Take Me (I’m Yours), com curadoria de Christian Boltanski, Hans Ulrich Obrist e Chiara Parisi

Depois de se tornar, para sua reabertura em outubro de 2014, a Fábrica de Chocolate de Paul McCarthy e o Museu de Arte Moderna de Marcel Broodthaers – Departamento de Águias, Monnaie de Paris convida os visitantes mais uma vez a redescobrir seus espaços graças a um projeto de arte incomum: Take Me (I sou Yours) transforma suas galerias do século XVIII em um local de troca livre e criativa, projetada para derrubar a relação convencional entre arte e público.

Vinte e um anos após seu enorme sucesso na Serpentine Gallery, a exposição concebida por Christian Boltanski e Hans Ulrich Obrist, Take Me (I’m Yours), é recriada. Os visitantes são convidados, até encorajados, a tocar, usar e tirar objetos e idéias do programa.

Os curadores da exposição, Christian Boltanski e Hans Ulrich Obrist, revisitaram este princípio fundador e o renovaram. Chiara Parisi, diretora dos programas culturais Monnaie de Paris, juntou-se a eles nesta ocasião para oferecer uma nova perspectiva sobre o show. Com mais de trinta projetos, a exposição de Paris é maior em magnitude e alcance. O projeto inicial foi revisitado pelos artistas que participaram da primeira versão (Maria Eichhorn, Hans-Peter Feldmann, Jef Geys, Gilbert & George, Douglas Gordon, Christine Hill, Carine Höller, Fabrice Hyber, Lawrence Weiner e Franz West). , com novas colaborações (Etel Adnan e Simone Fattal, Paweł Althamer, Kerstin Brätsch e Sarah Ortmeyer, James Lee Byars, Heman Chong, Jeremy Deller, Andrea Fraser, Gloria Friedmann, Felix Gaudlitz & Alexander Nussbaumer,

Exibida nas paredes da última fábrica no centro de Paris, a exposição é um convite para revisitar o mito da singularidade de uma obra de arte e questionar seus modos de produção. Como moedas, as obras de arte estão destinadas a serem disseminadas. Esta exposição, projetada como um local de interação entre visitantes e artistas, é caracterizada por sua forma aberta que evolui no tempo. Quando termina, as peças desaparecem, tendo sido distribuídas na sua totalidade. Desafiando os canais econômicos convencionais, Take Me (I’m Yours) apresenta um modelo baseado em trocas e compartilhamentos e, portanto, levanta questões sobre o valor de troca da arte, uma questão intimamente ligada a Monnaie de Paris.

A cada dia que passa, são os visitantes do programa que o transformam. A exposição se estende além das salas dedicadas a ela: os artistas usarão o aplicativo do Google para oferecer um tour virtual que combina o passado da exposição na Serpentine em Londres em 1995, seu presente na Monnaie de Paris em 2015 e seu futuro – com as próximas versões destinado a viajar mais longe. Também faz sua presença ser sentida no estande de uma bouquiniste parisiense – uma livraria de segunda mão em frente a Monnaie de Paris – e respira ar fresco todos os dias através das ações dos artistas que surpreendem os visitantes durante intervenções artísticas improvisadas, durante a exposição e mais intensamente durante o FIAC de 22 a 24 de outubro.

A partir de 16 de setembro, juntamente com esses eventos, o escritor Federico Nicolao publica um relatório diário sobre a exposição no Instagram (#kikerikidide).

A exposição Take me (I’m Yours) foi criada em associação com Eva Albarran e Three Steps to Heaven. É suportado por agnès b., Briochine, Ecotextile, Givaudan, Google Cultural Institute, Kolor GoPro, 89plus, Photomaton®, Presstalis e Sony mobile.

A exibição

Vinte anos após seu sucesso na Serpentine Gallery, em Londres, a exposição “Take Me (I’m Yours)” – com curadoria de Christian Boltanski e Hans Ulrich Obrist, agora acompanhada por Chiara Parisi – foi recriada em Monnaie de Paris em um novo espírito de liberdade . O show convida os visitantes a se tornarem participantes, compradores, coautores da obra de arte ou mesmo criadores. Os artistas generosamente oferecem e doam objetos e obras de arte em todo o espaço da exposição. Começando na entrada do prédio da Monnaie de Paris, Fabrice Hyber, Yoko Ono, Kerstin Bratsch e Sarah Ortmeyer apresentam seus projetos ao público.

Árvore dos Desejos
A entrada principal é emoldurada por duas oliveiras. Essas árvores de desejo de Yoko Ono não produzem azeitonas, enquanto os visitantes são convidados a pendurar seus desejos em um rótulo nos galhos das árvores. O público se torna a força motriz de um impulso coletivo, apoiando suas esperanças nesse símbolo da paz.

Monstro (Edição Koko)
Com o MONSTER (edição KOKO), Kerstin Brätsch e Sarah Ortmeyer colaboraram para criar um ambiente que combinava natureza e artificialidade. Os ovos exibidos na escada por Kerstin Brätsch parecem ter caído de palmeiras altas projetadas por Sarah Ortmeyer. O visitante é convidado a percorrer esse cenário incomum e colher frutas como uma caça aos ovos de Páscoa. Apanhar esses ovos lembra o primeiro gesto de homens e mulheres que se alimentaram do que a natureza oferece.

Divã
O corpo do visitante é posto à prova com obras de arte e instalações para experimentar. A experimentação física assume o comportamento tradicional que se pode ter ao visitar um museu. O divã de Franz West é um lugar para descansar para os visitantes que acabaram de subir as escadas de Monnaie de Paris e uma escultura para observar. Agora você tem a opção de interagir ou não com a obra de arte.

Leve-me (eu sou seu)
Entre as duas peças do Divan, o artista Douglas Gordon convida os visitantes a participar de um sorteio. O prêmio, ao ganhar um jantar íntimo com o próprio artista, transforma a arte em um evento social.

Sem título
Na bilheteria, a arte também está presente como questão de discussão e troca. Paweł Althamer cria um banco comercial onde o público se senta com um artista e cria sua própria moeda virtual. Este se torna muito real quando o artista o valida com um buffer e, assim, permite ao visitante negociá-lo contra uma oficina, uma visita ou um evento no Monnaie de Paris e em outras instituições de arte.

Sem título (Eau de RRose of Damascus)
Antes de entrar no Salon Dupré, o artista Rirkrit Tiravanija cria um ambiente que convida a compartilhar uns com os outros. As pessoas podem se reunir por volta de um século 14 ainda da Síria, que produz água de rosas. Cada visitante pode pegar um frasco deste perfume e também comer um anfitrião com perfume de rosa. O título da obra, Sem título (Eau de RRose de Damasco), é uma referência tanto à função principal do imóvel quanto ao seu particular. forma que lembra o Bottle Rack de Marcel Duchamp. RRose também se refere à criação em 1921 de um perfume chamado Eau de voilette Belle haleine pelo alter ego de Duchamp, RRose Sélavy, em colaboração com Man Ray.

Dispersão
Dentro do Salon Dupré, as pessoas percorrem as pilhas de roupas de Christian Boltanski e as pilhas de pôsteres de Félix González-Torres. O trabalho de Boltanski é intitulado Dispersão (Dispersão). Segundo o artista, essas peças de roupa são equivalentes a um retrato fotográfico ou a um cadáver na forma como representam a ausência de alguém. Ao tirar uma dessas peças, o público devolve a vida às roupas.

Sem título
Os visitantes precisam pegar um dos pôsteres de Felix González-Torres nas estantes para ativar a obra de arte. Esse processo transforma cada pilha em uma “enorme escultura pública” por causa de sua dispersão e circulação permanente. Esta obra de arte é tornada pública principalmente porque tem o poder de pertencer a todos, tirando proveito de sua reprodutibilidade. Outro trabalho de Félix González-Torres, Untitled (Revenge), é um monte de balas azuis exibidas no chão de uma sala de exposições. O peso dessa pilha representa o peso de Felix González-Torres e seu parceiro, Ross, que morreram de AIDS. A erosão da pilha de doces ecoa a lenta consumação dos corpos do casal pela doença.

Os Banners
Embora o título desta peça possa se referir a uma propaganda, os textos escritos nos banners estão mais relacionados a slogans de protesto do que a publicidade. O público pode retirar esses slogans em crachás disponíveis em uma bandeja. Gilbert & George transformam o corpo do visitante em um artifício artístico. As obras de arte realizadas pelo público contribuem para a realização de uma das principais idéias desta dupla inglesa: “art for all”.

Troca
Um artista atrás de uma mesa, como um fornecedor, fornece um objeto. Quando o primeiro visitante entra na sala, o artista tenta trocar esse objeto por qualquer objeto pertencente ao visitante e que ele ou ela esteja disposto a trocar. Uma negociação coletiva é então estabelecida sobre o valor da troca. Roman Ondák produz obras que ecoam o espaço expositivo e colocam o visitante no centro do processo criativo. Ele cria uma situação em que o visitante está envolvido e atua no trabalho, que “se desenvolve” ao longo da exposição.

L’Os du bonheur
Na Polônia, onde o artista nasceu, os feiticeiros usavam esse osso para curar doenças, enquanto os feiticeiros os usavam para lançar feitiços nos homens para que as mulheres pudessem se casar com eles. O artista aplica o conceito de produção em cadeia mecânica a uma obra de arte. Dessa maneira, ela derruba os canais comerciais tradicionais. Este trabalho é um encontro entre o mundo irracional das superstições, que nutre o trabalho do artista, e o mundo racional das tecnologias avançadas, que a impressora 3D representa.

Exposição no tempo real n.43: Lascia esta mais parecida com uma traça fotografada da sua passagem
Franco Vaccari é o primeiro artista a instalar um estande de trabalho em um espaço de exposição e disponibilizá-lo ao público. O trabalho do artista incentiva os visitantes a tirar uma foto deles e prendê-lo nas paredes da galeria. O trabalho do visitante é dividido entre uma cocriação e uma lembrança de sua participação na exposição. Franco Vaccari usa a fotografia como prova da presença física do indivíduo.

Monnaie de Paris
Fundada em 864, a Monnaie de Paris é a instituição mais antiga da França e a empresa mais antiga do mundo. Cumpre a missão de serviço público de encontrar as moedas em euro em circulação na França, bem como as moedas para outras moedas estrangeiras. Durante doze séculos, cultivou uma venerável tradição de artes e ofícios de metalurgia. Foi o primeiro estabelecimento industrial de Paris e é o último em operação hoje. As peças artísticas ainda são produzidas em sua histórica fabricação Quai de Conti.
Ligado ao ministério francês da economia, finanças e indústria desde 1796, Monnaie de Paris tornou-se um Etablissement public industriel et commercial (EPIC, uma designação oficial para instituições industriais e comerciais financiadas pelo Estado) em janeiro de 2007.