Uma natureza morta é uma obra de arte que retrata principalmente objetos inanimados, objetos tipicamente comuns que são naturais (comida, flores, animais mortos, plantas, pedras, conchas, etc.) ou feitos pelo homem (copos, livros, vasos, jóias, moedas, cachimbos, etc.).

Com origens na Idade Média e na arte greco-romana antiga, a pintura da natureza-morta emergiu como um gênero distinto e especialização profissional na pintura ocidental no final do século XVI, e permaneceu significativa desde então. Uma forma de vida-morta dá ao artista mais liberdade no arranjo de elementos dentro de uma composição do que pinturas de outros tipos de assuntos, como paisagem ou retratos. A natureza morta, como um gênero particular, começou com a pintura neerlandesa dos séculos XVI e XVII, e o termo inglês ainda vida deriva da palavra holandesa ainda. As primeiras pinturas de natureza-morta, particularmente antes de 1700, freqüentemente continham simbolismo religioso e alegórico relacionado aos objetos representados. Alguns trabalhos modernos de natureza morta quebram a barreira bidimensional e empregam mídia mista tridimensional e usam objetos encontrados, fotografia, computação gráfica, além de vídeo e som.

O termo inclui a pintura de animais mortos, especialmente jogo. Os vivos são considerados arte animal, embora na prática fossem frequentemente pintados de modelos mortos. A categoria de naturezas-mortas também compartilha pontos em comum com ilustrações zoológicas e especialmente botânicas, onde houve considerável sobreposição entre os artistas. Geralmente, uma natureza morta inclui um plano de fundo totalmente representado e coloca as preocupações estéticas, em vez de ilustrativas, como primárias.

A vida ainda ocupava o menor degrau da hierarquia de gêneros, mas tem sido extremamente popular entre os compradores. Assim como o tema da natureza morta independente, a pintura de naturezas mortas engloba outros tipos de pintura com elementos proeminentes de natureza morta, geralmente simbólicos, e “imagens que dependem de uma infinidade de elementos de natureza morta para ostensivamente reproduzir uma ‘fatia da vida’. ‘”. A pintura trompe-l’oeil, que pretende enganar o espectador a pensar que a cena é real, é um tipo especializado de natureza morta, geralmente mostrando objetos inanimados e relativamente planos.

Antecedentes e desenvolvimento

Pinturas de naturezas-mortas muitas vezes adornam o interior das antigas tumbas egípcias. Acreditava-se que os objetos de comida e outros itens representados ali, na vida após a morte, se tornariam reais e disponíveis para uso pelo falecido. Pinturas de vasos gregos antigos também demonstram grande habilidade em retratar objetos do cotidiano e animais. Peiraikos é mencionado por Plínio, o Velho, como um pintor de painéis de assuntos “baixos”, como sobreviver em versões em mosaico e pinturas murais provinciais em Pompeia: “barbearias, barracas de sapateiros, jumentos, comestíveis e assuntos semelhantes”.

Ainda vida semelhante, mais simplesmente decorativa em intenção, mas com perspectiva realista, também foram encontradas nas pinturas de parede romanas e mosaicos de chão desenterrados em Pompéia, Herculano e a Villa Boscoreale, incluindo o motivo familiar de uma tigela de vidro. Mosaicos decorativos chamados de “emblema”, encontrados nas casas dos romanos ricos, demonstravam a variedade de alimentos apreciados pelas classes altas, e também funcionavam como sinais de hospitalidade e como celebrações das estações e da vida.

No século 16, comida e flores apareceriam novamente como símbolos das estações e dos cinco sentidos. Também começa nos tempos romanos a tradição do uso do crânio em pinturas como um símbolo de mortalidade e restos terrestres, muitas vezes com a frase de acompanhamento Omnia mors aequat (Morte faz todos iguais). Essas imagens vanitas foram reinterpretadas nos últimos 400 anos da história da arte, começando com os pintores holandeses por volta de 1600.

A apreciação popular do realismo da pintura de naturezas-mortas está relacionada na antiga lenda grega de Zeuxis e Parrhasius, que dizem ter competido para criar os objetos mais vivos, as descrições mais antigas da pintura de trompe-l’il. Como Plínio, o Velho, registrou na antiguidade romana, os artistas gregos séculos antes já estavam avançados nas artes da pintura de retratos, da pintura de gênero e da natureza morta. Ele destacou Peiraikos, “cuja arte é superada apenas por poucos… Ele pintou barracas de barbeiros e sapateiros, burros, legumes e coisas do gênero e, por essa razão, passou a ser chamado de ‘pintor de assuntos vulgares’; no entanto, essas obras são totalmente agradáveis, e foram vendidas a preços mais altos do que as maiores [pinturas] de muitos outros artistas ”.

Idade Média e Início da Renascença
Por volta de 1300, começando com Giotto e seus alunos, a pintura de naturezas-mortas foi revivida na forma de nichos fictícios em pinturas de parede religiosas que retratavam objetos do cotidiano. Durante a Idade Média e a Renascença, a vida ainda na arte ocidental permaneceu principalmente como um complemento aos assuntos religiosos cristãos, e convocou o significado religioso e alegórico. Isso foi particularmente verdadeiro no trabalho de artistas do norte da Europa, cujo fascínio pelo realismo óptico e simbolismo altamente detalhados os levou a dar grande atenção à mensagem geral de suas pinturas. Pintores como Jan van Eyck costumavam usar elementos de natureza-morta como parte de um programa iconográfico.

No final da Idade Média, elementos de natureza morta, principalmente flores, mas também animais e, às vezes, objetos inanimados, foram pintados com crescente realismo nas bordas de manuscritos iluminados, desenvolvendo modelos e avanços técnicos que eram usados ​​por pintores de imagens maiores. Houve considerável sobreposição entre os artistas que fazem miniaturas de manuscritos e painéis de pintura, especialmente na pintura dos primeiros holandeses. As Horas de Catarina de Cleves, provavelmente feitas em Utrecht por volta de 1440, são um dos exemplos marcantes dessa tendência, com fronteiras que apresentam uma extraordinária gama de objetos, incluindo moedas e redes de pesca, escolhidos para complementar o texto ou a imagem principal. ponto particular. As oficinas flamengas no final do século levaram ainda mais o naturalismo dos elementos de fronteira. Tapeçarias millefleur góticas são outro exemplo do crescente interesse geral em representações precisas de plantas e animais. O conjunto de A Dama e o Unicórnio é o exemplo mais conhecido, projetado em Paris por volta de 1500 e depois tecido em Flandres.

O desenvolvimento da técnica de pintura a óleo por Jan van Eyck e outros artistas do norte da Europa possibilitou a pintura de objetos do cotidiano dessa maneira hiper-realista, devido às qualidades de secagem lenta, mistura e camadas das cores de óleo. Entre os primeiros a se libertar do significado religioso estavam Leonardo da Vinci, que criou estudos em aquarela de frutas (por volta de 1495) como parte de seu incansável exame da natureza, e Albrecht Dürer, que também fez desenhos coloridos precisos de flora e fauna.

O retrato de Petrus Christus de uma noiva e de um noivo que visitam um ourives é um exemplo típico de uma natureza-morta transitória que retrata conteúdo religioso e secular. Embora na maior parte alegorical na mensagem, as figuras do casal são realistas e os objetos mostrados (moedas, vasos, etc) são pintados com precisão, mas o ourives é na verdade uma representação de São Elísio e os objetos fortemente simbólicos. Outro tipo semelhante de pintura é o retrato de família que combina figuras com uma mesa de alimentos bem definida, que simboliza tanto a piedade dos sujeitos humanos quanto a gratidão pela abundância de Deus. Por volta dessa época, simples representações de naturezas-mortas, divorciadas de figuras (mas não de significado alegórico), começavam a ser pintadas do lado de fora de persianas de pinturas devocionais particulares. Outro passo em direção à natureza-morta autônoma foi a pintura de flores simbólicas em vasos no verso de retratos seculares por volta de 1475. Jacopo de ‘Barbari deu um passo adiante com sua Natureza morta com perdiz, luvas de ferro e flechas de besta (1504), entre outras. as primeiras pinturas de naturezas-mortas assinadas e datadas de trompe-l’oil, que contêm um mínimo de conteúdo religioso.

Vários navios na fronteira de um livro iluminado de horas para Engelbert de Nassau, artista flamengo, de 1470	Detalhe de uma das tapeçarias do Lady e do Unicórniomillefleur, c. 1500	Albrecht Dürer, o grande pedaço de relva , 1503	Jacopo de ‘Barbari, ainda-vida com perdiz e manoplas (1504), uma natureza morta muito cedo independente, talvez a parte traseira ou capa para um retrato