Take Me (I’m Yours), organisé par Christian Boltanski, Hans Ulrich Obrist et Chiara Parisi

Après être devenue pour sa réouverture en octobre 2014 la chocolaterie Paul McCarthy, puis le musée d’art moderne de Marcel Broodthaers – Département des Aigles, la Monnaie de Paris invite à nouveau les visiteurs à redécouvrir ses espaces grâce à un projet artistique hors du commun: Take Me (I mien) transforme ses galeries du XVIIIe siècle en un lieu d’échange libre et créatif, conçu pour renverser les relations traditionnelles entre art et public.

Vingt et un ans après son énorme succès à la Serpentine Gallery, l’exposition conçue par Christian Boltanski et Hans Ulrich Obrist, Take Me (Je suis à vous), est recréée. Les visiteurs sont invités, voire encouragés, à toucher, utiliser et emporter des objets et des idées du spectacle.

Les commissaires de l’exposition, Christian Boltanski et Hans Ulrich Obrist, ont revisité ce principe fondateur et l’ont renouvelé. Chiara Parisi, directrice des programmes culturels de la Monnaie de Paris, les a rejoints à cette occasion pour offrir une nouvelle perspective du spectacle. Avec plus de trente projets, l’exposition parisienne est d’une ampleur et d’une portée plus grandes. Le projet initial a été revisité par les artistes ayant participé à la première version (Maria Eichhorn, Hans-Peter Feldmann, Jef Geys, Gilbert & George, Douglas Gordon, Christine Hill, Carsten Höller, Fabrice Hyber, Lawrence Weiner, Franz West) , avec de nouvelles collaborations (Etel Adnan et Simone Fattal, Pawel Althamer, Kerstin Brätsch et Sarah Ortmeyer, James Lee Byars, Heman Chong, Jeremy Deller, Andrea Fraser, Gloria Friedmann, Felix Gaudlitz et Alexander Nussbaumer,

Présentée sur les murs de la dernière usine du centre de Paris, l’exposition est une invitation à revisiter le mythe de la singularité d’une œuvre d’art et à interroger ses modes de production. Comme les pièces de monnaie, les œuvres d’art sont destinées à être diffusées. Cette exposition, conçue comme un lieu d’interaction entre visiteurs et artistes, se caractérise par sa forme ouverte qui évolue dans le temps. Quand il finira, les morceaux disparaîtront, ayant été distribués dans leur intégralité. En défiant les circuits économiques conventionnels, Take Me (I’m Yours) présente un modèle basé sur l’échange et le partage et pose ainsi des questions sur la valeur d’échange de l’art, question intimement liée à la Monnaie de Paris.

Chaque jour qui passe, ce sont les visiteurs du spectacle qui vont le transformer. L’exposition s’étend au-delà des salles qui lui sont dédiées: les artistes utiliseront l’application Google pour proposer une visite virtuelle alliant le passé de l’exposition à la Serpentine de Londres en 1995, son présent à la Monnaie de Paris en 2015 et son avenir – avec des versions à venir. destiné à voyager plus loin. Il fait également sentir sa présence sur le stand d’un bouquiniste parisien – libraire de seconde main face à la Monnaie de Paris – et prend une bouffée d’air frais chaque jour grâce aux actions des artistes qui surprennent les visiteurs lors d’interventions artistiques impromptues, lors de l’exposition. et plus intensément lors de la FIAC du 22 au 24 octobre.

À partir du 16 septembre, l’écrivain Federico Nicolao publie chaque jour un reportage sur l’exposition (#kikerikidide).

L’exposition Take me (I’m Yours) a été créée en association avec Eva Albarran et Three Steps to Heaven. Il est soutenu par agnès b., Briochine, Ecotextile, Givaudan, Institut culturel Google, Kolor GoPro, 89plus, Photomaton®, Presstalis et Sony Mobile.

L’exposition

Vingt ans après son succès à la Serpentine Gallery de Londres, l’exposition « Take Me (I’m Yours) », organisée par Christian Boltanski et Hans Ulrich Obrist, à laquelle participe maintenant Chiara Parisi, a été recréée à la Monnaie de Paris dans un nouvel esprit de liberté. . Le salon invite les visiteurs à devenir soit un participant, un acheteur, un co-auteur de l’œuvre ou même son créateur. Les artistes offrent et distribuent généreusement des objets et des œuvres d’art dans tout l’espace de l’exposition. Fabrice Hyber, Yoko Ono, Kerstin Bratsch et Sarah Ortmeyer présentent leurs projets au public à partir de l’entrée du bâtiment de la Monnaie de Paris.

Arbre de souhait
L’entrée principale est encadrée par deux oliviers. Ces arbres à souhaits de Yoko Ono ne produisent pas d’olives, tandis que les visiteurs sont invités à suspendre leurs souhaits sur une étiquette aux branches des arbres. Le public devient la force motrice d’un élan collectif en accrochant son espoir sur ce symbole de la paix.

Monstre (édition Koko)
Avec MONSTER (édition KOKO), Kerstin Brätsch & Sarah Ortmeyer ont collaboré pour créer un environnement alliant nature et artificiel. Les œufs présentés dans l’escalier de Kerstin Brätsch semblent être tombés de grands palmiers conçus par Sarah Ortmeyer. Le visiteur est invité à se frayer un chemin dans ce cadre insolite et à cueillir des fruits comme une chasse aux œufs de Pâques. Ramasser ces œufs rappelle le premier geste d’hommes et de femmes qui se sont nourris de ce que la nature leur procure.

Divan
Le corps du visiteur est mis à l’épreuve avec des œuvres d’art et des installations à essayer. L’expérimentation physique reprend le comportement traditionnel que l’on peut avoir lors de la visite d’un musée. Le Divan de Franz West est à la fois un lieu de repos pour les visiteurs qui viennent de monter les escaliers de la Monnaie de Paris et une sculpture à regarder. Vous avez maintenant le choix d’interagir ou non avec l’illustration.

Prends moi je suis à toi)
L’artiste Douglas Gordon invite les visiteurs à participer à un tirage au sort entre les deux pièces du Divan. Le prix, remportant un dîner intime avec l’artiste lui-même, transforme l’art en un événement social.

Sans titre
Dans les guichets, l’art est aussi un sujet de discussion et d’échange. Paweł Althamer met en place une banque de négociation où le public s’assoit avec un artiste et crée sa propre monnaie virtuelle. Celui-ci devient très réel lorsque l’artiste le valide avec un tampon et permet ainsi au visiteur de l’échanger contre un atelier, une visite ou un événement à la Monnaie de Paris et d’autres institutions artistiques.

Sans titre (Eau de rose de Damas)
Avant d’entrer au Salon Dupré, l’artiste Rirkrit Tiravanija met en place un environnement propice au partage. Les gens peuvent se rassembler autour du XIVe siècle, toujours en Syrie, qui produit de l’eau de rose. Chaque visiteur peut prendre un flacon de ce parfum et également manger un hôte parfumé à la rose.Le titre de l’œuvre, Untitled (Eau de rose de Damas), fait référence à la fois à la fonction première de l’alambic et à ses particularités. forme qui rappelle le porte-bouteilles de Marcel Duchamp. RRose fait également référence à la création en 1921 d’un parfum appelé Eau de Voilette Belle haleine par son alter ego RRose Sélavy de Duchamp, en collaboration avec Man Ray.

Dispersion
Dans le salon Dupré, les gens se frayent un chemin à travers les piles de vêtements de Christian Boltanski et les piles d’affiches de Félix González-Torres. Le travail de Boltanski s’intitule Dispersion (Dispersal). Selon l’artiste, ces vêtements sont l’équivalent d’un portrait photographique ou d’un cadavre dans la façon dont ils représentent l’absence de quelqu’un. En emportant l’une de ces pièces, le public redonne vie au vêtement.

Sans titre
Les visiteurs doivent aller chercher l’une des affiches de Felix González-Torres dans les rayons pour activer l’œuvre d’art. Ce processus transforme chaque pile en « immense sculpture publique » en raison de leur dispersion et de leur circulation permanente. Cette œuvre d’art est rendue publique principalement parce qu’elle a le pouvoir d’appartenir à tous en tirant parti de sa reproductibilité. Un autre ouvrage de Félix González-Torres, Untitled (Revenge) est un bouquet de bonbons bleus au sol d’une salle d’exposition. Le poids de cette pile représente celui de Felix González-Torres et de son partenaire, Ross, tous deux décédés du sida. L’érosion de la pile de bonbons fait écho à la lente consommation des corps du couple par la maladie.

Les bannières
Même si le titre de cette pièce pourrait faire référence à une publicité, les textes écrits sur les banderoles sont davantage liés à des slogans de protestation qu’à de la publicité. Le public peut enlever ces slogans sur des badges disponibles dans un plateau. Gilbert & George transforme ainsi le corps du visiteur en un dispositif artistique. Les œuvres réalisées par le public contribuent à la réalisation de l’une des idées principales de ce duo anglais: « l’art pour tous ».

Échanger
Un artiste derrière une table, comme un vendeur, fournit un objet. Lorsque le premier visiteur entre dans la salle, l’interprète tente d’échanger cet objet contre un objet appartenant au visiteur et qu’il est disposé à échanger. Une négociation collective est ensuite mise en place sur la valeur de l’échange. Roman Ondák réalise des œuvres qui font écho à l’espace d’exposition et placent le visiteur au centre du processus de création. Il crée une situation dans laquelle le visiteur est impliqué et active le travail, qui « se développe » tout au long de l’exposition.

L’Os du bonheur
En Pologne, où l’artiste est née, les sorciers s’en servaient pour se soigner des maladies, tandis que les sorciers les utilisaient pour lancer des sorts aux hommes afin que les femmes puissent les épouser. L’artiste applique le concept de production de chaîne mécanique à une œuvre d’art. De cette façon, elle renverse les chaînes commerciales traditionnelles. Ce travail est une rencontre entre le monde irrationnel des superstitions qui nourrit le travail de l’artiste et le monde rationnel des technologies de pointe, que représente l’imprimante 3D.

Esposizione in tempo reale n.43: Lecteurs de cartes d’identité avec une seule photo photographiée du temps passé
Franco Vaccari est le premier artiste à installer un photomaton dans un espace d’exposition et à le mettre à la disposition du public. Le travail de l’artiste encourage les visiteurs à les prendre en photo et à les épingler sur les murs de la galerie. Le travail du visiteur est divisé entre une co-création et un souvenir de sa participation à l’exposition. Franco Vaccari utilise la photographie comme preuve de la présence physique de l’individu.

Monnaie de Paris
Fondée en 864, la Monnaie de Paris est la plus ancienne institution de France et la plus ancienne entreprise du monde. Il remplit la mission de service public de frappe des pièces en euros en circulation pour la France, ainsi que des pièces pour d’autres monnaies étrangères. Pendant douze siècles, il a cultivé une tradition vénérable des arts et métiers du travail des métaux. Premier établissement industriel parisien, il est le dernier en activité aujourd’hui. Des œuvres artistiques sont toujours produites dans son usine historique Quai de Conti.
Attaché au ministère français de l’Economie, des Finances et de l’Industrie depuis 1796, la Monnaie de Paris est devenue en janvier 2007 un Etablissement public industriel et commercial (EPIC).