Маньеризм, также известный как «Поздний ренессанс», — это стиль европейского искусства, появившийся в последние годы итальянского высокого Возрождения около 1520 года и продолжавшийся до конца XVI века в Италии, когда стиль барокко начал заменять его. Северный маньеризм продолжался в начале 17 века.

Название, данное стилистической фазе в искусстве Европы между Высоким Возрождением и барокко, охватывающее период с 1510-20 по 1600 гг. Это также иногда называют поздним Возрождением, и переход от классики высокого ренессанса уже очевиден в поздних произведениях Леонардо да Винчи и Рафаэля, а также в искусстве Микеланджело с середины его творческой карьеры. Хотя художники XVI века принимали официальную лексику Высокого Возрождения в качестве отправной точки, они использовали ее так, как это было диаметрально противоположный гармоничному идеалу, который он изначально служил. Таким образом, есть хорошие основания рассматривать маньеризм как действительную и автономную стилистическую фазу, статус, впервые заявленный для нее искусствоведами начала 20-го века. Этот термин также применяется к стилю живописи и рисунок практикуется художниками, работающими в Антверпене чуть раньше, от c 1500 до c 1530

Стилистически, маньеризм охватывает множество подходов, на которые влияют и реагируют на гармоничные идеалы, связанные с такими художниками, как Леонардо да Винчи, Рафаэль и раннее Микеланджело. Там, где искусство высокого ренессанса подчеркивает пропорцию, равновесие и идеальную красоту, маньеризм преувеличивает такие качества, что часто приводит к асимметричным или неестественно элегантным композициям. Стиль отличается своей интеллектуальной утонченностью, а также ее искусственными (в отличие от натуралистических) качествами. Это способствует композиционному напряжению и нестабильности, а не балансу и ясности более ранней ренессансной живописи. Маньеризм в литературе и музыке отличается высоким флористическим стилем и интеллектуальной утонченностью.

Определение маньеризма и фазы внутри него по-прежнему являются предметом дебатов среди искусствоведов. Например, некоторые ученые применили ярлык к некоторым ранним современным формам литературы (особенно поэзии) и музыке XVI и XVII веков. Этот термин также используется для обозначения некоторых художников поздней готики, работающих в северной Европе примерно с 1500 до 1530 года, особенно антверпенских маньеристов — группы, не связанной с итальянским движением. Маньеризм также применялся по аналогии с Серебряным веком латинской литературы.

Номенклатура
Слово маньеризм происходит от итальянской манифеста, что означает «стиль» или «манера». Подобно английскому слову «стиль», maniera может либо указать определенный тип стиля (красивый стиль, абразивный стиль), либо указать абсолют, который не нуждается в квалификации (у кого «есть стиль»). Во втором издании «Жизни самых выдающихся художников, скульпторов и архитекторов» (1568) Джорджио Вазари использовал маниер в трех разных контекстах: обсуждать манеры или методы работы художника; описать личный или групповой стиль, например, термин maniera greca для обозначения византийского стиля или просто манер Микеланджело; и подтвердить положительное суждение о художественном качестве. Вазари был также художником-маньеристом, и он описал период, в котором он работал как «la maniera moderna», или «современный стиль». Джеймс В. Мироло описывает, как поэты «Белла Маниера» пытались превзойти в виртуозности сонеты Петрарки. Это понятие «bella maniera» предполагает, что художники, которые были таким образом вдохновлены, смотрели на копирование и улучшение своих предшественников, вместо того, чтобы напрямую противостоять природе. По сути, «bella maniera» использовала лучшее из ряда исходных материалов, синтезируя его во что-то новое.

Как стилистический ярлык «Маньеризм» нелегко определить. Он использовался швейцарским историком Якобом Буркхардтом и популяризировался немецкими искусствоведами в начале 20-го века, чтобы классифицировать, казалось бы, непревзойденное искусство итальянского искусства 16-го века, которое больше не было найдено для проявления гармоничных и рациональных подходов, связанных с Высоким Возрождением. «Высокий ренессанс» означал период, отличающийся гармонией, величием и возрождением классической древности. Термин «маньерист» был пересмотрен в 1967 году Джоном Шерманом после выставки картин маньеристов, организованной Фрицем Гроссманом в Художественной галерее Манчестер Сити в 1965 году. В 16-м веке был использован ярлык «Маньеризм», в котором прокомментировали социальное поведение и передали изысканный виртуоз качество или обозначить определенную технику. Однако для более поздних авторов, таких как Gian Pietro Bellori 17-го века, «la maniera» был уничижительным термином для воспринимаемого падения искусства после Рафаэля, особенно в 1530-х и 1540-х годах. С конца 19 века историки искусства обычно использовали термин, чтобы описать искусство, которое следует классическому эпохе Возрождения и предшествует барокко.

Однако историки отличаются тем, является ли маньеризм стилем, движением или периодом; и хотя этот термин остается спорным, он по-прежнему широко используется для идентификации европейского искусства и культуры 16 века.

Происхождение и развитие
К концу Высокого Возрождения молодые художники пережили кризис: казалось, что все, что может быть достигнуто, уже достигнуто. Больше не было никаких трудностей, технических или иных. Подробное знание анатомии, света, физиогномики и способ, которым люди регистрируют эмоции в выражении и жесте, инновационное использование человеческой формы в фигуративной композиции, использование тонкой градации тона, достигли почти совершенства. Молодым художникам нужно было найти новую цель, и они искали новые подходы. В этот момент появился маньеризм. Новый стиль развивался между 1510 и 1520 годами как во Флоренции, так и в Риме или в обоих городах одновременно.

Происхождение и ролевые модели
Этот период был описан как «естественное продолжение» искусства Андреа дель Сарто, Микеланджело и Рафаэля. Микеланджело разработал свой собственный стиль в раннем возрасте, глубоко оригинальный, который сначала очень восхищался, а затем часто копировался и подражал другим художникам той эпохи. Одним из качеств, которыми он восхищался его современники, был его ужас, чувство внушающего страх величие, а последующие художники пытались подражать ему. Другие художники изучали страстный и очень личный стиль Микеланджело, копируя работы мастера, стандартный способ, которым учащиеся научились рисовать и ваять. Его потолок в Сикстинской капелле служил примерами для их наблюдения, в частности, его представление собранных фигур, часто называемых инауди, и ливийской Сивиллы, его прихожей в Библиотеке Лаврентия, фигур на его могилах в Медичи и, прежде всего, его Последнего Суда. Позднее Микеланджело был одной из величайших ролевых моделей маньеризма. Молодые художники ворвались к нему домой и украли у него рисунки. В своей книге «Жития самых именитых художников, скульпторов и архитекторов» Джорджио Вазари отметил, что Микеланджело однажды сказал: «Те, кто являются последователями, никогда не могут пройти мимо, за кем они следуют».

Соревновательный дух
Конкурентный дух культивировали покровители, которые поощряли спонсируемых художников подчеркивать виртуозную технику и конкурировать друг с другом за комиссионные. Это заставило художников искать новые подходы и ярко освещенные сцены, разрабатывать одежду и композиции, удлиненные пропорции, стилизованные позы и отсутствие четкой перспективы. Леонардо да Винчи и Микеланджело получили поручение Гонфалониера Пьеро Содерини, чтобы украсить стену в зале «Пятьсот во Флоренции». Эти два художника были настроены рисовать бок о бок и конкурировать друг с другом, заставляя стимул быть как можно более инновационным.

Ранний манер
Ранние маньеристы во Флоренции, особенно ученики Андреа дель Сарто, такие как Якопо да Понтормо и Россо Фиорентино, которые отличаются удлиненными формами, неустойчиво сбалансированными позами, рухнувшей перспективой, иррациональными настройками и театральным освещением. Пармиджанино (ученик Корреджо) и Джулио Романо (помощник Рафаэля) двигались в стиле стилизованных эстетических направлений в Риме. Эти художники созрели под влиянием Высокого Возрождения, и их стиль был охарактеризован как реакция на или преувеличенное его расширение. Вместо того, чтобы изучать природу непосредственно, молодые художники начали изучать эллинистическую скульптуру и картины мастеров прошлого. Поэтому этот стиль часто называют «антиклассическим», но в то время он считался естественным продолжением Высокого Возрождения. Самая ранняя экспериментальная фаза маньеризма, известная своими «антиклассическими» формами, продолжалась до 1540 года или 1550. Марсия Б. Холл, профессор истории искусств в Университете Темпл, отмечает в своей книге «После Рафаэля, что преждевременная смерть Рафаэля ознаменовала начало маньеризма в Риме.

В прошлых анализах было отмечено, что маньеризм возник в начале 16-го века одновременно с рядом других социальных, научных, религиозных и политических движений, таких как модель Коперника, мешок Рима и растущая проблема протестантской реформации перед властью католической церкви. Из-за этого удлиненные формы стиля и искаженные формы когда-то интерпретировались как реакция на идеализированные композиции, преобладающие в искусстве высокого ренессанса. Это объяснение радикального стилистического сдвига c. 1520 выпал из научной пользы, хотя раннее искусство маньеристов по-прежнему резко контрастирует с конвенциями высокого ренессанса; доступность и равновесие, достигнутые Афинской академией Рафаэля, больше не интересовали молодых художников.

Высокая маньера
Второй период маньеризма обычно отличается от ранней, так называемой «антиклассической» фазы. Последующие маньеристы подчеркивали интеллектуальные тщеславия и артистическую виртуозность, которые позже заставили критиков обвинить их в том, что они работают в неестественной и затронутой «манере» (maniera). Художники Маниеры смотрели на своего старшего современника Микеланджело в качестве своей главной модели; их искусство было искусственным искусством, а не искусством, имитирующим природу. Художник-историк Сидней Джозеф Фридберг утверждает, что интеллектуализирующий аспект искусства мантии предполагает, что его аудитория заметит и оценит эту визуальную ссылку — знакомую фигуру в незнакомой обстановке, заключенную между «невидимыми, но ощущаемыми, кавычками». Высота уловки — склонность живописца Маниеры к умышленному присвоению цитаты. Agnolo Bronzino и Giorgio Vasari являются примером этого штамма Maniera, который длился примерно с 1530 по 1580 год. Основанный в основном на судах и в интеллектуальных кругах по всей Европе, искусство Maniera сочетает в себе преувеличенную элегантность с изысканным вниманием к поверхности и деталям: фигуры из фарфора с откидной крышкой , закаленный свет, признавая зрителя прохладным взглядом, если они вообще попадают в глаза. Тема Maniera редко проявляет много эмоций, и по этой причине работы, иллюстрирующие эту тенденцию, часто называются «холодными» или «отчужденными». Это характерно для так называемого «стильного стиля» или Maniera в его зрелости.

Распространение маньеризма
Города Рим, Флоренция и Мантуя были центрами Маньеристов в Италии. Венецианская живопись преследовала другой курс, представленный Тицианом в его долгой карьере. Ряд самых ранних художников-маньеристов, которые работали в Риме в течение 1520-х годов, покинули город после осадки Рима в 1527 году. По мере того как они распространялись по всему континенту в поисках работы, их стиль распространялся по всей Италии и Северной Европе. Результатом стал первый международный художественный стиль со времен Готики. В других частях Северной Европы не было такого прямого контакта с итальянскими художниками, но стиль маньеристов ощущался благодаря печатным изданиям и иллюстрированным книгам. Европейские правители, в частности, купили итальянские произведения, а художники из Северной Европы продолжали ездить в Италию, помогая распространять стиль маньеризма. Отдельные итальянские художники, работающие на Севере, родили движение, известное как Северный маньеризм. Фрэнсис I Франции, например, был представлен Венерой Венеции, Купидоном, Глупостью и Временем. Стиль ослабел в Италии после 1580 года, поскольку новое поколение художников, включая братьев Карраччи, Караваджо и Сиголи, возродило натурализм. Вальтер Фридландер определил этот период как «анти-маньеризм», так же как ранние маньеристы были «антиклассическими» в своей реакции от эстетических ценностей Высокого Возрождения.

Однако за пределами Италии маньеризм продолжался в 17 веке. Во Франции, где Россо ездил работать в суд в Фонтенбло, он известен как «стиль Генри II» и оказал особое влияние на архитектуру. К другим важным континентальным центрам Северного маньеризма относятся суд Рудольфа II в Праге, а также Харлем и Антверпен. Маньеризм как стилистическая категория реже применяется к английскому изобразительному и декоративному искусству, где более распространены местные ярлыки, такие как «Елизаветин» и «Якобеан». Ремесленный маньеризм XVII века — одно исключение, применимое к архитектуре, которая опирается на шаблонные книги, а не на существующие прецеденты в континентальной Европе.

Особо следует отметить фламандское влияние в Фонтенбло, которое сочетало эротику французского стиля с ранней версией традиции ванитов, которая будет доминировать в голландской и фламандской живописи XVII века. Преобладающим в это время было «pittore vago», описание художников с севера, которые вошли в мастерские во Франции и Италии, чтобы создать по-настоящему международный стиль.

скульптура
Как и в живописи, ранняя итальянская скульптура маньериста была в значительной степени попыткой найти оригинальный стиль, который мог бы достигнуть достижения Высокого Возрождения, который в скульптуре по существу означал Микеланджело, и большая часть борьбы за достижение этого была разыграна в комиссиях для заполнения в других местах на площади Пьяцца делла Синьория во Флоренции, рядом с Давидом Микеланджело. Баччо Бандинелли взял на себя проект Геркулеса и Какуса от самого мастера, но он был немного более популярен тогда, чем сейчас, и злобно сравнивал Бенвенуто Челлини с «мешком дынь», хотя он имел длительный эффект в по-видимому, вводя рельефные панели на пьедестал статуй. Как и другие работы его и других маньеристов, он удаляет гораздо больше исходного блока, чем сделал бы Микеланджело. Бронзовый Персея Челлини с головой Медузы — это, безусловно, шедевр, спроектированный с восемью углами зрения, другой характер маньеризма и искусственно стилизованный по сравнению с Давидами Микеланджело и Донателло. Первоначально ювелир, его знаменитый золото и эмаль Salt Cellar (1543) был его первой скульптурой и показал свой талант в своих лучших проявлениях.

Маленькие бронзовые фигуры для коллекционных шкафов, часто мифологические предметы с обнаженными взглядами, были популярной формой эпохи Возрождения, в которой Джамбологна, первоначально фламандская, но базировавшаяся во Флоренции, превзошла более позднюю часть века. Он также создал скульптуры в натуральную величину, из которых две вошли в коллекцию на площади Синьории. Он и его последователи разработали элегантные удлиненные примеры фигурки серпентината, часто из двух переплетенных фигур, которые были интересны со всех сторон.

Ранние теоретики
Джорджио Вазари
Взгляды Джорджио Вазари на искусство живописи появляются в похвалах, которые он наделяет коллег-художников в его многотомных «Жизнях художников»: он считал, что превосходство в живописи требует изысканности, богатства изобретения (invenzione), выраженного в виртуозной технике (маньери) , и остроумие и учеба, которые появились в готовой работе, все критерии, которые подчеркивали интеллект художника и чувствительность патрона. Художник теперь уже не просто обученный член местной Гильдии Святого Люка. Теперь он занял свое место в суде вместе с учеными, поэтами и гуманистами в атмосфере, которая способствовала признанию элегантности и сложности. Герб завсегдатаев Вазари Медичи появляется на вершине его портрета, как будто это был собственный художник. Образцовое изображение образа жизни Вазари Художников будет называться «Якобеан» в англоязычной среде. В нем могилы Микеланджело Медичи вдохновляют анти-архитектурные «архитектурные» черты наверху, узорчатую рамку, сатиры в основании. В качестве простого кадра это экстравагантно: маньерист, короче.

Джан Паоло Ломаццо
Другой литературной фигурой из этого периода является Джан Паоло Ломаццо, который создал две работы — одну практическую и одну метафизическую, что помогло определить самосознательное отношение маньеристского художника к его искусству. Его Trattato dell’arte della pittura, scoltura et architettura (Милан, 1584) отчасти является руководством к современным концепциям приличия, которые Ренессанс частично унаследовал от античности, а маньеризм. Систематическая кодификация Ломаццо эстетики, которая типизирует более формализованные и академические подходы, характерные для более позднего 16-го века, подчеркнула созвучие между функциями интерьеров и видами расписных и скульптурных декоров, которые были бы подходящими. Иконография, часто свернутая и заумная, является более заметным элементом в стилях маньеризма. Его менее практичная и более метафизическая идея идеального храма живописи, Милан, 1590) предлагает описание в соответствии с теорией «четырех темпераментов» человеческой природы и личности, определяющей роль индивидуальности в суждении и художественном изобретение.

Некоторые художники-маньеристы

Якопо да Понтормо
Иосиф Иокопо-да-Понтормо в Египте показывает, что в эпоху Возрождения считались несоответствующими цветами и некогерентной обработкой времени и пространства.

Россо Фиорентино и Школа Фонтенбло
Россо Фиорентино, который в 1530 году был учеником Понтормо в студии Андреа дель Сарто, привел флорентийский манер к Фонтенбло, где он стал одним из основателей французского маньеризма 16-го века, широко известного как «Школа Фонтенбло», ,

Примеры богатого и беспокойного декоративного стиля в Фонтенбло еще более распространили итальянский стиль с помощью гравюр, до Антверпена и оттуда по всей Северной Европе от Лондона до Польши. Дизайн маньериста был расширен до предметов роскоши, таких как серебро и резная мебель. Чувство напряженной, контролируемой эмоции, выраженной в сложной символике и аллегории, и идеалом женской красоты, характеризующейся удлиненными пропорциями, являются черты этого стиля.

Агноло Бронзино
Портреты маньеристов Агноло Бронзино отличаются спокойной элегантностью и тщательным вниманием к деталям. В результате, сиделки Бронзино, как говорили, спроектировали отчужденность и заметное эмоциональное расстояние от зрителя. Существует также виртуозная концентрация на захват точной картины и блеск богатого текстиля.

Алессандро Аллори
Алессандро Аллори (1535-1607) Сусанна и Старейшины (внизу) отличаются латентным эротизмом и сознательно блестящими деталями натюрмортов в переполненной, искаженной композиции.

Тинторетто
Тайная вечеря Тинторетто (внизу) фокусируется на свете и движении, принося образ в драматическую жизнь. В отличие от более традиционных взглядов на Тайную Вечерю, Тинторетто изображает Небеса, открывающиеся в комнату, и ангелы, смотрящие в страхе, в соответствии со старым католическим утверждением: «Если ангелы были способны завидовать, они завидовали бы Евхаристии».

Эль Греко
Эль Греко пытался выразить религиозные эмоции с преувеличенными чертами. После реалистического описания человеческой формы и овладения перспективой, достигнутой в классическом стиле эпохи Возрождения, некоторые художники начали сознательно искажать пропорции в разрозненном иррациональном пространстве для эмоционального и художественного эффекта. Эль Греко до сих пор является глубоко оригинальным художником. Эль Греко характеризовался современными учеными как художник, настолько индивидуальный, что он не принадлежит к обычной школе. К ключевым аспектам маньеризма в Эль-Греко относятся сотрясающая «кислотная» палитра, удлиненная и замученная анатомия, иррациональная перспектива и свет, а также неясная и тревожная иконография.

Бенвенуто Челлини
Бенвенуто Челлини создал соляной солод Cellini из золота и эмали в 1540 году с участием Посейдона и Амфитрита (вода и земля), расположенных в неудобных положениях и с вытянутыми пропорциями. Это считается шедевром маньеристской скульптуры.

Иоахим Втеваэль
Иоахим Ветваэль (1566-1638) продолжал рисовать в стиле северного маньериста до конца своей жизни, игнорируя приход барокко и делая его, возможно, последним значительным художником-маньеристом, который все еще должен работать. Его сюжеты включали в себя большие сцены с натюрмортом в стиле Питера Аерцена и мифологические сцены, множество небольших картин, выполненных на меди, и большинство из которых демонстрировали наготу.

Джузеппе Арчимбольдо
Джузеппе Арчимбольдо (также записанный Арчимбольди) известен своими портретами, выполненными из композиции натюрморта

Маньеристская архитектура
Архитектура маньеристов характеризовалась визуальными обманами и неожиданными элементами, которые бросали вызов нормам ренессанса. Фламандские художники, многие из которых путешествовали в Италию и находились под влиянием развития маньеристов там, были ответственны за распространение маньеристских тенденций в Европе к северу от Альп, в том числе в царство архитектуры. В течение этого периода архитекторы экспериментировали с использованием архитектурных форм, чтобы подчеркнуть прочные и пространственные отношения. Идеал гармонии ренессанса уступил место более свободным и более творческим ритмам. Самый известный архитектор, связанный с маньеристским стилем, и пионер в Библиотеке Лаврентия, был Микеланджело (1475-1564). Ему приписывают изобретение гигантского ордена, большого пилястра, который простирается от дна до верха фасада. Он использовал это в своем дизайне для Кампидольо в Риме.

До 20-го века термин «маньеризм» имел отрицательные коннотации, но теперь он используется для описания исторического периода в более общих несудебных терминах. Маньеристская архитектура также использовалась для описания тенденции в 1960-х и 1970-х годах, которая включала в себя нарушение норм модернистской архитектуры и в то же время признание их существования. Определив в этом контексте маньерист, архитектор и автор Роберт Вентури написал «Маньеризм для архитектуры нашего времени, которая признает традиционный порядок, а не оригинальное выражение, но нарушает традиционный порядок, чтобы учесть сложность и противоречие и тем самым недвусмысленно затрагивает двусмысленность».

Примеры ренессанса
Примером манерной архитектуры является Вилла Фарнезе в Капрароле. в прочной сельской местности за пределами Рима. Распространение граверов в течение 16-го века распространяло стили маньеристов быстрее, чем любые предыдущие стили.

Дверь с орнаментом «римской» деталировки, дверной проем в замке Колдицца иллюстрирует этот северный стиль, характерно применяемый как изолированный «набор» против простеньких народных стен.

С конца 1560-х годов многие здания в Валлетте, новой столице Мальты, были спроектированы архитектором Джироламо Кассаром в стиле маньеристов. К таким зданиям относятся Собор Святого Иоанна, Дворец гроссмейстера и семь оригинальных бобов. Многие здания Кассара были изменены с годами, особенно в эпоху барокко. Тем не менее, некоторые здания, такие как Auberge d’Aragon и экстерьер со-собора Св. Иоанна, по-прежнему сохраняют большую часть оригинального дизайна маньеристов Кассара.

Маньеризм в литературе и музыке
В английской литературе маньеризм обычно отождествляется с качествами «метафизических» поэтов, из которых самым известным является Джон Донн. Остроумная выдумка писателя-барокко Джона Драйдена против стихов Донна в предыдущем поколении дает краткий контраст между барочными и маньеристскими целями в искусстве:

Он влияет на метафизику не только в своих сатирах, но и в своих любовных стихах, где должна господствовать только природа; и озадачивает умы прекрасного пола с хорошими размышлениями о философии, когда он должен заниматься их сердцами и развлекать их мягкостью любви. 15 (курсив добавлен)

Богатые музыкальные возможности в поэзии конца 16-го и начала 17-го столетий обеспечили привлекательную основу для мадригала, который быстро поднялся до известности как выдающаяся музыкальная форма в итальянской музыкальной культуре, о чем говорил Тим Картер:

Мадригал, особенно в своем аристократическом обличье, был явно средством для «стильного стиля» маньеризма: поэты и музыканты наслаждались остроумными тщеславиями и другими визуальными, устными и музыкальными трюками, чтобы порадовать знатока.

Слово маньеризм также использовалось для описания стиля высокорисковой и контрапунктно сложной полифонической музыки, сделанной во Франции в конце 14 века. Этот период теперь обычно называют ars subtilior.

Маньеризм и театр
Ранняя комедия dell’Arte (1550-1621): Контекст маньериста Пола Кастаньо обсуждает влияние маньеризма на современный профессиональный театр. Кастаньо был первым исследованием, которое определило театральную форму как маньериста, используя словарь маньеризма и маньери, чтобы обсудить типизацию, преувеличенное и эффектное meraviglioso из comici dell’arte. См. Часть II вышеупомянутой книги для полного обсуждения характеристик маньеристов в comedia dell’arte. Исследование в значительной степени иконографическое, представляя наглядное доказательство того, что многие художники, которые нарисовали или напечатали изображения комидии, были, по сути, из мастерских того времени, сильно укоренились в традиции маньери.

Превосходство в мельчайших гравюрах Жак Калло, похоже, противоречит гораздо большему масштабу действий. «Balli di Sfessania» Callot (буквально, танец ягодиц) празднует вопиющую эротику комедии, с торчащими фалли, копьями, создаваемыми с ожиданием комического полотна, и сильно преувеличенными масками, которые смешивают звериное с человеком. Эротичность innamorate (любителей), включая обнажение груди или чрезмерное завуалирование, была довольно моде в картинах и гравюрах из второй школы в Фонтенбло, особенно тех, которые обнаруживают влияние Франко-Фламандского. Кастаньо демонстрирует иконографические связи между жанровой живописью и фигурами комедии дель арте, которые демонстрируют, как эта театральная форма была встроена в культурные традиции позднего cinquecento.

Commedia dell’arte, disegno interno и конкурсы discordia
Существуют важные следствия между дезогеновым интерно, которое заменяет экзогенность (внешний дизайн) в манере. Это понятие проецирования глубоко субъективной точки зрения как замещающей природы или установленных принципов (например, перспективы), по существу, акцент от объекта к его предмету, в настоящее время подчеркивающий исполнение, проявления виртуозности или уникальные методы. Это внутреннее видение лежит в основе производительности комедии. Например, в момент импровизации актер выражает свою виртуозность без учета формальных границ, приличия, единства или текста. Арлекино стал символом манерных дискордионных конвоев (союз противоположностей), в какой-то момент он был бы нежным и добрым, а затем на копейке стал вором, яростно разыгрывающим его баттом. Арлекино мог быть изящным в движении, только в следующем ударе, неуклюже путешествовать по его ногам. Освободившись от внешних правил, актер отметил исчезновение момента; так же, как Челлини ослепил бы своих покровителей, задрапировав его скульптуры, обнажая их с эффектами освещения и ощущением чудесного. Представление объекта стало таким же важным, как и сам объект.

Нео-маньеризм
По словам искусствоведа Джерри Сальца, «нео-маньеризм» (новый маньеризм) относится к числу нескольких клише, которые «выдавливают жизнь из мира искусства». Нео-маньеризм описывает искусство 21-го века, которое выдается студентами, чьи академические учителя «испугали [их], чтобы они были любезно кроткими, подражательными и обычными».