Genremalerei – HiSoUR Kunst Kultur Ausstellung

Genre-Malerei, auch Genre-Szene oder Petit-Genre genannt, stellt Aspekte des Alltagslebens dar, indem gewöhnliche Menschen mit gemeinsamen Aktivitäten porträtiert werden. Eine gängige Definition einer Genreszene ist, dass sie Figuren zeigt, denen weder individuell noch kollektiv eine Identität zugeordnet werden kann – und damit Petit-Genre von Historien-Gemälden (auch Grand-Genre genannt) und Porträts unterscheidet. Ein Werk würde oft als Genrearbeit angesehen, selbst wenn man nachweisen könnte, dass der Künstler eine bekannte Person – etwa ein Mitglied seiner Familie – als Modell benutzt hat. In diesem Fall würde es darauf ankommen, ob die Arbeit von der Künstlerin als Porträt gedacht war – manchmal eine subjektive Frage. Die Darstellungen können vom Künstler realistisch, imaginär oder romantisiert werden. Wegen ihrer vertrauten und oft sentimentalen Thematik haben sich Genrebilder bei der Bourgeoisie oder dem Mittelstand oft als beliebt erwiesen.

Genrefächer tauchen in vielen Kunsttraditionen auf. Gemalte Dekorationen in altägyptischen Gräbern zeigen oft Bankette, Erholung und landwirtschaftliche Szenen, und Peiray der Ältere wird von Plinius dem Älteren als hellenistischer Tafelmaler von „niedrigen“ Themen erwähnt, wie in Mosaiken und provinziellen Wandmalereien in Pompeji überleben: Barbierläden, Schusterstände, Eseln, Esswaren und ähnliche Gegenstände „. Mittelalterliche illuminierte Manuskripte illustrieren häufig Szenen des täglichen bäuerlichen Lebens, besonders in den Arbeiten der Monate im Kalenderabschnitt der Stundenbücher, am bekanntesten sind die Très Riches Heures du Duc de Berry.

Eine klare Unterscheidung vom Portrait- oder Gruppenbild ist nicht immer möglich. Während dieser meist identifizierbare Mensch zeigt, sind Genrepersönlichkeitsfiguren anonym und durch ihre Umgebung charakterisiert; das Interieur steht oft im Vordergrund.

Manchmal ist der Übergang zur Landschaftsmalerei fließend, besonders in der Epoche der Romantik. In Spanien und Lateinamerika wird die Genremalerei des 19. Jahrhunderts auch als Costumbrismo bezeichnet.

Viele angebliche Alltagsszenen basieren mehr auf populären Comic-Spielen oder Sprichwörtern und sind daher oft – wenn auch nicht immer – erzählend. So schuf etwa ein italienischer Genremaler, der Neapolitaner Gaspare Traversi, seine Bilder parallel zur Entwicklung und Blütezeit der Opera buffa napolitana um die Mitte des 18. Jahrhunderts, als der Alltag des unteren sozialen Milieus durch Entlarvung lächerlich gemacht wurde Situationen. Dies sandte eine moralische Botschaft an das Publikum. Die meisten Genrebilder haben auch eine didaktische Relevanz, weil sie einen starken moralischen Inhalt haben. Die Präsentation negativer Verhaltensweisen sollte ein besseres Verhalten verhindern und fördern, und positive Beispiele sollten dem Zuschauer einen Anreiz geben nachzuahmen. Natürlich kann den Bildern der visuell unterhaltsame Wert nicht abgesprochen werden. Aufgrund der instruktiven, moralisierenden Deutungsansätze, die den Bildern innewohnen, konnten ihre Besitzer ihren kulturellen Hintergrund betonen. Die Kommissare für diese Art von Kunst kamen daher ausschließlich aus dem bürgerlich-säkularen Milieu.

Inhalt:
Sein Rang in der Hierarchie der Gattungen ist ziemlich niedrig, wurde aber im 17. Jahrhundert von Caravaggio und seinen Anhängern bis zur Vollkommenheit gebracht. Es ist auch ein sehr beliebtes Genre in nordeuropäischen Ländern. Genre-Malerei war sehr populär von der zweiten Hälfte des neunzehnten Jahrhunderts bis in die 1930er Jahre, entthront Geschichte Malerei. Es wurde getrennt in den verschiedenen Akademien der europäischen bildenden Künste unterrichtet.

Frühere Forschungsansätze interpretierten die Darstellungen der sogenannten Gouden Eeuw oft als Momentaufnahmen des Alltags, denen sie den Wert eines kulturhistorischen Zeugnisses beilegten. Seit den 1970er Jahren ist es zunehmend gelungen, den ikonographischen Kontext zu entschlüsseln. Es wurde deutlich, dass die Genrebilder zwar eine Alltagsszene darstellen, hinter der aber fast immer eine tiefere Aussage verborgen ist. Demnach sind sie im Sinne der populären Bildsprache des Barock meist als Allegorien, zum Teil mit komplexen zweideutigen Aussagen, zu verstehen.

Traditionell wurde es als kleines Genre gegen das große Genre der Historienmalerei bezeichnet. Die künstlerische Darstellung alltäglicher Fragen ist heute weit verbreitet, aber in der Renaissance und im Barock war es ungewöhnlich, wenn man annahm, dass Kunst einen intellektuellen und kreativen Inhalt hatte, der sich auf Sekten und Lobpreisfiguren der Kategorie, der Klassen hoch, oder edle Beispiele der historischen, religiösen oder mythologischen Vergangenheit. Aus diesem Grund galt das Geschichtsbild als das überlegene Genre, und andererseits repräsentierten Bauern und andere bescheidene Bevölkerung ohne Argumentation oder moralischen Vorwand die intellektuellen Künstler respektlos.

Im klassischen Griechenland war die Tragödie wertvoller, das heißt die Darstellung einer edlen Handlung, die von Göttern oder Helden ausgeführt wurde, als die Komödie, die als alltägliche Handlungen von Vulgär verstanden wurde. In diesem Sinne gibt Aristoteles in seiner Poetik der poetischen Fiktion den Vorrang, weil er erzählt, was passieren könnte, was möglich, glaubwürdig oder notwendig ist, mehr als das, was tatsächlich geschah, was das Feld des Historikers sein würde. Ab dem 17. Jahrhundert begann die Darstellung dessen, was die klassische Kunst als „Komödie“ ansah, mehr zu schätzen: die alltäglichen, die kleineren Geschichten gewöhnlicher Menschen. Nicht zufällig wurden Hogarths Darstellungen seiner Zeitgenossen von diesem Comic-Historiengemälde („Comic Story Painting“) genannt.

Der Zweck dieser Art von Malerei, in irgendeiner Weise, kann Zweifel aufkommen lassen. Es ist nicht mit Gewissheit bekannt, ob es sich um eine einfache Darstellung der Realität mit einem Zweck der bloßen Ablenkung handelt, manchmal komisch, oder ein moralisierender Zweck wurde anhand der dem Betrachter nahegelegenen Beispiele gesucht. Barocke Genreszenen, scheinbar alltäglich, können oft allegorische Themen verbergen. So ermöglichen die Szenen von Gruppen von Menschen, die Spaß haben und betrunkene Musiker, die ikonographische Darstellung der „fünf Sinne“. Die verborgene Bedeutung dieser Szenen des täglichen Lebens würde somit einen aufmerksamen Beobachter anleiten. Es gibt also zwei Arten, diese Bilder zu interpretieren: Entweder handelt es sich um eine kryptische Ikonographie, die einen didaktischen Aspekt verbirgt, oder es ist eine bloße Anekdote des Genres zur Unterhaltung des bürgerlichen Publikums. Es besteht kein Zweifel, dass in der Genremalerei des 18. Jahrhunderts die satirische oder moralisierende Absicht in Werken wie Hogarth oder Greuze präsent war.

Obwohl in Südeuropa die Gender-Malerei aus Caravaggio gemacht wurde, wurde sie vor allem in den nordischen Ländern kultiviert und geschätzt. Die großen comitentes (der Adel, der Klerus) waren nicht an dieser Art von Werken interessiert, die normalerweise kleinformatig waren und auf der anderen Seite ein großes Vermögen und eine große Verbreitung unter der Bourgeoisie, dem Bürgertum und den Kaufleuten hatten ihr vertrautes Thema und oft sentimental. Es waren Gemälde, die bei ihrer Bewertung keine besonderen Anstrengungen erforderten, da es keine kryptischen Botschaften gab, die durch Symbole zu enträtseln waren, wie es oft im Historienbild der Fall war. Es ist daher kein Zufall, dass die ersten großen Maler von Genreszenen mit einer starken merkantilen Komponente in den Niederlanden entstanden.

Die Genreszene ist eine Art künstlerischer Arbeit, hauptsächlich bildhaft, in der normale Menschen in Alltagsszenen, auf der Straße oder im Privatleben, zeitgenossisch mit dem Autor vertreten sind. Was die Genreszene auszeichnet, ist, dass sie Szenen des täglichen Lebens darstellt, wie Märkte, Interieurs, Partys, Tavernen und Straßen. Solche Darstellungen können vom Künstler realistisch, imaginär oder verschönert sein. Einige Variationen des Begriffs „Arbeit“ oder „Gender-Arbeit“ spezifizieren das Medium oder die Art von visueller Arbeit als „Genre-Malerei“, „Genre-Blätter“ oder „Genre-Fotografien“. In all diesen Ausdrücken wird der Begriff „Gender“ in einer etwas erzwungenen Übersetzung des englischen „Genres“ verwendet. In Spanisch wurde auch der Begriff costumbrista oder Zollmalerei verwendet.

Geschichte:
Man kann manchmal annehmen, dass die Genremalerei seit der Antike existiert hat, auch wenn sie religiös konnotiert ist. Einige Kunsthistoriker betrachten ägyptische Gemälde von Feldarbeit, Bankette, Feste und so weiter. wie Genre-Malerei. Plinius der Ältere zitiert Peiraikos als hellenistischen Maler der „niedrigen“ Themen, wie sie in Mosaiken und Wandmalereien in Pompeji überleben: „Schuhmacher Stände, Friseursalons, Stände, Esel, Essen und dergleichen“. in griechischen oder etruskischen Vasen kann man manchmal Szenen des Marktes oder der Jagd finden, die Genreszenen ähnlich sind, wie einige Mosaike und römische Gemälde.

Mit dem Mittelalter, das im Wesentlichen eine Kunst mit religiöser Berufung hervorbringt, beschränkt sich die Genreszene auf die Ränder und Initialen der Handschriften. Mittelalterliche illuminierte Handschriften illustrieren oft die Szenen des täglichen bäuerlichen Lebens, besonders in den sehr reichen Stunden des Herzogs von Berry. In gewissen Fresken des Trecento, wie in den Allegorien der guten und schlechten Regierung von Lorenzetti, kehrt sie nur schüchtern zurück, bleibt aber einem moralischen oder religiösen Subjekt verhaftet.

Mit Van Eyck und den flämischen Primitiven scheint die Genreszene wirklich wiedergeboren zu sein. Der verheiratete Arnolfini, jenseits des Porträts, präsentiert Charaktere in einem bürgerlichen Interieur, losgelöst von der religiösen Welt und kann als die erste Genreszene betrachtet werden. Van Eycks andere Kompositionen, die jetzt verloren sind, wie eine Lady auf ihrer Toilette, bestätigen diese Interpretation. Es ist interessant festzustellen, dass diese Praxis in Flandern tatsächlich beginnt: es sind vor allem die Schulen des Nordens, die dieses Genre in den Mittelpunkt stellen werden.

Die Renaissance:
Mit dem Rückgang der Beteiligung der Religion an der Kunst beginnt sich die Genreszene vor allem in Flandern aus der Renaissance zu entwickeln. Der Peseur d’Or und seine Frau Quentin Matsys sind ein perfektes Beispiel, obwohl es meistens symbolisch gelesen werden muss. Hieronymus Bosch und Bruegel der Ältere werden nicht zögern, die Szenen des Genres zu nutzen, um Sprichwörter und Geschichten zu illustrieren (heute oft verloren), die dem religiösen Werk einen „weltlichen“ Schatten geben.

In Italien wie in Frankreich ist dieses Thema weniger beliebt, trotz häufiger Frauen, die in der Schule von Fontainebleau baden, aber meistens mit mythologischer Malerei oder Historienmalerei, mehr als die Genreszene selbst.

18. Jahrhundert:
Die Niederlande dominierten das Gebiet bis ins 18. Jahrhundert, und im 17. Jahrhundert brachten sowohl die flämische Barockmalerei als auch die niederländische Malerei des Goldenen Zeitalters zahlreiche Spezialisten hervor, die meist Genreszenen malten. Im vorigen Jahrhundert malte der flämische Renaissance-Maler Jan Sanders van Hemessen innovative großformatige Genreszenen, die in der ersten Hälfte des 16. Jahrhunderts manchmal ein moralisches Thema oder eine religiöse Szene im Hintergrund einschlossen. Diese waren Teil eines Musters der „manieristischen Umkehrung“ in der Antwerpener Malerei, die „niedrigen“ Elementen zuvor im dekorativen Hintergrund der Bilder prominente Betonung gaben. Joachim Patinir erweiterte seine Landschaften, machte die Figuren zu einem kleinen Element, und Pieter Aertsen malte Arbeiten, die von Brotaufstrichen von Stillleben und Genrafiguren von Köchen oder Marktverkäufern geprägt waren, mit kleinen religiösen Szenen in Räumen im Hintergrund. Pieter Brueghel d. Ä. Machte Bauern und ihre Aktivitäten, die sehr naturalistisch behandelt wurden, Gegenstand vieler seiner Gemälde, und in Brueghels Gefolge sollte in Nordeuropa die Genremalerei gedeihen.

Adriaen und Isaac van Ostade, Jan Steen, Adriaan Brouwer, David Teniers, Aelbert Cuyp, Johannes Vermeer und Pieter de Hooch gehörten zu den zahlreichen Malern, die im 17. Jahrhundert in den Niederlanden auf Genrethemen spezialisiert waren. Die im Allgemeinen kleine Skala der Malereien dieser Künstler war für ihre Darstellung in den Häusern der Mittelkäufer angemessen. Oft basiert das Thema eines Genremalerei auf einem populären Emblem aus einem Emblem Buch. Dies kann dem Gemälde eine doppelte Bedeutung geben, wie in Gabriel Metsus The Poultry seller (1662), der einen alten Mann zeigt, der einen Hahn in einer symbolischen Pose anbietet, die auf einem unanständigen Stich von Gillis van Breen (1595-1622) basiert gleiche Szene. Die fröhliche Gesellschaft zeigte auf einer Party eine Gruppe von Figuren, ob sie zuhause Musik machen oder nur in einer Taverne trinken. Andere übliche Arten von Szenen zeigten Märkte oder Messen, Dorffeste („Kermesse“) oder Soldaten im Lager.

In Italien wurde eine „Schule“ der Genremalerei durch die Ankunft des niederländischen Malers Pieter van Laer im Jahre 1625 in Rom angeregt. Er erhielt den Spitznamen „Il Bamboccio“ und seine Anhänger wurden die Bamboccianti genannt, deren Werke Giacomo Ceruti inspirieren würden. Antonio Cifrondi und Giuseppe Maria Crespi unter vielen anderen.

Louis Le Nain war ein bedeutender Vertreter der Genremalerei im Frankreich des 17. Jahrhunderts und malte Bauerngruppen zu Hause, wo das 18. Jahrhundert ein gesteigertes Interesse an der Darstellung des Alltagslebens weckte, sei es durch die romantisierten Gemälde von Watteau und Fragonard oder der sorgfältige Realismus von Chardin. Jean-Baptiste Greuze (1725-1805) und andere malten detaillierte und eher sentimentale Gruppen oder einzelne Porträts von Bauern, die auf die Malerei des 19. Jahrhunderts einflussreich sein sollten.

In England vermittelte William Hogarth (1697-1764) Komödien, Sozialkritik und moralische Lektionen durch Leinwände, die Geschichten erzählerischer Details (unterstützt von langen Untertiteln) erzählten, oft in serieller Form, wie in seinem A Rake’s Progress , erstmals 1732-33 gemalt, dann 1735 in Druckschrift graviert und veröffentlicht.

Spanien hatte eine Tradition, die älter war als das Buch der guten Liebe der sozialen Beobachtung und des Kommentars, basierend auf der altrömischen Tradition, die von vielen seiner Maler und Illuminatoren praktiziert wurde. Auf dem Höhepunkt des Spanischen Reiches und dem Beginn seines langsamen Niedergangs wurden viele picaresque Genreszenen des Straßenlebens – sowie die Küstenszenen, die als bodegones bekannt sind – von den Künstlern des spanischen goldenen Zeitalters, besonders Velázquez (1599-1660) gemalt ) und Murillo (1617-82). Mehr als ein Jahrhundert später verwendete der spanische Künstler Francisco de Goya (1746-1828) Genreszenen in Malerei und Druckgrafik als Medium für dunkle Kommentare zum menschlichen Zustand. Seine „The Disasters of War“, eine Serie von 82 Genre-Vorfällen aus dem Spanischen Krieg, hat die Genre-Kunst in ungeahnte Höhen der Ausdruckskraft gebracht.

19. Jahrhundert:
Im 19. Jahrhundert wurde der Begriff „Genremalerei“ durch die Abkürzung „vulgäre Genremalerei“, „niedrige Gattung“, „Nebengattung“ ersetzt, die Werke bezeichnet, die Szenen des alltäglichen oder intimen Lebens darstellen, Opposition zu „historischen Genrebildern“. Szenen aus der Bibel könnten für Genre-Szenen aus Unkenntnis des Themas genommen werden. Bamboos wurden vulgäre Gemälde von Bauern oder Szenen von Gasthäusern genannt. Im Italien des 19. Jahrhunderts sind Antonio Rotta und Vincenzo Petrocelli die größten Vertreter der Genre-Malerei.

Mit dem Niedergang der religiösen und historischen Malerei im 19. Jahrhundert fanden Künstler zunehmend ihren Gegenstand im Leben um sie herum. Realisten wie Gustave Courbet (1819-1877) widerstrebten den Erwartungen, indem sie alltägliche Szenen in riesigen Gemälden darstellten – in dem Maßstab, der traditionell „wichtigen“ Motiven vorbehalten war – und damit die Grenze verwischte, die die Genre-Malerei als „kleine“ Kategorie definiert hatte. Die Geschichtsmalerei selbst verlagerte sich von der ausschließlichen Darstellung von Ereignissen von großer öffentlicher Bedeutung auf die Darstellung von Genreszenen in historischen Zeiten, sowohl der privaten Momente großer Persönlichkeiten als auch des Alltags gewöhnlicher Menschen. In der französischen Kunst wurde dies als Troubador Stil bekannt. Dieser Trend, der sich bereits 1817 zeigte, als Ingres Heinrich IV. Mit seinen Kindern malte, gipfelte in der Pompierkunst französischer Akademiker wie Jean-Léon Gérôme (1824-1904) und Jean-Louis-Ernest Meissonier (1815-91). In der zweiten Hälfte des Jahrhunderts nahm das Interesse an Genreszenen, oft in historischen Umfeldern oder mit gezielten sozialen oder moralischen Kommentaren, in Europa stark zu.

William Powell Frith (1819-1909) war vielleicht der berühmteste englische Genremaler der viktorianischen Ära und malte große und extrem gedrängte Szenen; Die Expansion in Größe und Ambition in der Genre-Malerei des 19. Jahrhunderts war ein gemeinsamer Trend. Andere englische Genremaler des 19. Jahrhunderts schließen Augustus Leopold Ei, George Elgar Hicks, William Holman Hunt und John Everett Millais ein. Schottland produzierte zwei einflussreiche Genremaler, David Allan (1744-96) und Sir David Wilkie (1785-1841). Wilkies The Cottar’s Saturday Night (1837) inspirierte ein großes Werk des französischen Malers Gustave Courbet, After Dinner at Ornans (1849). Berühmte russische Realisten wie Vasily Perov und Ilya Repin produzierten auch Genrebilder.

In Deutschland spezialisierte sich Carl Spitzweg (1808-85) auf leicht humorvolle Genreszenen, und in Italien malte Gerolamo Induno (1825-1890) Szenen des Militärlebens. Anschließend malten die Impressionisten und Künstler des 20. Jahrhunderts wie Pierre Bonnard, Ithak Holtz, Edward Hopper und David Park Szenen des täglichen Lebens. Im Kontext der modernen Kunst wird der Begriff „Genremalerei“ jedoch hauptsächlich mit besonders anekdotischer oder sentimentaler Malerei in traditionell realistischer Technik in Verbindung gebracht.

Der erste echte Genremaler in den Vereinigten Staaten war der deutsche Einwanderer John Lewis Krimmel, der von Wilkie und Hogarth lernte und in den Jahren 1812-21 zärtlich humoristische Szenen des Lebens in Philadelphia schuf. Andere bemerkenswerte Genre Maler des 19. Jahrhunderts aus den Vereinigten Staaten gehören George Caleb Bingham, William Sidney Mount und Eastman Johnson. Harry Roseland konzentrierte sich auf Szenen von armen Afroamerikanern im Post-Amerikanischen Bürgerkriegs-Süden, und John Rogers (1829-1904) war ein Bildhauer, dessen kleine Genre-Arbeiten, in Massengips gegossen, in Amerika ungeheuer populär waren. Die Werke des amerikanischen Malers Ernie Barnes (1938-2009) und des Illustrators Norman Rockwell (1894-1978) könnten eine modernere Genre-Malerei veranschaulichen.

Sozialer Realismus:
In der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts (Biedermeier) wird das Genrebild vor allem durch die Düsseldorfer Malerschule wieder als „soziales Trendbild“ wiederbelebt, insbesondere im Zusammenhang mit einer stärkeren Hinwendung zum Realismus, wie Johann Peter Hasenclever. Nach 1848 repräsentierten in Deutschland Künstler wie Ludwig Knaus, Benjamin Vautier oder Franz von Defregger ein Genrebild, das mit der literarischen Strömung des bürgerlichen Realismus verwandt war. Die Genremalerei dieser Jahrzehnte kann als Wegbereiter moderner Kunstbewegungen wie des Impressionismus angesehen werden. Eine rasch wachsende Zahl von kunstinteressierten Käufern, insbesondere aus bürgerlichen Haushalten, erfüllte den Wunsch nach einem eigenen Kunstwerk an der Wand. Insbesondere das bäuerliche Landleben, das im Zuge der zunehmenden Reisetätigkeit in Mode gekommen ist, wurde auch in den USA in mittelgroßen Formaten präsentiert. In Kunstmetropolen wie Berlin, Düsseldorf und München versammelten sich zahlreiche Maler aus ganz Europa, um von der Genremalerei zu leben. Zu den bekanntesten Genremalern, deren Werke auch in Monatsmagazinen Einzug hielten, gehörten Vertreter der Münchner Schule wie Franz Defregger, Rudolf Epp, Nikolaus Gysis, Hermann von Kaulbach.

20. Jahrhundert:
Anschließend malten Impressionisten und Künstler des 20. Jahrhunderts wie Vincenzo Petrocelli, Pierre Bonnard, Edward Hopper oder David Park Szenen des täglichen Lebens. Im Kontext der modernen Kunst hat sich der Begriff „Genremalerei“ jedoch hauptsächlich auf die Malerei einer besonders sentimentalen oder anekdotischen Natur bezogen, die in einer traditionell realistischen Technik gemalt wurde. Die Werke des amerikanischen Malers Ernie Barnes und jene des Illustrators Norman Rockwell können eine moderne Art von Genre-Malerei veranschaulichen.