矫饰主义

矫饰主义(Mannerism),也被称为晚期复兴,是欧洲艺术的一种风格,在1520年左右的意大利文艺复兴晚期出现,持续到16世纪末在意大利的时候,巴洛克风格开始取代它。 北方的矫饰主义延续到17世纪初。

在文艺复兴时期与巴洛克风格之间的欧洲艺术风格阶段的名称,涵盖从1510年至2020年至1600年期间它有时也被称为晚期文艺复兴时期,从高文艺复兴时期的古典主义已经很明显在达芬奇和拉斐尔的晚期作品以及创作生涯中的米开朗基罗的艺术中虽然16世纪的艺术家以高文艺复兴时期的正式词汇作为出发点,但他们使用的方式是与其原先服务的和谐理想截然相反因此,有理由认为矫饰主义是一种有效和自主的风格阶段,这是20世纪早期艺术史学家首次声明的一种状态。该术语也适用于绘画风格,由稍早于安特卫普工作的艺术家在1500至1530年间进行绘画

在风格上,矫饰主义包含了各种方法,这些方法受到与达芬奇,拉斐尔和早期米开朗基罗等艺术家相关的和谐理想的影响和反应。 高文艺复兴时期的艺术强调比例,平衡和理想之美,矫饰主义夸大这种特质,往往导致不对称或不自然的优雅组合。 这种风格以其智力成熟和人造(而不是自然主义)特质而着称。 它有利于构图上的紧张和不稳定,而不是文艺复兴早期绘画的平衡和清晰。 文学和音乐的矫饰主义以其高度华丽的风格和智慧成熟而闻名。

矫饰主义的定义及其中的阶段仍然是艺术史学家争论的话题。 例如,一些学者将该标签应用于16世纪和17世纪的某些早期现代文学形式(特别是诗歌)和音乐。 这个术语也被用来指从约1500年至1530年间在北欧工作的一些晚期哥特式画家,特别是安特卫普风格派艺术家 – 一个与意大利运动无关的团体。 矫饰主义也被类比地应用于拉丁文学的白银时代。

命名法
mannerism这个词来源于意大利maniera,意思是“风格”或“风格”。 就像英文单词“风格”一样,maniera可以指示特定类型的风格(美丽风格,磨砂风格),也可以指示绝对不需要限定(某人“有风格”)。 在他的第二版“最优秀的画家,雕塑家和建筑师的生活”(1568)中,乔治瓦萨里在三种不同的语境中使用maniera:讨论艺术家的工作方式或工作方法; 描述个人或团体的风格,如术语maniera greca指拜占庭风格或简单指米开朗基罗的maniera; 并肯定对艺术品质的正面评价。 瓦萨里也是风格主义艺术家,他描述了他作为“现代风格”或“现代风格”工作的时期。 詹姆斯·V·米罗洛描述了“贝拉马尼埃拉”诗人如何试图超越彼特拉克的十四行诗中的精湛技艺。 “贝拉马尼拉”这个概念表明,受到启发的艺术家们希望复制和改进前辈,而不是直接面对自然。 实质上,“bella maniera”利用了许多原始资料中最好的,将其合成为新的东西。

作为一种文体标签,“矫饰”并不容易定义。 它被瑞士历史学家Jacob Burckhardt使用,并在20世纪初期被德国艺术史家推广,将意大利16世纪看似不可分类的艺术 – 不再被认为展现出与高文艺复兴时期相关的和谐理性方法的艺术分类。 “高文艺复兴”是一个以和谐,宏伟和古典复兴为特征的时期。 1965年,由约翰·谢尔曼在曼彻斯特市美术馆举办的弗里茨·格罗斯曼组织的绘画风格展览之后,“风格主义者”一词于1967年重新定义。“风格主义”这个标签在16世纪被用于评论社会行为并传达一个精致的艺术家质量或表示某种技术。 然而,对于后来的作家,比如17世纪的Gian Pietro Bellori,“la maniera”是对拉斐尔之后艺术感觉衰退的贬义,尤其是在1530和1540年代。 从19世纪后期开始,艺术史学家通常使用这个词来描述文艺复兴时期的古典主义之后,在巴洛克风格之前的艺术。

然而,历史学家们是否是一种风格,一种运动或一段时期,是不同的; 虽然这个词仍然存在争议,但仍然常用于识别16世纪的欧洲艺术和文化。

起源与发展
在高文艺复兴时期结束时,年轻艺术家经历了一场危机:似乎所有可以实现的事情都已经实现。 没有更多的困难,技术或其他方面,仍有待解决。 详细的解剖学知识,光线,相貌以及人类在表情和姿势中记录情感的方式,创造性地使用形象构图中的人形,使用微妙的色调渐变,都达到了近乎完美。 年轻艺术家需要找到一个新的目标,并寻求新的方法。 此时,矫饰主义开始出现。 在佛罗伦萨或罗马,或两个城市同时开发1510至1520年的新风格。

起源和榜样
这个时期被形容为安德烈亚德尔萨托,米开朗基罗和拉斐尔艺术的“自然延伸”。 米开朗基罗从小就开始了自己的风格,这是一种非常原始的风格,最初非常受人敬仰,然后经常被这个时代的其他艺术家复制和模仿。 其同时代人最欣赏的品质之一是他的terribilità,一种令人敬畏的宏伟感,后来的艺术家试图模仿它。 其他艺术家通过复制主人的作品,学生学会绘画和雕刻的标准方式,学习了米开朗基罗慷慨激昂,高度个人化的风格。 他的西斯廷教堂天花板为他们提供了一些例子,特别是他对被收集的数字(通常称为ignudi和利比亚Sibyl),他对Laurentian图书馆的门厅,他的美第奇墓地的数字,以及最重要的判断。 后来的米开朗基罗是矫饰主义的伟大榜样之一。 年轻的艺术家闯入他的房子,偷走了他的画作。 乔治瓦萨里在他的着作“最着名画家,雕塑家和建筑师的生活”中指出,米开朗基罗曾经说过:“追随者是永远不会被他们追随的人传递的”。

竞争精神
鼓励赞助艺术家的赞助人培养了竞争精神,强调高超的技巧,并相互竞争以获得佣金。 它驱使艺术家寻找新的方法,戏剧化的场景,精致的服装和作品,细长的比例,高度风格化的姿势,以及缺乏清晰的视角。 列奥纳多达芬奇和米开朗基罗分别由Gonfaloniere Piero Soderini授予在佛罗伦萨五百大厅装饰墙壁的委托。 这两位艺术家被设置为并排绘画并相互竞争,激发了尽可能创新的动力。

早期的习俗
佛罗伦萨的早期风格主义者 – 特别是安德烈亚德尔萨托的学生,如雅格布达蓬托尔莫和罗索菲奥伦蒂诺,他们以拉长形式,摇摆不定的姿势,倒塌的视角,非理性的环境和剧场照明着称。 Parmigianino(Correggio的学生)和Giulio Romano(Raphael的头部助理)在罗马以类似的风格化审美方向前进。 这些艺术家在高文艺复兴时期的影响下已经成熟,他们的风格被认为是对它的反应或夸大的延伸。 年轻艺术家不是直接研究自然,而是开始研究希腊主义雕塑和过去主人的绘画。 因此,这种风格通常被认为是“反古典”的,但当时它被认为是高文艺复兴时期的自然发展过程。以“反古典”形式而闻名的最早的矫饰主义实验阶段持续到大约1540年或1550年。天普大学艺术史教授马西亚B.霍尔在她的书“拉斐尔之后”中指出,拉斐尔过早的死亡标志着罗马矫饰主义的开始。

在过去的分析中,人们已经注意到,在16世纪初,与其他一些社会,科学,宗教和政治运动,如哥白尼模式,罗马麻袋以及新教改革对权力的日益挑战同时发生了一些习惯做法的天主教会。 正因为如此,这种风格的拉长形式和扭曲形式曾被解释为对高文艺复兴时期艺术中流行的理想化作品的反应。 这种对激进文体转变的解释c。 虽然早期的风格主义艺术仍然与高级文艺复兴时期的风格形成鲜明对比,但1520年已经不再受到学者的青睐。 拉斐尔雅典学派取得的可及性和平衡性似乎不再让年轻艺术家感兴趣。

高maniera
矫饰的第二个时期通常与早期的所谓“反古典”阶段不同。 随后的风格主义者强调知识观念和艺术精湛技艺,这些特征导致后来的评论家们指责他们以非自然和受影响的“方式”(maniera)工作。 Maniera艺术家将他们的当代米开朗基罗当作他们的主要模特; 他们是一种模仿艺术的艺术,而不是模仿艺术的艺术。 艺术史学家悉尼Joseph Freedberg认为,maniera艺术的智能化方面包括期待观众注意并欣赏这种视觉参考 – 一种在“不可见的,但是感觉到的引号”之间包含的陌生环境中的熟悉人物。 技巧的高度是Maniera画家故意挪用报价的嗜好。 Agnolo Bronzino和Giorgio Vasari举例说明了这种从约1530年到1580年的Maniera品牌。主要基于欧洲各地的法院和知识界,Maniera艺术将夸张的优雅与对表面和细节的精致关注结合在一起:瓷器人物以平坦,锻炼的光线,如果他们眼神交流的话,用冷静的眼神承认观众。 Maniera的主题很少表现出太多的情感,因此作为这种趋势的例证常常被称为“冷”或“超然”。 这是所谓“时尚风格”或Maniera成熟时的典型特征。

习惯的传播
罗马,佛罗伦萨和曼图亚都是意大利的风格主义中心。 威尼斯绘画追求了不同的道路,以提香为代表的漫长职业生涯。 1527年代在罗马工作的一些最早的风格派艺术家艺术家在1527年罗马麻袋之后逃离了这座城市。当他们遍布整个大陆寻找工作时,他们的风格在意大利和北欧各地传播。 结果是自哥特式以来的第一个国际艺术风格。 北欧的其他地区没有与意大利艺术家直接接触的优势,但风格主义风格通过印刷和插图书籍感受到。 欧洲统治者等购买了意大利作品,而北欧艺术家继续前往意大利,帮助传播风格主义风格。 在北方工作的个别意大利艺术家诞生了一种被称为北方矫饰主义的运动。 例如,法国的弗朗西斯一世获得Bronzino的金星,丘比特,愚蠢和时间。 随着新一代艺术家,包括卡拉奇兄弟,卡拉瓦乔和Cigoli,恢复了自然主义,1580年以后,意大利风格在意大利逐渐消失。 沃尔特·弗里德兰德认为这个时期是“反手淫”,就像早期的风格主义者在对高文艺复兴时期审美价值的反应中是“反古典”一样。

然而,在意大利之外,矫饰主义延续到了17世纪。 在法国,Rosso为枫丹白露宫廷工作,被称为“亨利二世风格”,并对建筑产生了特别的影响。 北方矫饰主义的其他重要大陆中心包括布拉格的鲁道夫二世宫廷以及哈勒姆和安特卫普。 作为风格类别的矫饰主义不太常用于英语视觉和装饰艺术,其中原生标签如“伊丽莎白”和“詹姆士”更常用。 17世纪的工匠矫饰是一个例外,适用于依赖模式书而不是欧洲大陆现有先例的建筑。

特别值得注意的是法兰德斯在枫丹白露的影响力,将法国风格的色情与早期版本的vanitas传统相结合,这种传统将主宰17世纪的荷兰和佛兰德绘画。 此时普遍存在的是“pittore vago”,这是对来自北部的画家的描述,他们进入法国和意大利的工作室以创造真正的国际风格。

雕塑
就像在绘画中一样,意大利早期的风格主义雕塑在很大程度上是试图找到一种原创风格,这种风格将成为高级文艺复兴的成就,雕塑的本质意味着米开朗基罗,并且大部分实现这一目标的努力都是通过委托来填补在米开朗基罗的大卫旁边的佛罗伦萨的Piazza della Signoria广场的其他地方。 Baccio Bandinelli自己从主人那里接管了Hercules和Cacus的项目,但它比现在更受欢迎,并被Benvenuto Cellini恶意比作“一袋瓜”,虽然它有一个长期的影响显然在雕像的底座上引入了救济板。 就像他和其他风格主义者的其他作品一样,它比米开朗基罗所做的更多地去除了原始的块。 切利尼的青铜珀尔修斯与美杜莎的头像无疑是一个杰作,设计有八个视角,另一个风格主义特征,并与米开朗基罗和多纳泰罗的戴维斯相比,人为地风格化。 他最初是一名金匠,他着名的金珐琅盐酒窖(1543年)是他的第一个雕塑,并展示了他的才华。

收藏家橱柜的小青铜雕像,通常是带有裸体的神话主题,是一种受欢迎的文艺复兴形式,在这种形式下,Giambologna最初是佛兰德人,但总部设在佛罗伦萨,在本世纪后半叶出类拔萃。 他还创作了真人大小的雕塑,其中两个进入了Piazza della Signoria广场的收藏。 他和他的追随者们制作了优雅的长长的例子,通常是两个交织在一起的人形图案,从各个角度都很有趣。

早期理论家
乔治瓦萨里
乔治瓦萨里关于绘画艺术的观点出现在他为多位艺术家所创作的多卷艺术家的作品中所表现出来的赞誉:他相信绘画上的卓越需要通过艺术技巧(maniera)表现出的精致,发明的丰富性(invenzione) ,以及在完成作品中出现的机智和学习,所有标准都强调了艺术家的智慧和赞助人的敏感性。 艺术家现在不再是当地的圣卢克协会的训练有素的成员。 现在,他在一个气氛中与学者,诗人和人文主义者一起在法庭上接受了他的位置,这种气氛促进了对优雅和复杂性的欣赏。 Vasari Medici老主顾的徽章出现在他肖像的顶部,就好像它是艺术家自己的。 瓦萨里的“艺术家的生活”的木刻图像将在讲英语的环境中被称为“詹姆森”。 其中,米开朗基罗的美第奇古墓激发了顶部的反建筑“建筑”特征,纸质穿孔框架和底座上的色狼裸体。 作为一个单纯的框架,它是奢侈的:简而言之,风格主义者。

Gian Paolo Lomazzo
另一位来自该时期的文学人物是吉安保罗洛马佐,他制作了两部作品 – 一部实用版和一部形而上学 – 帮助确定了风格主义艺术家与其艺术的自我意识关系。 他的Trattato dell’arte della pittura,scoltura et architettura(米兰,1584年)部分是对当代礼仪概念的指导,文艺复兴部分来自古代,但是Mannerism详细阐述了这一概念。 洛马佐对美学的系统性编纂,典型的16世纪后期典型和学术方法的典型代表,强调了内部功能与各种绘画和雕刻装饰之间的协调一致。 在风格主义风格中,影像常常令人费解和深奥,是一个更为突出的元素。 他不那么实际和更形而上学的理念del tempio della pittura(理想的绘画寺庙,米兰,1590年)提供了一种描述人性和人格的“四性”理论,界定了个性在判断和艺术中的作用发明。

一些风格主义艺术家

Jacopo da Pontormo
Jacopo da Pontormo在埃及的约瑟夫特征将在文艺复兴时期被认为是不协调的颜色和时间和空间的不连贯的处理。

罗索菲奥伦蒂诺和枫丹白露学校
Rosso Fiorentino于1530年曾在Andrea del Sarto工作室担任Pontormo的同学,他将佛罗伦萨的习惯主义风格带到了枫丹白露,在那里他成为法国16世纪Mannerism的创始人之一,被普遍称为“枫丹白露学校” 。

枫丹白露丰富而繁忙的装饰风格的例子进一步通过雕刻,安特卫普以及整个北欧从伦敦到波兰传播意大利风格。 风格主义者的设计延伸到银饰和雕刻家具等奢侈品。 用精巧的象征主义和寓言来表达紧张的,受控的情感,以细长的比例为特征的女性美的理想是这种风格的特征。

Agnolo Bronzino
Agnolo Bronzino的风格肖像以平静的高雅和对细节的细致注意为特色。 因此,据说Bronzino的保姆会向观众投射出一种超然和显着的情感距离。 精湛的图案和丰富的纺织品也体现出精湛的技艺。

Alessandro Allori
亚历山德罗·阿洛里的(1535-1607)苏珊娜和长老(下文)以潜在的色情和有意识的辉煌的静物细节为特色,在一个拥挤而扭曲的构图中。

丁托列托
丁托列托的最后的晚餐(下)侧重于光线和运动,将图像带入戏剧化的生活。 与最后晚餐的更传统观点不同,丁托列托描绘了天堂进入房间,天使们敬畏地看着,与古老的天主教格言一致:“如果天使能够嫉妒,他们会羡慕圣体圣事。”

埃尔格列柯
埃尔格列柯试图用夸张的特质表达宗教情感。 在对文艺复兴古典主义文艺复兴时期人类形态的现实描绘和视角的掌握之后,一些艺术家开始故意扭曲比例,在情感和艺术效果的不连贯,非理性的空间中。 埃尔格列柯依然是一位深深的原创艺术家。 埃尔格列柯的特点是现代学者是一位艺术家,因此他属于非传统学派。 厄尔尼诺格列柯的矫饰主义的关键方面包括刺激的“酸”调色板,拉长和酷刑的解剖学,非理性的角度和光线,以及模糊和令人不安的图像。

Benvenuto Cellini
Benvenuto Cellini于1540年创建了Cellini盐金酒窖,其中包括Poseidon和Amphitrite(水和土),放置在不舒服的位置并且比例较长。 它被认为是风格主义雕塑的杰作。

约阿希姆Wtewael
约阿希姆Wtewael(1566年至1638年)继续绘画北方风格主义风格,直到他的生命结束,忽略巴洛克的到来,并使他也许是最后一个重要的风格主义艺术家仍然工作。 他的主题包括以Pieter Aertsen的方式展现静物的大型场景,以及神话般的场景,许多铜制的小型内阁绘画作品,以及大多数裸露的裸体作品。

Giuseppe Arcimboldo
Giuseppe Arcimboldo(也被称为Arcimboldi)以他的静物构图而闻名

风格主义建筑
风格主义建筑的特点是视觉欺骗和意想不到的元素挑战文艺复兴时期的规范。 佛兰德艺术家,其中许多人曾前往意大利并受到那里的风格主义者的发展影响,负责风格派风格在阿尔卑斯山以北的欧洲蔓延,包括进入建筑领域。 在此期间,建筑师尝试使用建筑形式强调固体和空间关系。 文艺复兴时期的和谐理想让位于更自由和更有想象力的节奏。 最着名的与风格主义风格相关的建筑师,以及Laurentian图书馆的先驱,是米开朗基罗(Michelangelo,1475-1564)。 他相信发明了一个巨大的秩序,一个从底部延伸到顶部的大型壁柱。 他在罗马的Campidoglio设计中使用了这个功能。

在20世纪之前,“矫饰”一词具有负面含义,但它现在用来用更一般的非判断性术语来描述历史时期。 风格主义建筑也被用来描述20世纪六七十年代的一种趋势,它涉及打破现代主义建筑的规范,同时认识到它们的存在。 在这种背景下,建筑师和作家罗伯特文丘里(Robert Venturi)写道:“我们这个时代的建筑学的风格主义承认传统的秩序而不是原始的表达,但是打破了传统的秩序以适应复杂性和矛盾,从而明确地模糊了歧义。

文艺复兴时期的例子
卡特拉罗拉的Villa Farnese就是一个温和主义建筑的例子。 在罗马郊外崎岖的乡村。 雕刻家在16世纪的扩散比以往的任何风格都更快地传播了风格主义风格。

浓浓的“罗马”细节装饰,在科尔迪茨城堡的展示门口体现了这种北方风格,其特点是作为一个独立的“集合作品”应用于朴实的乡土墙壁。

从19世纪60年代末开始,新的首都马耳他瓦莱塔的许多建筑由建筑师吉罗拉莫卡萨尔以风格主义风格设计。 这些建筑物包括圣约翰联合大教堂,大师宫殿和七个原始的大教堂。 多年来Cassar的许多建筑都进行了修改,特别是在巴洛克时期。 然而,Auberge d’Aragon和圣约翰联合大教堂外部的一些建筑仍然保留了Cassar原有的Mannerist设计大部分。

文学和音乐的矫饰
在英国文学中,矫饰主义通常被认为是最着名的约翰多恩的“形而上学”诗人的素质。 一位巴洛克式作家约翰德莱顿的机智的萨莉反对上一代的多恩的诗节,对巴洛克和艺术家的艺术目标提供了一个简明的对比:

他影响形而上学,不仅在他的讽刺中,而且在他的多情诗歌中,大自然只应该统治; 当他应该用心去爱他们的心灵并用爱的柔和来招待他们时,他就会对公平的性行为的思想和对哲学的很好的猜测感到困惑。:15(斜体加上)

在16世纪末和17世纪初的诗歌中,丰富的音乐可能性为作为意大利音乐文化中卓越的音乐形式而迅速崛起的牧歌提供了有吸引力的基础,正如Tim Carter所讨论的:

牧歌,尤其是贵族式的装饰,显然是“时尚风格”的矫饰手法的载体,诗人和音乐家都喜欢诙谐的想法和其他视觉,口头和音乐手段来欣赏鉴赏家。

Mannerism这个词也被用来描述14世纪末在法国制作的高度华丽和对比复杂的复调音乐的风格。 现在这个时期通常被称为ars subtilior。

矫饰和戏剧
The Early Commedia dell’Arte(1550-1621):保罗·卡斯塔尼诺的风格主义背景论述了矫饰派对当代专业剧场的影响。 Castagno’s是第一个将戏剧形式定义为“风格主义者”的研究,运用Mannerism和maniera的词汇来讨论戏剧形式的典型化,夸张和效果。 参见上面的第二部分,全面讨论commedia dell’arte中的风格特征。 这项研究主要是图像,提供了一个图像证据,许多绘制或印刷联合图像的艺术家实际上来自当时的工作坊,深受maniera传统的影响。

Jacques Callot的雕刻作品中的慷慨感似乎意味着更大的行动规模。 Callot的Balli di Sfessania(从字面上看,臀部舞蹈)庆祝commedia公然的色情主义,突出的phalli,带有预期漫画令人惊叹的长矛,以及混合兽人和人类的严重夸张的面具。 来自枫丹白露第二学校的绘画和版画,尤其是那些发现弗兰克 – 弗兰德语影响的绘画和版画,包括乳房的bar,或过度的蒙面在内的innamorate(情人)的色情是颇为流行的。 Castagno演示了流派绘画和commedia dell’arte的人物之间的图像关联,展示了这种戏剧形式如何嵌入晚期cinquecento的文化传统中。

Commedia dell’arte,disegno interno,和discordia concors
重要的推论存在于意象内部之间,在风格主义绘画中取代了意象内部(外部设计)。 这种将主观看法视为取代自然或既定原则(例如透视)的概念,实质上是强调从客体到主体的重点,现在强调执行,展示精湛技艺或独特技术。 这种内在愿景是commedia性能的核心。 例如,在即兴即兴时刻,演员表达自己的才华,不理会正式的边界,礼仪,团结或文字。 阿莱基诺成为了风度翩翩的矛盾统一体(对立统一体)的象征,一度他会温和善良,然后一毛钱变成一个暴力的小偷,用他的殴打。 阿莱基诺可能会在运动中变得优雅,只有在下一个节拍时,才会笨拙地绊倒他的脚。 从外部规则中解脱出来,演员庆祝了瞬间的消逝; 许多Cellini通过装饰他的雕塑来炫耀他的赞助人的方式,以光线效果和奇妙感来揭示他们。 物体的呈现与物体本身一样重要。

新矫饰
根据艺术评论家杰里·萨尔兹的说法,“新人类主义”(新的矫饰主义)是“挤压艺术世界的生活”的几个陈词滥调之一。 新讽刺主义描述了21世纪的艺术,这些艺术家的学术教师“已经把他们吓到了温顺,模仿和普通”。