Une nature morte est une œuvre d’art représentant la plupart du temps des objets inanimés, objets banals qui sont soit naturels (nourriture, fleurs, animaux morts, plantes, roches, coquillages, etc.) ou artificiels (verres, livres, vases, bijoux, pièces de monnaie, pipes, etc.).

Avec ses origines au Moyen Age et l’art gréco-romain antique, la peinture de natures mortes a émergé comme un genre distinct et une spécialisation professionnelle dans la peinture occidentale à la fin du 16ème siècle, et est restée significative depuis lors. Une forme de nature morte donne à l’artiste plus de liberté dans l’arrangement des éléments dans une composition que des peintures d’autres types de sujets tels que le paysage ou le portrait. La nature morte, en tant que genre particulier, a commencé avec la peinture hollandaise des 16ème et 17ème siècles, et le terme anglais nature morte vient du mot néerlandais stilleven. Les premières peintures de natures mortes, en particulier avant 1700, contenaient souvent un symbolisme religieux et allégorique relatif aux objets représentés. Certains travaux de nature morte modernes cassent la barrière bidimensionnelle et emploient des médias mélangés tridimensionnels, et utilisent des objets trouvés, la photographie, l’infographie, aussi bien que la vidéo et le son.

Le terme comprend la peinture d’animaux morts, en particulier le gibier. Les vivants sont considérés comme de l’art animalier, bien qu’ils soient souvent peints à partir de modèles morts. La catégorie nature morte partage également des points communs avec l’illustration zoologique et surtout botanique, où il y a eu un chevauchement considérable entre les artistes. Généralement, une nature morte comprend un arrière-plan entièrement décrit et place les préoccupations esthétiques plutôt qu’illustratives au premier plan.

La vie immobile occupait le dernier échelon de la hiérarchie des genres, mais elle a été extrêmement populaire auprès des acheteurs. En plus de la nature morte indépendante, la nature morte englobe d’autres types de peinture avec des éléments de nature morte éminents, généralement symboliques, et des «images qui s’appuient sur une multitude d’éléments de nature morte pour reproduire une tranche de vie». «  ». La peinture en trompe-l’œil, qui a l’intention de tromper le spectateur en lui faisant croire que la scène est réelle, est un type de nature morte spécialisé, montrant généralement des objets inanimés et relativement plats.

Antécédents et développement

Les peintures de natures mortes ornent souvent l’intérieur des anciennes tombes égyptiennes. On croyait que les objets alimentaires et les autres objets qui y étaient représentés deviendraient, dans l’au-delà, réels et disponibles pour le défunt. Les peintures de vase grecques anciennes démontrent également une grande habileté dans la représentation des objets et des animaux de tous les jours. Peïniïkos est mentionné par Pline l’Ancien comme un peintre de panneaux de sujets «bas», tels que survivre dans des versions en mosaïque et des peintures murales provinciales à Pompéi: «boutiques de barbiers, stalles, culs, comestibles et sujets similaires».

Des natures mortes similaires, plus simplement décoratives, mais avec une perspective réaliste, ont également été trouvées dans les peintures murales et les mosaïques romaines découvertes à Pompéi, Herculanum et la Villa Boscoreale, y compris le dernier motif familier d’un bol de fruits. Les mosaïques décoratives appelées «emblema», trouvées dans les demeures des riches Romains, démontraient la gamme de nourriture dont jouissaient les classes supérieures, et servaient également de signe d’hospitalité et de célébrations des saisons et de la vie.

Au 16ème siècle, la nourriture et les fleurs apparaîtraient à nouveau comme des symboles des saisons et des cinq sens. La tradition de l’utilisation du crâne dans les peintures comme symbole de la mortalité et des restes terrestres, avec la phrase d’accompagnement Omnia mors aequat (La mort rend tout égal), commence également à l’époque romaine. Ces images vanitas ont été réinterprétées au cours des 400 dernières années de l’histoire de l’art, à commencer par les peintres hollandais vers 1600.

L’appréciation populaire du réalisme de la nature morte est relatée dans l’ancienne légende grecque de Zeuxis et de Parrhasius, qui auraient autrefois rivalisé pour créer les objets les plus vivants, les premières descriptions de l’histoire de la peinture en trompe-l’œil. Comme Pline l’Ancien l’a noté dans l’Antiquité romaine, les artistes grecs des siècles plus tôt étaient déjà avancés dans les arts du portrait, de la peinture de genre et de la nature morte. Il a distingué Peiraikos, «dont l’art n’est surpassé que par un très petit nombre … Il a peint des salons de coiffure et des étals de cordonniers, des ânes, des légumes, et ainsi s’appelait le« peintre de sujets vulgaires »; cependant ces œuvres sont tout à fait charmantes, et elles ont été vendues à des prix plus élevés que les plus grandes peintures de beaucoup d’autres artistes.

Moyen Âge et début de la Renaissance
À partir de 1300, à commencer par Giotto et ses élèves, la peinture de natures mortes a été relancée sous la forme de niches fictives sur des peintures murales religieuses représentant des objets du quotidien. À travers le Moyen Age et la Renaissance, la nature morte dans l’art occidental restait avant tout un complément aux sujets religieux chrétiens, et convoquait une signification religieuse et allégorique. Cela était particulièrement vrai dans le travail des artistes d’Europe du Nord, dont la fascination pour le réalisme optique et le symbolisme très détaillés les a amenés à prêter une grande attention au message global de leurs peintures. Des peintres comme Jan van Eyck utilisaient souvent des éléments de nature morte dans le cadre d’un programme iconographique.

À la fin du Moyen Age, des éléments de nature morte, principalement des fleurs mais aussi des animaux et parfois des objets inanimés, sont peints avec un réalisme croissant aux confins des manuscrits enluminés, développant des modèles et des avancées techniques utilisés par les grands peintres. Il y avait un chevauchement considérable entre les artistes qui fabriquaient des miniatures pour les manuscrits et ces panneaux de peinture, en particulier dans la peinture des premiers Néerlandais. Les Heures de Catherine de Clèves, probablement fabriquées à Utrecht vers 1440, sont un exemple remarquable de cette tendance, avec des frontières présentant une gamme extraordinaire d’objets, y compris des pièces de monnaie et des filets de pêche, choisis pour compléter le texte ou l’image principale. point particulier. Les ateliers flamands plus tard dans le siècle ont pris le naturalisme des éléments de frontière encore plus loin. Les tapisseries gothiques millefleurs sont un autre exemple de l’intérêt général croissant pour des représentations précises des plantes et des animaux. L’ensemble de La Dame et de la Licorne est l’exemple le plus connu, dessiné à Paris vers 1500 puis tissé en Flandre.

Le développement de la technique de peinture à l’huile par Jan van Eyck et d’autres artistes nord-européens a permis de peindre des objets de tous les jours de cette manière hyperréaliste, grâce aux qualités de séchage, de mélange et de superposition des couleurs à l’huile. Leonardo da Vinci fut l’un des premiers à s’affranchir du sens religieux. Il conçut des aquarelles de fruits (vers 1495) dans le cadre de son introspection sur la nature et Albrecht Dürer réalisa également des dessins colorés précis de la flore et de la faune.

Le portrait de Petrus Christus d’une mariée et d’un palefrenier visitant un orfèvre est un exemple typique d’une nature morte transitoire représentant à la fois le contenu religieux et profane. Bien que la plupart du temps allégorique dans le message, les figures du couple sont réalistes et les objets montrés (pièces de monnaie, récipients, etc.) sont exactement peints mais l’orfèvre est en réalité une représentation de saint Eligius et les objets fortement symboliques. Un autre type de peinture similaire est le portrait de famille qui combine des figures avec une table de nourriture bien définie, qui symbolise à la fois la piété des sujets humains et leurs remerciements pour l’abondance de Dieu. À cette époque, de simples représentations de natures mortes divorcées de figures (mais pas de sens allégorique) commençaient à être peintes à l’extérieur de volets de peintures de dévotion privées. Un pas de plus vers la nature morte autonome fut la peinture de fleurs symboliques dans des vases au dos de portraits séculaires vers 1475. Jacopo de ‘Barbari alla encore plus loin avec sa Nature morte avec perdrix, gants de fer et arbalètes (1504) parmi les premières peintures de natures mortes en trompe-l’œil signées et datées, qui contiennent un contenu religieux minimal.

Divers navires à la frontière d’un livre d’heures illuminé pour Engelbert de Nassau, artiste flamand, années 1470	Détail d’une des tapisseries de la Dame et de la Licornemillefleurs, c. 1500	Albrecht Dürer, La grande pièce de gazon , 1503	Jacopo de ‘Barbari, Nature morte à la perdrix et aux gantelets (1504), une nature morte très tôt indépendante, peut-être le dos ou la couverture d’un portrait