Une nature morte est une œuvre d’art représentant la plupart du temps des objets inanimés, objets banals qui sont soit naturels (nourriture, fleurs, animaux morts, plantes, roches, coquillages, etc.) ou artificiels (verres, livres, vases, bijoux, pièces de monnaie, pipes, etc.).

Avec ses origines au Moyen Age et l’art gréco-romain antique, la peinture de natures mortes a émergé comme un genre distinct et une spécialisation professionnelle dans la peinture occidentale à la fin du 16ème siècle, et est restée significative depuis lors. Une forme de nature morte donne à l’artiste plus de liberté dans l’arrangement des éléments dans une composition que des peintures d’autres types de sujets tels que le paysage ou le portrait. La nature morte, en tant que genre particulier, a commencé avec la peinture hollandaise des 16ème et 17ème siècles, et le terme anglais nature morte vient du mot néerlandais stilleven. Les premières peintures de natures mortes, en particulier avant 1700, contenaient souvent un symbolisme religieux et allégorique relatif aux objets représentés. Certains travaux de nature morte modernes cassent la barrière bidimensionnelle et emploient des médias mélangés tridimensionnels, et utilisent des objets trouvés, la photographie, l’infographie, aussi bien que la vidéo et le son.

Le terme comprend la peinture d’animaux morts, en particulier le gibier. Les vivants sont considérés comme de l’art animalier, bien qu’ils soient souvent peints à partir de modèles morts. La catégorie nature morte partage également des points communs avec l’illustration zoologique et surtout botanique, où il y a eu un chevauchement considérable entre les artistes. Généralement, une nature morte comprend un arrière-plan entièrement décrit et place les préoccupations esthétiques plutôt qu’illustratives au premier plan.

La vie immobile occupait le dernier échelon de la hiérarchie des genres, mais elle a été extrêmement populaire auprès des acheteurs. En plus de la nature morte indépendante, la nature morte englobe d’autres types de peinture avec des éléments de nature morte éminents, généralement symboliques, et des «images qui s’appuient sur une multitude d’éléments de nature morte pour reproduire une tranche de vie». «  ». La peinture en trompe-l’œil, qui a l’intention de tromper le spectateur en lui faisant croire que la scène est réelle, est un type de nature morte spécialisé, montrant généralement des objets inanimés et relativement plats.

Antécédents et développement
Les peintures de natures mortes ornent souvent l’intérieur des anciennes tombes égyptiennes. On croyait que les objets alimentaires et les autres objets qui y étaient représentés deviendraient, dans l’au-delà, réels et disponibles pour le défunt. Les peintures de vase grecques anciennes démontrent également une grande habileté dans la représentation des objets et des animaux de tous les jours. Peïniïkos est mentionné par Pline l’Ancien comme un peintre de panneaux de sujets «bas», tels que survivre dans des versions en mosaïque et des peintures murales provinciales à Pompéi: «boutiques de barbiers, stalles, culs, comestibles et sujets similaires».

Des natures mortes similaires, plus simplement décoratives, mais avec une perspective réaliste, ont également été trouvées dans les peintures murales et les mosaïques romaines découvertes à Pompéi, Herculanum et la Villa Boscoreale, y compris le dernier motif familier d’un bol de fruits. Les mosaïques décoratives appelées «emblema», trouvées dans les demeures des riches Romains, démontraient la gamme de nourriture dont jouissaient les classes supérieures, et servaient également de signe d’hospitalité et de célébrations des saisons et de la vie.
Moyen Âge et début de la Renaissance
À partir de 1300, à commencer par Giotto et ses élèves, la peinture de natures mortes a été relancée sous la forme de niches fictives sur des peintures murales religieuses représentant des objets du quotidien. À travers le Moyen Age et la Renaissance, la nature morte dans l’art occidental restait avant tout un complément aux sujets religieux chrétiens, et convoquait une signification religieuse et allégorique. Cela était particulièrement vrai dans le travail des artistes d’Europe du Nord, dont la fascination pour le réalisme optique et le symbolisme très détaillés les a amenés à prêter une grande attention au message global de leurs peintures. Des peintres comme Jan van Eyck utilisaient souvent des éléments de nature morte dans le cadre d’un programme iconographique.

À la fin du Moyen Age, des éléments de nature morte, principalement des fleurs mais aussi des animaux et parfois des objets inanimés, sont peints avec un réalisme croissant aux confins des manuscrits enluminés, développant des modèles et des avancées techniques utilisés par les grands peintres. Il y avait un chevauchement considérable entre les artistes qui fabriquaient des miniatures pour les manuscrits et ces panneaux de peinture, en particulier dans la peinture des premiers Néerlandais. Les Heures de Catherine de Clèves, probablement fabriquées à Utrecht vers 1440, sont un exemple remarquable de cette tendance, avec des frontières présentant une gamme extraordinaire d’objets, y compris des pièces de monnaie et des filets de pêche, choisis pour compléter le texte ou l’image principale. point particulier. Les ateliers flamands plus tard dans le siècle ont pris le naturalisme des éléments de frontière encore plus loin. Les tapisseries gothiques millefleurs sont un autre exemple de l’intérêt général croissant pour des représentations précises des plantes et des animaux. L’ensemble de La Dame et de la Licorne est l’exemple le plus connu, dessiné à Paris vers 1500 puis tissé en Flandre.

Plus tard Renaissance

Seizième siècle
Bien que la plupart des natures mortes après 1600 étaient des peintures relativement petites, une étape cruciale dans le développement du genre était la tradition, principalement centrée sur Anvers, de la « nature morte monumentale », qui étaient de grandes peintures qui incluaient de grandes étendues de nature morte avec des chiffres et souvent des animaux. Ce fut un développement de Pieter Aertsen, dont A Mist Stall avec la Sainte Famille donnant l’aumône (1551, maintenant Uppsala) a introduit le type avec une peinture qui fait encore peur. Un autre exemple est « The Butcher Shop » du neveu d’Aertsen Joachim Beuckelaer (1568), avec sa représentation réaliste des viandes crues dominant le premier plan, tandis qu’une scène de fond évoque les dangers de l’ivrognerie et de la luxure. Le type de très grande cuisine ou scène de marché développé par Pieter Aertsen et son neveu Joachim Beuckelaer représente typiquement une abondance de nourriture avec une cuisine nature morte et de robustes femmes de cuisine flamandes. Une petite scène religieuse peut souvent être établie au loin, ou un thème tel que les Quatre Saisons est ajouté pour élever le sujet. Ce genre de nature morte à grande échelle a continué à se développer dans la peinture flamande après la séparation du Nord et du Sud, mais il est rare dans la peinture hollandaise, bien que d’autres œuvres dans cette tradition anticipent la peinture de genre «joyeuse compagnie».

Graduellement, le contenu religieux a diminué en taille et en placement dans ce type de peinture, bien que les leçons morales se soient poursuivies en tant que sous-contextes. L’une des rares œuvres italiennes dans le style, le traitement du même sujet par Annibale Carracci en 1583, Butcher’s Shop, commence à enlever les messages moraux, comme d’autres peintures de natures mortes «cuisine et marché» de cette période. Vincenzo Campi a probablement introduit le style anversois en Italie dans les années 1570. La tradition se poursuit au siècle suivant, avec plusieurs œuvres de Rubens, qui sous-traitent pour la plupart des natures mortes et des éléments animaux à des maîtres spécialistes tels que Frans Snyders et son élève Jan Fyt. Vers la seconde moitié du 16ème siècle, la nature morte autonome a évolué.

Le dix-septième siècle
D’éminents Académiciens du début du XVIIe siècle, tels qu’Andrea Sacchi, estimaient que le genre et la nature morte ne portaient pas les «gravitas» méritées pour être considérés comme grands. Une formulation influente de 1667 d’André Félibien, historiographe, architecte et théoricien du classicisme français, devint l’affirmation classique de la théorie de la hiérarchie des genres pour le XVIIIe siècle:

Celui qui fait parfaitement des païsages est au-dessus d’un autre qui ne fait que des fruits, des fleurs ou des coquilles. Celui qui peint des animaux vivants est plus estimable que ceux qui représentent des choses mortes et sans mouvement; & comme la figure de l’homme est le plus parfait ouvrage de Dieu sur la Terre, il est certain aussi que celui qui se rend l’imitateur de Dieu en peignant des figures humaines, est beaucoup plus excellent que tous les autres …

Peinture hollandaise et flamande
La nature morte s’est développée en tant que catégorie distincte dans les Pays-Bas au cours du dernier quart du 16ème siècle. Le terme anglais still life vient du mot néerlandais stilleven alors que les langues romanes (ainsi que le grec, le polonais, le russe et le turc) ont tendance à utiliser des termes qui signifient la nature morte. La peinture des premiers Néerlandais du XVe siècle a développé des techniques très illusionnistes tant dans la peinture sur panneau que dans les manuscrits enluminés, où les frontières présentaient souvent des compositions élaborées de fleurs, d’insectes et, dans une œuvre comme les Heures de Catherine de Clèves. Quand le manuscrit enluminé a été déplacé par le livre imprimé, les mêmes qualifications ont été plus tard déployées dans l’illustration botanique scientifique; les Pays-Bas ont mené l’Europe à la fois dans la botanique et sa représentation dans l’art. L’artiste flamand Joris Hoefnagel (1542-1601) réalise des aquarelles et des gouaches de fleurs et d’autres natures mortes pour l’empereur Rodolphe II, et de nombreuses illustrations gravées pour des livres (souvent à la main), comme le Florilège de Hans Collaert. , publié par Plantin en 1600.

Environ 1600 peintures à la fleur dans les huiles sont devenues quelque chose d’un engouement; Karel van Mander a lui-même peint quelques œuvres et note que d’autres artistes maniéristes du Nord tels que Cornelis van Haarlem l’ont également fait. On ne connaît pas de fleurs qui y survivent, mais beaucoup survivent grâce aux grands spécialistes Jan Brueghel l’Ancien et Ambrosius Bosschaert, tous deux actifs dans le sud des Pays-Bas.

Europe du Sud
Dans l’art espagnol, un bodegón est une peinture représentant des objets de garde-manger, tels que des victuailles, du gibier et des boissons, souvent disposés sur une simple dalle de pierre, ainsi qu’une peinture avec une ou plusieurs figures, mais des éléments de nature morte généralement situé dans une cuisine ou une taverne. À partir de la période baroque, de telles peintures sont devenues populaires en Espagne dans le deuxième quart du 17ème siècle. La tradition des natures mortes semble avoir commencé et était beaucoup plus populaire dans les Pays-Bas contemporains, aujourd’hui la Belgique et les Pays-Bas (alors artistes flamands et hollandais), que dans le sud de l’Europe. Les natures mortes du Nord présentaient de nombreux sous-genres; le morceau de petit déjeuner a été augmenté par le trompe-l’œil, le bouquet de fleur, et les vanitas.

En Espagne, il y avait beaucoup moins de clients pour ce genre de choses, mais un type de petit-déjeuner est devenu populaire, avec quelques objets de nourriture et de vaisselle posés sur une table. La peinture de nature morte en Espagne, aussi appelée bodegones, était austère. Il différait de la nature morte hollandaise, qui contenait souvent de riches banquets entourés de tissus luxueux et luxueux. Le jeu dans les peintures espagnoles est souvent de simples animaux morts qui attendent toujours d’être écorchés. Les fruits et légumes sont non cuits. Les arrière-plans sont des blocs géométriques en bois sombre ou ordinaire, créant souvent un air surréaliste. Même si les natures mortes hollandaises et espagnoles avaient souvent un but moral enraciné, l’austérité, que certains assimilent à la morosité de certains plateaux espagnols, semble rejeter les plaisirs sensuels, la plénitude et le luxe des natures mortes hollandaises.

XVIIIe siècle
Le 18ème siècle dans une large mesure a continué à affiner les formules du 17ème siècle, et les niveaux de production ont diminué. Dans le style rococo, la décoration florale est devenue beaucoup plus commune sur la porcelaine, le papier peint, les tissus et l’ameublement en bois sculpté, de sorte que les acheteurs ont préféré leurs peintures pour avoir des figures pour un contraste. Un changement fut un nouvel enthousiasme parmi les peintres français, qui forment maintenant une grande proportion des artistes les plus notables, tandis que les Anglais restaient contents d’importer. Jean-Baptiste Chardin peignait de petits et simples ensembles de nourriture et d’objets dans un style très subtil qui s’inspirait à la fois des maîtres hollandais de l’âge d’or et devait être très influent sur les compositions du XIXe siècle. Les sujets de jeu morts ont continué à être populaires, en particulier pour les pavillons de chasse; la plupart des spécialistes ont également peint des sujets d’animaux vivants. Jean-Baptiste Oudry a combiné de superbes rendus de textures de fourrure et de plume avec des fonds simples, souvent le blanc uni d’un mur de garde-manger à la chaux, qui les a mis en valeur.

Au 18ème siècle, dans de nombreux cas, les connotations religieuses et allégoriques des natures mortes ont été abandonnées et les peintures de table de cuisine ont évolué en représentations calculées de couleurs et de formes variées, affichant des aliments de tous les jours. L’aristocratie française employait des artistes pour exécuter des tableaux de nature morte généreuse et extravagante qui ornaient leur table à manger, également sans le message vaniteux moraliste de leurs prédécesseurs hollandais. L’amour de l’artifice rococo a conduit à une augmentation de l’appréciation en France pour la peinture en trompe-l’œil (français: « tromper l’oeil »). Les natures mortes de Jean-Baptiste Chardin emploient une variété de techniques allant du réalisme hollandais aux harmonies plus douces.

XIXe siècle
Avec la montée des Académies européennes, notamment l’Académie française qui a joué un rôle central dans l’art académique, la nature morte a commencé à tomber en disgrâce. Les Académies ont enseigné la doctrine de la «Hiérarchie des genres» (ou «Hiérarchie de l’objet»), selon laquelle le mérite artistique d’une peinture reposait principalement sur son sujet. Dans le système académique, la forme la plus élevée de la peinture consistait en images de signification historique, biblique ou mythologique, avec des natures mortes reléguées à l’ordre le plus bas de la reconnaissance artistique. Au lieu d’utiliser la nature morte pour glorifier la nature, certains artistes, tels que John Constable et Camille Corot, ont choisi des paysages pour servir cette fin.

Lorsque le néoclassicisme a commencé à décliner dans les années 1830, la peinture de genre et de portrait est devenue le centre des révolutions artistiques réalistes et romantiques. Beaucoup de grands artistes de cette période ont inclus la vie encore dans leur corps de travail. Les natures mortes de Francisco Goya, Gustave Courbet et Eugène Delacroix véhiculent un fort courant émotionnel, moins soucieux d’exactitude et plus d’humeur. Bien que modelés sur les natures mortes de Chardin, les natures mortes d’Édouard Manet sont fortement tonales et clairement orientées vers l’impressionnisme. Henri Fantin-Latour, utilisant une technique plus traditionnelle, était célèbre pour ses peintures de fleurs exquises et vivait presque exclusivement en peignant des natures mortes pour les collectionneurs.

XXe siècle
Les quatre premières décennies du 20ème siècle ont formé une période exceptionnelle de ferment et de révolution artistiques. Les mouvements d’avant-garde évoluent rapidement et se chevauchent dans une marche vers l’abstraction totale non figurative. La nature morte, ainsi que d’autres arts figuratifs, ont continué à évoluer et à s’adapter jusqu’au milieu du siècle, lorsque l’abstraction totale, comme illustré par les peintures au goutte à goutte de Jackson Pollock, a éliminé tout contenu reconnaissable.

Le siècle a commencé avec plusieurs tendances s’emparant de l’art. En 1901, Paul Gauguin peint Still Life with Sunflowers, son hommage à son ami Van Gogh, décédé onze ans plus tôt. Le groupe connu sous le nom de Les Nabis, y compris Pierre Bonnard et Édouard Vuillard, a repris les théories harmoniques de Gauguin et a ajouté des éléments inspirés des gravures sur bois japonaises à leurs natures mortes. L’artiste français Odilon Redon a également peint une nature morte notable durant cette période, en particulier les fleurs.

21e siècle
Au cours des XXe et XXIe siècles, la notion de nature morte a été étendue au-delà des formes artistiques traditionnelles de la peinture en deux dimensions: l’art vidéo et les formes artistiques tridimensionnelles telles que la sculpture, la performance et l’installation. Certains travaux de nature morte utilisant des techniques mixtes emploient des objets trouvés, la photographie, la vidéo et le son, et même débordent du plafond au sol et remplissent une pièce entière dans une galerie. Grâce à la vidéo, les artistes de nature morte ont intégré le spectateur dans leur travail. Après l’ère de l’informatique avec l’art informatique et l’art numérique, la notion de nature morte a également inclus la technologie numérique. Les graphiques générés par ordinateur ont potentiellement augmenté les techniques disponibles pour les artistes de nature morte. L’infographie 3D et l’infographie 2D avec des effets photoréalistes 3D sont utilisés pour générer des images synthétiques de nature morte. Par exemple, un logiciel d’art graphique comprend des filtres qui peuvent être appliqués à des graphiques vectoriels 2D ou des graphiques raster 2D sur des calques transparents. Les artistes visuels ont copié ou visualisé des effets 3D pour rendre manuellement des effets photoréalistes sans l’utilisation de filtres.