후기 르네상스라고도하는 매너리즘은 1520 년경 이탈리아 르네상스 시대의 후반에 등장한 것으로, 바로크 양식이 이탈리아를 대체하기 시작한 이탈리아에서 약 16 세기 말경까지 지속되었다. 북부 매너리즘은 17 세기 초반까지 계속되었다.

르네상스 시대와 바로크 시대의 유럽 예술의 문학적 위상에 부여 된 이름. 1510 년부터 1600 년까지의 기간을 다룬다. 후기 르네상스라고도하며, 르네상스 시대 고전주의로부터의 이탈은 이미 분명하다. Leonardo da Vinci와 Raphael의 후기 작품과 미켈란젤로 예술의 창작 경력 중반 – 16 세기의 예술가들이 르네상스의 공식 어휘를 출발점으로 삼았음에도 불구하고, 정교하게 상반되는 조화로운 이상에 정면으로 반대한다. 매너리즘을 유효하고 자율적 인 문체 단계로 간주하기위한 좋은 근거가있다. 20 세기 초의 예술 사학자들에 의해 처음으로 주장 된 지위.이 용어는 회화 스타일에도 적용된다. 앤트워프에서 일하는 예술가들에 의해 약간 이전에 c 1500에서 c 1530까지 실행 된 드로잉

스타일리쉬하게, 매너리즘은 레오나르도 다빈치, 라파엘, 초기 미켈란젤로와 같은 예술가와 관련된 조화로운 이상에 영향을 받고 그에 반응하는 다양한 접근법을 포함합니다. 높은 르네상스 예술이 비례, 균형 및 이상적인 아름다움을 강조하는 곳에서 매너리즘은 그러한 특성을 과장하여 종종 비대칭 또는 부 자연스럽게 우아한 구성을 만듭니다. 이 스타일은 지적인 세련미와 인공적인 (자연 주의적이 아닌) 자질로 유명합니다. 초기 르네상스 그림의 균형과 명료성보다는 구성상의 긴장과 불안정성을 선호합니다. 문학과 음악의 매너리즘은 매우 풍성한 스타일과 지적 세련미로 유명합니다.

매너리즘의 정의와 그 안에서의 단계들은 예술 사학자들 사이에서 논쟁의 대상이되고있다. 예를 들어, 일부 학자들은 특정 초기 현대 문학 (특히시)과 16 세기와 17 세기의 음악에이 레이블을 적용했습니다. 이 용어는 또한 북부 유럽에서 약 1500 년에서 1530 년 사이에 일하는 후기 고딕 미술가들, 특히 이탈리아 운동과 관련없는 그룹 인 앤트워프 매너 니스트를 지칭하기 위해 사용됩니다. 매너리즘은 실버 시대의 라틴 문학에 비유하여 적용되었습니다.

명명법
매너리즘이란 말은 “스타일”또는 “방식”을 의미하는 이탈리아어 maniera에서 파생됩니다. 영어 단어 “스타일”과 마찬가지로 maniera는 특정 유형의 스타일 (아름다운 스타일, 연마 스타일)을 나타내거나 자격이 필요없는 절대성 (누군가 “스타일”을 가짐)을 나타낼 수 있습니다. 가장 뛰어난 화가, 조각가, 건축가 (1568)의 ​​삶의 두 번째 판에서, 조르지오 바사리는 3 가지 다른 맥락에서 매니큐어를 사용했다 : 예술가의 방식이나 일하는 방법에 대해 토론하기. 비잔틴 양식을 가리키는 용어 maniera greca 또는 단순히 미켈란젤로의 maniera와 같은 개인 또는 그룹 스타일을 묘사하는 데 사용됩니다. 예술적 질에 대한 긍정적 인 판단을 긍정하는 것이다. Vasari는 또한 Mannerist 예술가이고, 그가 “la maniera moderna”, 또는 “현대 작풍”로 일한 기간을 기술했다. James V. Mirollo는 “bella maniera”시인들이 Petrarch 소네트의 기교를 뛰어 넘는 방법을 설명합니다. 이렇게 “벨라 마니에라”라는 개념은 영감을받은 예술가들이 자연을 직접적으로 대면하는 것이 아니라 전임자를 복사하고 개선하는 것으로 나타났습니다. 본질적으로, “bella maniera”는 수많은 소스 자료를 활용하여 새로운 것을 합성합니다.

문체 레이블로서 “매너리즘”은 쉽게 정의되지 않습니다. 그것은 스위스 역사가 인 Jacob Burckhardt에 의해 사용되었고, 20 세기 초 독일의 미술 사학자들에 의해 대중화되어 이탈리아의 16 세기 겉으로는 분류 할 수없는 예술을 분류했습니다. 더 이상 르네상스 시대와 관련된 조화되고 합리적인 접근법을 보여주지 못하는 예술입니다. “높은 르네상스”는 조화와 웅장 함과 고전적 고대의 부흥으로 구분되는 시대를 암시합니다. 매너 니스트라는 용어는 1965 년 Manchester City Art Gallery에서 프리츠 그로스 만 (Fritz Grossmann)이 조직 한 매너리즘 회화전을 통해 존 샤먼 (John Shearman)이 1967 년에 재정의했다. “매너리즘”이라는 레이블은 사회 행동에 대해 논평하고 세련된 거장 품질 또는 특정 기술을 나타냅니다. 그러나 17 세기의 지안 피에트로 벨로리 (Gian Pietro Bellori)와 같은 후기 작가들의 경우, “라 마니에라 (la maniera)”는 라파엘 이후의 예술, 특히 1530 년대와 1540 년대의 예술의 쇠퇴에 대한 비판적인 용어였다. 19 세기 후반부터 미술 사학자들은 일반적으로 르네상스 고전주의를 따르고 바로크 양식을 선행하는 예술을 묘사하는 용어를 사용했습니다.

그러나 역사가들은 매너리즘이 스타일, 운동, 또는 기간인지에 따라 다르다. 그 용어는 여전히 논쟁의 여지가 있지만 16 세기의 유럽 예술과 문화를 식별하는 데 여전히 일반적으로 사용됩니다.

기원과 개발
르네상스 시대가 끝나갈 무렵, 젊은 예술가들은 위기를 겪었습니다. 달성 할 수있는 모든 것이 이미 달성 된 것처럼 보였습니다. 더 이상 기술적이거나 다른 문제가 해결되지 않았습니다. 해부학, 빛, 물리학 및 인간이 표현과 몸짓에 감정을 등록하는 방식, 비 유적 구성에서 인간 형태의 혁신적인 사용, 색조의 미세한 그라데이션 사용은 모두 거의 완벽에 이르렀습니다. 젊은 예술가들은 새로운 목표를 찾아야했고 새로운 접근법을 모색했습니다. 이 시점에서 매너리즘이 등장하기 시작했다. 새로운 스타일은 1510 년에서 1520 년 사이에 피렌체 나 로마에서, 또는 두 도시에서 동시에 개발되었습니다.

유래 및 역할 모델
이시기는 Andrea del Sarto, Michelangelo 및 Raphael의 예술을 자연스럽게 확장 한 것으로 묘사되었습니다. 미켈란젤로는 초기에 크게 존경 받았던 그 당시의 다른 예술가들에 의해 종종 복제되고 모방 된 깊은 초기의 자신의 스타일을 개발했습니다. 동시대 인들에게 가장 존경받는 자질 중 하나는 경외심을 불러 일으키는 웅장 함과 그 이후의 예술가들이 그것을 모방하려고 시도했던 그의 terribilità였다. 다른 예술가들은 미켈란젤로의 열정적이고 개인적인 스타일을 마스터의 작품을 복사하여 배웠습니다. 이는 학생들이 페인트 칠하고 조각하는 것을 배운 표준 방식입니다. 그의 시스틴 예배당 천장은 특히 ignudi라고 불리는 수집 된 인물과 Laurentian Library에있는 Libyan Sibyl, 그의 현관, 그의 Medici 무덤의 인물, 그리고 그의 최후의 심판에 대한 그의 대표적인 예를 보여 주었다. 이후의 미켈란젤로는 매너리즘의 위대한 역할 모델 중 하나였습니다. 젊은 예술가들이 집에 침입하여 그에게서 그림을 훔쳤습니다. 조르지오 바사리 (Giorgio Vasari)는 저명한 화가들, 조각가들, 건축가들의 저서에서 미켈란젤로는 “추종자들은 결코 따라 올 수 없다”고 말했습니다.

경쟁 정신
경쟁 정신은 후원받는 예술가가 기교 기술을 강조하고 커미션을 위해 서로 경쟁하도록 권장 한 후원자에 의해 개발되었습니다. 그것은 새로운 접근법과 극적으로 조명 된 장면, 정교한 옷과 구성, 길쭉한 비율, 스타일이 잘된 포즈 및 명확한 시각의 부족을 찾기 위해 예술가를 운전했습니다. 레오나르도 다빈치와 미켈란젤로는 피렌체 소 데리 니 (Gonfaloniere Piero Soderini)가 피렌체 5 홀 (Hall of Five Hundred)의 벽을 장식하는 위촉을 받았다. 이 두 예술가는 나란히 페인트 칠을하고 서로 경쟁하여 인센티브를 가능한 한 혁신적으로 만들도록했습니다.

조기 매너리즘
피렌체의 초기 매너 니스트, 특히 길쭉한 형태로 유명한 Jacopo da Pontormo와 Rosso Fiorentino와 같은 Andrea del Sarto의 학생들, 불확실한 균형 잡힌 포즈, 붕괴 된 시각, 비합리적 설정 및 연극 조명. Parmigianino (Correggio의 학생)와 Giulio Romano (Raphael의 머리 조수)는 로마에서 마찬가지로 양식화 된 미적 지침으로 움직이고있었습니다. 이 예술가들은 하이 르네상스의 영향을 받아 성숙되었고, 그들의 스타일은 그것의 반응이나 과장된 확장으로 특징 지어졌습니다. 자연을 직접 연구하는 대신, 젊은 예술가들은 헬레니즘의 조각과 회화의 회화를 공부하기 시작했습니다. 따라서이 스타일은 종종 “반 고전류”로 여겨지지만, 당시 르네상스 시대부터 자연스럽게 발전한 것으로 여겨졌습니다. “반 고전적”형태로 알려진 매너리즘의 초기 실험 단계는 약 1540 년까지 지속되었습니다 템플 대학의 미술사 교수 인 마르시아 홀 (Marcia B. Hall)은 라파엘 (Raphael) 이후 라파엘의 조기 사망으로 로마의 매너리즘이 시작되었다고 기록했다.

과거의 분석에서 16 세기 초반에는 코페르니쿠스 모델, 로마의 자루 (Sack of Rome), 권력에 대한 개신교 개혁의 증가하는 도전과 같은 수많은 사회, 과학, 종교 및 정치 운동과 동시에 매너리즘이 발생했다는 사실이 알려졌다. 카톨릭 교회의 이 때문에 스타일의 길쭉한 형태와 왜곡 된 형태는 한 번 높은 르네상스 예술에서 보편화 된 이상화 된 구성에 대한 반응으로 해석되었습니다. 이 급진적 인 문체 이동에 대한 설명 c. 초기의 매너 니즘 예술은 아직도 르네상스 시대의 관습과는 대조적이지만, 1520은 학자적 인 호의에서 벗어났다. 라파엘 아테네 학교 (Raphael ‘s School of Athens)의 접근성과 균형은 더 이상 젊은 예술가들의 관심을 끌지 못했습니다.

높은 매니큐어
매너리즘의 두 번째 기간은 일찍이 소위 “반 고전 (anti-classical)”단계와 차별화됩니다. 후속 매이 니스트들은 지적 비만과 예술적 기교를 강조했다. 그로 인해 비평가들은 부자연스럽고 영향받는 “방식”(maniera)에서 일한다고 비난했다. Maniera 예술가는 그들의 더 오래된 현대 Michelangelo를 그들의 주요한 모형으로 보았다; 그들의 것은 자연을 모방하는 예술보다는 예술을 모방 한 예술이었다. 미술 사학자 시드니 조세프 프리드버그 (Sydney Joseph Freedberg)는 매니페어 아트의 지적 측면은 관객이이 시각적 기준을 “인식 할 수 없지만 느껴지는 따옴표”로 둘러싸인 친숙하지 않은 그림으로 인식하고 인식하는 것을 기대한다고 주장합니다. 인공물의 높이는 고의적으로 인용문을 남용 한 Maniera 화가의 경향입니다. Agnolo Bronzino와 Giorgio Vasari는 약 1530 년부터 1580 년까지 지속 된 Maniera의 이러한 변형을 잘 보여줍니다. 유럽의 법원과 지식인 중심으로, Maniera는 표면과 디테일에 대한 섬세한 관심과 과장된 우아함을 결합합니다. , 눈을 가볍게 쳐다 보면서 시원하게 한눈에 시인하는 정돈 된 빛. Maniera 주제는 거의 감정을 표현하지 않으며, 이러한 이유 때문에 이러한 추세를 보여주는 작품은 흔히 ‘추위’또는 ‘가벼움’이라고 불립니다. 이것은 성숙의 소위 “세련된 스타일”또는 Maniera의 전형입니다.

매너리즘의 확산
도시 로마, 피렌체 및 만 투아는 이탈리아의 매너리즘 센터였습니다. 베네치아 회화는 그의 오랜 경력에서 티티 안이 대표하는 다른 과정을 추구했습니다. 1520 년 로마에서 일한 수많은 초기 화가 예술가들은 1527 년 로마의 자루 (Sack of Rome) 이후 도시를 떠났습니다. 그들이 대륙을 넘어 일자리를 구하기 위해 이탈리아와 북유럽 전역에 스타일을 전파했습니다. 그 결과 고딕 양식 이후 최초의 국제적인 예술 스타일이 탄생했습니다. 북유럽의 다른 지역에서는 이탈리아 예술가와 직접 접촉하는 이점이 없었지만 매너 니스트 스타일은 지문과 삽화를 통해 그 존재를 느꼈습니다. 유럽의 통치자들은 이탈리아 작품을 구입했으며, 북유럽의 예술가들은 계속해서 이탈리아로 이주하여 매너 니스트 스타일을 확산시켰다. 북부에서 일하는 개인 이탈리아 예술가들은 북부 매너리즘으로 알려진 운동을 탄생시켰다. 예를 들어, 프랑스의 프란시스 1 세는 브론 지노의 금성, 큐피드, 어리 석음 및 시간으로 발표되었습니다. 카라치 형제 인 카라바지오 (Caravaggio)와 시골 (Cigoli)을 포함한 새로운 세대의 예술가로서 1580 년 이후 이탈리아에서는식이가 줄어들면서 자연주의가 부활했습니다. Walter Friedlaender는이시기를 “반 매너리즘”으로 규정했다. 초기 매너 니스트들은 르네상스 시대의 미학적 가치에서 벗어난 반응에 대해 반 고전적이었다.

그러나 이탈리아 밖에서 매너리즘은 17 세기까지 계속되었다. Fontainebleau의 법원에서 일하기 위해 Rosso가 여행 한 프랑스에서는 “Henry II 스타일”로 알려져 있으며 건축에 특별한 영향을 미쳤습니다. 북부 매너리즘의 다른 중요한 대륙 센터에는 하를렘과 앤트워프뿐만 아니라 프라하의 루돌프 2 세 법정도 포함됩니다. 문체 분류로서의 매너리즘은 “Elizabethan”및 “Jacobean”과 같은 기본 레이블이보다 일반적으로 적용되는 영어 시각 및 장식 예술에 덜 자주 적용됩니다. 17 세기 Artisan Mannerism은 유럽 대륙의 기존 판례보다는 패턴 책에 의존하는 건축물에 적용되는 한 가지 예외입니다.

프랑스 스타일의 에로티시즘과 17 세기의 네덜란드와 플랑드르 회화를 지배 할 바 니타 전통의 초기 버전을 결합한 퐁텐 블로의 플랑드르 풍의 영향이 특히 주목됩니다. 이번에는 북쪽의 화가에 대한 설명 인 “pittore vago”가 프랑스와 이탈리아의 워크샵에 참가하여 진정한 국제 스타일을 창출했습니다.

조각
페인팅에서와 마찬가지로 이른 이탈리아 매너리즘 조각은 매우 르네상스 시대의 성취를 이끄는 독창적 인 스타일을 찾기위한 시도였으며 조각상에서 본질적으로 미켈란젤로를 의미했으며이 목표 달성을위한 투쟁의 대부분은 피렌체의 피아자 델라 시그 니 리아 (Piazza della Signoria)의 다른 장소, 미켈란젤로의 다비드 옆. Baccio Bandinelli는 Hercules와 Cacus 프로젝트를 주인 자신으로부터 이어 받았다. 그러나 그것은 지금보다 조금 더 대중적이었고, Benvenuto Cellini에 의해 “멜론 자루”와 악의적으로 비교되었다. 그러나 그것은 오래 지속되는 효과가 있었지만 외관상으로 동상의 받침대에 구호 패널을 소개했습니다. 자신과 다른 매너 니스트들의 다른 작품들처럼 미켈란젤로가했던 것보다 훨씬 더 원래 블록을 제거합니다. Medini의 머리를 가진 Cellini의 청동 Perseus는 분명히 8 개의 화각, 또 다른 매너리즘 특성으로 디자인되었으며, Michelangelo와 Donatello의 Davids와 비교하여 인위적으로 양식화 된 걸작품입니다. 원래 금 세공가였던 그의 유명한 금과 법랑 솔트 셀러 (1543)는 그의 첫 번째 조각품이었으며 그의 재능을 잘 보여줍니다.

누드가있는 신화적인 주제 인 컬렉터의 캐비닛을위한 작은 청동 색 인물은 르네상스 양식으로 원래 플랑드르 였지만 플라멩고를 기반으로 한 Giambologna는 세기 후반에 탁월했습니다. 그는 또한 실물 크기의 조각품을 만들었는데, 그 중 2 명이 피아자 델라 시그 니 리아 (Piazza della Signoria)의 컬렉션에 들어갔다. 그와 그의 추종자는 모든 각도에서 흥미로운 두 개의 고리로 연결된 인물 인 그림 상사 (figura serpentinata)의 우아한 길쭉한 예를 고안했습니다.

초기 이론가들
조르지오 바사리
조르지오 바사리 (Giorgio Vasari)의 회화 작품에 대한 의견은 여러 권의 예술가들의 삶에서 동료 예술가들에게 수여하는 칭찬에 나타난다. 그는 회화의 우수성은 발명품의 풍부함 (invenzione), 거장 기술 (maniera) , 완성 된 작품에 등장하는 재치와 연구, 예술가의 지성과 후원자의 감수성을 강조한 모든 기준. 아티스트는 이제 더 이상 세인트 루크의 지역 길드의 일원이 아닙니다. 이제 그는 우아함과 복잡성에 대한 감사를 불러 일으키는 분위기 속에서 학자, 시인 및 인본주의 자와 함께 법원에서 자리를 잡았습니다. 바사리 (Vasari)의 메디치 (Medici) 후원자들의 외투는 그의 초상화의 맨 위에, 마치 마치 예술가 자신의 것처럼 보인다. 바사리 (Vasari)의 예술가들의 삶의 목판화 이미지를 구성하는 것은 영어 사용 환경에서 “야 코비 행 (Jacobean)”이라고 불릴 것입니다. 그것에서, 미켈란젤로의 Medici 무덤은 꼭대기에 anti-architectural “건축”특징, 서류상 관통 한 구조, 기초에 satyr 누드를 고무시킨다. 단순한 프레임으로서 그것은 사치 스럽다 : 매너 니스트.

지안 파올로 로모 바로
이 기간의 또 다른 문학적 인 인물은 Gian Paolo Lomazzo입니다.이 작품은 매너 니스트 예술가의 자기 예술과의 관계를 정의하는 데 도움이되는 실용적인 작품과 형이상학적인 작품 두 편을 제작했습니다. 그의 <트라 탓토 델라 테르 델라 피투 라 (Scattutura dell'arte della pittura)> (Scoltura et architettura (Milan, 1584))는 부분적으로 고대로부터 유래 된 르네상스의 매너리즘에 대한 정교한 현대의 개념에 대한 가이드이다. Lomazzo의 체계적인 16 세기 후반의 전형적이고 학문적 인 접근 방식을 체계화 한 체계적인 체계화는 인테리어의 기능과 색칠 및 조각 된 장식의 종류 사이의 조화를 강조했다. Iconography는 종종 복잡하고 난해하며 매너 니스트 스타일에서 더 중요한 요소입니다. 그의 덜 실제적이고 더 형이상학적인 아이디어 인 템파 디텔 라 피투 라 (이상적인 사원 그림, 밀라노, 1590)는 인간의 본성과 성격에 대한 “네 가지 기질”이론의 설명을 제공하여 판단력과 예술성에서 개성의 역할을 정의한다 발명.

일부 매너주의 예술가들

Jacopo da Pontormo
이집트의 Jacopo da Pontormo의 Joseph은 르네상스 시대가 부조화 된 색과 시공간적이지 못한 취급으로 여겨지는 것을 특징으로합니다.

Rosso Fiorentino와 Fontainebleau 학교
안드레아 델 사르토 (Andrea del Sarto)의 스튜디오에서 폰토 모르 (Pontormo)의 동료 학생이었던 로소 피오렌티노 (Rosso Fiorentino)는 1530 년에 퐁텐 블로 (Fontainebleau)에서 피렌체 매너리즘을 가져 와서 16 세기 프랑스의 창작자 중 한 명으로 퐁텐 블로의 학교로 유명했습니다. .

Fontainebleau에서 풍성하고 바쁜 장식 스타일의 사례는 이탈리아 스타일을 판화 매체를 통해 앤트워프 (Antwerp)로, 그리고 런던에서 폴란드까지 북유럽 전역으로 파급했다. 매너 니스트 디자인은은과 새겨진 가구와 같은 명품으로 확장되었습니다. 정교한 상징주의와 알레고리로 표현 된 긴장감 있고 통제 된 감정, 그리고 길쭉한 비율로 특징 지어진 여성의 아름다움의 이상은이 스타일의 특징입니다.

Agnolo Bronzino
Agnolo Bronzino의 매너리스트 초상화는 고요한 우아함과 섬세한 세심한주의가 특징입니다. 결과적으로, Bronzino의 시터는 관객과의 경이로운 거리감과 감정적 인 거리를 계획했다고합니다. 또한 풍부한 텍스타일의 정확한 패턴과 광채를 포착하는 데에 중추적 인 역할을합니다.

알레산드로 알 로리
Alessandro Allori (1535-1607) Susanna와 The Elders (아래)는 혼란스럽고 뒤 틀린 구성에서 잠재 에로티시즘과 의식적으로 빛나는 정물 세부 사항으로 구별됩니다.

틴토 렛토
Tintoretto의 최후의 만찬 (아래)은 이미지를 극적인 삶으로 가져 오는 빛과 움직임에 초점을 맞 춥니 다. 최후의 만찬에 대한 전통적인 견해와는 달리, 틴토 렛토는 천국이 그 방에 들어가는 것을 묘사하고, 천사들이 “천사가 부럽다면 성체를 부러워 할 것”이라는 오래된 가톨릭 계급의 맥락에 비추어 볼 때 경외감으로 바라본 천사들을 묘사한다.

엘 그레코
엘 그레코 (El Greco)는 과장된 특징으로 종교적 정서를 표현하려고 시도했다. 인간의 형태에 대한 현실적인 묘사와 높은 르네상스 고전주의에서 성취 된 원근법의 숙달 이후, 일부 예술가들은 정서적이고 예술적인 효과를 위해 비논리적 인 비논리적 인 공간에서 의도적으로 비율을 왜곡하기 시작했습니다. 엘 그레코는 여전히 깊이있는 독창적 인 예술가입니다. 엘 그레코 (El Greco)는 근대 학자들에 의해 예술가로서의 특성을 지니고있어서 개개인의 학교에 속하지 않는다. 엘 그레코 (El Greco)의 매너리즘의 주요 측면에는 떨리는 “산성”팔레트, 가늘고 길고 해부학적인 해부학, 비합리적 인 관점과 빛, 그리고 애매하고 괴롭히는 도상학이 있습니다.

Benvenuto Cellini
Benvenuto Cellini는 1540 년 Poseidon과 Amphitrite (물과 지구)가 불편한 자세와 늘어난 비율로 배치 된 금과 법랑질의 Cellini Salt Cellar를 만들었습니다. 그것은 매너리즘 조각의 걸작으로 여겨집니다.

요아킴 웨 테엘
Joachim Wtewael (1566-1638)은 바로크 시대의 도래를 무시하고 그의 작품이 끝날 때까지 북부 매너 니스트 (Mananaist) 양식을 그리기 시작했다. 그의 주제에는 Pieter Aertsen의 방식으로 정물이 남아있는 큰 장면과 신화 적 장면, 구리로 아름답게 장식 된 많은 작은 캐비닛 그림 및 대부분 누드를 특징으로하는 장면이 포함되었습니다.

주세페 아르 킴 볼도
Giuseppe Arcimboldo (철자가있는 Arcimboldi)는 정물화로 인위적인 초상화로 유명합니다.

매너 니스트 아키텍처
매너 니스트 아키텍처는 시각적 인 속임수와 예기치 않은 요소로 르네상스 규범에 도전했습니다. 플랑드르 예술가 중 상당수는 이탈리아로 이주하여 매너 니즘 개발에 영향을 받았으며 건축의 영역을 포함하여 매너 니즘 경향이 알프스 북쪽 유럽으로 퍼져 나갔다. 이 기간 동안 건축가는 견고하고 공간적인 관계를 강조하기 위해 건축 양식을 사용하여 실험했습니다. 르네상스의 조화의 이상은 더 자유롭고 상상력이 풍부한 리듬으로 나아갔습니다. 매너리즘 스타일과 관련된 가장 잘 알려진 건축가이자 Laurentian Library의 선구자 인 Michelangelo (1475-1564)가 그랬습니다. 그는 거대한 질서를 창안 한 것으로 인정 받았다. 거대한 질서는 파사드의 바닥에서 꼭대기까지 뻗어있다. 그는 이것을 로마의 캄 피돌 리오 디자인에 사용했습니다.

20 세기 이전의 매너리즘이라는 용어는 부정적 의미를 지녔지 만, 이제는 역사적시기를 좀 더 일반적인 비판적 용어로 묘사하는 데 사용됩니다. 매너 니스트 건축은 또한 현대인 건축의 규범을 깨는 동시에 그들의 존재를 인정하는 1960 년대와 1970 년대의 추세를 묘사하기 위해 사용되어왔다. 건축가이자 작가 인 Robert Venturi는 “현대 표현보다는 전통적인 질서를 인정하지만 복잡성과 모순을 수용하기 위해 기존 질서를 깨뜨리고 모호성을 모호하게한다”는 시간을 건축의 매너리즘으로 묘사했다.

르네상스 예제
감각적 인 건축술의 예는 Caprarola의 Villa Farnese입니다. 로마 외곽의 울퉁불퉁 한 나라에서. 16 세기의 조각사들의 확산은 이전 스타일보다 매너 니스트 스타일을 더 빠르게 확산 시켰습니다.

“Roman”디테일의 장식으로 치밀 해지며, Colditz Castle의 전시 출입구는이 북부 스타일을 잘 보여줍니다. 독특한 북적 벽과는 대조적으로 고립 된 “세트 피스”로 특징적으로 적용됩니다.

1560 년대 후반부터 몰타의 새로운 수도 인 발레타 (Valletta)의 많은 건물은 건축가 인기로 라모 카사르 (Girolamo Cassar)가 매너 니스트 스타일로 디자인했습니다. 이러한 건물에는 세인트 존스 대성당 (St. John ‘s Co-Cathedral), 그랜드 마스터의 궁전 (Grandmaster ‘s Palace) 및 7 개의 오리지날 건축물이 있습니다. 카사르의 건물 중 많은 부분이 수년간 수정되었으며, 특히 바로크 시대에 수정되었습니다. 그러나 Auberge d’ Aragon과 St. John ‘s Co-Cathedral 외장과 같은 몇 개의 건물은 여전히 ​​Cassar의 원래 매너 니스트 디자인을 유지합니다.

문학과 음악의 매너리즘
영문학에서 매너리즘은 일반적으로 가장 유명한 존 돈 (John Donne)의 “형이상학 적”시인들의 자질과 동일시된다. 바로크 작가 인 존 드라이든 (John Dryden)의 재치있는 샐리 (sally)는 이전 세대의 돈 (Donne) 구절과 대조적으로 예술 분야의 바로크와 매너 니스트 (Mannerist)의 목표를 간결하게 대조합니다.

그는 형이상학에 영향을 미친다. 그의 풍자 에서뿐만 아니라 자연 만이 통치해야하는 그의 사랑의 구절에 영향을 미친다. 그가 마음을 열고 사랑의 부드러움으로 그들을 즐겁게해야 할 때 철학에 대한 좋은 추측을 통해 공정한 섹스의 마음을 혼란에 빠뜨립니다 .15 (이탤릭체가 추가됨)

16 세기 후반과 17 세기 초반의 풍부한 음악적 가능성은 마드리갈에 대한 매력적인 근거를 제공했으며, 마드리갈은 Tim Carter가 논의한 것처럼 이탈리아 음악 문화에서 탁월한 음악적 형태로 빠르게 부상했습니다.

특히 귀족적인 모습의 마드리갈은 시인과 음악가가 재치있는 자만심과 시각적, 언어 적, 음악적 트릭을 통해 감정가를 기쁘게하는 매너리즘의 ‘세련된 스타일’을위한 수단이었습니다.

매너리즘 (Mannerism)이라는 단어는 14 세기 후반 프랑스에서 제작 된 매우 다정하고 복잡한 다성 음악의 스타일을 묘사하는데도 사용되었습니다. 이 기간은 보통 ars subtilior라고합니다.

매너리즘과 연극
초기 Commedia dell’Arte (1550-1621) : Paul Castagno의 매너리즘 컨텍스트가 현대의 전문 극장에 대한 매너리즘의 효과에 대해 논의합니다. Castagno ‘s는 매너리즘과 maniera의 어휘를 사용하여 만화 영화의 유형화, 과장된 표현, 효과를 논의하기위한 매너 니스트로서의 연극 형식을 정의한 최초의 연구였습니다. Commedia dell’arte의 매너 니스트 특성에 대한 자세한 내용은 위의 책의 제 2 부를 참조하십시오. 그 연구는 크게 도상 적이며, commedia 이미지를 그렸거나 프린트 한 많은 예술가들이 사실 maniera 전통에 깊게 자리 잡은 오늘날의 워크샵에서 나온 것이라는 그림의 증거를 제시합니다.

자크 칼로 (Jacques Callot)의 분필 조각에 대한 열정은 훨씬 더 큰 규모의 행동을 믿는 것처럼 보입니다. Callot의 Balli di Sfessania (문자 그대로, 엉덩이의 춤)는 코미디의 뻔뻔스러운 에로티시즘을 기념하고 있습니다. 돌출 된 phalli, 희극 연을 기대하는 창, 그리고 인간과 수염을 섞은 과장된 과장된 가면. Fontainebleau의 두 번째 학교, 특히 프랑코 – 플랑드르 영향을 감지 한 회화와 조각에서 유방 변방이나 과도한 베일 링을 포함한 악몽 (연인)의 에로티시즘이 유행했습니다. Castagno는 장르 그림과 Commedia dell’arte의 인물 사이의 상징적 인 연관성을 보여 주며,이 연극 형식이 늦은 cinquentento의 문화적 전통에 어떻게 삽입되었는지를 보여줍니다.

Commedia dell’arte, disegno interno 및 discordia concors
중요한 추론은 디 매그노 인터내셔널 사이에 존재하며, 매너 피스트 페인팅에서 disegno esterno (외부 디자인)를 대신합니다. 깊이있는 주관적 견해를 대체 성질이나 확립 된 원칙 (예를 들어, 관점)으로 투영하는이 개념은 본질적으로 대상에서 주제로의 강조이며, 현재 실행, 강조 표시, 독특한 기술 등을 강조합니다. 이 내적 비전은 코메디 공연의 핵심입니다. 예를 들어, 즉흥적 인 순간에 배우는 형식적인 경계, 예의, 단결, 또는 텍스트에주의하지 않고 자신의 기교를 표현합니다. Arlecchino는 마스코트 discordia concors (반대의 조합)의 상징이되었고, 한순간에 그는 온화하고 친절 해졌다. 그리고 나서 한푼도 그의 폭력배와 격렬하게 행동하는 도둑이된다. Arlecchino는 그의 발에 서투르게 여행에, 다음 구타에서 운동에서 우아 할, 수 있었다. 외부 규칙에서 해방 된 배우는 순간의 소멸을 축하했습니다. Cellini는 조명 효과와 놀라운 감각으로 자신의 조각품을 입어서 후원자들을 현혹시킬 것입니다. 객체의 표현은 객체 자체만큼이나 중요 해졌다.

네오 – 만 나이 니즘
예술 평론가 인 제리 살츠 (Jerry Saltz)에 따르면 “신 매너리즘”(새로운 매너리즘)은 “예술 세계에서 생명을 쥐어 짜내는”여러 가지 진부한 표현들 중 하나입니다. 네오 – 만네 니즘은 21 세기의 예술을 묘사합니다.이 예술은 학문 교사들이 “즐겁게 온순하고 모방 적이며 평범한 존재가되는 것을 두려워하는”학생들에 의해 밝혀졌습니다.