, entre otros, compraron obras italianas, mientras que los artistas del norte de Europa continuaron viajando a Italia, ayudando a difundir el estilo manierista. Artistas italianos individuales que trabajan en el norte dieron a luz a un movimiento conocido como el manierismo del norte. Francisco I de Francia, por ejemplo, se presentó con Venus, Cupido, Locura y Tiempo de Bronzino. El estilo decayó en Italia después de 1580, cuando una nueva generación de artistas, incluidos los hermanos Carracci, Caravaggio y Cigoli, revivió el naturalismo. Walter Friedlaender identificó este período como «antimanormal», al igual que los manieristas tempranos eran «anticlásicos» en su reacción lejos de los valores estéticos del Alto Renacimiento.

Fuera de Italia, sin embargo, el manierismo continuó en el siglo XVII. En Francia, donde Rosso viajó a trabajar para la corte de Fontainebleau, se lo conoce como el «estilo Henry II» y tuvo un impacto particular en la arquitectura. Otros centros continentales importantes del manierismo norteño incluyen la corte de Rudolf II en Praga, así como Haarlem y Amberes. El manierismo como categoría estilística se aplica con menos frecuencia a las artes visuales y decorativas inglesas, donde las etiquetas nativas como «isabelino» y «jacobeo» se aplican más comúnmente. El manierismo artesano del siglo XVII es una excepción, aplicada a la arquitectura que se basa en libros de patrones en lugar de en precedentes existentes en Europa continental.

De particular interés es la influencia flamenca en Fontainebleau que combinó el erotismo del estilo francés con una versión temprana de la tradición vanitas que dominaría la pintura holandesa y flamenca del siglo XVII. Prevalente en este momento era el «pittore vago», una descripción de los pintores del norte que ingresaron a los talleres en Francia e Italia para crear un estilo verdaderamente internacional.

Escultura
Como en la pintura, la escultura manierista italiana primitiva fue en gran medida un intento de encontrar un estilo original que coronara el logro del Alto Renacimiento, que en escultura significaba en esencia Miguel Ángel, y gran parte de la lucha para lograrlo se cumplió en encargos para llenar otros lugares en la Piazza della Signoria en Florencia, al lado del David de Miguel Ángel. Baccio Bandinelli se hizo cargo del proyecto de Hércules y Caco del propio maestro, pero era poco más popular que ahora, y Benvenuto Cellini lo comparó maliciosamente con «un saco de melones», aunque tuvo un efecto duradero en Aparentemente presentando paneles de alivio en el pedestal de estatuas. Al igual que otras obras de él y otros manieristas, elimina mucho más del bloque original de lo que Michelangelo habría hecho. El Perseo de bronce de Cellini con la cabeza de Medusa es ciertamente una obra maestra, diseñada con ocho ángulos de visión, otra característica manierista, y artificialmente estilizada en comparación con los David de Miguel Ángel y Donatello. Originalmente un orfebre, su famosa bodega de oro y esmalte Salt Cellar (1543) fue su primera escultura, y muestra su talento en su mejor momento.

Pequeñas figuras de bronce para gabinetes de coleccionista, a menudo temas mitológicos con desnudos, fueron una forma renacentista popular en la que Giambologna, originalmente flamenca, pero con sede en Florencia, se destacó en la última parte del siglo. También creó esculturas de tamaño natural, de las cuales dos ingresaron a la colección en la Piazza della Signoria. Él y sus seguidores idearon elegantes y alargados ejemplos de la figura serpentinata, a menudo de dos figuras entrelazadas, que eran interesantes desde todos los ángulos.

Teóricos tempranos
Giorgio Vasari
Las opiniones de Giorgio Vasari sobre el arte de la pintura surgen en los elogios que otorga a otros artistas en su obra Vidas de los artistas en múltiples volúmenes: creía que la excelencia en la pintura exigía refinamiento, riqueza de invención (invenzione), expresada a través de la técnica virtuosa (maniera) , y el ingenio y el estudio que apareció en la obra terminada, todos los criterios que enfatizaban el intelecto del artista y la sensibilidad del patrón. El artista ya no era solo un miembro entrenado de un Gremio local de San Lucas. Ahora ocupó su lugar en la corte junto a eruditos, poetas y humanistas, en un clima que fomentó la apreciación de la elegancia y la complejidad. El escudo de los patrones Medici de Vasari aparece en la parte superior de su retrato, como si fuera del propio artista. El encuadre de la imagen en madera de las Vidas de los artistas de Vasari se llamaría «jacobino» en un medio de habla inglesa. En él, las tumbas Medici de Miguel Ángel inspiran las características arquitectónicas «anti-arquitectónicas» en la parte superior, el marco perforado de papel, los desnudos satyr en la base. Como un simple marco, es extravagante: manierista, en resumen.

Gian Paolo Lomazzo
Otra figura literaria de la época es Gian Paolo Lomazzo, quien produjo dos obras, una práctica y otra metafísica, que ayudaron a definir la relación autoconsciente del artista manierista con su arte. Su Trattato dell’arte della pittura, scoltura et architettura (Milán, 1584) es, en parte, una guía de los conceptos contemporáneos del decoro, que el Renacimiento heredó en parte de la Antigüedad, pero que el Manierismo elaboró. La codificación sistemática de la estética de Lomazzo, que tipifica los enfoques más formalizados y académicos típicos de finales del siglo XVI, enfatizaba una consonancia entre las funciones de los interiores y los tipos de decorados pintados y esculpidos que serían adecuados. La iconografía, a menudo intrincada y abstrusa, es un elemento más prominente en los estilos manieristas. Su Idea del tempio della pittura (El templo ideal de la pintura, Milán, 1590), menos práctica y más metafísica, ofrece una descripción de la teoría de los «cuatro temperamentos» de la naturaleza humana y la personalidad, definiendo el papel de la individualidad en el juicio y la invención.

Algunos artistas manieristas

Jacopo da Pontormo
Joseph en Egipto, de Jacopo da Pontormo, presenta lo que en el Renacimiento se consideraría colores incongruentes y un manejo incoherente del tiempo y el espacio.

Rosso Fiorentino y la escuela de Fontainebleau
Rosso Fiorentino, que había sido compañero de Pontormo en el estudio de Andrea del Sarto, en 1530 llevó el manierismo florentino a Fontainebleau, donde se convirtió en uno de los fundadores del manierismo francés del siglo XVI, popularmente conocido como la «Escuela de Fontainebleau». .

Los ejemplos de un estilo decorativo rico y agitado en Fontainebleau difundieron aún más el estilo italiano a través de los grabados, a Amberes y de allí a través de Europa del Norte desde Londres a Polonia. El diseño manierista se extendió a artículos de lujo como la plata y los muebles tallados. Una sensación de tensión, emoción controlada expresada en simbolismo y alegoría elaborados, y un ideal de belleza femenina caracterizado por proporciones alargadas son características de este estilo.

Agnolo Bronzino
Los retratos manieristas de Agnolo Bronzino se distinguen por una elegancia serena y una atención meticulosa a los detalles. Como resultado, se dice que los modelos de Bronzino proyectan una actitud distante y distancia emocional del espectador. También hay una concentración virtuosa en capturar el patrón preciso y el brillo de los textiles ricos.

Alessandro Allori
Alessandro Allori (1535-1607) Susanna and the Elders (abajo) se distingue por el erotismo latente y el detalle de la naturaleza muerta conscientemente brillante, en una composición abarrotada y contorsionada.

Tintoretto
La última cena de Tintoretto (abajo) se enfoca en la luz y el movimiento, llevando la imagen a una vida dramática. A diferencia de las visiones más tradicionales de la Última Cena, Tintoretto representa el Cielo abriéndose en la habitación y los ángeles observando con asombro, en línea con la antigua máxima católica que «Si los ángeles fueran capaces de envidia, envidiarían a la Eucaristía».

El Greco
El Greco intentó expresar la emoción religiosa con rasgos exagerados. Después de la representación realista de la forma humana y el dominio de la perspectiva lograda en el alto clasicismo renacentista, algunos artistas comenzaron a distorsionar deliberadamente proporciones en el espacio irracional e inconexo para el efecto emocional y artístico. El Greco todavía es un artista profundamente original. El Greco ha sido caracterizado por los estudiosos modernos como un artista tan individual que no pertenece a ninguna escuela convencional. Los aspectos clave del Manierismo en El Greco incluyen la discordante paleta «ácida», la anatomía alargada y torturada, la perspectiva y la luz irracionales y la iconografía oscura y problemática.

Benvenuto Cellini
Benvenuto Cellini creó la Celine Salt Cellar de oro y esmalte en 1540 con Poseidon y Amphitrite (agua y tierra) colocados en posiciones incómodas y con proporciones alargadas. Se considera una obra maestra de la escultura manierista.

Joachim Wtewael
Joachim Wtewael (1566-1638) continuó pintando con un estilo manierista del norte hasta el final de su vida, ignorando la llegada del Barroco, y convirtiéndolo quizás en el último artista manierista significativo que aún está trabajando. Sus temas incluyeron escenas grandes con naturalezas muertas a la manera de Pieter Aertsen, y escenas mitológicas, muchas pequeñas pinturas de gabinete bellamente ejecutadas en cobre, y la mayoría presentando desnudos.

Giuseppe Arcimboldo
Giuseppe Arcimboldo (también deletreado Arcimboldi) es conocido por sus retratos ideados a partir de una composición de naturaleza muerta

Arquitectura manierista
La arquitectura manierista se caracterizó por trucos visuales y elementos inesperados que desafiaron las normas del renacimiento. Los artistas flamencos, muchos de los cuales viajaron a Italia y se vieron influenciados por los desarrollos manieristas de allí, fueron los responsables de la difusión de las tendencias manieristas en Europa al norte de los Alpes, incluido en el ámbito de la arquitectura. Durante el período, los arquitectos experimentaron con el uso de formas arquitectónicas para enfatizar las relaciones sólidas y espaciales. El ideal renacentista de la armonía dio paso a ritmos más libres y más imaginativos. El arquitecto más conocido asociado con el estilo manierista, y un pionero en la Biblioteca Laurentian, fue Miguel Ángel (1475-1564). Se le atribuye el invento de la orden gigante, una gran pilastra que se extiende desde la parte inferior hasta la parte superior de una fachada. Lo usó en su diseño para el Campidoglio en Roma.

Antes del siglo 20, el término Manierismo tenía connotaciones negativas, pero ahora se utiliza para describir el período histórico en términos más generales sin prejuicios. La arquitectura manierista también se ha utilizado para describir una tendencia en los años sesenta y setenta que implicaba romper las normas de la arquitectura modernista y, al mismo tiempo, reconocer su existencia. Definiendo manierismo en este contexto, el arquitecto y autor Robert Venturi escribió «Manierismo para la arquitectura de nuestro tiempo que reconoce el orden convencional en lugar de la expresión original, pero rompe el orden convencional para acomodar la complejidad y la contradicción y de este modo compromete la ambigüedad sin ambigüedades».

Ejemplos renacentistas
Un ejemplo de arquitectura manierista es Villa Farnese en Caprarola. en el campo accidentado fuera de Roma. La proliferación de grabadores durante el siglo XVI difundió los estilos manieristas más rápidamente que cualquier otro estilo anterior.

Densas con adornos de detalles «romanos», la puerta de exhibición en el Castillo de Colditz ejemplifica este estilo del norte, característicamente aplicado como una «pieza de montaje» aislada contra muros vernáculos sin pretensiones.

Desde finales de la década de 1560 en adelante, muchos edificios en La Valeta, la nueva capital de Malta, fueron diseñados por el arquitecto Girolamo Cassar en el estilo manierista. Tales edificios incluyen la Co-Catedral de San Juan, el Palacio del Gran Maestro y los siete auberges originales. Muchos de los edificios de Cassar se modificaron a lo largo de los años, especialmente en el período barroco. Sin embargo, algunos edificios, como el Auberge d’Aragon y el exterior de la Concatedral de San Juan, aún conservan la mayor parte del diseño manierista original de Cassar.

Manierismo en literatura y música
En la literatura inglesa, el manierismo se identifica comúnmente con las cualidades de los poetas «metafísicos», de los cuales el más famoso es John Donne. La ocurrencia ingeniosa de un escritor barroco, John Dryden, contra el verso de Donne en la generación anterior, ofrece un contraste conciso entre los objetivos barrocos y manieristas en las artes:

Afecta la metafísica, no solo en sus sátiras, sino en sus versos amorosos, donde la naturaleza solo debería reinar; y deja perplejos a las mentes del bello sexo con agradables especulaciones filosóficas cuando debería ocupar sus corazones y entretenerlos con las dulzuras del amor. 15 (cursivas añadidas)

Las ricas posibilidades musicales en la poesía de finales del siglo XVI y principios del XVII proporcionaron una base atractiva para el madrigal, que rápidamente saltó a la fama como la forma musical preeminente en la cultura musical italiana, como lo discutió Tim Carter:

El madrigal, particularmente en su apariencia aristocrática, fue obviamente un vehículo para el «estilo elegante» del manierismo, con poetas y músicos que se deleitaban en ingeniosos conceptos y otros trucos visuales, verbales y musicales para deleitar al conocedor.

La palabra Manierismo también se ha utilizado para describir el estilo de la música polifónica altamente florida y contrapuntística, hecha en Francia a fines del siglo XIV. Este período ahora se conoce como ars subtilior.

Manierismo y teatro
The Early Commedia dell’Arte (1550-1621): El contexto manierista de Paul Castagno discute el efecto del manierismo en el teatro profesional contemporáneo. El de Castagno fue el primer estudio en definir una forma teatral como manierista, empleando el vocabulario del manierismo y maniera para discutir la tipificación, exagerada y effetto meraviglioso de los comici dell’arte. Ver la Parte II del libro anterior para una discusión completa de las características manieristas en la commedia dell’arte. El estudio es en gran parte iconográfico, presentando una evidencia pictórica de que muchos de los artistas que pintaron o imprimieron imágenes de comedia eran, de hecho, procedentes de los talleres de la época, fuertemente instalados en la tradición maniera.

El preciosismo en los diminutos grabados de Jacques Callot parece desmentir una escala de acción mucho mayor. Callot’s Balli di Sfessania (literalmente, danza de las nalgas) celebra el descarado erotismo de la comedia, con protuberantes phalli, lanzas posando con la anticipación de una resma cómica y máscaras exageradamente burdas que mezclan lo bestial con lo humano. El erotismo de los innamoratos (amantes), incluida la desnudez de los senos, o el velo excesivo, estaba muy de moda en las pinturas y grabados de la segunda escuela de Fontainebleau, en particular los que detectan una influencia franco-flamenca. Castagno demuestra vínculos iconográficos entre la pintura de género y las figuras de la commedia dell’arte que demuestran cómo esta forma teatral se incrustó en las tradiciones culturales del cinquecento tardío.

Commedia dell’arte, disegno interno y discordia concors
Existen importantes corolarios entre el disegno interno, que sustituyó al disegno esterno (diseño externo) en la pintura manierista. Esta noción de proyectar una visión profundamente subjetiva como una superación de la naturaleza o los principios establecidos (perspectiva, por ejemplo), en esencia, el énfasis lejos del objeto a su sujeto, ahora enfatizando la ejecución, demostraciones de virtuosismo o técnicas únicas. Esta visión interna es el corazón del rendimiento commedia. Por ejemplo, en el momento de la improvisación, el actor expresa su virtuosismo sin prestar atención a los límites formales, el decoro, la unidad o el texto. Arlecchino se convirtió en un emblema de la discordia concordativa manierista (la unión de los opuestos), en un momento sería amable y gentil, y luego, en un centavo, se convertiría en un ladrón actuando violentamente con su batte. Arlecchino podía ser elegante en su movimiento, solo en el siguiente golpe, para tropezar torpemente sobre sus pies. Liberado de las reglas externas, el actor celebró la evanescencia del momento; De la misma forma en que Cellini deslumbraría a sus clientes cubriendo sus esculturas, develándolas con efectos de luz y una sensación de lo maravilloso. La presentación del objeto llegó a ser tan importante como el objeto mismo.

Neo Manierismo
Según el crítico de arte Jerry Saltz, el «neomannerismo» (nuevo manierismo) es uno de los muchos clichés que «exprimen la vida del mundo del arte». El neo-manierismo describe el arte del siglo XXI que es desarrollado por estudiantes cuyos profesores académicos «les han asustado a ser agradablemente mansos, imitativos y ordinarios».