Ein Stilleben ist ein Kunstwerk, das hauptsächlich leblose Gegenstände darstellt, typischerweise alltägliche Gegenstände, die entweder natürlich sind (Nahrung, Blumen, tote Tiere, Pflanzen, Steine, Muscheln, etc.) oder vom Menschen gemacht sind (Trinkgläser, Bücher, Vasen, Schmuck, Münzen, Pfeifen usw.).

Mit Ursprüngen aus dem Mittelalter und der antiken griechisch-römischen Kunst entwickelte sich die Stillebenmalerei bis Ende des 16. Jahrhunderts zu einer eigenständigen Gattung und professionellen Spezialisierung in der westlichen Malerei und ist seither bedeutend geblieben. Eine Stilleben-Form gibt dem Künstler mehr Freiheit in der Anordnung von Elementen innerhalb einer Komposition als Gemälde anderer Sujets wie Landschaft oder Porträt. Das Stilleben als ein bestimmtes Genre begann mit der niederländischen Malerei des 16. und 17. Jahrhunderts, und das englische Wort Still Life leitet sich vom niederländischen Wort stilleven ab. Frühe Stillleben, besonders vor 1700, enthielten oft religiöse und allegorische Symbolik in Bezug auf die abgebildeten Objekte. Einige moderne Still-Life-Arbeiten durchbrechen die zweidimensionale Barriere und setzen dreidimensionale Mischmedien ein und nutzen Fundstücke, Fotografie, Computergrafik sowie Video und Sound.

Der Begriff umfasst das Malen von toten Tieren, insbesondere Wild. Lebendige gelten als Tierkunst, obwohl sie in der Praxis oft aus toten Modellen gemalt wurden.Die Still-Life-Kategorie teilt auch Gemeinsamkeiten mit zoologischen und vor allem botanischen Illustrationen, wo es erhebliche Überschneidungen zwischen Künstlern gab. Im Allgemeinen umfasst ein Stillleben einen vollständig dargestellten Hintergrund und stellt eher ästhetische als illustrative Anliegen in den Vordergrund.

Das Stilleben war die unterste Stufe in der Hierarchie der Genres, war aber bei Käufern äußerst beliebt. Die Stillebenmalerei umfasst neben dem eigenständigen Stilleben auch andere Malereiformen mit prominenten Stillebenselementen, meist symbolischer Natur, und „Bildern, die sich auf eine Vielzahl von Stillebenselementen stützen, um angeblich ein Stück Leben zu reproduzieren „“. Das Trompe-l’œil-Gemälde, das den Betrachter dazu verleiten soll, zu denken, dass die Szene real ist, ist eine spezialisierte Art des Stillebens, das normalerweise unbelebte und relativ flache Objekte zeigt.

Antezedenzien und Entwicklung

Stillebenmalerei schmücken häufig das Innere der alten ägyptischen Gräber. Es wurde geglaubt, dass Nahrungsmittel und andere Gegenstände, die dort abgebildet sind, im Jenseits real und für den Verstorbenen verfügbar werden würden. Auch die altgriechischen Vasenbilder zeigen große Geschicklichkeit bei der Darstellung alltäglicher Gegenstände und Tiere. Peilaikos wird von Plinius dem Älteren als ein Plattenmaler von „niedrigen“ Themen, wie in Mosaik-Versionen und provinziellen Wandmalereien in Pompeji: „Friseursalons, Schusterstände, Esel, Esswaren und ähnliche Themen“ erwähnt.

Ähnliche Stilleben, die in der Absicht, aber mit realistischer Perspektive, einfacher dekorativ sind, wurden auch in den in Pompeji, Herculaneum und der Villa Boscoreale ausgegrabenen römischen Wandgemälden und Bodenmosaiken gefunden, einschließlich des später bekannten Motivs einer Glasschale mit Früchten.Dekorative Mosaike, die „emblema“ genannt werden, die in den Häusern der reichen Römer gefunden wurden, demonstrierten das Angebot der Speisen, die von den oberen Klassen genossen wurden, und fungierten auch als Zeichen der Gastfreundschaft und als Feiern der Jahreszeiten und des Lebens.

Im 16. Jahrhundert würden Speisen und Blumen wieder als Symbole der Jahreszeiten und der fünf Sinne erscheinen. Auch in der Römerzeit ist die Tradition der Verwendung des Schädels in Gemälden als Symbol der Sterblichkeit und irdischen Überreste, oft mit dem zugehörigen Satz Omnia mors aequat (Tod macht alle gleich). Diese Vanitas-Bilder wurden in den letzten 400 Jahren der Kunstgeschichte neu interpretiert, beginnend mit den niederländischen Malern um 1600.

Die volkstümliche Wertschätzung des Realismus der Stilllebenmalerei wird in der antiken griechischen Legende von Zeuxis und Parrhasius erzählt, die einst um die Herstellung lebensechter Objekte bemüht waren, die frühesten Beschreibungen der Trompe-l’œil-Malerei in der Geschichte. Wie Plinius der Ältere in der Antike zu Zeiten der Römer feststellte, waren griechische Künstler bereits Jahrhunderte zuvor in den Künsten der Porträtmalerei, der Genremalerei und des Stillebens weit fortgeschritten. Er hob Peiraikos hervor, „dessen Kunst von nur wenigen übertroffen wird … Er malte Frisiersalons und Schuhmacherstände, Esel, Gemüse und so, und wurde deshalb der“ Maler von vulgären Themen „genannt; doch sind diese Werke ganz entzückend, und sie wurden zu höheren Preisen verkauft als die größten [Bilder] vieler anderer Künstler. “

Mittelalter und Frührenaissance
Um 1300, beginnend mit Giotto und seinen Schülern, wurde die Stilllebenmalerei in Form von fiktiven Nischen auf religiösen Wandgemälden wiederbelebt, die Alltagsgegenstände darstellen. Während des Mittelalters und der Renaissance blieb das Stilleben in der westlichen Kunst in erster Linie eine Ergänzung zu christlichen religiösen Themen und erfasste religiöse und allegorische Bedeutung. Dies galt insbesondere für die Arbeiten nordeuropäischer Künstler, die durch ihre Faszination für den hochdetaillierten optischen Realismus und die Symbolik eine große Aufmerksamkeit auf die Gesamtaussage ihrer Bilder lenkten. Maler wie Jan van Eyck verwendeten oft Stilllebenelemente als Teil eines ikonographischen Programms.

Im Spätmittelalter wurden Stilllebenelemente, meist Blumen, aber auch Tiere und manchmal leblose Objekte, mit zunehmendem Realismus in den Grenzen illuminierter Handschriften gemalt, Modelle und technische Weiterentwicklungen entwickelten, die von Malern größerer Bilder verwendet wurden. Es gab beträchtliche Überschneidungen zwischen den Künstlern, die Miniaturen für Manuskripte herstellen, und denjenigen, die Gemälde malen, besonders in der frühniederländischen Malerei. Die Stunden von Katharina von Kleve, die wahrscheinlich um 1440 in Utrecht entstanden sind, sind eines der herausragenden Beispiele dieses Trends, mit Grenzen, die eine außergewöhnliche Auswahl an Objekten, darunter Münzen und Fischernetze, enthalten, um den Text oder das Hauptbild zu ergänzen bestimmter Punkt. Flandernworkshops später im Jahrhundert nahmen den Naturalismus der Grenzelemente noch weiter. Gotische Millefleur-Tapisserien sind ein weiteres Beispiel für das allgemein zunehmende Interesse an genauen Darstellungen von Pflanzen und Tieren. Das bekannteste Beispiel ist „Die Dame und das Einhorn“, das um 1500 in Paris entworfen und dann in Flandern gewebt wurde.

Die Entwicklung der Ölmalerei-Technik von Jan van Eyck und anderen nordeuropäischen Künstlern ermöglichte es, Alltagsgegenstände aufgrund der langsamen Trocknung, Mischung und Schichtung von Ölfarben hyperrealistisch zu malen. Unter den ersten, die sich von der religiösen Bedeutung losreißen, sind Leonardo da Vinci, der im Rahmen seiner ruhelosen Auseinandersetzung mit der Natur Aquarellstudien über Früchte (um 1495) schuf, und Albrecht Dürer, der auch präzise farbige Zeichnungen von Flora und Fauna fertigte.

Petrus Christus ‚Porträt einer Braut und eines Bräutigams, die einen Goldschmied besuchen, ist ein typisches Beispiel für ein Übergangsstillleben, das sowohl religiösen als auch weltlichen Inhalt zeigt. Die Figuren des Paares sind zwar meist allegorisch, aber realistisch und die gezeigten Objekte (Münzen, Gefäße usw.) sind akkurat bemalt, aber der Goldschmied ist eigentlich eine Darstellung des hl. Eligius und der Objekte, die stark symbolisch sind. Eine andere ähnliche Art von Malerei ist das Familienporträt, das Figuren mit einer gut gedeckten Tafel von Speisen kombiniert, die sowohl die Frömmigkeit der menschlichen Untertanen als auch ihren Dank für die Fülle Gottes symbolisieren. Um diese Zeit wurden einfache, figurengeschiedene Stilllebenbilder (aber nicht allegorische Bedeutung) auf den Außenseiten von Fensterläden privater Andachtsbilder gemalt. Ein weiterer Schritt in Richtung autonomes Stilleben war die Malerei symbolischer Blumen in Vasen auf dem Rücken weltlicher Porträts um 1475. Jacopo de ‚Barbari ging mit seinem Stillleben mit Rebhuhn, Eisenhandschuhen und Armbrustpfeilen (1504) noch einen Schritt weiter die frühesten signierten und datierten Trompe-l’œil-Stillleben, die minimalen religiösen Inhalt enthalten.

Verschiedene Schiffe an der Grenze eines illuminierten Stundenbuches für Engelbert von Nassau, flämischer Künstler, um 1470	Detail eines der Millefleur-Wandteppiche derDame und des Einhorns , c. 1500	Albrecht Dürer, Das große Stück Rasen , 1503	Jacopo de ‚Barbari, Still-Leben mit Rebhuhn und Stulpen (1504), ein sehr frühes unabhängiges Stilleben, vielleicht die Rückseite oder die Abdeckung für ein Porträt