Art de genre

L’art de genre est la représentation picturale dans n’importe quel média de scènes ou d’événements de la vie quotidienne, tels que les marchés, les intérieurs, les intérieurs, les fêtes, les scènes d’auberge et les scènes de rue. De telles représentations (aussi appelées œuvres de genre, scènes de genre ou vues de genre) peuvent être réalistes, imaginées ou romantiques par l’artiste. Certaines variantes du terme genre art spécifient le support ou le type de travail visuel, comme dans la peinture de genre, les reproductions de genre, les photographies de genre, etc.

Un art de genre est un genre d’art, dédié à la vie quotidienne, privée et publique, généralement à un artiste moderne. L’art de genre inclut la peinture de tous les jours (genre), les graphiques et la sculpture, la plupart du temps de petite taille. L’art de genre, connu depuis l’antiquité, ne se distinguait dans un genre d’art séparé qu’à l’époque féodale. L’épanouissement du genre de l’ère moderne est associé à la croissance de tendances artistiques démocratiques et réalistes, avec l’appel des artistes à la vie et au travail des gens ordinaires, avec la formulation de questions sociales importantes dans l’art.

Les œuvres d’art de genre comprennent: des sculptures, des peintures, des œuvres graphiques représentant le travail de la vie quotidienne, habituellement les couches sociales inférieures, les coutumes, les vacances. Les chiffres sont typifiés, transmis anonymement. Le genre domestique peut être didactique, satirique, humoristique, sentimental. Les images des habitations se trouvaient dans l’Egypte ancienne, dans l’Antiquité (vases grecs, reliefs romains, mosaïques), dans l’art médiéval (sculptures, miniatures). Le genre de ménage a commencé à se développer pendant la période de deuil de la Renaissance, est devenu populaire au 19ème siècle. – XX siècle dans le travail créatif de divers domaines et groupes (réalisme, naturalisme, impressionnisme, médecins de famille). L’art lituanien est apparu au 18ème siècle.

Le sens normal du genre, couvrant toute combinaison particulière d’un médium artistique et d’un type de sujet (comme, par exemple, dans le roman d’amour), est également utilisé dans les arts visuels. Ainsi, les œuvres de genre, en particulier la peinture de l’âge d’or hollandais et la peinture baroque flamande – les grandes périodes des œuvres de genre – peuvent également être utilisées comme un terme générique pour la peinture dans diverses catégories spécialisées telles que nature morte, peinture marine , la peinture architecturale et la peinture animale, ainsi que des scènes de genre proprement dites où l’accent est mis sur les figures humaines. La peinture a été divisée en une hiérarchie de genres, avec la peinture d’histoire au sommet, comme la peinture la plus difficile et donc la plus prestigieuse, et la nature morte et architecturale au fond. Mais les peintures d’histoire sont un genre en peinture, pas des œuvres de genre.

Ce qui suit se concentre sur la peinture, mais les motifs de genre étaient également très populaires dans de nombreuses formes d’arts décoratifs, en particulier à partir du Rococo du début du XVIIIe siècle. Des personnages uniques ou de petits groupes décoraient une grande variété d’objets tels que la porcelaine, les meubles, les papiers peints et les textiles.

L’art visuel:
Le terme «art de genre» est très utilisé dans l’histoire et la critique de l’art visuel, mais dans l’histoire de l’art, les significations se recoupent plutôt confusément. La peinture de genre est un terme pour les peintures où le sujet principal présente des figures humaines auxquelles aucune identité spécifique ne s’attache – en d’autres termes, les figures ne sont pas des portraits, des personnages d’une histoire ou des personnifications allégoriques. Ceux-ci se distinguent de la dotation en personnel: figures accessoires dans ce qui est avant tout un paysage ou une peinture architecturale. La peinture de genre peut également être utilisée comme un terme plus large couvrant la peinture de genre proprement dite, et d’autres types spécialisés de peintures telles que la nature morte, les paysages, les peintures marines et les peintures animalières.

Le concept de la «hiérarchie des genres» était un concept puissant dans la théorie artistique, en particulier entre le XVIIe et le XIXe siècle. Il était le plus fort en France, où il était associé à l’Académie française qui jouait un rôle central dans l’art académique. Les genres dans l’ordre hiérarchique sont:

La peinture d’histoire, y compris les sujets narratifs religieux mythologiques et allégoriques
Peinture portrait
Peinture de genre ou scènes de la vie quotidienne
Paysage (les paysagistes étaient les «fantassins communs dans l’Armée de l’Art» selon le théoricien hollandais Samuel van Hoogstraten) et le paysage urbain
Peinture d’animaux
Nature morte

Origines
Le genre de la vie quotidienne a surgi à l’époque de l’antiquité européenne. Mais longtemps avant la Grèce antique, des scènes de la vie quotidienne ont été reproduites en Afrique et dans l’Egypte ancienne. Les peintures murales dans les magasins funéraires du pharaon ont souvent des images de scènes quotidiennes, occupant une place supplémentaire et subordonnée après les scènes religieuses. Déjà dans l’art de l’Egypte ancienne, des scènes de la vie quotidienne se retrouvent dans la peinture, la sculpture et même sur les fragments de récipients en céramique, dont les anciens artistes égyptiens se servaient pour créer des croquis.

Le grec ancien
Des ateliers de scènes de genre ont été créés par les artistes de la Grèce antique dans les vases. Le genre a également été développé dans la peinture de l’époque, mais jusqu’à présent, nos échantillons aléatoires l’ont atteint. Le large usage de la peinture sur vase reflétait en partie les scènes quotidiennes rencontrées en peinture, et créait ses propres échantillons (maître Euphronius, pélican “Regarde, avale!”, Hermitage, maître Ekseky, “Dionysos sur un bateau pirate”, maître Evfimid , “La campagne des rassemblements des guerriers”, Munich). L’observation de la vie quotidienne des contemporains et le courage dans la reproduction des scènes quotidiennes ont conduit à l’extraordinaire variété de scènes créées par les peintres vass – du chant inspiré de l’acteur au rôle d’Apollon aux scènes érotiques et aux conséquences désagréables de l’ivresse lors de la fête récente (Master Brig, Kilix, Wurzburg, Musée Universitaire).

Chine
Le genre est également connu dans l’art des pays de l’Est. Les premiers croquis quotidiens sont apparus dans la peinture de la Chine du 4ème siècle. n. e., bien qu’ils aient un caractère instructif et didactique dans les idées religieuses et philosophiques. Dans la période de Tang (VII-X siècles AD), des écoles de peinture de genre chinois ont été formés. Il y a aussi des artistes connus du genre (Yan Li-ban, Han Huang, Zhou Fan), bien que dans leurs œuvres régnaient les scènes de Genre de la cour impériale. Au cours de la période Song (X-XIIIe siècle après JC), les peintres de genre chinois (Li Tan, Su Han-chen) créent des scènes de la vie folklorique dans des peintures qui sont intéressantes pour leur coloration humoristique ou leur attitude respectueuse. À peu près la même chose a été le développement du genre de peinture domestique au Japon et en Corée, dont l’art a eu un impact significatif sur la peinture chinoise et ses échantillons.

Moyen-Orient
Le genre quotidien était également répandu dans l’art des pays arabophones du Moyen Âge, qui reposaient sur une puissante culture locale des peuples. Tout d’abord, il concernait l’Egypte, l’Inde et la Perse (Iran). Les maîtres de ces pays ont décidé d’ignorer partiellement l’interdiction musulmane sur la création d’images figuratives.

Inde
Certains des manuscrits médiévaux de cette époque étaient décorés de miniatures dont la valeur artistique était élevée. La miniature médiévale perse indienne était aussi audacieuse dans la reproduction des scènes religieuses mythologiques et quotidiennes (miniatures pour Shahnameh, Iskander et l’empereur chinois, mariage des fils de Faridun avec les filles d’Emen, miniatures pour les traités d’Avicenne, miniatures pour les manuscrit d’Alisher Navoi “Wonders of Childhood” – le poète écoute des musiciens avec des amis, des miniatures de légendes sur Baidar avec un musicien, une miniature “Scientifique lors d’une conférence avec les élèves” du manuscrit “Makamat” du 13ème siècle). Les artistes dessinent non seulement des scènes de la vie de cour, bien qu’ils soient souvent forcés de travailler pour les tyrans orientaux.

En Europe médiévale:
Le genre du genre gagnait du pouvoir dans l’Europe médiévale. Ses échantillons se trouvent dans des miniatures, des reliefs et quelques exemples de peinture (miniatures françaises avec des scènes de construction de cathédrales gothiques, de vitraux, de reliefs allemands dans la cathédrale de Naumburg, de miniatures des frères Limburg, etc.).

Le développement de l’art de genre a été basé sur l’authentification factuelle de la vie quotidienne à partir de la signification intérieure des phénomènes de la vie quotidienne et de la découverte psychologique du contenu historico-public. L’art de genre est connu depuis l’antiquité (primitive, chasse, scènes orientales), mais comme un genre d’art particulier a été séparé de l’ère féodale (Extrême-Orient) et de la formation de la société bourgeoise (Europe).

Au Moyen Âge, les scènes de genre s’entrelacent souvent avec des compositions religieuses et allégoriques. Aux 7ème-13ème siècles, des écoles de peinture de genre ont été formées et ont fonctionné en Chine.

Renaissance italienne:
Avec le début de la Renaissance en Europe, d’abord en Italie (Giotto, Lorentzetti – XIV siècle), puis aux Pays-Bas (Jan van Eyck, Bateaux, Gertgen le Sint Jans – XV siècle.) Et d’autres pays européens, des scènes religieuses la peinture a commencé à saturer les détails de genre lumineux. Au XVe siècle apparaissent des images de la vie populaire en miniature (Frères du Limbourg en France), de la gravure (Schongauer en Allemagne), des peintures profanes (Cossa en Italie). Dans la peinture italienne du 16ème siècle, le genre quotidien a commencé à se séparer progressivement des genres religieux (Vénitiens – Carracci, Giorgione, Bassano).

En Italie, une «école» de peinture de genre fut stimulée par l’arrivée à Rome du peintre hollandais Pieter van Laer en 1625. Il acquit le surnom de «Il Bamboccio» et ses disciples furent appelés les Bamboccianti, dont les œuvres inspireraient Giacomo Ceruti, Antonio Cifrondi, et Giuseppe Maria Crespi parmi beaucoup d’autres.

Cinq siècles du célèbre développement de la culture et des arts en Italie jusqu’au XVIIe siècle a conduit à une hiérarchie rigide des genres. Le plus haut niveau a été occupé par des images bibliques et mythologiques, le plus bas et le plus prestigieux – le paysage et le genre quotidien. Les Italiens perçoivent encore comme leurs images des caravages d’Utrecht avec des scènes de petits banquets avec des musiciens et les ont achetés (Gerrit van Hoonthorst, “Conversation avec le ménestrel”, Galerie des Offices, Florence, “Le Concert”, Galerie Borghèse, Rome) , tandis que d’autres provoquent une surprise et un rejet désagréables. Même dans le spectateur moderne les parcelles de maîtres du genre néerlandais du XVIIe siècle. peut causer l’ennui, et un sourire, et la surprise, et le rire.

XVIIème siècle:
Âge d’or néerlandais:
Les Pays-Bas ont dominé le domaine jusqu’au 18ème siècle, et au 17ème siècle, la peinture baroque flamande et la peinture hollandaise de l’âge d’or ont produit de nombreux spécialistes qui ont surtout peint des scènes de genre. Au siècle dernier, le peintre flamand de la Renaissance, Jan Sanders van Hemessen, peignait des scènes de genre novatrices à grande échelle, comportant parfois un thème moral ou une scène religieuse en arrière-plan dans la première moitié du XVIe siècle. Ceux-ci s’inscrivaient dans un schéma d ‘”inversion maniériste” dans la peinture anversoise, donnant des éléments “bas” précédemment dans le fond décoratif des images. Joachim Patinir a agrandi ses paysages, en faisant un petit élément des figures, et Pieter Aertsen a peint des œuvres dominées par des natures mortes et des figures de genre de cuisiniers ou de marchands, avec de petites scènes religieuses dans des espaces en arrière-plan. Pieter Brueghel l’Ancien a fait des paysans et de leurs activités, très traités de façon naturaliste, le sujet de beaucoup de ses peintures, et la peinture de genre devait s’épanouir en Europe du Nord dans le sillage de Brueghel.

Plusieurs circonstances ont contribué à cela:
La propagation dans le pays du protestantisme de diverses directions avec le rejet des peintures religieuses
Faiblesses du catholicisme dans le pays, principal client de la peinture religieuse
Réduire les commandes de peintures religieuses du modèle catholique a contribué au développement d’autres genres – (portrait, paysage et peinture de genre).

Les artistes hollandais ne sont pas découragés par les paysages bas et monotones du pays, l’absence de restes de bâtiments anciens, ni le prestige des portraits de marins et de bateaux de pêche, de paysans et de bétail, ni les images de la vie somnolente des petits villes, quartiers inhabités, rues et ruelles calmes et coins encombrés de la cour. Un certain nombre de maîtres hollandais se tournèrent vers le genre domestique – de très talentueux (Frans Huls, Jan Vermeer, Matthias Stom) à semi-professionnels, provinciaux et non-professionnels, qui ne furent pas pris pour des guildes d’art et interdits de vendre des photos de leurs propre production.

Adriaen et Isaac van Ostade, Jan Steen, Adriaan Brouwer, David Teniers, Aelbert Cuyp, Johannes Vermeer et Pieter de Hooch font partie des nombreux peintres spécialisés dans les sujets de genre aux Pays-Bas au XVIIe siècle. L’échelle généralement réduite des peintures de ces artistes était appropriée pour leur exposition dans les maisons des acheteurs de la classe moyenne. Souvent, le sujet d’une peinture de genre était basé sur un emblème populaire d’un livre d’emblème. Cela peut donner à la peinture un double sens, comme dans The Poultry seller de Gabriel Metsu, 1662, montrant un vieil homme offrant un coq dans une pose symbolique qui est basée sur une gravure obscène par Gillis van Breen (1595-1622), avec le même scène. La joyeuse compagnie a montré un groupe de personnages lors d’une fête, que ce soit faire de la musique à la maison ou simplement boire dans une taverne. D’autres types courants de scènes ont montré des marchés ou des foires, des festivités de village («kermesse»), ou des soldats dans le camp.

XVIIIème siècle:
France
Les aristocrates français recueillent souvent des peintures pas tellement à cause de l’amour de l’art, mais à cause de la mode et du prestige. En 1768, l’ancien secrétaire du roi Louis XV, de Genya, est décédé, et ses collections ont été vendues aux enchères, où l’excitation a commencé. Denis Diderot écrit avec enthousiasme: “Il est mort, cette personne incroyable qui a rassemblé tant de belles œuvres dans la littérature, avec presque aucune envie de lire, tant d’œuvres d’art, les comprenant comme des aveugles … Il est impossible de perdre une minute si nous ne voulons pas entrer en collision avec une foule de concurrents nationaux ou étrangers. »Mais il y avait de vrais connaisseurs d’art, courageux à la recherche et peu dépendant de la mode, parmi lesquels Pierre Crozet, qui se souciait de Watteau gravement malade, de Rosalbe , et a acheté quelques artistes qui ont eu besoin alors des travaux des artistes démodés.

L’attitude envers le genre domestique change graduellement. Et au XVIIIe siècle apparaissent comme ses partisans parmi les artistes, et les premiers collectionneurs importants. Le législateur dans les modes et dans l’art devient la France. Parmi les artistes français travaillant dans le genre domestique:

Selon la douance et les instructions auxquelles l’artiste adhère, le genre quotidien est interprété comme faussement idéalisé et nettoyé artificiellement (François Boucher), puis un peu fantastiquement et poétiquement (Antoine Watteau), puis avec une touche d’instruction, de didactique, de sentimentalisme ( Jean Baptiste Gröze), puis comme des scènes de la réalité (croquis de Fragonard). Le genre des éléments rococo (Antoine Watteau, Jacques de Lajoux, Francisco Goya) apportent au genre de la vie quotidienne, ils se tournent vers des techniques diverses (peintures à l’huile, pastels, dessins, porcelaines, gravures). Il y a une réévaluation des œuvres et des artistes néerlandais du 17ème siècle. Et aux enchères parisiennes se déroulent de véritables batailles pour le droit de posséder des images de maîtres du genre domestique.
Louis le Nain fut un important représentant de la peinture de genre en France au 17ème siècle, peignant des groupes de paysans chez eux, où le 18ème siècle apporterait un intérêt accru à la représentation de la vie quotidienne, à travers les peintures romantiques de Watteau et Fragonard. le réalisme prudent de Chardin. Jean-Baptiste Greuze (1725-1805) et d’autres peignirent des groupes détaillés et plutôt sentimentaux ou des portraits individuels de paysans influençant la peinture du XIXe siècle.

Angleterre
En Angleterre, William Hogarth (1697-1764) véhiculait des comédies, des critiques sociales et des leçons morales à travers des toiles qui racontaient des histoires de gens ordinaires au détail narratif (aidés de longs sous-titres), souvent en série, comme dans son Rake’s Progress , d’abord peint en 1732-1733, puis gravé et publié sous forme imprimée en 1735.

Espagne
L’Espagne avait une tradition antérieure au Livre de Bon Amour d’observation sociale et de commentaire basé sur la vieille tradition latine latine, pratiquée par beaucoup de ses peintres et enlumineurs. À l’apogée de l’Empire espagnol et au début de son déclin lent, de nombreuses scènes de genre picaresques de la vie de rue – ainsi que des scènes de cuisine appelées bodegones – ont été peintes par les artistes du Siècle d’or espagnol, notamment Velázquez (1599-1660 ) et Murillo (1617-82). Plus d’un siècle plus tard, l’artiste espagnol Francisco de Goya (1746-1828) a utilisé des scènes de genre dans la peinture et l’estampe pour méditer un sombre commentaire sur la condition humaine. His The Disasters of War, une série de 82 épisodes de genre de la guerre de Peninsular, a pris l’art de genre à des sommets sans précédent d’expressivité.

Avec le déclin de la peinture religieuse et historique au 19ème siècle, les artistes ont de plus en plus trouvé leur sujet dans la vie autour d’eux. Des réalisateurs tels que Gustave Courbet (1819-1877) bouleversent les attentes en dépeignant des scènes quotidiennes dans d’immenses toiles – à l’échelle traditionnellement réservée aux sujets «importants» – brouillant ainsi la frontière qui sépare la peinture de genre en catégorie «mineure». La peinture d’histoire elle-même est passée de la représentation exclusive d’événements de grande importance publique à la représentation de scènes de genre à l’époque historique, à la fois des moments privés de grandes figures et de la vie quotidienne des gens ordinaires. Dans l’art français, c’était le style Troubador. Cette tendance, déjà évidente en 1817 quand Ingres peint Henri IV jouant avec ses enfants, culmine dans l’art des pompiers d’académiciens français tels que Jean-Léon Gérôme (1824-1904) et Jean-Louis-Ernest Meissonier (1815-91). Dans la seconde moitié du siècle, l’intérêt pour les scènes de genre, souvent dans des contextes historiques ou avec un commentaire social ou moral pointu, a considérablement augmenté en Europe.

William Powell Frith (1819-1909) était peut-être le peintre de genre anglais le plus célèbre de l’époque victorienne, peignant de grandes scènes extrêmement bondées; l’expansion de la taille et de l’ambition dans la peinture de genre du 19ème siècle était une tendance commune. D’autres peintres de genre anglais du 19ème siècle incluent Augustus Leopold Egg, George Elgar Hicks, William Holman Hunt et John Everett Millais. L’Ecosse a produit deux peintres influents de genre, David Allan (1744-1796) et Sir David Wilkie (1785-1841). Le Saturday Night de Cottar (1837) de Wilkie a inspiré une œuvre majeure du peintre français Gustave Courbet, After Dinner at Ornans (1849). Les célèbres peintres réalistes russes comme Pavel Fedotov, Vasily Perov et Ilya Repin ont également produit des peintures de genre.

Allemagne
En Allemagne, Carl Spitzweg (1808-1885) se spécialise dans les scènes de genre doucement humoristiques et, en Italie, Gerolamo Induno (1825-1890) peint des scènes de la vie militaire. Par la suite, les impressionnistes, ainsi que des artistes du XXe siècle tels que Pierre Bonnard, Itshak Holtz, Edward Hopper et David Park ont ​​peint des scènes de la vie quotidienne. Mais dans le contexte de l’art moderne, le terme «peinture de genre» a été associé principalement à la peinture d’une nature particulièrement anecdotique ou sentimentale, peinte dans une technique traditionnellement réaliste.

Le premier véritable peintre de genre aux États-Unis a été l’immigrant allemand John Lewis Krimmel, qui, en apprenant de Wilkie et Hogarth, a produit des scènes de vie doucement humoristiques à Philadelphie de 1812 à 1821. George Caleb Bingham, William Sidney Mount et Eastman Johnson sont d’autres peintres de genre remarquables des États-Unis. Harry Roseland se concentrait sur des scènes de pauvres Afro-Américains dans la Guerre civile sud-américaine, et John Rogers (1829-1904) était un sculpteur dont les petites œuvres de genre, produites en masse en plâtre moulé, étaient immensément populaires en Amérique. Les œuvres du peintre américain Ernie Barnes (1938-2009) et celles de l’illustrateur Norman Rockwell (1894-1978) pourraient illustrer un type plus moderne de peinture de genre.

Japon
Les estampes ukiyo-e japonaises sont riches en représentations de personnes à loisir et au travail, tout comme les peintures coréennes, en particulier celles créées au XVIIIe siècle.

XIXème siècle:
Malgré le monopole de l’aristocratie pour l’art, conservé au XIXème siècle, il est inlassablement démocratisé. Mais cette démocratisation a un caractère un peu différent de celui des Hollandais au XVIIe siècle, quand ils ont attiré des situations humoristiques prosaïques, quotidiennes et drôles (Jan Sten, Autoportrait avec sa femme sous houblon, Karel Fabricius, Sleeping Guard). Dans l’art du XIXème siècle. sortir des héros à part entière, des malades, des mendiants abandonnés, des estropiés, des esclaves, des prisonniers ou des prisonniers de guerre, des gens du bas social. Ils les ont ignorés pendant des siècles, ils n’ont pas remarqué l’art. Les prisonniers et les esclaves reviennent dans l’art du baroque, mais ils y sont traités comme un détail décoratif de la vie du monarque, signe de ses victoires, de sa gloire militaire, de sa capacité à vaincre.

Dans les peintures de maîtres du XIXème siècle. les dépossédés et les esclaves perdent leur décorativité, ils souffrent franchement, sans cacher leur confusion, leur douleur et leur nostalgie. Rien de décoratif, de la poésie dans la vie des tisserands hollandais, pêcheurs européens et américains, pauvres citadins du Japon, dans la vie des paysans des coins ours de France, de Russie ou du nord de l’Italie du XIXe siècle. Les problèmes sociaux non résolus explosent par un soulèvement, puis par une guerre de libération nationale, par une révolution. Une vague d’abolition de l’esclavage et du servage a balayé le monde – mais sans améliorer significativement le sort de millions de personnes.

Au XIXème siècle. le genre quotidien connaît un autre épanouissement dans différents pays, où les scènes de la vie quotidienne sont déjà représentées d’une manière très réaliste, extrêmement véridique, avec une part plus ou moins importante d’attitudes idéologiques. Parmi les artistes – partisans du genre domestique:

Une place particulière dans l’art du XIXème siècle. et les œuvres du Français François Millet, de l’Italien Giovanni Segantini, du Néerlandais Vincent van Gogh, de Winslow Homer (USA) ont pris l’Art de Genre. Et sans de vagues allusions et des symboles sombres, les images de ces maîtres deviennent un symbole de l’existence épuisante des représentants du peuple, de la vie rurale sévère en général, dont la véritable reproduction a rarement été osée par l’art du 19ème siècle entier à cause des positions dominantes de l’académisme, de l’art du salon, à cause du soutien officiel ferme de l’art bourgeois superficiel.

XX siècle
L’aggravation significative des problèmes sociaux et des contradictions dans toutes les sphères de la vie au XXe siècle, les guerres, les révolutions, le désengagement social, les mouvements de libération nationale, les révolutions industrielles et scientifiques, le développement explosif de la technologie, l’urbanisation. des gens, a donné l’impulsivité, l’instabilité. Manque extrême de spiritualité, confusion des gens avant les changements momentanés, danger des régimes politiques, déshumanisation de la science, incertitude de leur propre avenir. Il répond à ces changements et au genre quotidien dont les artistes entreprennent d’analyser et d’explorer tous les coins de la vie personnelle et sociale, ses défauts, les souffrances d’une personne ordinaire de la foule, sa solitude, ses espoirs, sa résistance, son empressement à se battre pour se protéger et protéger les enfants.

Les types:
Peinture de genre:
La peinture de genre, aussi appelée scène de genre ou petit genre, dépeint des aspects de la vie quotidienne en décrivant des gens ordinaires engagés dans des activités communes. Une définition commune d’une scène de genre est qu’elle montre des personnages à qui aucune identité ne peut être attachée individuellement ou collectivement – distinguant ainsi le petit genre des peintures d’histoire (aussi appelées grand genre) et des portraits. Une œuvre serait souvent considérée comme une œuvre de genre, même si l’on pouvait montrer que l’artiste avait utilisé une personne connue – un membre de sa famille, par exemple – comme modèle. Dans ce cas, cela dépendrait de savoir si l’œuvre était susceptible d’avoir été voulue par l’artiste pour être perçue comme un portrait – parfois une question subjective. Les représentations peuvent être réalistes, imaginées ou romantiques par l’artiste. En raison de leur sujet familier et souvent sentimental, les peintures de genre se sont souvent révélées populaires auprès de la bourgeoisie ou de la classe moyenne. Les thèmes de genre apparaissent dans presque toutes les traditions artistiques. Les décorations peintes dans les anciennes tombes égyptiennes représentent souvent des banquets, des loisirs et des scènes agraires, et Pline l’Ancien le mentionne comme un peintre de panneaux hellénistique de sujets «bas», tels que survivre en mosaïques et peintures murales provinciales à Pompéi: barbiers, étalages, ânes, comestibles et sujets similaires “. Les manuscrits enluminés médiévaux illustraient souvent des scènes de la vie quotidienne des paysans, en particulier dans les Labours des mois de la section calendrier des livres d’heures, le plus célèbre, Les Tres Riches Heures du Duc de Berry.

Photographie de genre:
Alors que la peinture de genre commença, au XVIIe siècle, avec des représentations européennes de la vie européenne, l’invention et le développement précoce de la photographie coïncidèrent avec l’ère la plus expansionniste et agressive de l’impérialisme européen du milieu à la fin du XIXe siècle. Les photographies, généralement réalisées à proximité d’expéditions militaires, scientifiques et commerciales, représentent souvent aussi les personnes d’autres cultures que les Européens ont rencontrées dans le monde entier.

Bien que les distinctions ne soient pas claires, les œuvres de genre doivent être distinguées des études ethnographiques, qui sont des représentations picturales résultant de l’observation directe et de l’étude descriptive de la culture et du mode de vie de certaines sociétés. et les sciences du comportement.

Le développement de la technologie photographique pour rendre les caméras portables et les expositions instantanées ont permis aux photographes de s’aventurer au-delà du studio pour suivre d’autres formes d’art dans la représentation de la vie quotidienne. Cette catégorie a fini par être connue sous le nom de photographie de rue.