Bodegón en la edad media y antigua

Una naturaleza muerta es una obra de arte que representa en su mayoría temas inanimados, por lo general objetos comunes que son naturales (alimentos, flores, animales muertos, plantas, rocas, conchas, etc.) o hechos por el hombre (vasos, libros, jarrones, joyas, monedas, pipas, etc.).

Con orígenes en la Edad Media y el arte antiguo grecorromano, la pintura de bodegones surgió como un género distintivo y una especialización profesional en la pintura occidental a fines del siglo XVI, y se ha mantenido significativa desde entonces. Una forma de naturaleza muerta le da al artista más libertad en la disposición de los elementos dentro de una composición que las pinturas de otros tipos de temas, como el paisaje o el retrato. La naturaleza muerta, como un género particular, comenzó con la pintura holandesa de los siglos XVI y XVII, y el término inglés still life deriva de la palabra holandesa stilleven. Las primeras pinturas de bodegones, particularmente antes de 1700, a menudo contenían simbolismos religiosos y alegóricos relacionados con los objetos representados.Algunos trabajos modernos de naturaleza muerta rompen la barrera bidimensional y emplean medios mixtos tridimensionales, y utilizan objetos encontrados, fotografías, gráficos por computadora, así como video y sonido.

El término incluye la pintura de animales muertos, especialmente el juego. Los vivos se consideran arte animal, aunque en la práctica a menudo fueron pintados a partir de modelos muertos. La categoría de naturaleza muerta también comparte puntos en común con la ilustración zoológica y especialmente botánica, donde ha habido una considerable superposición entre los artistas. En general, una naturaleza muerta incluye un fondo completamente representado, y pone las preocupaciones estéticas más que ilustrativas como primarias.

La naturaleza muerta ocupaba el escalón más bajo de la jerarquía de géneros, pero ha sido extremadamente popular entre los compradores. Además del tema de la naturaleza muerta independiente, la pintura de bodegones abarca otros tipos de pintura con elementos de naturaleza muerta prominentes, generalmente simbólicos, e «imágenes que dependen de una multitud de elementos de naturaleza muerta para reproducir aparentemente una ‘rebanada de vida’ ‘». La pintura trompe-l’œil, que intenta engañar al espectador para que piense que la escena es real, es un tipo de naturaleza muerta especializada, que generalmente muestra objetos inanimados y relativamente planos.

Antecedentes y desarrollo

Las pinturas de naturalezas muertas a menudo adornan el interior de las antiguas tumbas egipcias. Se creía que los objetos alimenticios y otros elementos representados allí, en el más allá, se volverían reales y estarían disponibles para el uso del difunto. Las pinturas de vasijas griegas antiguas también demuestran una gran habilidad para representar objetos y animales cotidianos. Peiraikos es mencionado por Plinio el Viejo como un pintor de panel de temas «bajos», como sobrevivir en versiones de mosaico y pinturas murales provinciales en Pompeya: «barberías, puestos de zapateros, asnos, comestibles y temas similares».

Bol de vidrio de frutas y jarrones. Pintura mural romana en Pompeya (alrededor del 70 dC), Museo Arqueológico Nacional de Nápoles, Nápoles, Italia

Bodegones similares, más simplemente decorativos en su intención, pero con una perspectiva realista, también se han encontrado en las pinturas murales romanas y los mosaicos del piso desenterrados en Pompeya, Herculano y la Villa Boscoreale, incluyendo el motivo familiar posterior de un recipiente de vidrio con fruta. Los mosaicos decorativos denominados «emblema», encontrados en las casas de los romanos ricos, demostraban la variedad de comida que disfrutaban las clases altas, y también funcionaban como signos de hospitalidad y como celebraciones de las estaciones y de la vida.

En el siglo XVI, la comida y las flores volverían a aparecer como símbolos de las estaciones y de los cinco sentidos. También a partir de la época romana es la tradición del uso del cráneo en las pinturas como un símbolo de la mortalidad y los restos terrenales, a menudo con la frase acompañante Omnia mors aequat (La muerte lo hace todo igual). Estas imágenes vanitas han sido reinterpretadas a lo largo de los últimos 400 años de historia del arte, empezando por los pintores holandeses alrededor de 1600.

Naturaleza muerta en un mosaico del siglo II, con pescado, aves, dátiles y verduras del Vaticanmuseum

La apreciación popular del realismo de la pintura de naturalezas muertas está relacionada en la antigua leyenda griega de Zeuxis y Parrhasius, de quienes se dice que una vez compitieron para crear los objetos más reales, las primeras descripciones de la historia de la pintura trompe-l’œil. Como Plinio el Viejo grabó en la antigua época romana, los artistas griegos, siglos antes, ya habían avanzado en las artes de la pintura de retratos, la pintura de género y la naturaleza muerta.Destacó a Peiraikos, «cuyo arte es superado por muy pocos … pintó puestos de barberías y zapateros, burros, verduras y demás, y por esa razón llegó a llamarse el» pintor de temas vulgares «; sin embargo, estas obras son deliciosas, y se vendieron a precios más altos que las mejores [pinturas] de muchos otros artistas «.

Edad Media y Renacimiento temprano
Hacia 1300, comenzando con Giotto y sus alumnos, la pintura de naturalezas muertas se revivió en forma de nichos ficticios en pinturas murales religiosas que representaban objetos cotidianos. A través de la Edad Media y el Renacimiento, la naturaleza muerta en el arte occidental se mantuvo principalmente como un complemento de los temas religiosos cristianos, y convocó el significado religioso y alegórico. Esto fue particularmente cierto en el trabajo de los artistas del norte de Europa, cuya fascinación por el realismo óptico y el simbolismo altamente detallados los llevaron a prodigar gran atención al mensaje general de sus pinturas.Pintores como Jan van Eyck a menudo usaban elementos de naturalezas muertas como parte de un programa iconográfico.

Hans Memling (1430-1494), Jarrón de flores (1480), Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid. Según algunos estudiosos, el Jarrón de flores está lleno de simbolismo religioso.

En los últimos años de la Edad Media, elementos de naturaleza muerta, en su mayoría flores, pero también animales y, a veces, objetos inanimados, fueron pintados con realismo creciente en los bordes de manuscritos iluminados, desarrollando modelos y avances técnicos que fueron utilizados por pintores de imágenes más grandes. Hubo una considerable coincidencia entre los artistas que hacen miniaturas para los manuscritos y los paneles de pintura, especialmente en la pintura temprana neerlandesa. Las Horas de Catalina de Cleves, probablemente hechas en Utrecht alrededor de 1440, es uno de los ejemplos más destacados de esta tendencia, con bordes que presentan una extraordinaria gama de objetos, incluyendo monedas y redes de pesca, elegidos para complementar el texto o la imagen principal en ese momento. punto particular. Los talleres flamencos de finales de siglo llevaron aún más el naturalismo de los elementos fronterizos. Las tapicerías góticas de millefleur son otro ejemplo del creciente interés general en representaciones precisas de plantas y animales. El conjunto de La dama y el unicornio es el ejemplo más conocido, diseñado en París alrededor de 1500 y luego tejido en Flandes.

El desarrollo de la técnica de pintura al óleo por Jan van Eyck y otros artistas del norte de Europa hizo posible pintar objetos cotidianos de esta manera hiperrealista, debido a las cualidades de secado lento, mezcla y estratificación de los colores del petróleo. Entre los primeros en liberarse del significado religioso estuvieron Leonardo da Vinci, que creó acuarelas de frutas (alrededor de 1495) como parte de su incansable examen de la naturaleza, y Albrecht Dürer, quien también realizó precisos dibujos de colores de flora y fauna.

El retrato de un novio y una novia de Petrus Christus visitando a un orfebre es un ejemplo típico de bodegones de transición que representan tanto el contenido religioso como el secular. Aunque el mensaje es principalmente alegórico, las figuras de la pareja son realistas y los objetos mostrados (monedas, vasijas, etc.) están pintados con precisión, pero el orfebre es en realidad una representación de San Eligio y los objetos muy simbólicos. Otro tipo similar de pintura es el retrato familiar que combina figuras con una mesa de comida bien puesta, que simboliza tanto la piedad de los sujetos humanos como su agradecimiento por la abundancia de Dios. Alrededor de este tiempo, simples representaciones de naturalezas muertas divorciadas de figuras (pero sin significado alegórico) empezaban a pintarse en el exterior de las persianas de las pinturas devocionales privadas. Otro paso hacia la naturaleza muerta autónoma fue la pintura de flores simbólicas en jarrones en la parte posterior de retratos seculares alrededor de 1475. Jacopo de ‘Barbari dio un paso más con su Naturaleza muerta con perdiz, Guantes de hierro y flechas de ballesta (1504), entre las primeras pinturas muertas con trompe-l’œil, firmadas y fechadas, que contienen un contenido religioso mínimo.

Varias vasijas en el borde de un libro iluminado de horas para Engelbert of Nassau, artista flamenco, década de 1470

Detalle de uno de lostapices millefleur deLa Dama y el Unicornio , c. 1500

Albrecht Dürer, La gran pieza de césped , 1503

Jacopo de ‘Barbari, naturaleza muerta con perdiz y guanteletes (1504), una naturaleza muerta independiente muy temprana, tal vez la parte posterior o la cubierta de un retrato