Take Me (I’m Yours), a cura di Christian Boltanski, Hans Ulrich Obrist e Chiara Parisi

Dopo essere diventato, per la sua riapertura nell’ottobre 2014, la fabbrica di cioccolato Paul McCarthy, poi il Museo di arte moderna – Dipartimento delle Aquile di Marcel Broodthaers, Monnaie de Paris invita nuovamente i visitatori a riscoprire i suoi spazi grazie a un progetto artistico fuori dal comune: Take Me (I ‘m Yours) trasforma le sue gallerie del 18 ° secolo in un luogo di scambio libero e creativo, progettato per rovesciare il rapporto convenzionale tra arte e pubblico.

Ventuno anni dopo il suo enorme successo alla Serpentine Gallery, viene ricreata la mostra ideata da Christian Boltanski e Hans Ulrich Obrist, Take Me (I’m Yours). I visitatori sono invitati, anche incoraggiati, a toccare, utilizzare e portare via oggetti e idee dallo spettacolo.

I curatori della mostra, Christian Boltanski e Hans Ulrich Obrist, hanno rivisitato questo principio fondante e lo hanno rinnovato. Chiara Parisi, la direttrice dei programmi culturali della Monnaie de Paris, si è unita a loro in questa occasione per offrire una nuova prospettiva sullo spettacolo. Con oltre trenta progetti, la mostra di Parigi è più grande in termini di grandezza e portata. Il progetto iniziale è stato rivisitato dagli artisti che hanno preso parte alla prima versione (Maria Eichhorn, Hans-Peter Feldmann, Jef Geys, Gilbert & George, Douglas Gordon, Christine Hill, Carsten Höller, Fabrice Hyber, Lawrence Weiner, Franz West) , con nuove collaborazioni (Etel Adnan e Simone Fattal, Paweł Althamer, Kerstin Brätsch e Sarah Ortmeyer, James Lee Byars, Heman Chong, Jeremy Deller, Andrea Fraser, Gloria Friedmann, Felix Gaudlitz e Alexander Nussbaumer,

Esposta sulle pareti dell’ultima fabbrica nel centro di Parigi, la mostra è un invito a rivisitare il mito della singolarità di un’opera d’arte e mettere in discussione le sue modalità di produzione. Come le monete, le opere d’arte sono destinate alla diffusione. Questa mostra, progettata come luogo di interazione tra visitatori e artisti, è caratterizzata dalla sua forma aperta che si evolve nel tempo. Quando finirà, i pezzi scompariranno, essendo stati distribuiti nella loro interezza. Sfidando i canali economici convenzionali, Take Me (I’m Yours) presenta un modello basato sullo scambio e sulla condivisione e solleva quindi domande sul valore di scambio dell’arte, una questione intimamente legata a Monnaie de Paris.

Ogni giorno che passa, sono i visitatori dello spettacolo che lo trasformeranno. La mostra si estende oltre le sale ad essa dedicate: gli artisti useranno l’app di Google per offrire un tour virtuale che unisce il passato della mostra alla Serpentine di Londra nel 1995, il suo presente alla Monnaie de Paris nel 2015 e il suo futuro – con le versioni future destinato a viaggiare più lontano. Fa anche sentire la sua presenza presso lo stand di un bouquiniste parigino – un libraio di seconda mano di fronte a Monnaie de Paris – e riceve ogni giorno una ventata d’aria fresca attraverso le azioni degli artisti che sorprendono i visitatori durante interventi estemporanei, durante la mostra e più intensamente durante la FIAC dal 22 al 24 ottobre.

Dal 16 settembre, accanto a questi eventi, lo scrittore Federico Nicolao pubblica un rapporto quotidiano sulla mostra su Instagram (#kikerikidide).

La mostra Take me (I’m Yours) è stata creata in collaborazione con Eva Albarran e Three Steps to Heaven. È supportato da agnès b., Briochine, Ecotextile, Givaudan, Google Cultural Institute, Kolor GoPro, 89plus, Photomaton®, Presstalis e Sony mobile.

La mostra

Venti anni dopo il suo successo alla Serpentine Gallery di Londra, la mostra “Take Me (I’m Yours)” – a cura di Christian Boltanski e Hans Ulrich Obrist, ora affiancato da Chiara Parisi – è stata ricreata a Monnaie de Paris in un nuovo spirito di libertà . Lo spettacolo invita i visitatori a diventare un partecipante, un acquirente, un coautore dell’opera d’arte o persino il suo creatore. Gli artisti offrono generosamente e regalano oggetti e opere d’arte in tutto lo spazio della mostra. A partire dall’ingresso dell’edificio della Monnaie de Paris, Fabrice Hyber, Yoko Ono, Kerstin Bratsch e Sarah Ortmeyer presentano i loro progetti al pubblico.

Albero dei desideri
L’ingresso principale è incorniciato da due ulivi. Questi alberi dei desideri di Yoko Ono non producono olive mentre i visitatori sono invitati a appendere i loro desideri su un’etichetta ai rami degli alberi. Il pubblico diventa la forza trainante di uno slancio collettivo impiccando le sue speranze su questo simbolo di pace.

Monster (Koko Edition)
Con MONSTER (edizione KOKO), Kerstin Brätsch e Sarah Ortmeyer hanno collaborato per creare un ambiente che unisce natura e artificialità. Le uova esposte nella scala di Kerstin Brätsch sembrano essere cadute da alte palme disegnate da Sarah Ortmeyer. Il visitatore è invitato a farsi strada attraverso questa impostazione insolita e raccogliere frutti come una caccia alle uova di Pasqua. Raccogliere queste uova ricorda il primo gesto di uomini e donne che si nutrivano di ciò che la natura offre.

Divano
Il corpo del visitatore viene messo alla prova con opere d’arte e installazioni da provare. La sperimentazione fisica assume il comportamento tradizionale che si può avere quando si visita un museo. Il divano di Franz West è sia un luogo di riposo per i visitatori che hanno appena salito le scale di Monnaie de Paris sia una scultura da guardare. Ora puoi scegliere di interagire o meno con la grafica.

Prendimi sono tuo)
Tra i due pezzi divani, l’artista Douglas Gordon invita i visitatori a partecipare a una lotteria. Il premio, vincendo una cena intima con l’artista stesso, trasforma l’arte in un evento sociale.

Sans titre
Nella biglietteria, l’arte è presente anche come argomento di discussione e scambio. Paweł Althamer crea una banca commerciale in cui il pubblico si siede con un artista e crea la propria valuta virtuale. Questo diventa molto reale quando l’esecutore lo convalida con un buffer e quindi consente al visitatore di scambiarlo con un workshop, una visita o un evento presso la Monnaie de Paris e altre istituzioni d’arte.

Untitled (Eau de RRose of Damascus)
Prima di entrare nel Salon Dupré, l’artista Rirkrit Tiravanija crea un ambiente che invita a condividere gli uni con gli altri. Le persone possono radunarsi intorno al XIV secolo ancora dalla Siria che produce acqua di rose. Ogni visitatore può prendere una fiala di questo profumo e anche mangiare un host profumato di rosa.Il titolo dell’opera, Untitled (Eau de RRose of Damascus), è un riferimento sia alla funzione primaria del fermo, sia al suo particolare forma che ricorda il portabottiglie di Marcel Duchamp. RRose si riferisce anche alla creazione nel 1921 di un profumo chiamato Eau de voilette Belle haleine dall’alter ego RRha Sélavy di Duchamp in collaborazione con Man Ray.

Dispersione
All’interno del Salon Dupré, le persone si fanno strada tra le pile di abiti di Christian Boltanski e le pile di poster di Félix González-Torres. Il lavoro di Boltanski si intitola Dispersione (Dispersione). Secondo l’artista, questi capi di abbigliamento sono l’equivalente di un ritratto fotografico o di un cadavere nel modo in cui rappresentano l’assenza di qualcuno. Portando via uno di questi pezzi, il pubblico ridà vita ai vestiti.

Senza titolo
I visitatori devono ritirare uno dei poster di Felix González-Torres dalle pile per attivare l’opera d’arte. Questo processo trasforma ogni pila in una “enorme scultura pubblica” a causa della loro dispersione e circolazione permanente. Quest’opera d’arte è resa pubblica principalmente perché ha il potere di appartenere a tutti sfruttando la sua riproducibilità. Un’altra opera di Félix González-Torres, Untitled (Revenge) è un mucchio di caramelle blu esposte sul terreno di una sala espositiva. Il peso di questa pila rappresenta quello di Felix González-Torres e del suo compagno, Ross, entrambi morti di AIDS. L’erosione del mucchio di caramelle fa eco alla lenta consumazione dei corpi delle coppie da parte della malattia.

I banner
Anche se il titolo di questo pezzo potrebbe riferirsi a una pubblicità, i testi scritti sugli striscioni sono più legati agli slogan di protesta piuttosto che alla pubblicità. Il pubblico può portare via questi slogan sui badge che sono disponibili in un vassoio. Gilbert & George trasformano così il corpo del visitatore in un dispositivo artistico. Le opere realizzate dal pubblico contribuiscono al raggiungimento di una delle idee principali di questo duo inglese: “arte per tutti”.

Scambiare
Un artista dietro un tavolo, come un venditore, fornisce un oggetto. Quando il primo visitatore entra nella stanza, l’esecutore cerca di scambiare questo oggetto con qualsiasi oggetto appartenente al visitatore e che è disposto a scambiare. Viene quindi istituita una contrattazione collettiva sul valore dello scambio. Roman Ondák produce opere che riecheggiano lo spazio espositivo e mettono il visitatore al centro del processo creativo. Crea una situazione in cui il visitatore è coinvolto e attua il lavoro, che “si sviluppa” durante la mostra.

L’Os du bonheur
In Polonia, dove nacque l’artista, gli stregoni usarono questo braccio oscillante per curare le malattie, mentre gli stregoni li usavano per lanciare incantesimi sugli uomini in modo che le donne potessero sposarli. L’artista applica il concetto di produzione di catene meccaniche a un’opera d’arte. In questo modo, ribalta i tradizionali canali commerciali. Questo lavoro è un incontro tra il mondo irrazionale delle superstizioni che nutre il lavoro dell’artista e il mondo razionale delle tecnologie avanzate, che la stampante 3D rappresenta.

Esposizione in tempo reale n.43: Lascia su queste pareti una traccia fotografica del tuo passaggio
Franco Vaccari è il primo artista a installare una cabina fotografica funzionante in uno spazio espositivo e renderlo disponibile al pubblico. Il lavoro dell’artista incoraggia i visitatori a fotografarli e ad appenderli alle pareti della galleria. Il lavoro del visitatore è diviso tra una co-creazione e un souvenir dalla sua partecipazione alla mostra. Franco Vaccari usa la fotografia come prova di una presenza fisica dell’individuo.

Monnaie de Paris
Fondata nell’864, la Monnaie de Paris è l’istituzione più antica della Francia e la più antica impresa del mondo. Svolge la missione di servizio pubblico di colpire le monete in euro in circolazione per la Francia, nonché le monete per altre valute estere. Per dodici secoli ha coltivato una venerabile tradizione di arti e mestieri di lavorazione dei metalli. Era il primo stabilimento industriale di Parigi ed è l’ultimo in funzione oggi. I pezzi artistici sono ancora prodotti nella sua storica manifattura Quai de Conti.
Associata al ministero francese per l’economia, le finanze e l’industria dal 1796, Monnaie de Paris è diventata un’industria pubblica e commerciale dell’Etablissement (EPIC, una designazione ufficiale per le istituzioni industriali e commerciali finanziate dallo stato) nel gennaio 2007.