マンネリズム

後期ルネサンスとも呼ばれるマナーニズムは、1520年頃のイタリアの高ルネッサンスの後期に現れ、16世紀の終わりまでバロック様式のイタリアに置き換えられたイタリアのスタイルである。 北部マニアニズムは17世紀初めまで続いた。

高ルネサンス時代とバロック時代のヨーロッパの芸術における文学的フェーズに与えられた名前。1510年から1600年の時代を網羅しています。後期ルネサンス時代とも呼ばれ、ルネッサンス時代の古典主義から遠ざかっています。レオナルド・ダ・ヴィンチとラファエルの後期作品とミケランジェロの芸術の中で、創造的なキャリアの中で16世紀の芸術家たちは、ルネッサンス時代の正式な語彙を出発点として取り上げましたが、それは最初に提供された調和のとれた理想に正反対であったマナーニズムを有効かつ自律的な文体段階として考慮するための良い根拠は、20世紀初頭の美術史家によって最初に主張された地位である。アントワープで働く芸術家たちが、1500年代から1530年代にかけてやや早い時期に描かれた絵画

スタイリスティックに、マニアニズムは、レオナルド・ダ・ヴィンチ、ラファエル、ミケランジェロなどのアーティストに関連した調和のとれた理想に影響を受け、それに反応するさまざまなアプローチを取り入れています。 高ルネサンスの芸術が比例、バランス、理想的な美しさを重視する場合、マナーニズムはそのような誇張を誇張し、しばしば非対称または不自然にエレガントな構成を生み出します。 このスタイルは、その知的な洗練とその人工的(自然主義的ではない)の特質のために注目に値する。 初期のルネッサンス絵画のバランスとはっきりしたものではなく、構図の張りと不安定さを好む。 文学や音楽のマンネリズムは、その非常に美しいスタイルと知的な洗練さから注目されています。

マンネリズムとその中の段階の定義は、引き続き美術史家の間で議論の対象となっている。 例えば、いくつかの学者は、ある種の初期の現代的な文学(特に詩)と16世紀と17世紀の音楽にこのラベルを適用している。 この用語は、約1500年から1530年にかけて北ヨーロッパで活動していた後期ゴシック様式の画家、特にアントワープのマンネリストたち(イタリアの動きとは無関係のグループ)を指すのにも使用されています。 マンネリズムはラテン文学のシルバー・エイジに類推されています。

命名法
マラニ語という言葉は、イタリア語のマニエーラに由来し、「スタイル」や「マナー」を意味します。 英語の「スタイル」のように、マニエラは特定のタイプのスタイル(美しいスタイル、研磨スタイル)を指定することも、資格を必要としない絶対的なもの(誰かが「スタイルを持つ」)を指定することもできます。 ジョルジョ・ヴァザーリは、最も優れた画家、彫刻家、建築家(1568)の生涯の第2版で、次の3つの状況でマニエーラを使用しました。 ビザンチン様式を指す言葉であるマニエラ・グレカ(Maniera greca)、または単にミケランジェロのマニエラ(Maniera)への個人的な、またはグループスタイルを記述する。 芸術的な質の肯定的な判断を肯定する。 ヴァーサリはまたマニアニストの芸術家でもあり、彼が “ラ・マニラ・モダラ”または “モダン・スタイル”として働いていた時期を記述しました。 James V. Mirolloは、「ベラ・マニエラ」の詩人がペトラのソネットをどのように巧みに超えようとしたかについて説明しています。 このような「ベラ・マニエラ」という概念は、このようにインスピレーションを受けたアーティストは、自然と直接対峙するのではなく、前任者をコピーし改善することを望んでいたことを示唆しています。 本質的に、「bella maniera」は、いくつかのソース資料から最高のものを利用して、新しいものに統合しました。

文体的なラベルとして、「マナーニズム」は容易に定義されない。 それはスイスの歴史家Jacob Burckhardtによって使用され、20世紀初めにドイツの美術史家によってポピュラーなものになっていました。これは、もはやルネッサンス時代のルネサンスに関連した調和の取れた合理的なアプローチを示さないイタリアの16世紀のアートです。 「ルネサンス高」は、ハーモニー、壮大さと古典古代の復活によって特徴付けられる期間を意味しています。 マナー主義者という言葉は、1965年マンチェスター・シティ・アート・ギャラリーでフリッツ・グロスマンが主催したマナー・イラストの展覧会に続いて、ジョン・シャーマンによって1967年に再定義されました。「マンネリズム」というラベルは、社会的行動についてのコメントや洗練された巨人ある種の技法を意味するものである。 しかし、17世紀のジャン・ピエトロ・ベッロリのような後の作家にとっては、「ラ・マニエラ」は、ラファエルの後、特に1530年代と1540年代に芸術が衰退したことに対する敬遠的な言葉でした。 19世紀後半から、美術史家は、ルネッサンスの古典主義に沿い、バロックに先行する芸術を表現するためにこの用語をよく使用してきました。

しかし、歴史家は、マンネリズムがスタイル、動き、または期間であるかどうかについて異なる。 この用語は議論の余地があるものの、依然として16世紀のヨーロッパの芸術と文化を特定するために使用されています。

起源と発展
ルネッサンス時代の終わりに、若いアーティスト達は危機を経験しました。達成できるものはすべてすでに達成されたようでした。 技術的またはその他の困難は解決されませんでした。 解剖学、光、人体学、そして人間が表現や身振りで感情を登録する方法、比喩的な構成における人間の形態の革新的な使用法、微妙な階調の使用など、すべてがほぼ完璧に達しました。 若手アーティストは新しい目標を見つける必要があり、新しいアプローチを模索しました。 この時点でマンネリズムが現れ始めました。 新しいスタイルは、フィレンツェ、ローマ、または両方の都市で同時に1510年から1520年にかけて開発されました。

起源と役割のモデル
この時期は、アンドレア・デル・サルト、ミケランジェロ、ラファエロの芸術の「自然な延長」と言われています。 ミケランジェロは、幼い頃に自分のスタイルを開発しました。最初は非常に賞賛され、時には時代の他の芸術家によってコピーされ模倣された深みのあるものでした。 彼の時代に最も賞賛された資質の1つは、畏敬の念を抱く壮大な感覚であり、後続の芸術家はそれを真似しようとした。 他の芸術家たちは、ミケランジェロの魅力的で個性的なスタイルを、マスターの作品をコピーすることによって学びました。これは、学生が塗装と彫刻を学んだ標準的な方法です。 彼のシスティーナ礼拝堂の天井には、特にignudi、リビアシビル、Laurentian図書館の玄関、メディチ墓の人物、そして最後の最後の裁判などの収集された人物の表現があります。 後のミケランジェロはマンネリズムの偉大な役割モデルの1つでした。 若い芸術家は彼の家に侵入し、彼から絵を盗んだ。 ジョルジョ・ヴァザーリは、最も著名な画家、彫刻家、建築家の生きた本の中で、ミケランジェロは「追随者は決して誰に追随することはできない」と述べました。

競争の精神
競争の精神は、後援された芸術家に芸術的技術を強調し、互いにコミッションを競うことを奨励した後援者によって育成された。 それはアーティストに新しいアプローチや劇的な光景を求めたり、服や構図を細かくしたり、細長い比率をつけたり、スタイリッシュなポーズを与えたり、明確な視点を欠いたりしました。 レオナルド・ダ・ヴィンチとミケランジェロはそれぞれ、フィレンツェの五大ホールに壁を飾るために、ゴンファロニエール・ピエロ・ソデリーニの手数料を与えられました。 これらの2人のアーティストは並行してペイントし、お互いに競争し、可能な限り革新的なインセンティブを生み出しました。

早起き
フィレンツェの初期のマニアニスト、特にヤコポ・ダ・ポントルモやロッソ・フィオレンティーノのような細長い形をしているアンドレア・デル・サルトの学生、不安定なバランスのとれた姿勢、崩れた視点、不合理な設定、劇場の照明。 Parmigianino(Correggioの学生)とGiulio Romano(Raphaelの頭助手)は、ローマの同様の様式化された審美的な方向に動いていた。 これらの芸術家は、ルネサンスの影響を受けて成熟し、そのスタイルはそれに対する反応や誇張された拡張として特徴付けられていました。 自然を直接研究するのではなく、若い芸術家たちは、過去のマスターズのヘレニズム彫刻や絵画を学び始めました。 したがって、このスタイルはしばしば「反古典的」であると見なされますが、それはルネッサンス時代からの自然な進展と見なされました。「反古典的」形態で知られるマニエリスムの初期段階は約1540年テンプル大学の芸術史教授Marcia B. Hallは、ラファエルの後のラファエルの著書で、ラファエルの早過ぎる死がローマのマンネリズムの始まりであることを指摘しています。

過去の分析では、16世紀初めにコペルニカモデル、ローマの袋、プロテスタント改革の権力への挑戦が増えているなど、数多くの社会的、科学的、宗教的、政治的動きと同時にマラニズムが起きたことが指摘されているカトリック教会の このため、スタイルの細長い形や歪んだ形は、かつてルネッサンス時代のハイ・アートで広く使われていた理想化された構成への反応として解釈されました。 このような根本的な文体的なシフトの説明c。 初期のマナー芸術の芸術は依然としてルネッサンス時代の高等教育とは対照的であるが、1520年は学術的な支持を失ってしまった。 Raphael’s School of Athensによって実現されたアクセシビリティとバランスはもはや若いアーティストには関心をもたらさなかった。

ハイマニエ
マナーニズムの第2の期間は、以前のいわゆる「反古典的」段階とは一般に区別される。 後のマッチョニストは、後の批評家が不自然で影響を受けた「方法」(マニエーラ)で働いていると非難するような知的魅力と芸術的才能を強調した。 マニエーラの芸術家は、彼らのより古い現代的なミケランジェロを彼らの主要モデルと見なした。 彼らのものは自然を模倣する芸術ではなく、芸術を模倣する芸術でした。 美術史家のシドニー・ジョセフ・フライドバーグは、マニエラの芸術の知的な側面は、観客がこの視覚的な参考文献に気付くと感謝することを必要とすると述べています。 人工物の高さは、意図的に見積りを誤用するマニエーラの画家の傾向です。 Agnolo BronzinoとGiorgio Vasariは、約1530年から1580年まで続いたManieraのこの種を実例としています。ヨーロッパの裁判所や知的サークルでは、マニエラの芸術は誇張された優雅さと、表面と細部への絶妙な注意を結びつけています。 、彼らはまったく目に見える場合、クールな一見で視聴者を認めて、軽く、軽い。 マニエラの主題はまれに多くの感情を表示します。このため、この傾向を例示する作品はしばしば「冷たい」または「偽」と呼ばれます。 これは、いわゆる「スタイリッシュなスタイル」や成熟したマニエーラの典型です。

マラニズムの広がり
ローマ、フィレンツェ、マントヴァの都市は、イタリアのマナー主義者の中心地でした。 ベネチアの絵画は、彼の長いキャリアの中でティツィアーノに代表される別のコースを追求しました。 1520年代にローマで働いていた数々の最も初期のマニア主義者たちは、1527年にローマの袋の後に街を逃げました。彼らが雇用を求めて大陸に広がったとき、彼らのスタイルはイタリアと北欧に広がっていました。 その結果、ゴシック時代から初めての国際的な芸術スタイルが生まれました。 北欧の他の地域では、イタリアのアーティストと直接接触するという利点はありませんでしたが、マナーニストスタイルは、その存在を版画やイラストレーションの絵本を通して感じました。 ヨーロッパの支配者たちはイタリアの作品を購入し、北欧のアーティストはイタリアに旅を続け、マナースタイルを広めました。 北部で働く個々のイタリア人アーティストは、北部マナーニズムとして知られる運動を生み出しました。 例えば、フランスのフランシス1世は、ブロンジノの金星、キューピッド、フォリー、そして時間とともに贈られました。 イタリアでは、Carracciの兄弟であるCaravaggioやCigoliをはじめ、新しい世代のアーティストとして、1580年以降にスタイルが崩れ、自然主義が復活しました。 Walter Friedlaenderは、早期のマタニティがハイ・ルネッサンスの審美的価値から離れた反感情主義者であったのと同じように、この時期を「反マタニズム」と定義した。

しかし、イタリア以外では、17世紀にはマナーニズムが続きました。 ロッソがフォンテーヌブローの裁判所で働くために旅行したフランスでは、「ヘンリーIIスタイル」として知られており、建築に特に影響を与えました。 他の重要な北部マンネリズムの大陸の中心には、プラハのルドルフ2世の裁判所、ハールレムとアントワープなどがあります。 文体カテゴリーとしてのマナーニズムは、「Elizabethan」や「Jacobean」などのネイティブラベルがより一般的に適用される英語の視覚装飾芸術には適用されにくい。 17世紀のArtisan Mannerismは例外であり、Continental Europeの既存の判例ではなくパターン図書に依存するアーキテクチャに適用されます。

フランスのスタイルのエロティシズムと17世紀のオランダとフランダースの絵画を支配するヴァニタスの伝統を組み合わせたフォンテンブローでのフラマン語の影響が特に注目されます。 この時に流行したのは、北部の画家たちがフランスとイタリアでワークショップに参加して真に国際的なスタイルを作り出した「ピトーレ・ヴァゴ」です。

彫刻
絵画のように、初期イタリアのマナー師の彫刻は、彫刻の中でミケランジェロを本質的に意味する高ルネッサンスの成果を上回るオリジナルのスタイルを見つける試みであり、これを達成するための闘いの多くは、フィレンツェのシニョーリア広場(Piazza della Signoria)の他の場所、ミケランジェロのダビデの隣にあります。 Baccio BandinelliはHerculesとCacusのプロジェクトを主人から引き継いだが、それは現在よりも少し普及しており、Benvenuto Celliniと悪意を持って比較して「メロンの袋」としている。明らかに彫像の台座に救済パネルを導入した。 彼や他のマニアニストの他の作品と同様に、ミケランジェロがやったよりもはるかに元のブロックを削除します。 セルティーニのブロンズ・ペルセウスは、メデューサの頭を持ち、確かに8つの視点、もう一つのマナー主義的な特徴を持ち、ミケランジェロとドナテッロのダヴィッドと比較して人工的に様式化された傑作です。 もともと金細工師だった彼の有名な金とエナメルのソルトセラー(1543年)は、彼の最初の彫刻であり、彼の才能を最善に示しています。

コレクターズキャビネットの小さなブロンズ像は、しばしばヌードを持つ神話的なテーマで、元々フランダースだったが、フィレンツェに本拠を置くGiambolognaは、世紀の後半に優れたルネッサンス様式でした。 彼はまた実物の彫刻を作りました。そのうちの2つはシニョーリア広場のコレクションに入りました。 彼と彼の信者は、しばしば2つの絡み合った人物の、エレガントな細長い例を考案し、すべての角度から面白かった。

初期の理論家
ジョルジョ・ヴァザーリ
ジョルジョ・ヴァザーリの絵画に関する意見は、彼の多ボリュームの芸術家のライヴ・オブ・ザ・アーティストの賞賛の中で浮かび上がっています。絵画の卓越性は、洗練された発明(インヴェンツィオーネ) 、完成した作品、アーティストの知性と後援者の感性を強調したすべての基準に現れたウィットと研究。 芸術家はもはやSt Lukeの地元ギルドの訓練されたメンバーではなくなりました。 今では彼は優雅さと複雑さのための感謝を促進する気候の中で、学者、詩人、ヒューマニストと一緒に宮廷で彼の場所を取った。 バサリのメディチ家の紋章は、肖像画の一番上に現れ、まるでそれが芸術家のものであるかのように見えます。 バサリの「アーティストの生き方」の木版画のフレーミングは、英語圏の環境では「ヤコビアン」と呼ばれます。 その中で、ミケランジェロのメディチの墓は、建築上の「建築的」な特徴、紙の穿孔されたフレーム、土台の卑劣な裸婦にインスピレーションを与えます。 単なるフレームとして、それは贅沢です。

ジャン・パオロ・ロマッツォ
当時の文学者の1人は、マニアニスト芸術家の自己意識的な関係を彼の芸術と定義するのを助けた2つの作品(現実的なものと一つの形而上学的なもの)を制作したジャン・パオロ・ロマッツォです。 彼のTrattato dell’arte della pittura、scoltura et architettura(ミラノ、1584年)は、部分的には古代から継承されたルネッサンスの現代的な概念のガイドであるが、マナーニズムは精緻化されている。 ロマッツォの体系的な美学の体系化は、16世紀後半に典型的で形式的で学術的なアプローチを典型的に表現しており、インテリアの機能と、適切であろう塗装された彫刻された装飾の種類との間の調和を強調した。 Iconographyは、しばしば畳み込まれ、不器用な、マナースタイルのより顕著な要素です。 彼のあまり実用的ではない形而上学的思想(Idea del tempio della pittura)(理想的な絵画寺院、ミラノ、1590)は、人間性と個性の「4つの気質」理論の線に沿った説明を提供し、判断と芸術における個性の役割発明。

マニアニストのアーティスト

ヤコポダポントルモ
Jacopo da Pontormoのエジプトのヨセフは、ルネサンスでは、色が不自然で時間と空間の扱いが不揃いとみなされていました。

ロッソ・フィオレンティーノとフォンテンブロー学校
1530年にアンドレア・デル・サルト(Andrea del Sarto)のスタジオでポントルモの仲間であったロッソ・フィオレンティーノ(Rocso Fiorentino)は、フィレンツェの様子をフィレンツェにもたらし、16世紀のマンネリズムの創始者の一人となった。 。

フォンテンブローの豊かで忙しい装飾の例は、彫刻の媒体を通して、アントワープへ、そしてそこからロンドンからポーランドまで北ヨーロッパ全域にイタリアのスタイルを広めた。 マンネリストのデザインは銀のような高級品や彫刻家具にまで拡大されました。 精巧な象徴とアレゴリーで表現された緊張感とコントロールされた感情、そして細長い女性の美しさの理想は、このスタイルの特徴です。

Agnolo Bronzino
Agnolo Bronzinoによるマナーの肖像画は、穏やかな優雅さと細部への細心の注意によって区別されます。 その結果、ブロンジノの看護師は、老若男女との感情的な距離を予測すると言われています。 また、豊かな織物の正確なパターンと光沢を捉えることには、芸術的な集中があります。

アレッサンドロアロリ
Alessandro Allori(1535-1607)SusannaとThe Elders(下)は、潜在的なエロティシズムと意識的にも鮮やかな静物のディテールによって、混雑した、曲がった構成で区別されます。

ティントレット
Tintorettoの最後の晩餐(下)は光とモーションに焦点を当て、イメージを劇的なものにします。 最後の晩餐の伝統的な見方とは異なり、ティントレットは、天国が部屋に入ることを描写し、天使たちは「天使たちが羨望することができれば、聖体を羨むだろう」というカトリックの古い格言に沿って畏敬の念を浮かべて見ている。

エル・グレコ
エル・グレコは、誇張された性格で宗教的感情を表現しようとしました。 現実的な人間の描写と高いルネサンス古典主義で達成された視点の熟達の後、感情的で芸術的な効果のために、不自然で非合理な空間で意図的に歪みを作り始めたアーティストもいます。 エル・グレコは依然として深くオリジナルのアーティストです。 エル・グレコは、現代の学者によって、アーティストとしての個性があり、個人としては従来の学校に属していないという特徴があります。 エル・グレコのマンナリズムの重要な側面には、震えた「酸」パレット、細長い拷問された解剖学、不合理な視点と光、あいまいで厄介な図像が含まれます。

Benvenuto Cellini
Benvenuto Celliniは、1540年にポセイドンとアンフィライト(水と土)が不快な位置に配置され、細長い割合で配置された金とエナメルのCellini Salt Cellarを作成しました。 それはマニアニスト彫刻の傑作と考えられています。

ヨアキム・ワトウェル
ヨアヒム・ウテウエル(1566-1638)は、バロック時代の到来を無視し、彼がおそらく最後の重要なマナー主義者の作家になったことを、彼の人生の終わりまで北部マナー主義の様式で描き続けた。 彼のテーマには、Pieter Aertsenのやり方での静物画の大規模なシーン、神話のシーン、銅で美しく実行された小さなキャビネットの絵画、そしてヌードを特徴とするものが含まれていました。

ジュゼッペ・アルシンボルド
Giuseppe Arcimboldo(またArcimboldiの綴り)は、静物画から生まれた彼の肖像画として知られています

マナー・アーキテクト
マナー・アーキテクトは、視覚的トリッキーと予期しない要素によって特徴付けられ、ルネサンスの規範に挑戦しました。 多くの人がイタリアに渡り、マナー主義の影響を受けたアーティストの多くは、マンネリストの動向がアルプス北部のヨーロッパに広がっていることに責任を負っていました。 この間、建築家は、強固な関係を強調するために建築様式を使用することを実験しました。 ルネッサンスのハーモニーの理想は、より自由で想像力豊かなリズムに近づきました。 マナー・スタイルに関連した最もよく知られた建築家、Laurentian図書館の先駆者は、Michelangelo(1475-1564)でした。 彼は巨大な秩序を発明したと信じられています。大きな柱は、ファサードの底から上まで伸びています。 彼はローマのカンピドーリオのデザインでこれを使用しました。

20世紀以前は、マンネリズムという言葉は否定的な意味を持っていましたが、歴史的な時期をより一般的な非批判的な言葉で表現するために使用されています。 マナー・アーキテクトは、1960年代と1970年代のモダニズム・アーキテクチャーの規範を破り、同時にその存在を認識している傾向を記述するためにも使われてきました。 ロバート・ベンチュリは、「マナーニズム」を書いているが、複雑さと矛盾に対応するために従来の秩序を破り、それによって曖昧さを明確にしている。

ルネッサンスの例
ベネディクト・アーキテクチャーの例はCaprarolaのVilla Farneseです。 ローマの外の険しい国の側で。 16世紀の彫刻家の普及は、以前のスタイルよりも早くマナー・スタイルを広めました。

「ローマン」ディテールの装飾が施された緻密で、Colditz Castleの展示戸口は、このノーザンスタイルを実例としています。特徴的な土地の壁にぴったりの「セットピース」として特徴付けられています。

1560年代後半から、新しい首都マルタのバレッタにある多くの建物は、マンネリスト様式の建築家ジローラモ・カサールによってデザインされました。 このような建物には、聖ヨハネの大聖堂、グランドマスターの宮殿、7つの元の建物があります。 カザールの建物の多くは、特にバロック時代に、何年にもわたって改造されました。 しかし、Auberge d’AragonやSt. John’s Co-Cathedralの外観のようないくつかの建物は、カッサールの元々のマナー主義的デザインのほとんどを保持しています。

文学と音楽のマンネリズム
英語の文学では、マンネリズムは、最も有名な「人体論的」詩人の性格でよく知られています。 以前の世代のDonneの詩に対するバロックの作家、John Drydenの気さくなサリーは、芸術におけるバロックとマナー主義の目標の間に簡潔な対比を与えています。

彼は自然の唯一の統治すべきである彼の豊かな詩の中だけでなく、彼の愛する詩においても形而上学に影響を与える。 彼は心を抱きしめて愛の柔らかさで彼らを楽しまなければならないとき、哲学の素敵な思想と公正なセックスの心を困惑させる.15(イタリック体が追加された)

16世紀後半から17世紀初頭にかけての豊富な音楽の可能性は、マドリガルの魅力的な基盤を提供しました。マドリガルは、イタリアの音楽文化において、著名な音楽の形態として急速に発展しました。

マドリガルは、特にその貴族的な装飾では、詩人やミュージシャンが感情的な魅力や他の視覚的、言葉的、音楽的技を披露して、マニアリズムの「スタイリッシュなスタイル」のための乗り物でした。

マンネリズムという言葉は、14世紀後半にフランスで作られた非常にやわらかく複雑な複雑なポリフォニック音楽のスタイルを表現するためにも使われています。 この期間は、現在、通常、下位兄弟と呼ばれています。

マンネリズムと演劇
初期Commedia dell’Arte(1550-1621):Paul Castagnoのマナー・コンテストは、現代のプロフェッショナル・シアターに対するマンネリズムの影響を論じています。 Castagno’sはマンネリストとしての演劇形式を定義する最初の研究であり、マンネリズムとマニエラの語彙を用いて、コミックのタイプアップ、誇張、効果を論じた。 commedia dell’arteにおけるマナー主義者の特徴の詳細については、上記の第II部を参照してください。 調査は主にアイコン的であり、Commediaのイメージを描いたり印刷したアーティストの多くは実際に、マニエラの伝統に大きく拘束された当日のワークショップから来ているという証拠を示しています。

Jacques Callotの細かい彫刻の控えめさは、はるかに大きな規模の行動を信じているようです。 CallotのBalli di Sfessania(文字通り、舞踏会の舞踊)は、コリアーの暴力的なエロティシズムを祝うもので、突出したphalli、漫画の連鎖を予期している槍、そして野獣と人間を混ぜる誇張されたマスクです。 Fontainebleauの第2学校の絵画や彫刻、特にフランコフラメッシュの影響を検出した彫刻では、胸を張ったり、過度にぎこちなくしたりすることを含む、淫行者(愛好家)のエロティシズムはかなり流行していました。 Castagnoは、この演劇形式が後期Cinquecentoの文化的伝統の中にどのように組み込まれているかを示す、ジャンル絵画とCommedia dell’arteの人物との間の図像的な関連性を実証している。

Commedia dell’arte、disegno interno、およびdiscordia concors
重要な帰結は、ディスカバリー・インターナショナルの間に存在します。 深い主観的な見方を置き換える性質や確立された原則(例えば、視点)として投射し、本質的には対象からその主題への重点を置いて、実行を強調し、熟練した表現や独自の技法を強調するという概念。 この内部のビジョンは、コメディのパフォーマンスの中心です。 例えば、即興の瞬間に、俳優は公式の境界、礼儀正しく、団結、またはテキストに注意することなく、彼の妙技を表現する。 Arlecchinoは、麻痺したdiscordia concors(反対の組合)の象徴となり、一瞬で彼は優しくて親切になり、そして一握りで彼のバットで激しく行動する泥棒になる。 Arlecchinoは動きの中で優雅に、次の拍でのみ、不器用に足を踏み外すことができませんでした。 外部のルールから解放された俳優は、瞬時のエバネッセンスを祝った。 Celliniは、彫刻をドレープして照明の効果と素晴らしいものを感じさせることで、後援者を驚かせるでしょう。 オブジェクトの提示は、オブジェクト自体と同じくらい重要になりました。

ネオマネニズム
美術評論家のジェリー・サルツによれば、「ネオ・マンネリズム」(新しいマンネリズム)は、「アート世界から人生を搾り取る」いくつかのクリシェの中にあります。 ネオ・マンネリズムは、学問の教師が「彼らを喜んで穏やかに、擬似的に、そして普通に怖がっている」学生によって示された21世紀の芸術を描いている。