Scène de genre – HiSoUR Art Culture Histoire

La peinture de genre, aussi appelée scène de genre ou petit genre, dépeint des aspects de la vie quotidienne en décrivant des gens ordinaires engagés dans des activités communes. Une définition commune d’une scène de genre est qu’elle montre des personnages à qui aucune identité ne peut être attachée individuellement ou collectivement – distinguant ainsi le petit genre des peintures d’histoire (aussi appelées grand genre) et des portraits. Une œuvre serait souvent considérée comme une œuvre de genre, même si l’on pouvait montrer que l’artiste avait utilisé une personne connue – un membre de sa famille, par exemple – comme modèle. Dans ce cas, cela dépendrait de savoir si l’œuvre était susceptible d’avoir été voulue par l’artiste pour être perçue comme un portrait – parfois une question subjective. Les représentations peuvent être réalistes, imaginées ou romantiques par l’artiste. En raison de leur sujet familier et souvent sentimental, les peintures de genre se sont souvent révélées populaires auprès de la bourgeoisie ou de la classe moyenne.

Les sujets de genre apparaissent dans de nombreuses traditions artistiques. Les décorations peintes dans les anciennes tombes égyptiennes représentent souvent des banquets, des loisirs et des scènes agraires, et Pline l’Ancien le mentionne comme un peintre de panneaux hellénistique de sujets «bas», tels que survivre en mosaïques et peintures murales provinciales à Pompéi: barbiers, étalages, ânes, comestibles et sujets similaires « . Les manuscrits enluminés médiévaux illustraient souvent des scènes de la vie quotidienne des paysans, en particulier dans les Labours des mois dans la section calendrier des livres d’heures, le plus célèbre les Très Riches Heures du Duc de Berry.

Une distinction claire du portrait ou du portrait de groupe n’est pas toujours possible. Bien que cet être humain identifiable, les personnages de la peinture de genre sont anonymes et caractérisés par leur environnement; l’intérieur est souvent au premier plan.

Parfois, la transition vers la peinture de paysage est fluide, surtout à l’époque du romantisme. En Espagne et en Amérique latine, la peinture de genre du XIXe siècle est aussi appelée costumbrismo.

De nombreuses scènes alléguées de la vie quotidienne sont davantage basées sur des comédies populaires ou des proverbes et sont donc souvent – sinon toujours – narratives. Par exemple, un peintre de genre italien, le napolitain Gaspare Traversi, a créé ses images en parallèle avec le développement et l’apogée de l’opéra buffa napolitana vers le milieu du XVIIIe siècle, lorsque la vie quotidienne du milieu social inférieur a été exposée au ridicule. situations. Cela a envoyé un message moral à l’auditoire. La plupart des images de genre ont aussi une pertinence didactique parce qu’elles ont un fort contenu moral. La présentation de comportements négatifs devrait décourager et encourager un meilleur comportement et des exemples positifs devraient inciter le spectateur à l’imiter. Bien sûr, les images ne peuvent pas être refusées à la valeur visuellement divertissante. En raison des approches interprétatives moralisatrices instructives inhérentes aux images, leurs propriétaires ont pu mettre en valeur leur arrière-plan culturel. Les commissaires pour ce genre d’art provenaient donc exclusivement du milieu bourgeois-laïc.

Contenu:
Son rang dans la hiérarchie des genres est assez bas, mais il a été amené à un point de perfection au XVIIe siècle par le Caravage et ses disciples. C’est aussi un genre très populaire dans les pays du nord de l’Europe. La peinture de genre était très populaire de la seconde moitié du XIXe siècle aux années 1930, détrônant la peinture d’histoire. Il a été enseigné séparément dans les différentes académies des beaux-arts européens.

Les approches de recherche antérieures ont souvent interprété les représentations du soi-disant Gouden Eeuw comme des instantanés de la vie quotidienne auxquels elles ont attaché la valeur d’un témoignage historico-culturel. Depuis les années 1970, il est de plus en plus possible de déchiffrer le contexte iconographique. Il est devenu clair que, bien que les images de genre illustrent une scène quotidienne, derrière laquelle se cache presque toujours une déclaration plus profonde. En conséquence, ils sont dans le sens du langage visuel populaire du baroque d’habitude comme des allégories, en partie avec des déclarations ambiguës complexes, à comprendre.

Traditionnellement, on l’a appelé petit genre en opposition au grand genre qu’est la peinture d’histoire. La représentation artistique des problèmes quotidiens est maintenant très commune, mais elle était inhabituelle à la Renaissance et au Baroque, quand on supposait que l’art avait un contenu intellectuel et créatif qui devait tourner aux cultes et louer des personnages de catégorie, des classes élevées, ou de nobles exemples du passé historique, religieux ou mythologique. Pour cette raison, la peinture de l’histoire était considérée comme le genre supérieur et, d’un autre côté, représenter les paysans et autres populations modestes sans argument ni prétexte moral était irrévérencieux pour les artistes intellectuels.

Dans la Grèce classique, la tragédie était plus valorisée, c’est-à-dire la représentation d’une action noble exécutée par des dieux ou des héros, que la comédie, qui était comprise comme les actions quotidiennes des gens vulgaires. En ce sens, Aristote, dans sa Poétique, finit par donner la préséance à la fiction poétique, parce qu’elle raconte ce qui pourrait arriver, ce qui est possible, crédible ou nécessaire, plus que ce qui s’est réellement passé, ce qui serait le champ de l’historien. À partir du XVIIe siècle a commencé à valoriser plus la représentation de ce que l’art classique a considéré comme « comédie »: le quotidien, les histoires de moindre importance des gens ordinaires. Pas par coïncidence, les représentations de Hogarth de ses contemporains ont été appelées par cette peinture d’histoire comique (« comic story painting »).

Le but de ce type de peinture, de quelque manière que ce soit, peut soulever des doutes. On ne sait pas avec certitude s’il s’agit d’une simple représentation de la réalité avec un but de simple distraction, parfois comique, ou si un but moralisateur a été recherché à travers les exemples proches du spectateur. Les scènes de genre baroques, apparemment quotidiennes, peuvent souvent masquer des thèmes allégoriques. Ainsi, les scènes de groupes de personnes s’amusant et de musiciens ivres permettent la représentation iconographique des «cinq sens». La signification cachée de ces scènes de la vie quotidienne instruirait ainsi un observateur attentif. Il y a donc deux manières d’interpréter ces images: soit une iconographie cryptique qui cache un aspect didactique, soit une simple anecdote de genre pour le divertissement du public bourgeois. Il n’y a aucun doute que dans la peinture de genre du dix-huitième siècle, l’intention satirique ou moralisatrice était présente dans des œuvres comme Hogarth ou Greuze.

Bien que dans le sud de l’Europe la peinture de genre ait été faite du Caravage, la vérité est qu’elle a été cultivée et appréciée principalement dans les pays nordiques. Les grands comitentes (la noblesse, le clergé) n’étaient pas intéressés par ce type d’œuvres, normalement de petit format, qui avait, au contraire, une grande fortune et diffusion parmi la bourgeoisie, la classe moyenne et les marchands, en raison de leur thème familier et souvent sentimental. C’étaient des peintures qui n’exigeaient pas un effort particulier pour les évaluer, car il n’y avait pas de messages cryptiques à déchiffrer à travers les symboles, comme c’était souvent le cas dans la peinture d’histoire. Ce n’est donc pas un hasard si les premiers grands peintres de scènes de genre ont vu le jour aux Pays-Bas, avec une forte composante mercantile.

La scène de genre est un type de travail artistique, principalement pictural, dans lequel des personnes normales sont représentées dans des scènes quotidiennes, dans la rue ou dans la vie privée, contemporaines de l’auteur. Ce qui distingue la scène de genre, c’est qu’elle représente des scènes de la vie quotidienne, telles que les marchés, les intérieurs, les fêtes, les tavernes et les rues. De telles représentations peuvent être réalistes, imaginaires ou embellies par l’artiste. Certaines variantes du terme «travail» ou «travail lié au genre» spécifient le support ou le type de travail visuel en tant que «peinture de genre», «feuilles de genre» ou «photographies de genre». Dans toutes ces expressions, le terme « genre » est utilisé dans une traduction quelque peu forcée du « genre » anglais. En espagnol, le terme peinture costumbrista ou peinture de douane a également été utilisé.

Histoire:
On peut parfois considérer que la peinture de genre existe depuis l’Antiquité, même si elle est religieusement connotée. Certains historiens de l’art considèrent les peintures égyptiennes sur le terrain, les banquets, les fêtes, etc. comme la peinture de genre. Pline l’Ancien cite Peiraikos comme un peintre hellénistique des sujets «bas», comme ils survivent dans les mosaïques et les peintures murales à Pompéi: «Les étals des cordonniers, les salons de coiffure, les stands, les ânes, la nourriture et autres». dans les vases grecs ou étrusques, on trouve parfois des scènes de marché ou de chasse semblables à des scènes de genre, comme des mosaïques et des peintures romaines.

Au moyen âge, qui produit essentiellement un art à vocation religieuse, la scène de genre se limite aux marges et aux initiales des manuscrits. Les manuscrits enluminés médiévaux illustrent souvent les scènes de la vie quotidienne des paysans, en particulier dans les très riches heures du duc de Berry. Il ne revient que timidement dans certaines fresques du trecento, comme dans les Allégories de bon et mauvais gouvernement de Lorenzetti, mais ils restent attachés à un sujet moral ou religieux.

C’est avec Van Eyck et les primitifs flamands que la scène de genre semble vraiment renaître. L’époux Arnolfini, au-delà du portrait, présente des personnages dans un intérieur bourgeois, détaché du monde religieux, et peut être considéré comme la première scène de genre. Les autres compositions de Van Eyck, maintenant perdues, comme une Lady à sa toilette, confirment cette interprétation. Il est intéressant de noter que c’est en Flandre que cette pratique commence réellement: ce sont surtout les écoles du Nord qui vont mettre ce genre en lumière.

La Renaissance:
Avec le déclin de l’implication de la religion dans l’art, la scène de genre commence à se développer à partir de la Renaissance, notamment en Flandre. Le Peseur d’Or et son épouse Quentin Matsys en sont un exemple parfait, bien que la plupart du temps, il doit être lu symboliquement. Hieronymus Bosch et Bruegel l’Ancien n’hésiteront pas à exploiter les scènes de genre, à illustrer des proverbes et des histoires (aujourd’hui souvent perdues) qui donnent une teinte «laïque» au travail religieux.

En Italie comme en France, ce thème est beaucoup moins bien reçu, malgré les fréquents bains de l’école de Fontainebleau, mais le plus souvent liés à la peinture mythologique ou à la peinture d’histoire, plus qu’à la scène de genre elle-même.

18ème siècle:
Les Pays-Bas ont dominé le domaine jusqu’au 18ème siècle, et au 17ème siècle, la peinture baroque flamande et la peinture hollandaise de l’âge d’or ont produit de nombreux spécialistes qui ont surtout peint des scènes de genre. Au siècle dernier, le peintre flamand de la Renaissance, Jan Sanders van Hemessen, peignait des scènes de genre novatrices à grande échelle, comportant parfois un thème moral ou une scène religieuse en arrière-plan dans la première moitié du XVIe siècle. Ceux-ci s’inscrivaient dans un schéma d ‘ »inversion maniériste » dans la peinture anversoise, donnant des éléments « bas » précédemment dans le fond décoratif des images. Joachim Patinir a agrandi ses paysages, en faisant un petit élément des figures, et Pieter Aertsen a peint des œuvres dominées par des natures mortes et des figures de genre de cuisiniers ou de marchands, avec de petites scènes religieuses dans des espaces en arrière-plan. Pieter Brueghel l’Ancien a fait des paysans et de leurs activités, très traités de façon naturaliste, le sujet de beaucoup de ses peintures, et la peinture de genre devait s’épanouir en Europe du Nord dans le sillage de Brueghel.

Adriaen et Isaac van Ostade, Jan Steen, Adriaan Brouwer, David Teniers, Aelbert Cuyp, Johannes Vermeer et Pieter de Hooch font partie des nombreux peintres spécialisés dans les sujets de genre aux Pays-Bas au XVIIe siècle. L’échelle généralement réduite des peintures de ces artistes était appropriée pour leur exposition dans les maisons des acheteurs de la classe moyenne. Souvent, le sujet d’une peinture de genre était basé sur un emblème populaire d’un livre d’emblème. Cela peut donner à la peinture un double sens, comme dans The Poultry seller de Gabriel Metsu, 1662, montrant un vieil homme offrant un coq dans une pose symbolique qui est basée sur une gravure obscène par Gillis van Breen (1595-1622), avec le même scène. La joyeuse compagnie a montré un groupe de personnages lors d’une fête, que ce soit faire de la musique à la maison ou simplement boire dans une taverne. D’autres types courants de scènes ont montré des marchés ou des foires, des festivités de village («kermesse»), ou des soldats dans le camp.

En Italie, une «école» de peinture de genre fut stimulée par l’arrivée à Rome du peintre hollandais Pieter van Laer en 1625. Il acquit le surnom de «Il Bamboccio» et ses disciples furent appelés les Bamboccianti, dont les œuvres inspireraient Giacomo Ceruti, Antonio Cifrondi, et Giuseppe Maria Crespi parmi beaucoup d’autres.

Louis le Nain fut un important représentant de la peinture de genre en France au 17ème siècle, peignant des groupes de paysans chez eux, où le 18ème siècle apporterait un intérêt accru à la représentation de la vie quotidienne, à travers les peintures romantiques de Watteau et Fragonard. le réalisme prudent de Chardin. Jean-Baptiste Greuze (1725-1805) et d’autres peignirent des groupes détaillés et plutôt sentimentaux ou des portraits individuels de paysans influençant la peinture du XIXe siècle.

En Angleterre, William Hogarth (1697-1764) véhiculait des comédies, des critiques sociales et des leçons morales à travers des toiles qui racontaient des histoires de gens ordinaires au détail narratif (aidés de longs sous-titres), souvent en série, comme dans son Rake’s Progress , d’abord peint en 1732-1733, puis gravé et publié sous forme imprimée en 1735.

L’Espagne avait une tradition antérieure au Livre de Bon Amour d’observation sociale et de commentaire basé sur la vieille tradition latine latine, pratiquée par beaucoup de ses peintres et enlumineurs. À l’apogée de l’Empire espagnol et au début de son déclin lent, de nombreuses scènes de genre picaresques de la vie de rue – ainsi que des scènes de cuisine appelées bodegones – ont été peintes par les artistes du Siècle d’or espagnol, notamment Velázquez (1599-1660 ) et Murillo (1617-82). Plus d’un siècle plus tard, l’artiste espagnol Francisco de Goya (1746-1828) a utilisé des scènes de genre dans la peinture et l’estampe pour méditer un sombre commentaire sur la condition humaine. His The Disasters of War, une série de 82 épisodes de genre de la guerre de Peninsular, a pris l’art de genre à des sommets sans précédent d’expressivité.

19ème siècle:
Au XIXe siècle, l’expression « peinture de genre » remplaçait par les abréviations les expressions « peinture de genre vulgaire », « genre mineur », « genre mineur » désignant des œuvres représentant des scènes de la vie quotidienne ou intime, opposition aux « peintures de genre historiques ». Des scènes de la Bible pourraient être prises pour des scènes de genre par ignorance du sujet. Les bambous étaient appelés peintures vulgaires de paysans ou scènes d’auberges. Dans l’Italie du dix-neuvième siècle, les plus grands représentants de la peinture de genre sont Antonio Rotta et Vincenzo Petrocelli.

Avec le déclin de la peinture religieuse et historique au 19ème siècle, les artistes ont de plus en plus trouvé leur sujet dans la vie autour d’eux. Des réalisateurs tels que Gustave Courbet (1819-1877) bouleversent les attentes en dépeignant des scènes quotidiennes dans d’immenses toiles – à l’échelle traditionnellement réservée aux sujets «importants» – brouillant ainsi la frontière qui sépare la peinture de genre en catégorie «mineure». La peinture d’histoire elle-même est passée de la représentation exclusive d’événements de grande importance publique à la représentation de scènes de genre à l’époque historique, à la fois des moments privés de grandes figures et de la vie quotidienne des gens ordinaires. Dans l’art français, c’était le style Troubador. Cette tendance, déjà évidente en 1817 quand Ingres peint Henri IV jouant avec ses enfants, culmine dans l’art des pompiers d’académiciens français tels que Jean-Léon Gérôme (1824-1904) et Jean-Louis-Ernest Meissonier (1815-91). Dans la seconde moitié du siècle, l’intérêt pour les scènes de genre, souvent dans des contextes historiques ou avec un commentaire social ou moral pointu, a considérablement augmenté en Europe.

William Powell Frith (1819-1909) était peut-être le peintre de genre anglais le plus célèbre de l’époque victorienne, peignant de grandes scènes extrêmement bondées; l’expansion de la taille et de l’ambition dans la peinture de genre du 19ème siècle était une tendance commune. D’autres peintres de genre anglais du 19ème siècle incluent Augustus Leopold Egg, George Elgar Hicks, William Holman Hunt et John Everett Millais. L’Ecosse a produit deux peintres influents de genre, David Allan (1744-1796) et Sir David Wilkie (1785-1841). Le Saturday Night de Cottar (1837) de Wilkie a inspiré une œuvre majeure du peintre français Gustave Courbet, After Dinner at Ornans (1849). Les célèbres peintres réalistes russes comme Vasily Perov et Ilya Repin ont également produit des peintures de genre.

En Allemagne, Carl Spitzweg (1808-1885) se spécialise dans les scènes de genre doucement humoristiques et, en Italie, Gerolamo Induno (1825-1890) peint des scènes de la vie militaire. Par la suite, les impressionnistes, ainsi que des artistes du XXe siècle tels que Pierre Bonnard, Itshak Holtz, Edward Hopper et David Park ont peint des scènes de la vie quotidienne. Mais dans le contexte de l’art moderne, le terme «peinture de genre» a été associé principalement à la peinture d’une nature particulièrement anecdotique ou sentimentale, peinte dans une technique traditionnellement réaliste.

Le premier véritable peintre de genre aux États-Unis a été l’immigrant allemand John Lewis Krimmel, qui, en apprenant de Wilkie et Hogarth, a produit des scènes de vie doucement humoristiques à Philadelphie de 1812 à 1821. George Caleb Bingham, William Sidney Mount et Eastman Johnson sont d’autres peintres de genre remarquables des États-Unis. Harry Roseland se concentrait sur des scènes de pauvres Afro-Américains dans la Guerre civile sud-américaine, et John Rogers (1829-1904) était un sculpteur dont les petites œuvres de genre, produites en masse en plâtre moulé, étaient immensément populaires en Amérique. Les œuvres du peintre américain Ernie Barnes (1938-2009) et celles de l’illustrateur Norman Rockwell (1894-1978) pourraient illustrer un type plus moderne de peinture de genre.

Réalisme social
Dans la première moitié du XIXe siècle (Biedermeier), l’image de genre redevient une «image de tendance sociale», notamment de l’école de peinture de Düsseldorf, notamment dans le cadre d’un virage plus réaliste comme Johann Peter Hasenclever. Après 1848 a représenté en Allemagne des artistes tels que Ludwig Knaus, Benjamin Vautier ou Franz von Defregger une peinture de genre, qui a été liée au courant littéraire du réalisme civil. La peinture de genre de ces décennies peut être considérée comme un pionnier des mouvements d’art moderne tels que l’impressionnisme. Un nombre croissant d’acheteurs intéressés par l’art, en particulier des ménages de la classe moyenne, ont répondu à l’envie de voir leur propre œuvre d’art accrochée au mur. En particulier, la vie rurale paysanne, devenue à la mode au cours de l’activité touristique croissante, a également été présentée dans des formats de taille moyenne aux Etats-Unis. Dans les métropoles artistiques telles que Berlin, Düsseldorf et Munich, un grand nombre de peintres de toute l’Europe se sont réunis pour gagner leur vie à partir de la peinture de genre. Parmi les peintres de genre les plus connus, dont les œuvres ont également trouvé leur place dans des magazines mensuels, se trouvaient des représentants de l’Ecole de Munich tels que Franz Defregger, Rudolf Epp, Nikolaus Gysis et Hermann von Kaulbach.

20ième siècle:
Par la suite, impressionnistes et artistes du XXe siècle comme Vincenzo Petrocelli, Pierre Bonnard, Edward Hopper ou David Park ont peint des scènes de la vie quotidienne. Cependant, dans le contexte de l’art moderne, le terme « peinture de genre » est devenu lié principalement à la peinture d’une nature qui est particulièrement sentimentale ou anecdotique, peinte dans une technique traditionnellement réaliste. Les œuvres du peintre américain Ernie Barnes et celles de l’illustrateur Norman Rockwell illustrent un type moderne de peinture de genre.