고대와 중년의 정물

정물화는 자연적으로 (음식, 꽃, 죽은 동물, 식물, 암석, 조개 등) 또는 인위적 (술잔, 책, 꽃병 등) 인 일반적으로 평범한 사물을 주로 묘사 한 무생물을 묘사 한 예술 작품입니다. 보석, 동전, 파이프 등).

중세와 고대 그리스 – 로마 예술의 기원과 함께, 정물화는 16 세기 후반 서양화에서 뚜렷한 장르와 전문화 된 전문화로 부상했으며, 그 이후로도 중요한 의미를 지니고 있습니다. 정물화 형태는 조경이나 초상화와 같은 다른 유형의 주제의 그림보다는 컴포지션 내의 요소 배열에서 아티스트에게 더 많은 자유를 부여합니다. 특정 장르의 정물화는 16 세기와 17 세기의 네덜란드 그림으로 시작되었으며, 영어 정물화는 네덜란드 단어 인 스틸렌 (Stilleven)에서 유래합니다. 1700 년 이전의 초기 정물화에는 종종 묘사 된 대상과 관련된 종교적 및 우화 주의적 상징주의가 포함되었습니다. 일부 현대 정물 작품은 2 차원 장벽을 깨고 3 차원 혼합 매체를 사용하고 발견 된 대상, 사진, 컴퓨터 그래픽, 비디오 및 사운드를 사용합니다.

이 용어는 죽은 동물, 특히 게임의 그림을 포함합니다. 살아있는 동물은 실제로는 죽은 모델에서 색칠되었지만 동물 예술로 간주됩니다. 아직도 정물 범주는 동물학과 특히 예술가들 사이에 상당한 중복이있는 식물 그림과 공통점을 공유합니다. 일반적으로 정물화는 완전히 묘사 된 배경을 포함하며, 묘사적인 관심보다는 미적 감각을 기본으로합니다.

정물화는 장르 계층의 가장 낮은 층을 차지했지만 구매자들에게 매우 인기가있었습니다. 독립적 인 정물화뿐만 아니라 스틸 라이프 페인팅은 흔히 상징적 인 현저한 정물 요소를 가진 다른 종류의 그림과 “삶의 조각을 재현하기 위해 정물화 된 수많은 요소에 표면 상으로 의존하는 이미지를 포함합니다 ”.관객을 현장이 실제임을 속이려는 trompe-l’œil 페인팅은 정물의 특수한 유형으로 보통 무생물이며 상대적으로 평평한 물건을 보여줍니다.

선조와 발전

정물화는 종종 고대 이집트 무덤의 내부를 장식합니다. 사후 세계에서 음식물과 그 밖의 물건이 실제로 쓰이며 사망자가 사용할 수 있다고 믿었습니다. 고대 그리스 화병의 그림은 또한 일상의 물건과 동물을 묘사하는 데 훌륭한 기술을 보여줍니다. Peiraikos는 Pliny the Elder에 의해 폼페이의 모자이크 버전 및 지방 벽화에서 생존하는 것과 같은 “낮은”주제의 패널 화가로 언급됩니다. “이발소 상점, 코브라 포장 마차, 당나귀, 먹는 물건 및 이와 유사한 주제”.

더 단순한 의도로 의도적으로 장식되어 있지만 사실적인 시각으로 장식 된 Pompeii, Herculaneum 및 Villa Boscoreale에서 발굴 된 로마 벽화 및 바닥 모자이크에는 과일의 유리 그릇을 모티브로 한 비슷한 정물이 포함되어 있습니다. 풍부한 로마인의 집에서 발견되는 “상징”이라고 불리는 장식 모자이크는 상류 계급이 즐기는 음식의 범위를 보여 주었고, 또한 환대의 신호로, 그리고 계절과 삶의 기념으로 기능했습니다.

16 세기까지, 음식과 꽃은 절기와 오감의 상징으로 다시 나타날 것입니다. 또한 로마 시대부터는 그림에서 두개골 사용의 전통이 필멸의 상징으로, 흔히 옴니아 모스 aequat (죽음은 모든 것을 동등하게 함)와 함께 사용됩니다. 이러한 바 니타 스 이미지는 지난 400 년 동안의 미술사를 통해 1600 년경 네덜란드 화가들로부터 시작하여 다시 해석되었습니다.

정물화의 리얼리즘에 대한 대중적 인식은 고대 그리스 전설의 Zeuxis와 Parrhasius와 관련이 있습니다. Zeuxis와 Parrhasius는 한때 가장 실물과 같은 물건을 만들기 위해 경쟁 해 왔으며 역사상 가장 초기에 묘사 된 trompe-l’œil 그림을 묘사합니다. Pliny Elder가 고대 로마 시대에 기록한 것처럼, 수세기 전에 그리스의 예술가들은 인물화, 장르 회화 및 정물 예술 분야에서 이미 발전했습니다. 그는 Peiraikos를 선정했다. “그의 예술성은 극소수 만 뛰어나다. 그는 이발소와 제화공의 포장 마차, 당나귀, 채소 등을 그렸고, 그런 이유로”저속한 화가 “라고 불리게되었다. 이 작품들은 모두 즐겁고 다른 많은 예술가들보다 위대한 [그림]보다 높은 가격에 팔렸습니다. ”

중세와 초기 르네상스
Giotto와 그의 학생들로부터 시작하여 1300 년경, 일상 생활의 회화는 일상의 물건을 묘사 한 종교적 벽화에 가상의 틈새 형태로 소생되었습니다. 중세와 르네상스를 통해 서양 예술의 정물화는 주로 기독교 종교 과목의 보조물로 남아 있었으며 종교적 우화 적 의미를 소집했다. 특히 북유럽 예술가들의 작품에서 매우 사실적인 사실주의와 상징주의에 매혹되어 회화의 전반적인 메시지에 큰 관심을 갖게되었습니다. 얀 반 아이크 (Jan van Eyck)와 같은 화가들은 종종 정물화 프로그램의 일부로 정물화 요소를 사용했습니다.

중세 후기 중반의 정지 된 삶의 요소들, 주로 꽃들뿐 아니라 동물들과 때로는 무생물들도 조명 된 원고의 경계에서 점점 더 사실적으로 묘사되었고, 더 큰 이미지의 화가들이 사용했던 모델과 기술적 진보가 발전했다. 초기 Netherlandish 그림 특히 원고와 그 그림 패널에 대한 축소 모형을 만드는 예술가 사이에 상당한 중복이있었습니다. 위트레흐트에서 1440 년경 제작 된 클레 베스의 시간은이 추세의 뛰어난 예 중 하나이며, 동전이나 낚시 망을 포함한 특별한 범위의 물체를 특징으로하는 경계선은 그 곳에서 텍스트 나 주 이미지를 보완하도록 선택되었습니다. 특별한 점. 나중에 세기의 플랑드르 워크숍은 국경 요소의 자연주의를 더 멀리 가져 갔다. Gothic millefleur 태피스트리는 식물과 동물의 정확한 묘사에 대한 일반적 관심 증가의 또 다른 예입니다. The Lady와 Unicorn의 세트는 파리에서 1500 년경에 디자인 된 후 가장 많이 알려진 사례입니다.

얀 반 아이크 (Jan van Eyck)와 다른 북유럽 예술가들의 유화 기술 개발로 유성 색상의 느린 건조, 혼합 및 겹겹이 쌓임으로 인해이 사실적인 방식으로 일상 물체를 칠할 수있었습니다. 종교적 의미가없는 첫 번째 것은 자연의 불안정한 시험의 일환으로 과일 (1495 년경)에 대한 수채화 연구를 만든 Leonardo da Vinci와 동식물에 대한 정확한 색칠을 한 Albrecht Dürer였다.

금세 공인을 방문하는 신부와 신랑의 초상화는 종교적인 내용과 세속적 인 내용을 묘사 한 과도기적 인 정물의 전형적인 예입니다. 대부분 메시지가 우화이지만, 부부의 모습은 현실적이며 보여지는 물건 (동전, 혈관 등)은 정확하게 칠해져 있지만, 금세 공인은 사실 성 Eligius와 상징적 인 물건을 묘사 한 것입니다. 또 다른 유사한 유형의 그림은 인물의 경건함과 하나님의 풍요 로움을 상징하는 잘 정돈 된 음식 표와 숫자를 결합한 가족 초상화입니다. 이 무렵, 단순한 정물 묘사가 개인적인 경건한 그림의 셔터의 바깥쪽에 그려지는 수치 (우화적인 의미는 아님)가 그려졌다. 자코토 드 바바리 (Jacopo de ‘Barbari)는 자정 스틸, 철 장갑, 석궁 화살 (1504)으로 자신의 정물을 한 발 더 나아갔습니다. 최소한의 종교적인 내용을 담고있는 가장 초기의 서명되고 날짜가 지정된 trompe-l’œil 정물화.

낫소 (Nassau)의 엥겔 베르트 (Engelbert), 플라 망 (Flemish) 아티스트, 1470 년대를 조명 한 책의 테두리에있는 다양한 선박
레이디와 유니콘 millefleur 태피 스 트리 중 하나의 세부 사항, c. 1500
알브레히트 뒤러 (Albrecht Dürer), 거대한 조각의 잔디 , 1503
Jacopo de ‘Barbari,Partridge and Gauntlets의 정물화 (1504), 매우 초기 독립적 인 정물화, 아마 뒷면의 초상화 또는 표지