Pintura de gênero

A pintura de gênero, também chamada de cena de gênero ou pequeno gênero, retrata aspectos da vida cotidiana, retratando pessoas comuns envolvidas em atividades comuns. Uma definição comum de uma cena de gênero é que mostra figuras a quem nenhuma identidade pode ser anexada individual ou coletivamente, distinguindo assim pequeno gênero de pinturas de história (também chamado de grande gênero) e retratos. Um trabalho seria muitas vezes considerado como um trabalho de gênero, mesmo que se pudesse demonstrar que o artista usara uma pessoa conhecida – um membro de sua família, digamos – como modelo. Neste caso, dependeria se o trabalho provavelmente teria sido pretendido pelo artista para ser percebido como um retrato – às vezes, uma questão subjetiva. As representações podem ser realistas, imaginadas ou romantizadas pelo artista. Por causa de seu assunto familiar e freqüentemente sentimental, as pinturas de gênero muitas vezes se mostraram populares entre a burguesia ou a classe média.

Os assuntos de gênero aparecem em muitas tradições da arte. As decorações pintadas em túmulos antigos egípcios retratam banquetes, recreações e cenas agrárias, e Peiraikos é mencionado por Plínio o Velho como um pintor de célebres célebres de temas “baixos”, como sobreviver em versões em mosaico e pinturas provinciais em Pompéia: ” lojas de barbeiros, barracas de calabres, jumentos, comestibles e assuntos similares “. Os manuscritos iluminados medievais freqüentemente ilustram cenas da vida camponesa cotidiana, especialmente nos Trabalhos dos Meses na seção de calendário de livros de horas, mais famosos do Très Riches Heures du Duc de Berry.

Uma distinção clara do retrato ou retrato de grupo nem sempre é possível. Enquanto esse ser humano, em sua maioria identificável, mostra, os personagens da pintura de gênero são anônimos e caracterizados pelo seu ambiente; O interior é muitas vezes em primeiro plano.

Às vezes, a transição para a pintura de paisagem é fluida, especialmente na época do romantismo. Na Espanha e na América Latina, a pintura de gênero do século 19 também é referida como costumbrismo.

Muitas cenas alegadas do dia-a-dia baseiam-se mais em peças de quadrinhos populares ou provérbios e são, portanto, muitas vezes – se não sempre – narrativas de caráter. Por exemplo, um pintor de gênero italiano, o napolitano Gaspare Traversi, criou suas imagens em paralelo com o desenvolvimento e o auge da ópera buffa napolitana em meados do século 18, quando a vida cotidiana do meio social inferior foi exposta ao ridículo ao expor situações. Isso enviou uma mensagem moral ao público. A maioria das imagens de gênero também tem uma relevância didática porque eles têm um forte conteúdo moral. A apresentação de comportamentos negativos deve desencorajar e incentivar um melhor comportamento e exemplos positivos devem dar ao espectador um incentivo para imitar. Claro, as imagens não podem ser negadas o valor visivelmente divertido. Devido às abordagens interpretativas instrutivas-moralizadoras inerentes às imagens, seus donos conseguiram enfatizar seus conhecimentos culturais. Os comissários para esse tipo de arte vieram, portanto, exclusivamente do meio burguês-secular.

Conteúdo:
Sua classificação na hierarquia de gêneros é bastante baixa, mas foi trazida a um ponto de perfeição no século XVII por Caravaggio e seus seguidores. É também um gênero muito popular nos países do norte da Europa. A pintura de gênero foi muito popular desde a segunda metade do século XIX até a década de 1930, destronando a pintura da história. Foi ensinado separadamente nas diferentes academias das belas artes européias.

Abordagens de pesquisa anteriores muitas vezes interpretaram as representações do chamado Eeuw Gouden como instantâneos da vida cotidiana, aos quais eles atribuíram o valor de um testemunho histórico-cultural. Desde a década de 1970, no entanto, foi cada vez mais possível decifrar o contexto iconográfico. Ficou claro que, embora as imagens de gênero exemplifiquem uma cena cotidiana, atrás da qual quase sempre está escondida uma declaração mais profunda. Conseqüentemente, eles estão no sentido da linguagem visual popular do barroco geralmente como alegorias, em parte com declarações ambíguas complexas, para entender.

Muitas cenas alegadas do dia-a-dia baseiam-se mais em peças de quadrinhos populares ou provérbios e são, portanto, muitas vezes – se não sempre – narrativas de caráter. Por exemplo, um pintor de gênero italiano, o napolitano Gaspare Traversi, criou suas imagens em paralelo com o desenvolvimento e o auge da ópera buffa napolitana em meados do século 18, quando a vida cotidiana do meio social inferior foi exposta ao ridículo ao expor situações. Isso enviou uma mensagem moral ao público. A maioria das imagens de gênero também tem uma relevância didática porque eles têm um forte conteúdo moral. A apresentação de comportamentos negativos deve desencorajar e incentivar um melhor comportamento e exemplos positivos devem dar ao espectador um incentivo para imitar. Claro, as imagens não podem ser negadas o valor visivelmente divertido. Devido às abordagens interpretativas instrutivas-moralizadoras inerentes às imagens, seus donos conseguiram enfatizar seus conhecimentos culturais. Os comissários para esse tipo de arte vieram, portanto, exclusivamente do meio burguês-secular.

Tradicionalmente, tem sido chamado de pequeno gênero em oposição ao grande gênero que era pintura de história. A representação artística das questões cotidianas é agora muito comum, mas era incomum no Renascimento e no Barroco, quando se supunha que a arte tinha um conteúdo intelectual e criativo que deveria recorrer a cultos e louvar personagens de categoria, das classes altas, ou nobres exemplos do passado histórico, religioso ou mitológico. Por esta razão, a pintura da história foi considerada o gênero superior e, por outro lado, representar os camponeses e outras populações modestas sem argumento ou pretexto moral era irreverente para os artistas intelectuais.

Na Grécia clássica, a tragédia foi mais valorizada, isto é, a representação de uma ação nobre executada por deuses ou heróis, do que a comédia, que foi entendida como a ação diária de pessoas vulgares. Nesse sentido, Aristóteles, em sua Poética, acaba dando prioridade à ficção poética, porque narra o que poderia acontecer, o que é possível, credível ou necessário, mais do que o que realmente aconteceu, que seria o campo do historiador. A partir do século XVII começou a valorizar mais a representação do que a arte clássica considerava “comédia”: o cotidiano, as histórias menores de pessoas comuns. Não coincidentemente, as representações de Hogarth de seus contemporâneos foram chamados por esta pintura de história em quadrinhos (“pintura com história cômica”).

O propósito deste tipo de pintura, de qualquer forma, pode suscitar dúvidas. Não se sabe com certeza se é uma representação simples da realidade com um propósito de mera distração, às vezes cômico, ou um propósito moralizante foi buscado através dos exemplos próximos ao espectador. As cenas de gênero barrocas, aparentemente diárias, muitas vezes podem ocultar temas alegóricos. Assim, as cenas de grupos de pessoas que se divertem e músicos embriagados permitem a representação iconográfica dos “cinco sentidos”. O significado oculto dessas cenas da vida diária instruiria assim um observador atento. Portanto, há duas maneiras de interpretar essas imagens: ou são uma iconografia enigmática que esconde um aspecto didático, ou é uma mera anedota de gênero para entretenimento do público burguês. Não há dúvida de que na pintura gênica do século XVIII, a intenção satírica ou moralizante estava presente em obras como Hogarth ou Greuze.

Embora no sul da Europa a pintura de gênero tenha sido feita a partir de Caravaggio, a verdade é que foi cultivada e apreciada principalmente nos países nórdicos. Os grandes comitentes (a nobreza, o clero) não estavam interessados ​​neste tipo de obras, normalmente de pequeno formato, que, por outro lado, tinha uma grande fortuna e difusão entre a burguesia, a classe média e os comerciantes, devido a seu tema familiar e muitas vezes sentimental. Eram pinturas que não exigiam um esforço especial ao avaliá-las, uma vez que não havia mensagens enigmáticas para desvendar através de símbolos, como era frequentemente o caso na pintura histórica. Não é por acaso, portanto, que os primeiros grandes pintores de cenas de gênero surgiram na Holanda, com um forte componente mercantil.

A cena do gênero é um tipo de trabalho artístico, principalmente pictórico, em que pessoas normais são representadas em cenas cotidianas, na rua ou na vida privada, contemporâneo com o autor. O que distingue a cena do gênero é que representa cenas da vida cotidiana, como mercados, interiores, festas, tabernas e ruas. Tais representações podem ser realistas, imaginárias ou embelezadas pelo artista. Algumas variações do termo “trabalho” ou “trabalho de gênero” especificam o meio ou tipo de trabalho visual como “pintura de gênero”, “folhas de gênero” ou “fotografias de gênero”. Em todas essas expressões, o termo “gênero” é usado em uma tradução algo forçada do “gênero” inglês. Em espanhol, o termo pintura costumbrista ou pintura aduaneira também foi usado.

História:
Às vezes, pode-se considerar que a pintura de gênero existiu desde a antiguidade, mesmo que seja connotada religiosamente. Alguns historiadores da arte consideram pinturas egípcias de trabalho de campo, banquetes, banquetes e assim por diante. como a pintura de gênero. Pliny the Elder cita Peiraikos como um pintor helenístico de assuntos “baixos”, enquanto eles sobrevivem em mosaicos e murais em Pompeia: “Cadeiras de sapateiros, salões de cabeleireiro, barracas, burros, comida e similares”. Nos vasos gregos ou etruscos podem-se às vezes encontrar cenas de mercado ou de caça semelhantes às cenas de gênero, como alguns mosaicos e pinturas romanas.

Com a Idade Média, que essencialmente produz uma arte com vocação religiosa, a cena do gênero é confinada às margens e as iniciais dos manuscritos. Os manuscritos iluminados medievais muitas vezes ilustram as cenas da vida camponesa diária, especialmente nas horas muito ricas do duque de Berry. Retorna apenas tímidamente em certos afrescos do trecento, como nas Alegórias do bom e mau governo de Lorenzetti, mas continuam apegados a um assunto moral ou religioso.

É com Van Eyck e os primitivos flamengos que a cena do gênero realmente parece renascer. O Arnolfini casado, além do retrato, apresenta personagens em um interior burguês, separado do mundo religioso, e pode ser considerado como a primeira cena de gênero. As outras composições de Van Eyck, agora perdidas, como uma senhora em seu banheiro, confirmam essa interpretação. É interessante notar que é na Flandres que esta prática realmente começa: especialmente as escolas do Norte, que colocará esse gênero em destaque.

O renascimento:
Com o declínio do envolvimento da religião na arte, a cena do gênero começa a se desenvolver a partir do Renascimento, especialmente na Flandres. O Peseur d’Or e sua esposa Quentin Matsys é um exemplo perfeito, embora, como a maior parte do tempo, deve ser lido simbolicamente. Hieronymus Bosch e Bruegel the Elder não hesitarão em explorar as cenas do gênero, para ilustrar provérbios e histórias (hoje muitas vezes perdidas) que dão uma sombra “secular” ao trabalho religioso.

Na Itália, como na França, este tema é muito menos bem recebido, apesar das mulheres freqüentes se banharem na escola de Fontainebleau, mas, mais frequentemente, relacionadas à pintura mitológica ou à pintura de história, mais do que a própria cena de gênero.

século 18:
Os Países Baixos dominaram o campo até o século 18, e no século 17, tanto a pintura barroca flamenga como a pintura holandesa da Era de Ouro produziram numerosos especialistas que pintaram cenas de gênero. No século anterior, o pintor do Renacimiento flamengo Jan Sanders van Hemessen pintou cenas inovadoras de gêneros em larga escala, às vezes incluindo um tema moral ou uma cena religiosa ao fundo na primeira metade do século XVI. Estes faziam parte de um padrão de “inversão manierista” na pintura de Antuérpia, dando elementos “baixos” anteriormente no fundo decorativo das imagens em destaque. Joachim Patinir expandiu suas paisagens, tornando as figuras um pequeno elemento, e Pieter Aertsen pintou obras dominadas por spreads de still life e figuras de gênero de cozinheiros ou vendedores de mercado, com pequenas cenas religiosas em espaços ao fundo. Pieter Brueghel, o Elder fez camponeses e suas atividades, tratadas de forma muito naturalista, o tema de muitas de suas pinturas, e a pintura de gênero era florescer no norte da Europa na esteira de Brueghel.

Adriaen e Isaac van Ostade, Jan Steen, Adriaan Brouwer, David Teniers, Aelbert Cuyp, Johannes Vermeer e Pieter de Hooch estavam entre os muitos pintores especializados em temas de gênero nos Países Baixos durante o século XVII. A escala geralmente pequena das pinturas desses artistas era apropriada para sua exibição nas casas de compradores da classe média. Muitas vezes, o tema de uma pintura de gênero foi baseado em um emblema popular de um livro de Emblema. Isso pode dar à pintura um duplo significado, como em Gabriel Metsu’s The Poultry seller, 1662, mostrando um homem velho que oferece um galo em uma pose simbólica que é baseada em uma gravura obscena de Gillis van Breen (1595-1622), com a mesma cena. A empresa alegre mostrou um grupo de figuras em uma festa, seja fazendo música em casa ou apenas bebendo em uma taberna. Outros tipos comuns de cenas mostraram mercados ou feiras, festividades de aldeia (“kermesse”), ou soldados no campo.

Na Itália, uma “escola” de pintura de gênero foi estimulada pela chegada em Roma do pintor holandês Pieter van Laer em 1625. Ele adquiriu o apelido de “Il Bamboccio” e seus seguidores foram chamados Bamboccianti, cujas obras inspirariam Giacomo Ceruti, Antonio Cifrondi e Giuseppe Maria Crespi entre muitos outros.

Louis le Nain era um importante exponente da pintura de gênero na França do século XVII, pintando grupos de camponeses em casa, onde o século 18 trazria um maior interesse na representação da vida cotidiana, seja através das pinturas romanticias de Watteau e Fragonard, ou o curioso realismo de Chardin. Jean-Baptiste Greuze (1725-1805) e outros pintaram grupos detalhados e bastante sentimentais ou retratos individuais de camponeses que seriam influentes na pintura do século XIX.

Na Inglaterra, William Hogarth (1697-1764) transmitiu comédia, crítica social e lições morais através de telas que contavam histórias de pessoas comuns de detalhes narrativos (auxiliados por longos subtítulos), muitas vezes em forma serial, como no A Rake’s Progress , primeiro pintado em 1732-33, depois gravado e publicado em forma impressa em 1735.

A Espanha tinha uma tradição anterior ao Livro do Bom Amor de observação social e comentário baseado na antiga tradição latina romana, praticada por muitos de seus pintores e iluminadores. No auge do Império espanhol e no início de seu declínio lento, muitas cenas de gênero picaresca da vida de rua – bem como as cenas de cozinha conhecidas como bodegonas – foram pintadas pelos artistas da Era de Ouro Espanhola, notavelmente Velázquez (1599-1660 ) e Murillo (1617-82). Mais de um século depois, o artista espanhol Francisco de Goya (1746-1828) usou cenas de gênero na pintura e gravura como um meio para comentários escuros sobre a condição humana. His The Disasters of War, uma série de 82 incidentes de gênero da Guerra Peninsular, levou a arte de gênero a alturas de expressividade sem precedentes.

século 19:
No século XIX, a expressão “pintura de gênero” substituiu por abreviatura as expressões “pintura de gênero vulgar”, “gênero baixo”, “gênero menor”, que designou obras que representam cenas de vida cotidiana ou íntima, oposição a “pinturas de gêneros históricos”. Cenas da Bíblia poderiam ser tomadas para cenas de gênero por ignorância do assunto. Os bambus eram chamados de pinturas vulgares de camponeses ou cenas de pousadas. Na Itália do século XIX, os maiores expoentes da pintura de gênero são Antonio Rotta e Vincenzo Petrocelli.

Com o declínio da pintura religiosa e histórica no século 19, os artistas encontraram cada vez mais seu assunto na vida ao seu redor. Realistas como Gustave Courbet (1819-77) perturbaram as expectativas ao descrever as cenas do cotidiano em pinturas enormes – na escala tradicionalmente reservada para assuntos “importantes” – desfocando a fronteira que separou a categoria de gênero como categoria “menor”. A pintura da história mudou-se da representação exclusiva de eventos de grande importância pública para a representação de cenas de gênero nos tempos históricos, tanto os momentos privados das grandes figuras como a vida cotidiana das pessoas comuns. Na arte francesa, isso era conhecido como o estilo Troubador. Esta tendência, já aparente em 1817, quando Ingres pintou Henri IV Playing with His Children, culminou com a arte pompística de acadêmicos franceses como Jean-Léon Gérôme (1824-1904) e Jean-Louis-Ernest Meissonier (1815-91). Na segunda metade do século, o interesse em cenas de gênero, muitas vezes em contextos históricos ou com comentários políticos ou morais, aumentou consideravelmente em toda a Europa.

William Powell Frith (1819-1909) foi talvez o pintor de gênero inglês mais famoso da era vitoriana, pintando cenas grandes e extremamente lotadas; A expansão em tamanho e ambição na pintura de gênero do século XIX foi uma tendência comum. Outros pintores de gênero ingleses do século XIX incluem Augustus Leopold Egg, George Elgar Hicks, William Holman Hunt e John Everett Millais. Escócia produziu dois pintores influentes de gênero, David Allan (1744-96) e Sir David Wilkie (1785-1841). A Noite de sábado de Cotch, de Wilkie (1837), inspirou uma obra importante do pintor francês Gustave Courbet, After Dinner at Ornans (1849). Os famosos pintores realistas russos como Vasily Perov e Ilya Repin também produziram pinturas de gênero.

Na Alemanha, Carl Spitzweg (1808-85) se especializou em cenas de gênero gentilmente humorísticas e, na Itália, Gerolamo Induno (1825-90) pintou cenas de vida militar. Posteriormente, os impressionistas, bem como artistas do século 20 como Pierre Bonnard, Itshak Holtz, Edward Hopper e David Park pintaram cenas do cotidiano. Mas, no contexto da arte moderna, o termo “pintura de gênero” passou a ser associado principalmente à pintura de uma natureza especialmente anedótica ou sentimental, pintada em uma técnica tradicionalmente realista.

O primeiro verdadeiro pintor de gênero nos Estados Unidos foi o imigrante alemão John Lewis Krimmel, que aprendendo com Wilkie e Hogarth, produziu cenas de vida gentilmente divertidas na Filadélfia de 1812-21. Outros pintores notáveis ​​do gênero do século XIX dos Estados Unidos incluem George Caleb Bingham, William Sidney Mount e Eastman Johnson. Harry Roseland centrou-se em cenas de afro-americanos pobres na Guerra Civil da América pós-americana, e John Rogers (1829-1904) era um escultor cujo pequeno gênero funciona, produzido em massa em gesso, eram imensamente populares na América. As obras do pintor americano Ernie Barnes (1938-2009) e as do ilustrador Norman Rockwell (1894-1978) poderiam exemplificar um tipo mais moderno de pintura de gênero.

Realismo social:
Na primeira metade do século XIX (Biedermeier), a imagem de gênero revive como uma “imagem de tendência social” novamente, especialmente pela Escola de Pintura de Düsseldorf, especialmente em conexão com uma volta mais forte ao realismo, como Johann Peter Hasenclever. Depois de 1848, representou na Alemanha artistas como Ludwig Knaus, Benjamin Vautier ou Franz von Defregger, uma pintura de gênero, relacionada à corrente literária do Realismo Civil. A pintura de gênero dessas décadas pode ser considerada pioneira nos movimentos de arte moderna, como o impressionismo. Um número cada vez maior de compradores interessados ​​na arte, especialmente de famílias de classe média, cumpriram o desejo de sua própria arte na parede. Em particular, a vida camponesa rural, que se tornou moda no decorrer da crescente atividade de viagem, também foi apresentada em formatos de tamanho médio nos EUA. Em metrópoles de arte como Berlim, Dusseldorf e Munique, grande número de pintores de toda a Europa reuniram-se para ganhar a vida com a pintura de gênero. Entre os pintores de gênero mais conhecidos, cujos trabalhos também encontraram caminho para revistas mensais, eram representantes da Escola de Munique, como Franz Defregger, Rudolf Epp, Nikolaus Gysis, Hermann von Kaulbach.

século 20:
Posteriormente, impressionistas e artistas do século vinte como Vincenzo Petrocelli, Pierre Bonnard, Edward Hopper ou David Park pintaram cenas do cotidiano. No entanto, no contexto da arte moderna, o termo “pintura de gênero” passou a ser relacionado principalmente à pintura de uma natureza que é especialmente sentimental ou anedótica, pintada em uma técnica tradicionalmente realista. As obras do pintor americano Ernie Barnes e as do ilustrador Norman Rockwell podem exemplificar um tipo moderno de pintura de gênero.