Take Me (I’m Yours), kuratiert von Christian Boltanski, Hans Ulrich Obrist und Chiara Parisi

Nach der Wiedereröffnung der Schokoladenfabrik von Paul McCarthy im Oktober 2014 und des Museums für moderne Kunst von Marcel Broodthaers – Department of Eagles, lädt Monnaie de Paris die Besucher ein, ihre Räume dank eines ungewöhnlichen Kunstprojekts erneut zu entdecken: Take Me (I ‚m Yours) verwandelt seine Galerien aus dem 18. Jahrhundert in einen Ort des freien und kreativen Austauschs, der das konventionelle Verhältnis zwischen Kunst und Publikum auf den Kopf stellen soll.

Einundzwanzig Jahre nach dem großen Erfolg in der Serpentine Gallery wird die von Christian Boltanski und Hans Ulrich Obrist konzipierte Ausstellung Take Me (I’m Yours) nachgebildet. Besucher sind eingeladen, sogar ermutigt, Objekte und Ideen aus der Show zu berühren, zu benutzen und mitzunehmen.

Die Ausstellungskuratoren Christian Boltanski und Hans Ulrich Obrist haben dieses Gründungsprinzip überarbeitet und erneuert. Chiara Parisi, die Leiterin der Kulturprogramme von Monnaie de Paris, hat sich diesem Anlass angeschlossen, um eine neue Perspektive auf die Show zu bieten. Mit mehr als dreißig Projekten ist die Pariser Ausstellung umfangreicher und umfangreicher. Das erste Projekt wurde von den Künstlern, die an der ersten Fassung teilgenommen haben, erneut aufgegriffen (Maria Eichhorn, Hans-Peter Feldmann, Jef Geys, Gilbert und George, Douglas Gordon, Christine Hill, Carsten Höller, Fabrice Hyber, Lawrence Weiner, Franz West). mit neuen Kollaborationen (Etel Adnan und Simone Fattal, Paweł Althamer, Kerstin Brätsch und Sarah Ortmeyer, James Lee Byars, Heman Chong, Jeremy Deller, Andrea Fraser, Gloria Friedmann, Felix Gaudlitz und Alexander Nussbaumer)

Die Ausstellung ist an den Wänden der letzten Fabrik im Zentrum von Paris zu sehen und lädt dazu ein, den Mythos der Einzigartigkeit eines Kunstwerks zu überdenken und seine Produktionsweisen in Frage zu stellen. Kunstwerke sind wie Münzen zur Verbreitung bestimmt. Diese Ausstellung, die als Ort der Interaktion zwischen Besuchern und Künstlern konzipiert wurde, zeichnet sich durch ihre offene Form aus, die sich im Laufe der Zeit entwickelt. Wenn es endet, verschwinden die Teile, nachdem sie vollständig verteilt wurden. Take Me (I’m Yours) hinterfragt herkömmliche Wirtschaftskanäle und präsentiert ein Modell, das auf Austausch und Teilen basiert. Es wirft daher Fragen zum Austauschwert von Kunst auf, ein Thema, das eng mit Monnaie de Paris verbunden ist.

Mit jedem Tag, der vergeht, sind es die Besucher der Show, die sie verändern werden. Die Ausstellung geht über die ihm gewidmeten Räume hinaus: Mit der Google-App bieten Künstler einen virtuellen Rundgang an, der die Vergangenheit der Ausstellung im Serpentine in London im Jahr 1995, ihre Gegenwart auf der Monnaie de Paris im Jahr 2015 und ihre Zukunft in den kommenden Versionen kombiniert dazu bestimmt, weiter zu reisen. Es macht sich auch auf dem Stand eines Pariser Bouquinisten bemerkbar – einem Antiquariat gegenüber Monnaie de Paris – und holt sich jeden Tag frische Luft durch die Aktionen der Künstler, die die Besucher während der Ausstellung bei spontanen künstlerischen Interventionen überraschen und intensiver während der FIAC vom 22. bis 24. Oktober.

Ab dem 16. September veröffentlicht der Schriftsteller Federico Nicolao neben diesen Ereignissen einen täglichen Bericht über die Ausstellung auf Instagram (#kikerikidide).

Die Ausstellung Take me (I’m Yours) wurde in Zusammenarbeit mit Eva Albarran und Three Steps to Heaven erstellt. Es wird von agnès b., Briochine, Ecotextile, Givaudan, dem Google Cultural Institute, Kolor GoPro, 89plus, Photomaton®, Presstalis und Sony Mobile unterstützt.

Die Ausstellung

Zwanzig Jahre nach ihrem Erfolg in der Londoner Serpentine Gallery wurde die Ausstellung „Take Me (I’m Yours)“ – kuratiert von Christian Boltanski und Hans Ulrich Obrist, jetzt zusammen mit Chiara Parisi – in einem neuen Geist der Freiheit in Monnaie de Paris nachgebildet . Die Show lädt die Besucher ein, entweder Teilnehmer, Käufer, Mitautor des Kunstwerks oder sogar dessen Schöpfer zu werden. Künstler bieten und verschenken großzügig Objekte und Kunstwerke im gesamten Ausstellungsraum. Ab dem Eingang des Gebäudes der Monnaie de Paris stellen Fabrice Hyber, Yoko Ono, Kerstin Bratsch und Sarah Ortmeyer ihre Projekte der Öffentlichkeit vor.

Wunschbaum
Der Haupteingang ist von zwei Olivenbäumen eingerahmt.Diese Wish Trees von Yoko Ono liefern keine Oliven, während die Besucher aufgefordert werden, ihre Wünsche auf einem Etikett an die Zweige der Bäume zu hängen. Die Öffentlichkeit wird zur treibenden Kraft eines kollektiven Impulses, indem sie auf dieses Friedenssymbol hofft.

Monster (Koko Edition)
Mit MONSTER (KOKO Edition) haben Kerstin Brätsch & Sarah Ortmeyer ein Umfeld geschaffen, das Natur und Künstlichkeit verbindet. Die Eier im Treppenhaus von Kerstin Brätsch scheinen von hohen Palmen gefallen zu sein, die Sarah Ortmeyer entworfen hat. Der Besucher ist eingeladen, sich durch diese ungewöhnliche Umgebung zu begeben und Früchte wie bei einer Ostereiersuche zu sammeln. Das Aufheben dieser Eier erinnert an die erste Geste von Männern und Frauen, die sich von dem ernähren, was die Natur bietet.

Diwan
Der Körper des Besuchers wird mit Kunstwerken und Installationen auf die Probe gestellt. Das physikalische Experimentieren übernimmt das traditionelle Verhalten beim Museumsbesuch. Der Diwan von Franz West ist sowohl ein Platz zum Ausruhen für die Besucher, die gerade die Treppe von Monnaie de Paris hinaufgestiegen sind, als auch eine Skulptur zum Anschauen. Sie haben nun die Wahl, mit dem Kunstwerk zu interagieren oder nicht.

Nimm mich, ich gehöre dir)
Zwischen den beiden Divan-Stücken lädt der Künstler Douglas Gordon zu einer Verlosung ein. Der Preis, der ein intimes Abendessen mit dem Künstler selbst gewinnt, macht Kunst zu einem gesellschaftlichen Ereignis.

Ohne Titer
In der Kasse ist Kunst auch als Diskussions- und Austauschgegenstand präsent. Paweł Althamer gründet eine Handelsbank, in der sich das Publikum mit einem Performer zusammensetzt und eine eigene virtuelle Währung kreiert. Dieser wird sehr real, wenn der Künstler ihn mit einem Puffer validiert und dem Besucher so ermöglicht, ihn gegen einen Workshop, einen Besuch oder eine Veranstaltung in der Monnaie de Paris und anderen Kunstinstitutionen einzutauschen.

Ohne Titel (Eau de RRose von Damaskus)
Bevor der Künstler Rirkrit Tiravanija den Salon Dupré betritt, schafft er eine Umgebung, die zum Austausch einlädt. Menschen können sich um ein 14. Jahrhundert noch aus Syrien versammeln, das Rosenwasser produziert. Jeder Besucher kann eine Phiole dieses Parfums nehmen und auch einen nach Rosen duftenden Wirt essen. Der Titel der Arbeit, Ohne Titel (Eau de RRose von Damaskus), verweist sowohl auf die Hauptfunktion der Stille als auch auf ihre Besonderheit Form, die an das Flaschenregal von Marcel Duchamp erinnert. RRose bezieht sich auch auf die Schaffung eines Parfums namens Eau de voilette Belle haleine im Jahr 1921 durch Duchamps Alter Ego RRose Sélavy in Zusammenarbeit mit Man Ray.

Dispersion
Im Salon Dupré gehen die Menschen durch die Kleiderstapel von Christian Boltanski und die Posterstapel von Félix González-Torres. Boltanskis Werk trägt den Titel Dispersion (Dispersal). Diese Kleidungsstücke sind nach Ansicht des Künstlers das Äquivalent eines fotografischen Porträts oder einer Leiche in der Art, wie sie die Abwesenheit von jemandem darstellen. Indem die Öffentlichkeit eines dieser Stücke wegnimmt, gibt sie der Kleidung Leben zurück.

Ohne Titel
Besucher müssen eines der Plakate von Felix González-Torres aus den Stapeln nehmen, um das Kunstwerk zu aktivieren. Dieser Prozess verwandelt jeden Stapel aufgrund seiner Streuung und permanenten Zirkulation in eine „riesige öffentliche Skulptur“. Dieses Kunstwerk wird hauptsächlich deshalb veröffentlicht, weil es die Macht hat, jedem zu gehören, indem es seine Reproduzierbarkeit ausnutzt. Eine andere Arbeit von Félix González-Torres, Untitled (Revenge), ist ein Bündel blauer Bonbons, die auf dem Boden eines Ausstellungsraums ausgestellt sind. Das Gewicht dieses Stapels entspricht dem von Felix González-Torres und seinem Partner Ross, die beide an AIDS gestorben sind. Die Erosion des Süßigkeitenhaufens spiegelt die langsame Vollendung der Körper des Paares durch die Krankheit wider.

Die Banner
Auch wenn der Titel dieses Stücks auf eine Anzeige verweisen könnte, beziehen sich die auf den Bannern geschriebenen Texte eher auf Protestslogans als auf Werbung. Die Öffentlichkeit kann diese Slogans auf Ausweisen mitnehmen, die in einem Standfach erhältlich sind. Gilbert & George verwandeln so den Körper des Besuchers in ein künstlerisches Gerät. Die vom Publikum getragenen Kunstwerke tragen zur Verwirklichung einer der Hauptideen dieses englischen Duos bei: „Kunst für alle“.

Wechsel
Ein Darsteller hinter einem Tisch liefert wie ein Verkäufer ein Objekt. Wenn der erste Besucher den Raum betritt, versucht der Darsteller, dieses Objekt gegen ein beliebiges Objekt des Besuchers auszutauschen, das er oder sie austauschen möchte. Anschließend werden Tarifverhandlungen über den Wert des Austauschs abgeschlossen. Roman Ondák produziert Arbeiten, die den Ausstellungsraum widerspiegeln und den Besucher in den Mittelpunkt des kreativen Prozesses stellen. Er schafft eine Situation, in der der Besucher involviert ist und betätigt die Arbeit, die sich während der Ausstellung „entwickelt“.

L’Os du bonheur
In Polen, wo der Künstler geboren wurde, verwendeten Hexendoktoren diesen Querlenker, um Krankheiten zu heilen, während Zauberer sie verwendeten, um Männer zu verzaubern, damit Frauen sie heiraten konnten. Der Künstler wendet das Konzept der mechanischen Kettenproduktion auf ein Kunstwerk an. Auf diese Weise wirft sie traditionelle kommerzielle Kanäle um. Diese Arbeit ist eine Begegnung zwischen der irrationalen Welt des Aberglaubens, die die Arbeit des Künstlers nährt, und der rationalen Welt fortschrittlicher Technologien, die der 3D-Drucker darstellt.

Tempo-Auswahl Nr. 43: Lascia su queste pareti una traccia fotografica del tuo passaggio
Franco Vaccari ist der erste Künstler, der eine funktionierende Fotokabine in einem Ausstellungsraum installiert und der Öffentlichkeit zugänglich macht. Die Arbeit des Künstlers ermutigt die Besucher, ein Foto von ihnen zu machen und es an die Wände der Galerie zu heften. Die Arbeit des Besuchers ist zwischen einer Co-Kreation und einem Souvenir aus seiner Teilnahme an der Ausstellung aufgeteilt. Franco Vaccari nutzt die Fotografie als Beweis für die physische Präsenz des Individuums.

Monnaie de Paris
Monnaie de Paris wurde 864 gegründet und ist Frankreichs älteste Institution und das älteste Unternehmen der Welt. Es erfüllt den öffentlich-rechtlichen Auftrag, die für Frankreich im Umlauf befindlichen Euro-Münzen sowie Münzen für andere Fremdwährungen zu streichen. Seit zwölf Jahrhunderten pflegt es eine ehrwürdige Tradition des Metallhandwerks. Es war das erste Industrieunternehmen in Paris und ist das letzte, das heute in Betrieb ist. Kunstgegenstände werden noch heute in der historischen Manufaktur Quai de Conti hergestellt.
Seit 1796 dem französischen Ministerium für Wirtschaft, Finanzen und Industrie angegliedert, wurde Monnaie de Paris im Januar 2007 zum Etablissement public industriel et commercial (EPIC, offizielle Bezeichnung für staatlich finanzierte Industrie- und Handelsinstitutionen).